RAINY DAY MUSIC

Josh T. Pearson- Last of the Country Gentlemen (2011)

2012-01-28T20:18:00.001+01:00

Comencé el 2012 de la misma manera en que lo terminé: sin internet. Tras unas cuantas semanas, que sirvieron para poner a prueba mis nervios, conseguí que me restituyesen la conexión, para ello fueron necesarios más de quince días de mentiras y de mareantes conversaciones telefónicas que me hicieron sentir realmente desprotegido y vulnerable ante las compañías de telecomunicaciones de este país. Tras este dantesco episodio, propio de esta España de charanga y pandereta que nos ha tocado vivir, el FBI cierra Megaupload, y con él se van la práctica totalidad de los enlaces que tenía alojados en este blog. Días más tarde fallece Etta James (de lo de Fraga ni hablamos ¿no?), carismática leyenda de la música negra a quien en su día le abrimos de par en par las puertas de Rainy Day Music. ¿Y ahora también os reís de la profecía maya? Os pregunto, parafraseando a un twittero que recientemente ironizaba sobre la caída de Megaupload. Nuestros rutilantes y recién estrenados mandatarios nos auguran para este año que acaba de comenzar un panorama desolador; es curioso cómo quienes no pronosticaron la crisis en su día son capaces ahora de predecir los movimientos económicos de los próximos dos, e incluso tres, años. Y por cierto, siguen cerrando blogs amigos, el último en caer ha sido Bienvenidos a la Monga, una bitácora musical de lo más ecléctico capitaneada con todo el mimo y el cariño del mundo por unos magníficos compañeros, a los que les envío toda mi fuerza y mis mejores deseos en forma de fuerte abrazo, ánimo. Visto este panorama (y mejor no os hablo de mi mudanza ni de mis accidentes domésticos...) todo parece indicar que nos hallamos ante un año bastante antipático, pero yo no soy adivino, como nuestros queridos políticos, y desconozco las alegrías y las penas que me reserva este 2012 que aún huele a cava y mazapán. Mi propósito, un año más, es ser feliz, lo cual os deseo de todo corazón a quienes visitáis esta humilde bitácora, una empresa complicada dados los tiempos que corren y el altísimo precio al que cotiza la felicidad; un bien escaso, cuyas mieles no son suficientes para alimentar a gran parte de la población. Nos queda por lo tanto ser felices con los pequeños detalles, con los gestos que muchas veces pasan desapercibidos: sonrisas, abrazos y besos que si bien no nos ayudan a llegar a fin de mes sí que contribuyen a hacer más placentero nuestro breve paseo por este mundo. Y nos queda, como siempre, la música, esa vieja compañera que lleva dibujándonos sonrisas desde tiempos inmemorables, un arma que potencia nuestra imaginación, nuestros sueños, que alimenta nuestra alma; un bien intangible al que jamás podrán poner nota ni Standard and Poor's ni Fitch. De eso precisamente es de lo que hablamos aquí en Rainy Day Music, de música, de sueños, de sentimientos, y lo hacemos por puro placer, por una necesidad que nos empuja a compartir con los demás aquello que nos emociona. No sé si este blog será el próximo en caer, ya os comenté en el anterior post que últimamente ando obsesionado con esa idea, pero lo que está claro es que nadie nos hará sentir como unos delincuentes por dedicar nuestro tiempo, e incluso nuestro propio dinero, a aquello que más amamos. Se avecinan tiempos difíciles, de eso no me cabe la menor duda, y lo mejor que podemos hacer es esperarlos con una sonrisa en los labios y escuchando un buen disco, reivindicando nuestro derecho a ser felices; ése que nos quieren arrebatar con sus políticas basadas en el miedo y en la coacción. Este 2012 quiero abrir fuego con un disco difícil, muy difícil, un trabajo que no deja a nadie indiferente, un ejercicio de exorcismo sentimental, uno de los discos más crudos y melancólicos de cuantos se han grabado jamás, hiel hecha poesía. Amigos "pluviófilos", dad la bienvenida a uno de los trabajos más desasosegantemente bellos de todos los tiempos, un clásico instantáneo no exento de controversia, "Last of the Country Gentlemen" del inclasificable Josh T. Pearson. Os guste o no, no olvidéis sonreir.

A Josh T. Pearson se le conocía en el circuito musical por ser componente de la banda Lift to Experience, una formación de culto, atípica, como todo lo que hace este texano, que se formó en 1996 y que sólo grabó un EP, un single y un doble LP que ha acabado convirtiéndose en objeto de culto, "The Texas-Jerusalem Crossroads". En 2001 la banda se separa y nuestro atormentado trovador comienza a girar en solitario, es el pistoletazo de salida a una carrera de fondo, una década en la que sólo verán la luz una grabación oficial en directo titulada "To Hull and Back", y un tema que figurará en una de las caras de un single compartido con la banda australiana Dirty Three, se trata de una versión del clásico de Hank Williams "I'm so Lonesome I Could Cry"; el único tema que grabaría en un estudio en 10 años. Josh se lo toma con calma a la hora de grabar, pero no para de tocar y de colaborar con otras formaciones, es el caso de Bat for Lashes, en cuyo debut figura en dos temas en el apartado vocal, o My Bloody Valentine, a quienes acompañará durante el tour de refundación de la banda en 2009. Más tarde se desplazará a París, donde tocará en un nightclub junto a otros músicos, finalmente abandonará la Ciudad de la luz para instalarse en Berlín, donde en un doloroso parto dará forma a su puesta de largo discográfica: "Last of the Country Gentlemen", editado por Mute Records en 2011. Grabado durante dos noches, el disco se compone de siete temas (ocho en la rodaja vinílica de este artefacto) , de los cuales cuatro superan los 10 minutos de duración, la estructura no puede ser más simple: voz y guitarra, sin artificios, sin trampa ni cartón.

No sé hasta qué punto se puede hablar de "Last of the Country Gentlemen" como un album conceptual, ya que todo en él gira en torno a la ruptura matrimonial de Josh T. Pearson. Un naufragio emocional que dejaría abatido a nuestro vaquero barbudo, que decidiría exorcizar todos sus demonios de la única manera en que sabe hacerlo, componiendo canciones. Pearson se decidió a grabar el disco tras un largo período de observación, durante el cual fue percatándose del efecto que estas canciones causaban en el público cada vez que las interprtetaba en sus directos, la gente se quedaba conmocionada, lo que le llevó a la conclusión de que existía una identificación por parte de la audiencia con sus historias de desamor y de dolor; quien más, quien menos, ha pasado por algo semejante, y si no es así que se considere afortunado. Si hay un adjetivo que defina a la perfección el debut en solitario de Josh T. Pearson ese es doloroso, el propio músico ha contado en más de una ocasión el penoso estado en que se encontraba tras grabar cada una de las dos sesiones en que se estructuró el album, su sufrimiento fue tal que al regresar a París estuvo seis meses sin apenas salir de la cama. A día de hoy Pearson no es capaz de escuchar su propio disco, al menos no por placer, y la carga emocional que implica interpretar sus canciones en directo le resulta prácticamente insoportable. El precio que ha pagado el cantante texano al modelar una obra como "Last of the Country Gentlemen" es altísimo, no sólo en lo personal sino también en lo comercial, casi podríamos hablar de un disco que se autocondena al ostracismo, un disco lleno de aristas e incómodo por su honestidad, un disco que difícilmente sonará en alguna emisora de radio. La búsqueda de la perfección linda con la obsesión en el caso de Pearson, ya dejó muestras de ello con Lift to Experience, cuyo LP rehizo hasta la saciedad, tomándose cinco años de tiempo hasta decidir que estaba perfectamente pulido. Esa misma obsesión le ha acompañado en su debut como solista, cuyas canciones ha madurado durante años antes de tomar la decisión de encerrarse en un estudio. Para entender la música de Josh T. Pearson es necesario conocer su relación con Dios, una relación muy pronunciada y presente en las letras de sus canciones, aunque no exenta de sus particulares crisis. El padre de Pearson era predicador, una circunstancia que marcó profundamente su infancia, una niñez estricta, alejada del mundo lúdico y relajado de otros menores. Su vida ha estado muy ligada a la fe, pero no entendida como un cristiano militante o fundamentalista sino más bien como un instrumento de salvación, una fe que le ayuda a ser mejor persona y que tira fuerte de sus brazos cuando está a punto de ahogarse en los pozos más profundos. Por ello cada uno de los cortes de "Last of the Country Gentlemen" puede interpretarse como un salmo, cánticos que cabalgan entre la amargura y el dolor pero sin cerrar la puerta a la esperanza, dejando una pequeña rendija para que entre un haz de luz capaz de mantenernos vivos.

"Don't cry for me baby, you'll learn to live without me, don't cry for me baby, i'll learn to live without you", así se abre el disco, con "Thou Art Loosed"; se puede decir más alto, pero no más claro. El nylon de la guitarra de Pearson entona su nana y respira trazando ritmos elípticos e hipnóticos, esa va a ser la tónica habitual de "Last of the Country Gentlemen", la voz desgarrada de barítono con vegetaciones del texano y la sola compañía de su guitarra, la verdad más absoluta de cuantas se pueden cantar. La técnica de Pearson se mueve entre el caos y el virtuosismo, hasta el punto de que uno no sabe si está improvisando cada nota o si por el contrario nos hallamos ante un innovador de la rítmica y de la métrica. Si no se te eriza el vello con "Sweetheart I Ain't Your Christ" es que tienes un verdadero problema, eso o te han cambiado el corazón por una piedra pómez. Droga dura, eso es el segundo corte del LP, casi 12 minutos de poesía escrita e interpretada desde las cañerías del alma, aquellas a las que no llega ningún producto de limpieza. Ver girar el disco y disfrutar de los silencios de esta cancion es un lujo, silencios plenos de contenido, segundos robados al tiempo que se integran perfectamente en la canción. La autoflagelación de Pearson es cíclica, y le lleva a volver al punto de partida, a repetir la letra como un mantra, así hasta quedar satisfecho o tal vez exhausto ante tanto dolor. La desnudez de Pearson es absoluta, tan sincera que a veces resulta intimidatoria, el artista y la persona quedan expuestos con una honestidad brutal; eso es lo que hace tan difícil para el músico interpretar sus canciones en directo, porque se siente tremendamente vulnerable. Si hay un tema que refleje esta circunstancia ese es "Woman when I've Raised Hell", una canción dura, un enfrentamiento cara a cara con las miserias que todos nos empeñamos en esconder bajo la alfombra. Un ejemplo: "Honestly, why can't you just let it be, and let me quietly drink myself to sleep. I said honestly, it's not what it appears to be but only memories that ain't got shit to do without you"; ahora desempolvad el viejo Collins e intentad digerir este puñetazo en el estómago. Un sutil acompañamiento de cuerdas pone el contrapunto delicado y exquisito a este tercer corte del disco. Las cuerdas aparecen de nuevo en el siguiente tema, "Honeymoon's Great, Wish You Were Her", 13 minutazos de épica acústica, 780 segundos de descarnada lírica, una de las canciones más conmovedoras, melancólicas y crudas de todos los tiempos, sí, habéis leído bien, de todos los tiempos. "Hell knows what any of this means, Heaven knows a man can’t control his dreams God knows I ain’t no Christ and Christ knows I’d never dream of harmin’ my wife And yeah the honeymoon’s great, but I wish that she were her"; ahí lo tenéis: el sentimiento de culpa judeocristiano. Una auténtica crisis de pareja y de identidad que perfectamente habría firmado el mismísimo Raymond Carver, pero lamentablemente para el bueno de Josh esto no es ficción, es su vida y está volando en pedazos. Sin duda, estamos ante uno de los momentos álgidos del disco, llanto contenido capeado por un magnífico acompañamiento de cuerdas y por los silencios, otra vez los silencios. "Sorry with a Song" es otro de los platos fuertes confesionales del album, un mea culpa sin adulterar, Josh se sincera sin esconderse, sin caer en tópicos ni en clichés románticos, aceptando sus errores sin autocompasión, sin escatirmar un gramo de crudeza. Guitarra y voz, nada más, y nada menos. Una voz que por momentos se apaga, un aliento que se empapa de lágrimas, una guitarra que es capaz de emocionarnos con su ritmo asincopado y su desordenado lamento. "Country Dumb" es el sexto tema del disco, es posible que a estas alturas algunos ya hayan abandonado, pero estoy seguro de que quienes no hayáis arrojado la toalla estaréis ante una de las experiencias más impactantes (musicalmente hablando, se entiende) de vuestras vidas. Podríamos decir que este sexto corte es uno de los temas más accesibles del LP, una canción que vuelve a apostar por unas cuerdas que la arropan y la miman, confiriéndole la forma de una preciosa nana, de más de 10 minutos de duración, capaz de emocionarnos. "Last of the Country Gentlemen" está incluída en la edición en vinilo del LP, que viene acompañada además de una copia en CD del album, cuenta de nuevo con las cuerdas de Warren Ellis (miembro de Dirty Three, Nick Cave and the Bad Seeds y Grinderman) y muestra a un Pearson susurrante, antesala del mántrico punto y final que supone "Drive Her Out", en la que el atormentado texano suplica una y otra vez, a algo o a alguien, que le ayude a sacarse de la mente a esa mujer que le está arrancando la vida. Es el único tema del disco en el que se pueden oír coros y un piano, el fin de fiesta perfecto a este despliegue de emociones y dolor que es "Last of the Country Gentlemen".

Supongo que habréis llegado a este parrafo final exhaustos, no es para menos, hoy os he servido una buena ración de droga dura, acompañada de un texto denso y extenso; si todavía estáis ahí sólo me queda felicitaros y daros las gracias. Como premio, si es que queréis más, os dejo una amplia selección de enlaces y unos videos. Además de las webs oficiales de Josh T. Pearson (visitad la web oficial del cantante para encontrar las letras de las canciones; indispensable para disfrutar del disco), os recomiendo la reseña y la entrevista que le hicieron en Rock de Lux, junto con el interesante artículo que le dedicó El País, y además, para los que amáis la lengua de Shakespeare, también os he dejado un link a la reseña que se hace del disco en la web de la BBC. Especialmente interesante es el post que le dedicó a este disco mi buen amigo Chals, habitual de estos pagos y bloguero de pro, que se adelantó a su tiempo ponderando las virtudes de este disco nada más salir a la calle; enhorabuena por tu entrada, compañero; y a vosotros, os recomiendo encarecidamente que visitéis la Route de Chals, un blog imprescindible. Cerramos los enlaces con la sesión que el hirsuto texano grabó para Daytrotter, muy recomendable. En cuanto a los videos, encontraréis a Josh interpretando "Woman When I've Raised Hell" en una sesíon para una radio de Dijon , acompañado del pianista Dustin O'Halloran, Pearson raya la perfección cantando "Country Dumb", y por último, un tercer video muestra la sesión que el músico grabó para la Blogothèque, una de las mejores de la serie Concerts à emporter, en la que todo parece detenerse al paso del inquietante y conmnovedor Josh T. Pearson. Espero que os guste.

JOSH T. PEARSON- LAST OF THE COUNTRY GENTLEMEN

WEB OFICIAL DE JOSH T. PEARSON

MYSPACE DE JOSH T. PEARSON

JOSH T. PEARSON EN LA WEB DE MUTE RECORDS

RESEÑA DE LAST OF THE COUNTRY GENTLEMEN EN ROCK DE LUX

RESEÑA DE LAST OF THE COUNTRY GENTLEMEN EN LA WEB DE LA BBC

ARTÍCULO SOBRE JOSH T. PEARSON EN EL PAÍS

ENTREVISTA A JOSH T. PEARSON EN ROCK DE LUX

POST DEDICADO A JOSH T. PEARSON EN ROUTE AMERICANA

JOSH T. PEARSON EN DAYTROTTER SESSIONS

Sin conexión

2012-01-03T18:43:00.000+01:00

Sí amigos, creo que el título de esta entrada es bastante explícito, me he quedado sin acceso a internet. Más bien debería decir que me han dejado sin acceso a internet, pero entonces tendría que dedicar todo este post a despotricar sobre cierta operadora de telefonía, la cual ha obrado un verdadero milagro de la incompetencia, consiguiendo dejarme como a los buenos trapecistas: sin red. Podría hablar durante horas acerca de un episodio propio del tocomocho y del surrealismo tan propio de nuestro querido país de pícaros; un país que consiente que sus ciudadanos tengan la conexión a internet más precaria y cara de toda Europa. Un guión de serie Z protagonizado por vampiresas telefónicas capaces de engañar a cualquiera con sus malas artes, una película cutre con un giro inesperado en el que he acabado descubriendo que otra persona figura en una base de datos con mi DNI, como si de un agente doble se tratara. Como os decía, podría dedicar esta entrada a relatar mis desventuras, pero acabaría enfadándome, cosa que no deseo. Simplemente escribo estas líneas desde mi retiro laboral para que sepáis que estoy aquí, que no me he ido y que pienso resistir. Me hubiese encantado actualizar el blog, pero entre la inminente mudanza y la falta de conexión me ha sido imposible. Parece que los elementos se alineen en mi contra para impedirme mantener un ritmo estable de publicación. Hace un tiempo anuncié a bombo y platillo unos cambios que apenas se han dejado notar, y el ritmo de actualización de esta bitácora sigue siendo realmente bajo. Está claro que el designio de Rainy Day Music es la anarquía más absoluta, aquella que me lleva a publicar una entrada de ciento a viento y a hablar de lo que me viene en gana; en el fondo no está tan mal. Mi propósito de año nuevo es actualizar más a menudo el blog pero, como quienes prometen adelgazar, dejar de fumar o aprender inglés, no creo que tenga éxito en mi empresa y perderé mis buenas voluntades por el camino. Quiero aprovechar este extraño post para agradeceros vuestra fidelidad, es un lujo contar con visitantes como vosotros, capaces de disculpar mi pereza y mi absoluta falta de criterio, una vez más, gracias. Se avecina un mes complicado con un traslado de domicilio de por medio, supongo que más de uno habéis pasado por ese trance y sabéis lo que significa; sólo de pensar en mis discos embalados en roñosas cajas de cartón me tiemblan las canillas. Supongo que voy a estar fuera de la circulación cibernética una temporada, sobre todo tras el desagradable incidente que os contaba en las primeras líneas de este post. Haré todo lo posible por que la espera no sea muy larga

¿Os acordáis de cómo eran nuestras vidas sin internet? Yo creo que en el fondo eran más bonitas, más inocentes y más plácidas. Ahora todo va tan deprisa y es tanta la información que nos rodea que en ocasiones nos genera un tremendo desasosiego. A veces me siento como Crumb o como Monsieur Hulot, totalmente escéptico ante tanta cacharrería y tanto avance tecnológico, yo también añoro aquellos tiempos no muy lejanos en los que lo único digital eran los relojes y las calculadoras (o una estrambótica combinación de ambos). Si he de seros sincero no he echado mucho de menos a la red de redes, pensaba que mi síndrome de abstinencia iba a ser mayor; aunque tal vez tenga mucho que ver con el ajetreo y el cansancio que está causándonos la mudanza. Además últimamente ando convencido de que me van a chapar el blog, no sé por qué pero creo que voy a ser el próximo, lo cual me genera cierta ansiedad, ya que perdería el contacto con alguno de vosotros y, lo peor de todo, todos los textos de esta bitácora pasarían a mejor vida. Y es que en los últimos meses he visto caer a varios compañeros, lo que hace inevitable sentir el aliento de la (in)justicia en tu nuca. Si algún día desaparezco, me podéis localizar en la dirección de correo electrónico que aparece en la cabecera de este blog; si ésto ocurre habrá sido un placer conoceros. En cualquier caso, Rainy Day Music va a permanecer abierto un nuevo año, luchando contra viento y marea con la proverbial vagancia de su único administrador y su irrefrenable tendencia a enrollarse. Sed bienvenidos a una nueva temporada de lluvia. Mis mejores deseos para este 2012: ¡Feliz fin del mundo!

Charles Bradley- No Time for Dreaming (2011)

2011-12-09T11:52:00.001+01:00

Mi intención era saltarme a la torera la jornada de reflexión y publicar esta entrada el sábado 19 de noviembre del presente 2011, lamentablemente, un fuerte catarro infantil y una mudanza en ciernes me lo impidieron. Pensaba redactar un post incendiario, sin mayores pretensiones que exorcizar mi rabia ante la situación que nos atenaza. Cosas que pasan, todo se quedó en el tintero y en menos de 24 horas, lo que le cuesta a la gente depositar su voto en las urnas, sentí que toda la fuerza de este post se había evaporado. Un abrumador número de ciudadanos, una mayoría inapelable, ha dado su confianza a un partido político concreto que prometió en su día tener la receta para salir de la crisis (receta que a día de hoy siguen guardando en secreto, como la fórmula de la Coca-Cola) y que tras obtener la victoria electoral, asustado ante semejante éxito, no tardó en advertir a sus votantes que no esperasen milagros. Pienso que este país, y por extensión el mundo en el que vivimos, está dejando pasar una oportunidad irrepetible para cambiar las reglas del juego democrático. No soy de los que hacen una lectura funesta y pesimista de la crisis, sino más bien de los que creen firmemente que cuando un sistema hace aguas se abre un horizonte de esperanza para enmendar los errores que provocaron su hundimiento. Todo ello pasa por una serie de exigencias que no están ligadas a ningún credo político, sino a un sistema de conducta que apuesta por unos derechos elementales que apelan a la ética y la moral más básica. No hablo de utopías ni de regímemes radicales, ni siquiera de revoluciones, simplemente bastaría con sanear nuestra maltrecha democracia, un sistema que ha quedado irreconocible y que se mueve a merced de los mercados financieros, ignorando al ciudadano, base de todo este tinglado, y que ha quedado relegado al papel de mero elector sin opción a réplica. Por supuesto, tampoco estaría de más que quienes han contribuído a la gestación y posterior expansión de esta crisis asumiesen responsabilidades, quedando expuestos, si fuere menester, a la acción de la justicia. Todo esto y mucho más, amigos, pienso que podría haberse cambiado, o al menos haberlo intentado, pero la mayor parte de quienes acudieron a votar el 20 de noviembre no lo quisieron así. No debemos sorprendernos ya que las encuestas electorales vaticinaban este resultado, tampoco seré yo quien, convencido de poseer la verdad absoluta, acuse a nadie de haberse equivocado. Pero no puedo evitar que me invada cierta decepción, un sentimiento de hastío y de frustración que me aleja cada vez más del sistema político que se nos impone y que todos asumimos como dogma de fe. Hay vida más allá del capitalismo voraz que nos ha conducido a este callejón sin salida, vida más allá de una democracia desnortada que ha perdido cualquier rastro de su esencia. Necesitamos emprender un nuevo camino, no regresar a sendas trilladas que sólo tienen en consideración los números y la productividad, una forma de gobierno que ha expirado y que ahora se pretende recuperar a base de recortes que afectan a nuestros derechos más elementales como individuos. Si eso es lo que quería la mayoría, no me queda más que darles mi enhorabuena, así es la ley de las urnas, pero sigo pensando que hemos dejado pasar una oportunidad de oro para implicarnos en algo que nos afecta a todos, la vida política de nuestro país, haciendo del mismo un lugar más justo y habitable. Si todo esto, amigos votantes, os parece una utopía es que alguien se ha encargado de amputaros aquello que nos distingue de los animales: la capacidad de soñar; un recorte que espero que no nos imponga ningún Ejecutivo, sea del color que sea.

Precisamente, si hay alguien que nunca ha dejado de soñar, incluso en los momentos más complicados, ése es nuestro invitado de hoy, Charles Bradley. ¿Qué tiene que ver la introducción de esta entrada con este cantante de soul? Pues básicamente nada, aunque mucho en su esencia, sobre todo teniendo en cuenta la conciencia social de la que hace gala mister Bradley. "This world is going up in flames and nobody wants to take the blame. Don't tell me how to live my life when you never felt the pain" Esta es la frase que abre el disco de debut de Charles Bradley, un disco grabado a la edad de 62 años, una frase que debería convertirse en santo y seña de una sociedad que vive hastiada de su clase política. Charles Bradley nace en Gainesville, Florida, aunque crece en Brooklyn, donde pasará la mayor parte de su niñez en la calle. En una infancia llena de sombras, uno de los pocos instantes luminosos para Charles tuvo lugar el día en que asistió con su hermana a un concierto de James Brown en el Apollo; corría 1962 y aquello iba a cambiar para siempre su vida. Emular a su ídolo se convertiría en casi una obsesión para el joven Charles, que vería en la música la única esperanza para abandonar la calle. Finalmente, nuestro soulman abandonaría Brooklyn integrado en un programa del gobierno que servía de ayuda a las familias más desfavorecidas y que le llevaría a Maine, donde se le asignó un trabajo. Allí formaría su primera banda y tendría su primer contacto con el escenario, lamentablemente la guerra de Vietnam cercenó las ambiciones de Charles, que se vería obligado a regresar a Nueva York. A pesar de las adversidades, nuestro testarudo amigo no renunciará a sus sueños, y tras pasar una temporada como cocinero en una institución mental decide liarse la manta a la cabeza y recorre medio país haciendo autoestop en busca de su meta. Tras recalar en Alaska, Charles Bradley acaba instalándose en California, donde pasará 20 años; a pesar de no contar con una banda regular, empieza a introducirse en la escena local, lo que mantiene vivo su sueño. En el plano laboral las cosas no le van mal, pero cuando está a punto de comprar su primera vivienda, Charles Bradley es despedido del trabajo en el que había pasado los últimos 17 años de su vida. Tras un tiempo de reflexión decide regresar a Brooklyn, a casa de su familia, pero en los momentos más duros Charles se crece y no ceja en su empeño por dedicarse a la música. Finalmente encuentra su oportunidad como imitador de James Brown en un club neoyorquino, donde actuará bajo el seudónimo de Black Velvet; por aquel entonces cuenta con 51 años. Todo parece marchar bien, pero el destino es caprichoso e iba a poner a prueba al bueno de Charles.

Una mañana el ruido de las sirenas le despierta en casa de su madre, es la policía que viene a comunicarles el asesinato de su hermano, aquel golpe le dejará fuera de juego durante una temporada, su hermano fue una de las personas que más le habían animado en la búsqueda de su sueño. Cuando todo había perdido su sentido, el azar le iba a brindar una nueva oportunidad a Charles. Gabriel Roth, del sello Daptone, asiste a una actuación de Black Velvet, en la que reconoce su talento y le ofrece grabar un single. Así nacerá la primera grabación oficial de Charles Bradley, el single "Take it as it Comes". Roth le pondrá en contacto con Thomas Brenneck, un guitarrista con cuya banda colaborará en la grabacion de dos singles, esta amistad será fundamental en el devenir artístico de Bradley, ya que tras conocer la azarosa vida de Charles, y en concreto el episodio del asesinato de su hermano, Brenneck decide que hay que grabar un disco que recoja la historia de este soulman de pata negra. Así es como toma forma la Menahan Street Band, que acompañará a Bradley en su disco de debut, "No Time for Dreaming". Brenneck lanza el sello Dunham Records, subsidiario de Daptone, que dará cobijo al disco, habían tenido que transcurrir casi 50 años para que Charles Bradley, conocido también con el sobrenombre de "The Screaming Eagle of Soul", viese cumplido su sueño, medio siglo que le dio la razón: aquella vida merecía ser vivida.

En "No Time for Dreaming" os encontraréis con un artista honesto, un tipo cuya voz y cuya mirada transmiten autenticidad, un cantante de soul a la antigua, a la vieja usanza, aunque increíblemente cercano a la juventud para sus 62 años. Algunas de las formas artísticas de Charles Bradley deben mucho a su gran ídolo, James Brown, aunque también encontramos trazos de otros clásicos como Wilson Pickett, e incluso de cantantes negros más sofisticados, como es el caso de Marvin Gaye o Curtis Mayfield, a pesar de ello, Charles es un cantante con un gran carisma y con un dominio escénico apabullante. El trabajo vocal e instrumental de "No Time for Dreaming" es magistral, y gran parte de la culpa la tiene Brenneck, que ha puesto toda su alma en la grabación y producción de este disco. Resulta casi imposible no sobrecogerse al escuchar al viejo Charles interpretar temas como "Lovin' You Baby", "Why Is It So Hard?" o la impagable "Heartaches and Pain", su voz desgarrada y cruda se te mete hasta el tuétano, removiéndote las entrañas para extraerte aquellos sentimientos que tanto nos cuesta manifestar. Charles no olvida de donde viene, y hace gala de una envidiable conciencia social, incorruptible, algo poco habitual en los tiempos que corren, una conciencia crítica que le lleva a manifestar su descontento con su propio país, en el que resulta complicado salir adelante ("Why Is It So Hard?"), o a trazar una visión escéptica acerca del mundo en el que vivimos y de quienes manejan sus hilos ("The World (Is Going Up In Flames)" ). Al mismo tiempo, Charles canta al amor, dejándose la piel como uno de los mejores intérpretes románticos del género, ese amor y ese romanticismo desgarrado y un tanto teatrero que tantos buenos momentos ha deparado al soul y al R&B; buena muestra de ello son temas de este LP como "I Believe in your Love", "Lovin' You Baby", uno de los mejores momentos del disco, "How Long" o "In You (I Found a Love)" . También hay un huequecito para los instrumentales, concretamente dos, la exigua "Trouble in the Land" que nos remite al "Tighten Up" de Archie Bell and the Drells, y que nos deja suplicando más, y la excelsa "Since Our Last Goodbye", con una percusión de aires latinos y un teclado elegante y aterciopelado. Como guinda del pastel, un tema que por sí solo ya merece la compra del disco: "Heartaches and Pain", dedicado a la memoria de su hermano asesinado y en el que la interpretación de Charles Bradley raya al nivel de algunas de las luminarias del género. En resumen, una verdadera obra maestra, junto a Sharon Jones y Lee Fields (otros dos "jovencitos") de lo mejorcito del actual revival soul; un disco y un artista que han llegado para quedarse.

Ponemos el punto y final a esta entrada con unos suculentos enlaces, todos ellos muy recomendables. Junto a los indispensables links a la web oficial y al myspace del artista, encontraréis dos entrevistas, una de ellas la entenderéis sin esfuerzo, mientras que para la otra tendréis que desempolvar vuestro viejo diccionario de inglés. Además podéis disfrutar del bueno de Charles en directo, en audio, gracias al programa de RNE Hoy empieza todo, y también en imágenes, que reproducen su actuación para la emisora KEXP dentro del festival South by Southwest, en un concierto que tuvo como escenario una tienda de bicicletas de Austin. Por último, los videos, concretamente tres: los clips oficiales de "The World (Is Going Up in Flames)" y de "Heartaches and Pain", y un video grabado para Faceculture en el que nuestro soulman favorito hace una sobrecogedora interpretación del tema "Lovin' You Baby" acompañado de Thomas Brenneck a la guitarra; impagable. Espero que os guste.

CHARLES BRADLEY- NO TIME FOR DREAMING

WEB OFICIAL DE CHARLES BRADLEY

MYSPACE DE CHARLES BRADLEY

ENTREVISTA A CHARLES BRADLEY EN BUSCAMUSICA

ENTREVISTA A CHARLES BRADLEY EN EQ MAG

CHARLES BRADLEY EN HOY EMPIEZA TODO

CHARLES BRADLEY EN EL FESTIVAL SOUTH BY SOUTHWEST 2011

Damien Jurado- Saint Barlett (2010)

2011-11-11T19:16:00.002+01:00

Ocurrió la semana pasada, un día de intensa lluvia. Cortaron la calle e irrumpieron con los insoportables ruidos de sus máquinas en nuestras casas, su efecto narcótico nos preparaba para lo que iba a ocurrir. Estuvieron toda la mañana recorriendo la calle, número por número, deteniéndose en aquellos ejemplares que consideraban que necesitaban una intervención. Desde mi ventana, observaba la escena inquieto, aguardando a que llegase nuestro turno. Pasadas unas horas aparecieron los primeros indicios de su presencia, tan cercana que resultaba intimidatoria, tan violenta que cortaba la respiración. Abrí la ventana y lo vi allí, a escasos dos metros de mi casa, pude ver a aquel tipo subido en ese armatoste, sin ningún tipo de protección, burlándose del sentido común y de la mismísima muerte. Le miré a la cara, él no me devolvió la mirada. No pude soportar la escena y aturdido por el ensordecedor ruido cerré la ventana. Se escucharon fuertes golpes, pronto intuí que se estaba desplomando. Cuando cesó el estrépito abrí de nuevo la ventana, lo que vi me sobrecogió: lo habían talado de raíz. Con la excusa de realizar unas rutinarias tareas de poda, aquellos sicarios de la motosierra se habían llevado por delante al pino que teníamos en frente de casa, un noble compañero cuyas ramas casi podía tocar desde mi dormitorio. Os aseguro que nunca he sido un ecologista a ultranza, pero en este caso no hablamos de un simple árbol, hablamos de sentimientos. Vivo en la que fue casa de mis abuelos paternos y ese pino siempre estuvo allí, observó cómplice cómo devoraba a la vuelta del colegio mi bocadillo de mortadela, asistió boquiabierto a la goleada que España le infligió a Malta, 12 goles 12, se aburrió junto a mí en aquellas interminables tardes de toros, se rió y se enamoró conmigo, y lloró cada vez que uno de los miembros de este hogar nos decía adiós. Cada vez que pienso en esta casa veo ese pino, un árbol humilde y leal que nos ha protegido de los curiosos y que nos ha proporcionado durante décadas la dosis exacta de sombra. Ahora miro por la desnuda ventana y me siento como L.B. Jeffries, observando a mis vecinos dominicanos que se pasan el día conectados a Facebook y escuchando reggaeton. Como sólo una buena compañera es capaz de hacer, A. me tranquilizó diciéndome que tal vez el pino estuviese enfermo, pero pensé que incluso un caballo con las cuatro patas rotas tiene un final más digno. A los pocos minutos su cadáver yacía a lomos de un camión, por más que lo miraba no podía hacerme a la idea de que nunca más vería su silueta, de que jamás me volverían a despertar en verano los pájaros que se posaban en sus ramas, aquellos a los que había deseado apedrear tantas veces y que ahora tanto echaré de menos. Buena suerte compañero, allá donde estés, ojalá tu reencarnación sea digna, y tu añeja madera se transforme en las hojas, o el lapicero con el que escribir una buena historia.

Poco después de perder a mi viejo árbol, me vino a la cabeza la portada de "Saint Bartlett", el, hasta la fecha, último trabajo de estudio de Damien Jurado, su poético paisaje, con esa vegetación humilde en primer plano y los árboles gigantescos de telón de fondo me resultó reconfortante; hoy quiero compartirlo con vosotros. Mucho se ha dicho acerca de Damien Jurado, a quien la crítica no tardó en colocar esa extraña etiqueta de urban folk songwriter, que sigo sin saber muy bien qué quiere decir. Su carrera comienza a mediados de los noventa, fruto de la autoproducción a través de cintas de cassette que veían la luz mediante su propio sello, Casa Recordings. Será Jeremy Enigk, cantante de la banda Sunny Day Real Estate, quien levante la liebre y ponga en contacto al compositor de Seattle con su sello, Sub Pop, dando así comienzo a una prolífica carrera en la que han visto la luz una decena de discos de estudio, junto a un sinfín de EP's, singles y colaboraciones en recopilatorios. Damien Jurado es un tipo con una sensibilidad exquisita, que se sirve de la música, especialmente de las letras, para expiar sus pecados y exorcizar sus fantasmas. Su físico ha sido comparado a menudo con el de John Goodman, con quien tiene en común ese aire de tipo bonachón, aunque de mirada inquietante, una mezcla de yerno perfecto y muchacho atormentado. Su música ha transitado por diferentes paisajes, desde los eléctricos más desasosegantes hasta los acústicos más íntimos, mostrándose siempre partidario de la experimentación sonora, dotando a sus trabajos de curiosos efectos que contribuyen a cargar de significado las canciones. Sus discos han sido producidos por músicos y amigos, como Ken Stringfellow, aunque parece que junto a Richard Swift ha encontrado esa paz interior que tanto necesitaba para explotar como el buen escritor de canciones que es. Precisamente Swift es el productor de "Saint Bartlett", un disco que vio la luz en 2010 cobijado por el sello Secretly Canadian, encargado de alumbrar sus cinco últimos trabajos. "Saint Bartlett" se grabó en el transcurso de una semana, y nos descubre a un Damien Jurado más luminoso, liberado de ese peso que parecía atormentarle en algunos de sus discos anteriores, un compositor que se abre sin miedo a tiempos y propuestas más cercanas al pop convencional, aunque sin renunciar para ello a su particular manera de entender la música. Su voz es especial, diferente, de una fragilidad conmovedora, cercana en ocasiones a Vic Chesnutt; Damien Jurado no pretende cantar bien sino transmitir de la manera más honesta posible sus sentimientos, tal y como en su día hicieran Bob Dylan, Neil Young o Lou Reed. Sus canciones funcionan como historias cortas que consiguen atrapar al oyente, melodías impregnadas de un halo literario que a menudo le han valido comparaciones con el gran Raymond Carver. La crítica saludó a "Saint Bartlett" como un disco rompedor dentro de la carrera de Damien Jurado, ciertamente se puede hablar de un trabajo en el que se ha apostado por una mayor orquestación, aunque sin abandonar ese minimalismo acústico que tan bien le sienta al de Seattle. Sea como fuere, podemos afirmar que es uno de sus mejores trabajos hasta la fecha, y si no me creéis dejaos arrastrar por la magia de "Cloudy Shoes", "Arkansas", Rachel & Cali" o "Beacon Hill", cuatro de mis canciones favoritas del abum.

Si queréis más información podéis completar la entrada con una buena ración de enlaces. En primer lugar: web oficial y Myspace de Damien Jurado, acompañados del apartado que le han dedicado en la web de Secretly Canadian. Y para continuar: dos reseñas del album, una en lengua culta en Jenesaispop, y la otra en la lengua del Imperio Británico en Pitchfork, y por si esto fuera poco, podéis disfrutar de una entrevista, también en castellano antiguo, en Muzikalia, y de la magnífica sesión que Damien Jurado grabó para Daytrotter. En el apartado de videos, os dejo tres elecciones: 1- la oficial, el videoclip de "Arkansas", tal y como suena en el disco, 2- la banda, Damien y los suyos interpretando "Rachel & Cali" en una sesión para la emisora de Seattle KEXP y 3- la minimal, el Damien Jurado más íntimo tocando para los Tiny Desk Concerts de la NPR, donde interpreta tres temas del disco ("Cloudy Shoes", "Arkansas" y "Beacon Hill") y un corte inédito ("Newspaper Gown"). Espero que os guste.

DAMIEN JURADO- SAINT BARTLETT

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DAMIEN JURADO EN SECRETLY CANADIAN

RESEÑA DE SAINT BARTLETT EN JENESAISPOP

RESEÑA DE SAINT BARTLETT EN PITCHFORK

ENTREVISTA A DAMIEN JURADO EN MUZIKALIA

DAMIEN JURADO EN DAYTROTTER SESSIONS

God Help The Girl- God Help The Girl (2009)

2011-11-03T12:09:00.000+01:00

Me cuesta entender las filias repentinas que asaltan a la población de este país. Por ejemplo: La Fórmula 1. Recuerdo que cuando iba al instituto tenía un compañero que estaba enganchado a los piques entre Senna y Prost, los domingos, lejos de curar las primeras resacas de su corta existencia, los pasaba madrugando para disfrutar en estado semicataléptico de aquellas carreras de coches que nadie entendía y que no significaban nada en términos de audiencias televisivas. De repente apareció Fernando Alonso en nuestras vidas y medio país se convirtió al credo de los monoplazas, las cadenas de televisión se enzarzaban en una guerra a cuchillo por los derechos del circo del motor, y un deporte que hasta hacía unos años había sido minoritario se revelaba como imprescindible en la vida de los españoles; conozco gente para la que el mundo se paraliza, literalmente, los días que hay carrera. Ejemplo número 2: Los musicales. Un espectáculo que asociábamos con los teatros norteamericanos, que parecen alérgicos a los clásicos y a la dramaturgia de calidad, se planta en España dispuesto a arrasar, eso sí, bajo el peculiar prisma de la idiosincrasia española y su personal visión comercial del espectáculo. Dicha visión distorsionada derivará en engendros como "Hoy no me puedo levantar" ó "40. El musical", que batirán todos los records de asistencia y de permanencia en cartel habidos y por haber. Ahora nos encantan los musicales, cuando hace unos años era impensable que un teatro español dedicase una semana de su programación a este tipo de espectáculos. Y no sólo eso, sino que hemos pervertido una expresión artística respetable, más allá de los gustos personales, convirtiéndola en una paparrucha infumable donde la falsa nostalgia, la moralina y la mediocridad campan a sus anchas; vamos que me diréis vosotros, queridos seguidores, que lo mismo es "Los Miserables" que "Hoy no me puedo levantar"... Pero que no cunda el pánico, hoy desde Rainy Day Music vamos a aportar un soplo de aire fresco, un halo de esperanza al panorama de los musicales actuales, por ello hemos elegido una de las últimas creaciones del gran Stuart Murdoch, "God Help The Girl".

Con guión del propio Murdoch, "God Help TheGirl" es una película donde la música tiene un papel predominante, y con la que el cerebro de Belle & Sebastian debutará como director de cine; su estreno está previsto para el 2012. Stuart Murdoch ha trabajado intermitentemente en este poyecto desde la grabación de "Dear Catastrophe Waitress" en 2004, dando forma a un disco que plasma a la perfección la pasión de Murdoch por los girl groups de los 50's y 60's. En "God Help The Girl" encontramos fundamentalmente voces femeninas, ellas son las que llevan el peso de las canciones, acompañadas de invitados de lujo como el mismísimo Neil Hannon, y con unos omnipresentes y brillantes arreglos de cuerda. Murdoch apuesta por voces desconocidas, cobrando especial protagonismo la cantante irlandesa Catherine Ireton, que interpreta la mayor parte de los temas. El disco suena a los Belle & Sebastian más embrionarios, es cierto, pero dejando una ranurita para que entre un ligero soplo de jazz, de clásica e incluso del sofisticado soul que irrumpe en alguno de los discos de la banda, como el citado "Dear Catastrophe Waitress" o "The Life Pursuit", del cual se incluyen dos canciones. En cuanto a la temática de "God Help The Girl", las canciones giran en torno al personaje de Eve, interpretado,vocalmente hablando, por Catherine Ireton. Eve ha abandonado sus estudios y ha comenzado a trabajar, es una joven con multitud de sueños, pero uno destaca sobre los demás: convertirse en cantante. Las canciones del disco repasan sus avatares, sus relaciones amorosas y sus aventuras de todo tipo, incluso las más problemáticas. No obstante el disco nunca suena dramático ni amargo, más bien hace gala de un humor y de una ironía muy británica que sitúa a Stuart Murdoch entre los mejores compositores salidos de las Islas de todos los tiempos, le pese a quien le pese. Para reafirmar mi sentencia basta con escuchar canciones como la que da título al disco, las armonías vocales de "Pretty Eve in the Tub", la revisión de la enorme "Funny Little Frog", la sobrecogedora intervención de Neil Hannon en "Perfection as a Hipster", o un "Come Monday Night" que recuerda a los Belle & Sebastian que conmovieron al mundo con Isobel Campbell en sus filas. Sin duda, un disco más que notable con el que reencontrarse con el mejor Stuart Murdoch y con el que descubrir a una magnífica vocalista.

Os dejo unos enlaces por si queréis profundizar en el asunto, en primer lugar el myspace y la web oficial de God Help The Girl, y en segundo lugar un link a Jenesaispop donde se analiza el proyecto de Murdoch; sí, es un poco austero y no tiene nada que ver con el festín de enlaces de entradas anteriores, pero qué le vamos a hacer, los cambios son así... Eso sí, no me olvido de los videos, he seleccionado el clip oficial de "Come Monday Night", una interpretación en directo del tema "God Help The Girl" y un tercer video en el que el propio Murdoch habla acerca del proyecto. Ahora está en vuestras manos, podéis darle una oportunidad al musical de Stuart Murdoch o dejaros engatusar por el talento de los hermanos Cano y los pecualiares musicales made in Spain. Espero que os guste.

GOD HELP THE GIRL

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¡Bienvenida!

2011-10-19T08:47:00.005+02:00

Hace ya unos días me encontré con un viejo conocido y al comentarle que iba a ser padre de nuevo me respondió, con cierto resquemor, "los ricos lo que queréis". En aquel momento no supe qué contestarle y me limité a esbozar una sonrisa educadamente falsa, pero mientras regresaba a mi casa le dí varias vueltas de tuerca al asunto y fui consciente de lo equivocado que estaba el andoba; también me di cuenta de por qué ya no frecuento ciertas amistades, tras lo cual sentí una extraña liberación. En nuestra apesebrada sociedad tener hijos se ha convertido en un rasgo propio del burgués de a pie, así es al menos como lo conciben muchas de las personas de nuestra generación. Hay un extenso catálogo de tópicos y de ideas absurdas acerca del significado de la paternidad, del mismo modo, todo hay que decirlo, que existe un considerable número de individuos que tienen una visión arcaica y trasnochada de la misma. Pero si hay algo que no se le puede achacar al mero hecho de tener hijos es precisamente un carácter burgués. No hay nada burgués en estar toda la noche en vela, ni en vivir en un carrusel de heces y pañales, ni en tener un horario que te impide estar en casa más allá de las 21:00 horas (salvo excepciones), ni en atender enfermedades, ni en tener unas vacaciones convencionales, ni en renunciar a tu tiempo libre y a muchas de las cosas que te gustan. Tener hijos no es de burgueses ni de ricos. Quien no comprenda que todo esto se hace única y exclusivamente por amor tiene un verdadero problema.

Nos hemos criado en un entorno que nos ha protegido y mimado en exceso, que nos ha hecho abominar de ciertas responsabilidades, abocándonos a un hedonismo militante que nos lleva a mirar por encima del hombro a quienes eligen salirse del camino. Hay gente que me mira extrañada cuando le digo que tengo dos hijos, tengo la sensación de que tengo que pedir perdón por haber elegido ser padre. Pero lo siento mucho, si hay algo de lo que me siento especialmente orgulloso es de mis hijos, son algo que no creo que guarde relación alguna con mi conciencia social ni con mi orientación política, y creedme si os digo que siento lástima por quienes se pierden algo tan maravilloso de manera voluntaria. No pretendo hacer un llamamiento en pro de la natalidad, que nadie se equivoque, me parece muy respetable quien decide no tener hijos, simplemente me llama la atención el por qué mi opción no es tan respetable, o al menos por qué a estas alturas (acabo de cumplir 35 tacos) resulta tan sorprendente para algún que otro fulano. Ahora permitid que me retire unos días a disfrutar de mis retoños, prometo regresar con aires renovados, sé que este blog va a perder parte de su personalidad, no sé si de manera definitiva, pero es obvio que mi tiempo se va a ver drásticamente reducido y que no podré extenderme como habitúo en la redacción de las entradas. En cierta manera esta bitácora también es un ser vivo, así que iremos viendo cómo evoluciona, y en función de vuestras reacciones y de mi estado de ánimo veremos adónde nos conduce. Hasta entonces os dejo con esta magnífica canción de Bart Davenport que comparte título (o más bien nombre) con una personita que acaba de regalarnos toneladas de felicidad. Gracias.

Laura Gibson- Beasts of Seasons (2009)

2011-09-22T20:56:00.000+02:00

Si hay un sabor que evoque mi infancia y dibuje una sonrisa en mi cara, ése es el de la mortadela con tomate Orlando; permitidme la publicidad, pero es que los datos han de ser exactos para conseguir el efecto deseado. Recuerdo la llegada a casa de mis abuelos, la tele encendida, los besos en la mejilla y el agujero en el estómago; si cierro los ojos puedo verlo todo, como si fuera ahora mismo, incluso puedo ver a los que ya se han ido, y todo es gracias a ese mágico bocata. Es increíble cómo funciona nuestra memoria, cómo crea esos links que te conducen velozmente a un lugar del pasado a través de un sonido, un sabor o un aroma determinado. Hablando de sonidos, hay una voz, que hace poco volví a escuchar en la tele, que me conduce a esa entrañable franja de edad que uno disfruta entre los 10 y los 14 años; probablemente el último paraíso de nuestra inocencia antes de que la adolescencia lo eche todo a perder. Me refiero a Ramón Trecet, periodista español relacionado con la prensa musical y la deportiva. Precisamente fue gracias a esta segunda faceta como yo lo conocí, a través del mítico programa de TVE Cerca de las estrellas. Trecet acercó el espectáculo de la NBA a este país, sirviéndonos en bandeja a una legión de prepúberes todo un Olimpo de dioses a los que venerar. Aquello supuso una verdadera revolución, y para mí, que formaba parte del equipo de baloncesto de mi colegio, aquel programa se convirtió en todo un catecismo. Para empezar, había que elegir un equipo y un jugador con el que identificarse, algo realmente complicado, ya que sentirse emocionalmente ligado a una ciudad que no conoces es tarea imposible, bueno, eso para quienes no saben soñar.

La mayoría de la chavalería tiraba por el camino fácil: Chicago, Los Ángeles, Boston, Detroit, clásicos de la liga que acostumbraban a jugar las finales allá por los ochenta. Pero qué interés tienen las cosas fáciles, qué placer encuentra en la victoria quien acostumbra a ganar; lo que realmente hacía emocionante aquel tinglado era hacerte de un equipo diferente, uno que en el remoto caso de ganar una liga te iba a dar la alegría de tu vida, al menos así me lo pareció a mí. De modo que analicé bien los uniformes de cada equipo, me interesé en sus escudos y distintivos y situé las ciudades en el mapa, tras analizarlo seriamente decidí hacerme seguidor de los Portland Trailblazers. Como también tenía que identificarme con un jugador, lo hice con una de las estrellas de este equipo, concretamente el número 22, Clyde Drexler, cuyo apellido me pareció fantástico. Y así pasaron nuestros días en aquel campo de cemento, soñando con emular a nuestros ídolos y conseguir un pasaporte que nos catapultase a lo más alto de la NBA, donde el gran Ramón Trecet comentaría nuestras mejores jugadas exclamando aquello de "ale hoooooooooooooooooop". Obviamente nada de aquello ocurrió y poco a poco fuimos abandonando la práctica del baloncesto, algunos antes que otros, para empeñarnos en vivir un mundo de mayores que todavía no nos pertenecía, sin ser conscientes del dolor y de la frustración que acechaban a la vuelta de la esquina. Pero a mí, que cuando empiezo un libro o una película tengo que terminarlos, por muy malos que sean o por mucho que me disgusten, no se me iba a pasar aquello así como así, yo seguí siendo incondicional de los Blazers y seguí venerando a Clyde "The Glide" Drexler. Y no sólo eso, sino que desarrollé una extraña empatía hacia la ciudad de Portland que, a día de hoy, sigo cultivando, siendo ésta una ciudad con la que me identifico y de la que, de alguna manera, me siento ciudadano. Por eso me alegra que el primer español que jugó en la NBA, Fernando Martín, lo hiciese en el equipo de Portland, por el que luego pasarían otros talentos como Sergio Rodríguez o Rudy Fernández, y por eso me encanta descubrir cosas y gentes relacionadas con aquella ciudad a la que pertenecí y que nunca visité. Y así es como he ido descubriendo, en mi militancia melomaníaca, músicos relacionados con esta bella urbe, como por ejemplo The Kingsmen, punta de lanza del sonido Northwest, Defiance, exponentes del punk de tachuelas e himnos cerveceros, The Decemberists, que ya han paseado su vodevil folk por este blog, y por supuesto la dulce dama que hoy quiero presentaros, Laura Gibson, cuya música se ha convertido en la banda sonora perfecta para cerrar los ojos y contemplar en el horizonte la silueta del monte Hood. Cómo, qué vosotros tampoco tenéis equipo en la NBA, no os preocupéis, agarrad mi mano y la de Laura Gibson y venid a Portland, seguro que repetís.

Llama la atención la escasa información que acerca de Laura Gibson se puede encontrar en la red. Esto me facilita el trabajo, ya que no tengo que bucear en un montón de páginas, desempolvar mi rudimentario inglés y hacer un corta-pega mental para hacer mínimamente atractivos todos esos datos. De hecho este post podría terminar aquí, pero me conocéis suficientemente bien y sabéis que no me voy a resistir y que os espera otro ladrillo, sí he vuelto a las andadas, aunque durante poco tiempo; se avecinan tiempos austeros en cuanto a los textos de las entradas, avisados quedáis. Como iba diciendo, me he encontrado con una sorprendente falta de información básica acerca de la formación de esta artista de Portland, así como de sus primeros pasos en la industria. Sólo puedo contaros que la primera referencia discográfica de Laura Gibson que he encontrado es el mini-LP "Amends", una grabación autoeditada que data de 2004 y que se compone de seis canciones. Dos años más tarde comienza la relación de Laura Gibson con el sello Hush Records, que ese año editará dos trabajos de la cantautora americana, "Six White Horses", es el primero de ellos. Se trata de un disco grabado en una semana en una residencia victoriana de Sellwood, Oregon, en el que Laura Gibson reinterpreta con su personal estilo seis viejos blues; un álbum encantadoramente amateur, con un sentido de la interpretación muy cercano al acervo popular y con una peculiar selección de instrumentos. El otro disco que verá la luz en 2006 será "If you Come to Greet Me", que muchos consideran el primer gran paso adelante en la carrera de Laura Gibson, su consagración como artista. "If you Come to Greet Me" nos descubre a una intérprete con un registro diferente, que bebe de las grandes damas del jazz vocal clásico, tales como Billie Holiday o Ella Fitzgerald, una autora que apuesta por el minimalismo y que utiliza en su repertorio técnicas de guitarra propias del blues y del folk. Laura Gibson no renuncia a los arreglos orquestales, introduciendo en sus canciones sutiles pinceladas de metales o de cuerdas, que dotan de mayor profundidada a sus composiciones. En este disco estaría acompañada en la parte musical por el núcleo de Norfolk & Western, que arroparían con su savoir faire las creaciones melancólicas y frágiles de la artista de Portland. En 2008, Laura Gibson se embarcaría en una gira como telonera de Colin Meloy, a quien ayudaría más tarde en la grabación de su disco "Colin Meloy sings Sam Cooke". En 2009 verá la luz su segundo trabajo para Hush Records, "Beasts of Seasons".

"Beasts of Seasons" es un disco conmovedoramente bello, triste y melancólico hasta la médula, un disco grabado en una casa con vistas a un cementerio y que la artista divide temáticamente en dos partes: 1- Communion Songs y 2- Funeral Songs. El segundo LP de Gibson para Hush se concibe como un disco compuesto por nueve meditaciones acerca del concepto de mortalidad, pero no nos hallamos ante un disco conceptual ni filosófico, sino más bien ante un conjunto de canciones que guardan cierta semejanza temática, y que funcionan como una reflexión cotidiana y sin grandes ambiciones sobre uno de los temas centrales de la existencia humana: la muerte. Laura Gibson aboga por la tecnología analógica, que dota de mayor naturalidad a sus grabaciones, y muchos de los instrumentos y de los pasajes de "Beasts of Seasons" están grabados en directo. El sonido de ambiente suele jugar un papel importante en las canciones de Gibson, contribuyendo a incrementar la autenticidad de los temas y fomentando la inmediatez de los mismos. A nuestra amiga de Portland le gusta rodearse de sus amistades, y además tiene muy buenos amigos, que colaboran en sus discos; entre los invitados de este álbum podemos encontrar a gente como Laura Veirs, Rachel Blumberg, Nate Query, Adam Selzer o Shelly Short, entre otros. Pero si hay que destacar un elemento de los discos de Laura Gibson, y "Beasts of Seasons" no es una excepción, ése es la voz, esa voz que lo llena todo con su plácida quietud, con su parsimonioso fraseo, con su bella fragilidad. La forma de cantar de Gibson tiene mucho de intuitiva, no hay en ella una técnica especial, ni ha habido un aprendizaje previo, simplemente es un proceso sensitivo, que tiene mucho de autoexploración. Ella misma confiesa que le gusta sentir el sonido en su esternón, así como la vibración de la parte posterior de su garganta cuando canta, como si se tratara de un proceso curativo, casi exorcizante. En cuanto a los arreglos, "Beasts of Seasons" se mantiene fiel a los postulados de su antecesor: sobriedad y minimalismo, sin descuidar la elegancia y la capacidad evocadora. De nuevo, metales y cuerdas pueblan las canciones de la Gibson como discretos habitantes que viven sin causar estruendo en el corazón de cada verso, de cada nota. Buen ejemplo de ello es la canción que abre el disco, "Shadows on Parade", uno de los mejores cortes del álbum, más de siete minutos trufados de sutiles pinceladas instrumentales que resultan tremendamente evocadoras. Otro gran momento del LP llega con "Come by Storm", donde la guitarra de Laura Gibson suena más folkie que nunca, y se deja guiar por un discreto banjo, violines, metales, vibráfonos, y demás instrumentos de mal vivir, de esos que te hacen descender a lo más profundo del alma. "Spirited" es quizás la canción más comercial del disco, y en la que el fraseo de la cantautora de Portland se vuelve más convencional, siendo uno de los escasos momentos del álbum en el que se introducen guitarras eléctricas. "Postures Bent" toma el relevo para brindarnos un pasaje brillante, un lentísimo vals que crece instrumentalmente conforme avanza la canción, cuerdas de nylon irresistibles en los delicados dedos de Laura Gibson. "Funeral Song" es una muestra de la querencia de la Gibson por el folk tradicional, aquellas interpretaciones del período de entreguerras a cargo de músicos aficionados, y que introducían instrumentos caseros como la tabla de lavar o la sierra, presente precisamente en este corte. "Where Have all your Good Words Gone?" no es sólo un reproche, sino también una de las cimas emocionales del disco, un tema con un fantástico e inquietante arreglo de cuerdas. "Sleeper" es el preludio de otro gran momento, una canción en la que el piano cobra gran protagonismmo. Y "Sweet Deception" es otro brillante tema, una composición agridulce, una especie de vals mántrico con exquisitas pinceladas de slide guitar. Por último, "Glory" cierra el disco de manera conmovedora, convirtiéndose en la canción más desnuda del álbum, un tema con unas voces magistrales que le otorgan un fuerte contenido espiritual.

En 2010 Laura Gibson grabó un nuevo disco, en este caso junto a su amigo Ethan Rose, un curioso LP titulado "Bridge Carols" en el que el paisaje cobra un especial protagonismo, un trabajo de experimentación en torno a material inédito de la cantante de Portland, que en ocasiones improvisa partiendo de frases descubiertas en viejos cuadernos o en hojas sueltas. Posteriormente Laura Gibson ha contribuído con su trabajo en recopilatorios benéficos y ha colaborado con compañeros y amigos en diferentes grabaciones, finalmente se ha decidido a lanzar un nuevo trabajo, que llevará por título "La Grande" y que verá la luz gracias a City Slang Records en enero de 2012.

Y de esta manera llegamos al final de esta entrada, no sin antes recomendaros un buen número de links. Por supuesto, la web oficial y el myspace de Laura Gibson, y además el espacio que la página de Hush Records dedica a la artista. También he seleccionado una reseña de "Beasts of Seasons" aparecida en Pitchfork y una entrevista en la web Muzikalia. Y por si esto fuera poco, he ido directamente al turrón y he buscado actuaciones de la Gibson, así que podréis disfrutar de sus sesiones para Playgrrround y para NPR, ambas recomendabilísimas, y no sólo eso, sino que también podéis escuchar la sesión de la cantautora de Portland para las maravillosas Daytrotter Sessions; ¿de verdad alguien os da más por menos? En cuanto al apartado de videos, he elegido dos, uno en el que Laura Gibson interpreta la canción "Funeral" en el cementerio Lone Fir Pioneer de Portland, y otro grabado para They Shoot Music en el que canta "Postures Bent" en una librería de Viena. Ahora sí, mañana a las 9:04 a.m. tendrá lugar el equinoccio de septiembre; adiós verano, deja tu sitio al maravilloso otoño. Espero que os guste.

LAURA GIBSON- BEASTS OF SEASONS

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LAURA GIBSON EN TINY DESK CONCERTS DE NPR

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Jens Lekman- Oh You're So Silent Jens (2005)

2011-09-14T14:07:00.000+02:00

Reconozco públicamente que una de las principales razones por las que me saqué el permiso de conducción fue para poder escuchar la música que a mí, y no a ningún otro individuo, melómano o no, me diese la real gana. En algunos aspectos de la vida no he sido precisamente un tipo precoz, de hecho había atravesado la frontera de los 30 cuando me decidí a ponerme por primera vez a los mandos de un automóvil. Esa decisión llegó tras muchos quebraderos de cabeza, sobre todo aquellos que concernían al desplazamiento y a la logística de la unidad familiar, pero no puedo ocultaros a vosotros que otra razón subyacía bajo aquella iniciativa. Durante años he sido un paciente pasajero, un partenaire de viaje perfecto que se ha comportado con una educación exquisita mientras sufría cruentos ataques sonoros de triunfitos, radioformulistas e indies de mercadillo. Pero todo tiene un límite, queridos míos, y tras lustros de acumular ponzoña en mis adorados pabellones auditivos decidí zanjar este tema convirtiéndome en dueño de mi propio destino musical. Seleccionar música para un viaje es todo un arte, sobre todo si eres tú quien está al volante, ya que has de decantarte por sonidos que te resulten relajantes y que no impidan el correcto devenir de la, siempre delicada, conducción. Hay discos que me encantan pero que jamás pondría en el coche, tal vez por resultarme excesivamente eufóricos, o por sonar profundamente hipnóticos, incluso mántricos, en cambio hay discos que parecen haber sido compuestos para disfrutar mientras se ejerce el noble arte del manejo del volante. Un buen disc jockey de carretera también ha de tener en consideración al resto de pasajeros, decantándose para ello por sonidos fáciles y ritmos asequibles; quienes lo hemos sufrido sabemos de la crudeza de un largo viaje escuchando ruiditos y propuestas vanguardistas. Es fundamental saber qué le gusta a nuestra tripulación e intentar llegar a una entente cordial entre nuestras inclinaciones musicales y las preferencias del resto del pasaje. Tal vez por ello, suelo llevar en el coche discos pausados, mucha Rainy Day Music: bossa nova, power pop (no muy power), rock de raíces, chanson, country, soul (en su vertiente más emocional y romántica), folk, y pop en sus múltiples reencarnaciones, siempre y cuando haya de por medio buenos arreglos y unas voces muy cuidadas; mi versión mas macarra, que la tengo y muy pronunciada, la reservo para el ámbito doméstico. Uno de los discos que más me ha acompañado en el coche en este verano que está a punto de acabar (¡¡¡por fin!!!) es precisamente el que hoy quiero compartir con vosotros, un ecléctico y variado ejercicio de pop a cabo de Jens Lekman, un músico sueco que hoy se sube a nuestro utilitario para hacernos pasar un viaje agradable. Tomad asiento y abrochaos los cinturones, y no olvidéis tomar una biodramina, que aún estoy pagando el coche y no quiero sorpresas desagradables.

Jens Lekman responde al estereotipo de figura de culto del pop, un tipo capaz de convencer a crítica y público, con una carrera asentada y una prolífica producción, pero que sigue siendo un desconocido para los grandes medios. Jens es un adalid del "do it yourself", de hecho gran parte de sus temas han sido grabados en su estudio casero, y es todo un experto en el uso de samplers en sus temas. No tengáis miedo, amantes de lo analógico, nuestro amigo sueco introduce los samplers en sus canciones con una gran inteligencia y con un gusto exquisito, haciendo gala además de una considerable cultura musical. Pero vayamos por partes, Jens Lekman nace en Gotemburgo en 1981, ciudad en la que transcurre su infancia, una etapa de su vida en la que no muestra ninguna inclinación artística en concreto. Será a los 14 años, cuando un amigo le proponga tocar el bajo en una banda de versiones, cuando se produzca su primer contacto serio con el mundo de la música. Lekman pasa un tiempo componiendo sus propias canciones, dando muestras de una creatividad y de una capacidad compositiva enorme, en pocos años compone cientos de temas. En 2001 se autoedita el primero de sus CD´s caseros, conocido como "The Budgie Album", lo hará bajo un seudónimo, Rocky Dennis, nombre robado al protagonista de la película "Mask" ("Máscara" en los cines españoles). Un año más tarde recopila en otro CD sus mejores temas y envía una copia al sello estadounidense Secretly Canadian, algunas de esas canciones verían la luz en 2003 en forma de EP, bajo el título de "Maple Leaves", causando un gran revuelo en internet y convirtiendo al joven Jens en centro de atención para críticos y melómanos. Poco más tarde, el sello sueco Service Records reedita el EP, y un año después, en 2004, Jens Lekman abandona su seudónimo y graba un nuevo EP, "Rocky Dennis in Heaven", al que le seguirá otro EP, "Julie". A finales de 2004 verá la luz el primer largo de Lekman, "When I Said I Wanted To Be Your Dog", que recoge 11 canciones grabadas entre 2000 y 2004, un disco que confirma las enormes expectativas que se habían depositado en el joven compositor, que pronto alcanza la cima del olimpo indie. Pero Lekman no se muestra conformista, sino que más bien se comporta como un músico inquieto que se embarca en giras de todo tipo, de hecho se le ha podido ver sobre un escenario a él solo acompañado de un reproductor de CD y de una guitarra, o interpretando a capella sus canciones, pero también se ha embarcado en giras acompañado de una banda femenina con sección de vientos incluída, o con un coro y un cuarteto de cuerda; Jens Lekman es impredecible. En 2005 aparece en el mercado un nuevo trabajo del sueco, precisamente el que nos ocupa, titulado "Oh You're So Silent Jens", y que recopila sus tres EP's con Secretly Canadian: "Maple Leaves", "Rocky Dennis in Heaven" y "Julie", junto a otros temas incluídos en recopilatorios y rarezas.

La recopilación "Oh You're So Silent Jens" toma su título de una de las estrofas de la canción "Black Cab", incluída en su primer EP, "Maple Leaves", y que se convirtió en uno de sus primeros éxitos. Reúne, como ya señalábamos, el primer material oficial de Jens Lekman, los 3 primeros EP's con Secretly Canadian y diversas colaboraciones en recopilatorios; material, todo él, descatalogado y de muy difícil adquisición, por lo que se antoja como un disco imprescindible para conocer los comienzos musicales del compositor sueco. Tal vez la mayor peculiaridad de la música de Lekman sea el uso de los samplers, que se integran perfectamente en el discurrir de cada tema, apuntalando la estructura sin remitirnos explícitamente a la canción original. La querencia por los loops y los samplers se ve complementada por un gusto por los arreglos elegantes, en los que las cuerdas toman el protagonismo, conformando así el sello de identidad de Jens Lekman. Podríamos calificar el sonido de Lekman como amable, con sutiles arreglos orquestales que le acercan en ocasiones al pop de cámara de bandas como los primeros Belle & Sebastian, y con un sentido del humor que le emparenta con su admirado Jonathan Richman. Además la sensibilidad del compositor sueco nos hace pensar en ocasiones en Stephin Merritt, y su elegante voz recuerda a algunos crooners del pop y del rock, como el eterno Scott Walker; pero no sólo eso, el uso de los samplers nos hace pensar en el Beck más íntimo, y en algunas de las canciones de Lekman hay ecos de bandas tan dispares como Television Personalities, Dexy's Midnight Runners, The Smiths o Beat Happening. Todo ello convierte a Jens Lekman en un músico difícil de catalogar, una rara avis que se empapa de todo aquello que le llega, dando forma a una propuesta muy personal. Es difícil destacar una sola canción de este recopilatorio, porque Lekman se mueve a un nivel altísimo y el disco está repleto de hits, canciones que en un primer momento pueden pasarnos desapercibidas pero que enseguida acabarán metiéndose en nuestra cabeza, de donde se resistirán a salir durante una buena temporada. Entre los samplers que Lekman utiliza en esta colección de canciones podemos citar los siguientes: "Walk Away Renée" de The Left Banke, "By The Time I Get To Phoneix", de Glen Campbell y "Do You Wanna Dance", de The Mamas & The Papas, tres temas que se dan cita en una sola canción, la monumental "Maple Leaves", una de las mejores composiciones de Lekman, y un claro ejemplo de cómo se pueden utilizar los samplers de manera inteligente y creativa. Otro de los grandes momentos del disco llega con "Pocketful of Money", que utiliza un fragmento de "Gravedigger Blues", de Beat Happening, o con el hit "Black Cab", que echa mano de "Mary Jo", de Belle & Sebastian, y de "I've Got Something on my Mind", de The Left Banke, también podemos citar el tema de The Shangri-Las "Remember (Walkin' in the Sand)", que aparece formando parte de "A Sweet Summer's Night on Hammer Hill". Pero no receléis del pobre Jens, no todo son samplers en este disco, ni mucho menos, de hecho las canciones que toman fragmentos prestados son 6 de las 17 que componen este recopilatorio; de modo que los descreídos del arte de la remezcla podrán comprobar como suenan las composiciones de Lekman limpias, sin adulterar. Buen ejemplo de ello son "Sky Phenomenon", con un delicioso piano capaz de emocionarnos por si solo, "Someone to Share my Life with", que bebe del pop spectoriano y del intimismo acústico de bandas como Mojave 3, o "I Saw her at the Anti War Demonstration", que arranca con un precioso arreglo de cuerdas para convertirse en una redonda canción de pop que navega entre el Morrisey más inspirado y el Richman más surrealista. Todas ellas son un ejemplo de la calidad de Jens Lekman como compositor, maravillosas perlas que trufan un disco que suena fresco y variado, eclecticismo bien entendido al servicio de un talento que tiene que darnos todavía muchas alegrías. Ahora es vuestro turno, elegid vuestra favorita, os aseguro que no será tarea fácil.

Tras tres años de frenético trabajo, Jens Lekman anunció en su web que iba a tomarse un largo descanso para trabajar en el material de su segundo disco de estudio, además aseguraba haber aceptado un puesto de empleo en una sala de bingo local. Sin embargo, Lekman abandonó su nuevo trabajo apenas dos días más tarde para dedicarse en cuerpo y alma a su proyecto musical, lo que daría sus frutos en 2007 con la publicación del álbum "Night Falls Over Kortedala". Su última grabación ha visto la luz hace tan sólo unos días, se trata de un nuevo EP, titulado "An Argument with Myself". Entre tanto, Jens Lekman ha ofrecido un buen número de conciertos y ha colaborado con artistas tan diversos como The Ladybug Transistor, El Perro del Mar o Javiera Mena, demostrando que es uno de los músicos más activos y creativos del panorama pop actual.

Una vez más me he vuelto a enrollar más de la cuenta, ya veis en lo que han quedado mis propósitos de enmienda... En fin, vamos echando el cierre a este post con los consabidos enlaces, por supuesto web oficial y myspace de Jens Lekman, además del espacio dedicado en la web del sello Secretly Canadian al músico escandinavo. También he recogido la reseña que de "Oh You're So Silent Jens" se hizo en Pitchfork, así como una entrevista aparecida en la página Super45. Y en último lugar he seleccionado tres enlaces a tres sesiones en directo grabadas por Jens Lekman, la primera con los amigos de La Blogothèque, la segunda para Brass Tree, y la tercera en el entrañable taxi de The Black Cab Sessions. Y por si había pocos videos he completado la entrada con dos más, el clip oificial (al menos eso creo) de la tremenda "Pocketful of Money" y la interpretación de "F Word" que Jens hace para La Blogothèque. Espero que os guste.

JENS LEKMAN- OH YOU'RE SO SILENT JENS

WEB OFICIAL DE JENS LEKMAN

MYSPACE DE JENS LEKMAN

JENS LEKMAN EN SECRETLY CANADIAN

RESEÑA DE OH YOU'RE SO SILENT JENS EN PITCHFORK

ENTREVISTA A JENS LEKMAN EN SUPER45

JENS LEKMAN EN LA BLOGOTHEQUE

JENS LEKMAN EN BRASS TREE SESSIONS

JENS LEKMAN EN THE BLACK CAB SESSIONS

Darren Hanlon- I Will Love You at All (2010)

2011-08-05T10:41:00.001+02:00

Es asombroso el número de personas tatuadas que pueblan nuestras ciudades hoy en día, son tantas que casi hacen que aquellos que lucimos nuestra piel inmaculada nos sintamos extraños, como si perteneciésemos a alguna remota especie humana, perdida en los confines del tiempo. Recuerdo cuando iba al instituto y un amigo decidió hacerse un tatuaje, rápidamente se convirtió en objeto de admiración y de temor a un mismo tiempo; aquel dibujo, grabado para siempre en su epidermis, lo situó en una dimensión diferente a la nuestra. No eran muchas las personas que se tatuaban en aquella época, todavía prevalecía el estigma del tatuaje como algo patibulario y propio de personas de mala vida. Pero la televisión nos fue mostrando poco a poco a jóvenes ídolos de adolescentes tatuados, a modelos y actrices que decoraban sus cuerpos mediante la tinta y la aguja, a intelectualoides de pose peligrosa atraídos por el lado oscuro, a deportistas de éxito mundial que adornaban sus hercúleos cuerpos como si de un lienzo se tratase; así fue como se democratizó el tatuaje. Con el tiempo hemos llegado a la moda del tatuaje adolescente e incluso a la del tatuaje en la tercera edad. Os prometo que el otro día vi a un señor de unos 70 años con un extraño dibujo en uno de sus brazos, cuando me aproximé pude comprobar que se trataba de un perro, un Fox Terrier, el mismo ejemplar que descansaba tumbado a los pies de su amo; un escalofrío recorrió todo mi cuerpo. Últimamente he estado prestando más atención al asunto y he descubierto por mi barrio a prepúberes con latinajos que dudo mucho que sean capaces de traducir (también dudo que estén correctamente escritos), señoras de avanzada edad con rostros infantiles en sus omóplatos, cuellos tatuados, imaginería animal, fascistoide y tribal, todo ello convive en este mundo de locos. ¿Y qué me decís de los piercings? Lo siento pero no puedo con ellos, cuerpos perforados por voluntad propia fruto de un anhelo que no alcanzo a comprender, ¿para qué quiere un ser humano ponerse una argolla en la encía? Lo ví el otro día en la tele y desde entonces me cuesta conciliar el sueño. Quizás me haya vuelto un conservador, aunque cuando me pronuncio políticamente, algo que no suele ocurrir con frecuencia, no me siento como tal. La cuestión es que aborrezco esta absurda moda, y añoro los días en que los tatuados eran unos excluídos sociales y no al contrario. Tal vez por eso cada vez me sienta más próximo a artistas como Jonathan Richman, João Gilberto, y todas aquellas antiestrellas del mundo de la música, personas que aportan su arte y que hacen gala de un peculiar estilo de vida alejado de modas y ridículas tendencias; seres humanos cercanos y entrañables, como Darren Hanlon, que hoy visita Rainy Day Music.

Tras el amable rostro de Darren Hanlon se esconde un veterano de la escena musical australiana, un tipo que ha militado en diferentes formaciones hasta encontrar su propio espacio como solista, siempre bien acompañado por solventes músicos. La afición de Darren por la música le vino gracias a un vecino, profesor de música, que ostentaba una tremenda colección de discos; poco a poco, el joven Darren fue buceando entre aquellos vinilos, sintiéndose irremediablemente atrapado por aquellos sonidos. Más tarde, cuando Darren ingresa en la escuela de música, no tarda en tomar contacto con gente de la escena de Queensland, pasando a engrosar las filas de una banda universitaria llamada Playground. Tras un período de crisis, esta formación volvería a los ruedos musicales con otro nombre, The Simpletons, llegando a realizar una gira por toda Australia. Compartir escenario y vivencias con Shane Gelagin, miembro de The Simpletons, supondrá un antes y un después para Darren Hanlon, y tal vez se pueda citar al desaparecido músico australiano como una de sus principales influencias y estímulos a la hora de componer su propio material. Tras abandonar la disciplina de The Simpletons, nuestro afable aussie pasará de puntillas por otras formaciones, como The Lucksmiths o The Deerhunters, donde colaborará tocando el teclado y la guitarra, y también pasará un año tocando con otro músico australiano, Mick Thomas. Será en los últimos estertores de los 90 cuando el sello Candle Records convenza a Darren Hanlon para grabar sus propias canciones, podemos decir que la carrera en solitario de Hanlon da comienzo en el año 200o con el EP "Early Days". Desde entonces, se ha mostrado como un músico inquieto y prolífico, en este tiempo ha grabado cuatro discos de estudio, además de dos EP's y un buen puñado de singles, colaborando también en varios recopilatorios; todo el material plasmado en recopilatorios, así como las caras B de los singles y algún que otro tema inédito, se reunió en 2009 en el disco "Pointing Ray Guns at Pagans". A lo largo de este tiempo, Darren Hanlon se ha recorrido medio mundo, en solitario y colaborando con otros músicos, como es el caso de Gary Olson y sus Ladybug Transistor. Músico de gran talento, con un singular sentido del humor y con un buen olfato para crear melodías pegadizas, Darren Hanlon ha sido comparado a menudo con Billy Bragg y con Stephin Merritt, músicos a los que admira y de los que se confiesa seguidor y amigo.

"I Will Love You at All" es, hasta la fecha, el último LP de Darren Hanlon, y el primero en ver la luz con el sello Yep Roc. El disco está grabado en la estadounidense ciudad de Portland, con la que el músico australiano mantiene una estrecha relación, y el responsable de la producción del mismo es Adam Selzer, quien también está detrás de trabajos de músicos como The Decemberists, M. Ward o She & Him. El disco es una mezcla de la sencillez folk y del pop inteligente que tan bien domina Hanlon, un compendio de canciones que se mueven por terrenos agridulces, con unas letras que son capaces de sacarnos una sonrisa incluso en las situaciones más insospechadas; Darren Hanlon es ante todo un magnífico contador de historias. En una primera escucha, "I Will Love You at All" puede resultar un disco sencillo y amable, pero si nos exponemos en repetidas ocasiones a las canciones del australiano, nos encontraremos con historias llenas de aristas, así como con un variado catálogo de melodías y detalles que a simple vista pueden pasar desapercibidos, detalles que enriquecen el disco hasta acabar confiriéndole una pátina especial. "Butterfly Bones" es el tema que abre el disco, y es una canción que funciona perfectamente para hacernos una idea de cómo es el recetario musical de Darren Hanlon: una voz cálida, de calidad pero sin grandes alardes, una instrumentación cuidada, con delicados detalles, y un aire melancólico que se mueve en coordenadas próximas al melodrama; al fin y al cabo, qué es la vida sino un enorme melodrama... El testigo lo recoge "Modern History", un notable acústico que incluye voces femeninas y que navega cercano a algunos temas de The Jayhawks. "Scenes from a Separation" es una de las mejores canciones del disco, claro exponente del estilo de Hanlon, una historia que ahonda en las relaciones sentimentales, uno de los ejes compositivos del australiano, que canta al amor y al desamor, pero huyendo de manidos tópicos y creando intimistas historias en torno a curiosas situaciones. El cuarto tema, "All These Things", es el single por excelencia del LP, una canción pegadiza, un ejercicio de ukelele contagioso y delicados arreglos de metales; un delicoso dúo con Shelley Short que en un mundo musical más justo merecería sin duda mejor suerte. "House" es un temazo, una canción que en la primera escucha puede pasar desapercibido, pero que a menudo que nos vamos adentramos en "I Will Love You at All" va creciendo de manera exponencial hasta colarse en nuestra cabeza y en nuestros corazones como uno de los mejores pasajes del álbum, casi ocho minutos en los que descubrimos al Hanlon más íntimo, más emocional. El disco también tiene cabida para momentos más lúdicos, como es el caso de "If Only My Heart Were Made of Stone", que cabalga entre el country y el pop, o la simpática "Folk Insomnia", donde Darren Hanlon hace gala de su inteligente sentido del humor. "Home", es una canción dedicada a su ciudad natal, Gympie, uno de los momentos más ligeros del album junto con la velvetiana "Buy Me Presents", que explora el lado más animado y bailongo de nuestro entrañable australiano. Por último, "What Can We Say?" cierra el disco, una canción con cuidados arreglos de cuerda y piano, con un tono instrumental que roza la épica, un registro que no encaja muy bien con la idiosincrasia del australiano.

Conocí a Darren Hanlon a través de la gira "My Dear Crooner", un proyecto capitaneado por Grabaciones en el Mar y que acercó a nuestro país a dos grandes músicos y amigos, como son Gary Olson y el propio Hanlon, que, perfectamente escoltados por nuestro admirado El Brindador, recorrieron varios puntos de nuestra geografía. En cuanto vi a ese menudo australiano en el escenario, solo con su guitarra, caí rendido a sus pies, su simpatía y su capacidad para contactar con el público le hacen valedor de un más que interesante directo. Cómo resistirse a alguien que se planta en el escenario, saca un papel arrugado de uno de los bolsillos de su pantalón y dice en un torpe español: "Hola, mi nombre es Darren Hanlon, soy australiano y no tengo nada que ver con Russel Crowe" (es obvio el parecido entre el cantante y el célebre actor) . Recientemente, Darren Hanlon, ha colgado en su web fotografías y anotaciones sobre sus conciertos en España. Estoy seguro de que su música y su peculiar universo de historias acabará atrapándoos. Tatuaos su nombre.

Como extras, os dejo unos cuantos enlaces: los oficiales (web y myspace), además del espacio que el músico tiene dedicado en la web de sus dos discográficas, Candle y Yep, también acompaña este texto una reseña de "I Will Love You at All", que apareció en la web de Pitchfork, y dos entrevistas; una de ellas para que perdáis tiempo leyendo e intentando descifrar esa lengua bárbara que es el inglés, y que figura en la web de The Au Review, y otra más atractiva, que podréis disfrutar a través de la web de RTVE, que colgó el audio del programa de Radio 3, Hoy Empieza Todo, y que dedicó su "Entrevista Acústica" a los tres responsables del tour My Dear Crooner. Y si todo esto os sabe a poco, os dejo una buena dosis de videos, los dos clips oficiales de "Butterfly Bones" y "All These Things" (Darren Hanlon es conodido por cuidar mucho sus videoclips, que se aproximan más al coprtometraje que al propio clip musical), y el especial que se le dedicó en Shoot The Player, donde interpreta "Folk Insomnia" y "Scenes from a Separation". Espero que os guste.

DARREN HANLON- I WILL LOVE YOU AT ALL

WEB OFICIAL DE DARREN HANLON

MYSPACE DE DARREN HANLON

DARREN HANLON EN CANDLE RECORDS

DARREN HANLON EN YEP ROC

RESEÑA DE "I WILL LOVE YOU AT ALL" EN PITCHFORK

ENTREVISTA A DARREN HANLON EN THE AU REVIEW

ESPECIAL DEDICADO AL TOUR MY DEAR CROONER EN HOY EMPIEZA TODO

DARREN HANLON EN SHOOT THE PLAYER

Una recomendación: Evripidis and his Tragedies

2011-07-23T18:33:00.019+02:00

Quienes soportáis mis digresiones, y aguantáis estoicamente las "turradas" mentales que puedo llegar a escribir en este blog, os merecéis un monumento en la plaza principal de vuestras respectivas ciudades. Vosotros, como iba diciendo, ya me vais calando y conocéis mi proverbial animadversión hacia esa época del año que en otros seres humanos despierta los más encendidos elogios: el verano. Pues bien, hoy quieros hablaros de algo estrechamente relacionado con el verano: la playa. Como es de suponer, es difícil que te guste la playa si no te gusta el verano, así que habéis acertado, la playa y yo somos una pareja mal avenida, nos vemos las caras una vez al año y a partir del tercer día nos hartamos el uno del otro; no sabéis cuanto lamento contradecir al maestro Jonathan Richman cuando canta aquello de "The beach be one of the best things we got...". Con el paso de los años mi relación con la playa se ha ido agriando más si cabe, probablemente el hecho de no saber nadar tenga mucho que ver en ese deterioro, ya que dicha carencia saca a flote (que bien traída esta expresión) mis más atávicos temores, haciendo asomar mis escasos complejos. Cuando uno era niño no saber nadar podía ser objeto de befa y mofa, pero en la playa podías pasar inadvertido. Uno, que ya es perro viejo en el arte del fingimiento y la impostura, podía emular a Johnny Weissmüller con tan sólo arrodillarse en una zona segura; el efecto, visto desde la toalla, era bastante convincente y no despertaba sospecha alguna en tus acompañantes. Pero con la llegada de la adolescencia la cosa se complicaba, había que convertirse en un macho alfa y aquello de ser un analfabeto del croll y la mariposa estaba sancionado con escarnio público, si podía ser delante de la chica que te gustaba, miel sobre hojuelas para el verdugo en cuestión. No saber nadar limita tu campo de acción en la playa de manera notable, sobre todo, obviamente, en cuestiones acuáticas, ya que te ves limitado al simple remojón, lo que se resume en una entrada-salida fugaz del mar, si uno no quiere que se perciba su tara náutica; la técnica del remojón se comparte con ancianos y niños de edad inferior a los 5 años.

Nunca he tenido un idilio con la playa, probablemente porque nunca he tenido grandes recuerdos relacionados con la misma, más allá del primer baño de G. en aguas mediterráneas. Mi historial amatorio carece de romances playeros, y eso es fundamental para llevarse bien con un lugar. Cuando aspiraba a una plaza de macho alfa, que finalmente me fue denegada, lo que más llamaba mi atención de la playa era la concentración de chicas venidas de otros lugares, aquellas procedencias despertaban en mi púber imaginación todo un catálogo lúbrico de posibilidades eróticas. Huelga decir que todo acercamiento se veía abortado ipso facto, debido a mi enfermiza timídez adolescente y a mi ausencia de pericia a la hora de desenvolverme en la playa. Siempre me han interesado los guiris, dicho sea con todo el cariño, sobre todo porque mi infancia y adolescencia se desarrolló en una época en la que en este país aún se respiraba cierto aire rancio, heredado de tiempos pasados, y la presencia en suelo patrio de ciudadanos de otros países suponía, en ocasiones, la entrada de nuevas ideas y de una conciencia social más avanzada. Eso es lo que más me atraía de niño cuando iba a la playa, los guiris; ver cómo vestían, qué música escuchaban, cómo se comportaban, contemplarlos, en definitiva, podía convertirse en una fuente de inspiración. Así acabé la década de los 80, con un incipiente ramalazo rapero y una indumentaria que prefiero no recordar. Menos mal que mis padres acabarían cambiando la playa por la montaña.

Hoy protagoniza la recomendación habitual de Rainy Day Music un guiri que visitó nuestra costa para quedarse, el griego Evripidis Sabatis y su proyecto musical Evripidis and his Tragedies. Evripidis nació en Atenas, donde recibió una completa formación como pianista clásico, podemos afirmar que su vida siempre ha estado estrechamente relacionada con la música, y desde que descubrió los discos de Mozart que atesoraban sus padres se despertó en él un anhelo muy vivo por convertirse en músico. Desde adolescente ya desarrolla un carácter hedonista que se convertirá en uno de los puntales de su música, el joven Evripidis pasa el tiempo tocando el piano, inventando piezas propias, todas ellas de corte clásico, y dibujando. Tras realizar parte de sus estudios en su país natal y en Londres, en 2004 decide trasladarse a Barcelona, donde concluirá su formación como diseñador y donde tomará forma su proyecto musical; una aventura que había comenzado en solitario durante sus últimos años en Atenas y en Londres. En Barcelona seguirá cultivando su pasión por la música, el dibujo, la escritura y, sobre todo, la vida y el amor, ese eterno sentimiento al que dedicará gran parte de sus composiciones. Evripidis comienza a tocar en algunos locales de la Ciudad Condal, lo hace solo, con la única compañía de su teclado, y poco a poco se va adentrando en la escena independiente barcelonesa, donde no tardará en hacer amigos. De este modo comienza a tomar forma Evripidis and his Tragedies, una banda sujeta a todo tipo de colaboraciones y mutaciones, una apuesta por el pop exquisito que navega entre el minimalismo y los arreglos barrocos, entre las melodías optimistas y los pasajes oscuros, contrastes en los que el piano y las voces se convertirán en los principales protagonistas. Entre los referentes que se suelen citar para referirse a la música de Evripidis figuran Stephin Merritt, The Beach Boys, Belle and Sebastian, The Shangri-Las, The Shirelles, Scott Walker, Jonathan Richman, Kate Bush e incluso el mismísimo J. S. Bach. Los textos de Evripidis huyen de los tópicos, mostrándose inteligentes y cercanos al humor negro, dejándose arrastrar en ocasiones por un romanticismo casi enfermizo y enarbolando en otros momentos la bandera de una mística oscura, tenebrosa.

Tras grabar un single en colaboración con los artistas plásticos Jeleton, para su proyecto "Las Lilas de Jeleton", verá la luz el primer, y homónimo, trabajo de Evripis and his Tragedies, gracias al sello Touchme en el año 2007. El disco se grabó en tan sólo cinco días, debido a lo ajustado del presupuesto, algo que tiene mucho mérito teniendo en cuenta, no sólo el más que notable resultado, sino sobre todo la complejidad de algunos pasajes y la variedad de instrumentos que se empleó en el proceso de grabación. Evripidis y sus compinches cocinan un disco a la vieja usanza, grabándolo en directo, al aire, sin mezclas, esto supone otro enorme mérito ya que el disco suena fresco e instantáneo, pero sin caer en el ameteurismo mal entendido. "Abroad" es la pieza que abre el LP de debut de Evripidis and his Tragedies, y simplemente resulta imposible no dejarse engatusar por la melodía inicial, que se abre con el piano y un coro femenino que dará paso a la más que solvente voz de Evripidis, formando un conjunto que recuerda a las bandas de chicas que tanto gustan al ateniense, un ejercicio de pop melodramático con un ojo puesto en el doo wop; un comienzo redondo y, para quien escribe estas líneas, una de las mejores canciones del disco. En líneas generales podemos calificar el debut de Evripidis and his Tragedies como un disco ambicioso, teniendo en cuenta la estructura y complejidad de algunos temas, la variedad estilística y la duración de los mismos, ya que no hay una sola canción por debajo de los 3 minutos. Los teclados se convierten en los protagonistas absolutos de las canciones de Evripidis, escoltados en todo momento por una cohorte de vocalistas femeninas que arropan las composiciones del músico ateniense, rememorando en varios momentos del disco al preciosismo vocal de The Beach Boys o a los Girl Groups de sello spectoriano. Como ya indicábamos unas líneas más arriba, el disco está lleno de contrastes, de claroscuros que nos conducen del optimismo rutilante a la tenebrosa introspección, podríamos afirmar que lo que predomina es el melodrama, capaz de robarnos una sonrisa para situarnos al borde del llanto trémulo a los dos minutos. Entre los momentos más brillantes del disco podríamos mencionar el ya citado inicio con "Abroad", que se ve perfectamente refrendado con "It's June Again", un tema con un comienzo exuberante, un coro de voces sobresaliente y ramalazos de pop ochentero, y con "Straydog", un tema conmovedor, que hace gala de un fraseo al piano que recuerda algunas Gymnopédies del maestro Erik Satie. "Ru Ru I'd Love To..." es el tema más desenfadado del disco, y también ha de situarse entre lo mejor del repertorio por su carácter adictivo, pop fresco con herencias del musical, presente en detalles como la conversación que el cantante entabla con sus coristas; "I Want to be There" suena melancólica, trayendo a nuestra memoria al Neil Hannon más intimista, es un tema que camina entre el minimalismo del piano y los sutiles arreglos, que destacan por las excelentes voces. Y de entre las favoritas también citaré "Red is the Sky Above the Harbour", el tema más ambicioso del disco, con una duración que sobrepasa los 6 minutos, una canción que se aproxima al cabaret, con un piano trotón y un Evripidis expresivo y dramático en su interpretación, al estilo del primer Rufus Wainwright, un tema que recuerda a los Decemberists más ácidos. El resto del disco mantiene un buen nivel, ofreciendo muestras de la versatilidad compositiva de Evripidis Sabatis, que le lleva de la épica pop, que se respira en cortes como "Transylvania", al surrealismo ambiguo y oscuro de "Some Night are Sleepless", con pasajes próximos al humor negro, como es el caso de "...'Cause I Shall Rise Again!", y flirteos con el pop preciosista y delicado, como en "The Long-Lasting Lovers", un disco que explora registros más contemporáneos y comerciales, ejemplo de ello es "Antarctica", pero sin abandonar el hedonismo marca de la casa, que tanta personalidad aporta a su música. El LP se cierra con "Gregory (We're Coming Out in the Light)", cuyo fraseo de piano recuerda a "Abroad", aunque con otro tempo y con una estructura instrumental más tupida, es como si entre la primera y la última canción del álbum se estableciese una relación a modo de obertura y cierre, funcionando como una de esas obras clásicas que tanto gustaban al pequeño Evripidis. Como sorpresa, tras una breve pausa en la pista número doce, comienza otro tema, en esta ocasión interpretado en griego por Evripidis Sabatis con la única compañía de su teclado.

El disco tendrá una buena acogida por parte de la crítica, y Evripidis comenzará a dar conciertos con su nuevo material, lo que le llevará a diferentes ciudades. El formato de la banda es más que variable: en ocasiones se juntan hasta once personas sobre el escenario, en otras en cambio la formación consiste en el propio Evripidis al frente de su piano. Los cambios, entradas y salidas, en la formación se convierten en una tónica habitual, formando parte del proyecto miembros de conocidas bandas de la escena como Le Pianc o Extraperlo, entre otros; a pesar de ello la apuesta de Evripidis Sabatis no pierde fuelle y sigue dando muestras de una enorme creatividad. A finales de 2007 graban un tema de Magnetic Fields para un disco de homenaje a la banda, y poco más tarde se embarcan en un proyecto audiovisual, grabando nueve temas para el corto de David Bestué "Historia de la Espuma", más recientemente, también pondrían música a otro corto, en este caso de Jordi Cusso, titulado "Hombre caminando". De entre sus últimas grabaciones habría que destacar el tema "All Those Summer Parties", que Evripidis y los suyos grabaron en exclusiva para la web del Barcelonés Magazine, la banda también ha participado este 2011 en el disco "Els Transports", dentro del ciclo Minimúsica (si tenéis niños en casa, echadle un ojo, os va a encantar, y si no los tenéis, también), que pretende acercar las bandas de rock y pop al público infantil, para que dejen de maltratar a sus padres con los Cantajuegos y torturas similares, para el citado disco aportaron dos temas: "Dreamboat" y "Motorbike". Y, obviamente, tenemos que destacar su incursión en el estudio para dar forma a su segundo trabajo, que verá la luz en septiembre de este mismo año y llevará por título "A Healthy Dose of Pain". También hay que destacar la labor de Evripidis Sabatis como diseñador y artista gráfico, un trabajo que ha desarrollado de manera especial en los tres últimos años, y que le ha llevado a colaborar con un buen número de publicaciones, así como en el diseño gráfico de algunos discos, además de participar en exposiciones, tanto colectivas como individuales. En cuanto a su faceta como escritor, tampoco podemos pasarla por alto, ya que recientemente se ha publicado su primer libro, titulado "El Calamor y otros mitos de la intimidad", un trabajo que recoge textos en castellano, letras de sus canciones en inglés e ilustraciones del propio artista, una obra consagrada al amor y a los amantes. Por si esto fuera poco, el polifacético ateniense también se encierra en la cabina y ofrece, con cierta frecuencia, sesiones como D.J. , animando el cotarro en diferentes locales de la noche barcelonesa y madrileña. Evripidis Sabatis, un peculiar personaje con toneladas de talento que no deberíais dejar escapar.

Como broche a esta extensa entrada (parece que volvemos a las andadas...) os dejo una buena dosis de enlaces y videos. En primer lugar los enlaces, por así decirlo, oficiales: la web, el myspace, el blog, el soundcloud y el bandcamp de Evripidis (en estos dos últimos podréis disfrutar de la preview de "A Healthy Dose of Pain", que suena a gloria bendita; serio candidato a disco nacional del año), seguidos de un completo perfil trazado por el propio ateniense en la web de Smoking Rolls, una estupenda entrevista aparecida en la web de Música Heineken y una reseña del primer disco de Evripidis and his Tragedies realizada en Muzikalia. Además un último enlace os llevará a disfrutar de la sesión que la banda grabó para Videotapas, con dos temas inéditos hasta la fecha, no os la perdáis. Y hablando de videos, y para alargar todavía más la entrada, he seleccionado tres: los clips de "Abroad", "Straydog" y "Ru Ru I'd Love To...". No tengáis miedo y daos un chapuzón en las reconfortantes aguas de Evripidis and his tragedies, no os preocupéis si no sabéis nadar. Espero que os guste.

WEB OFICIAL DE EVRIPIDIS AND HIS TRAGEDIES

MYSPACE DE EVRIPIDIS AND HIS TRAGEDIES

BLOG DE EVRIPIDIS AND HIS TRAGEDIES

SOUNDCLOUD DE EVRIPIDIS AND HIS TRAGEDIES

BANDCAMP DE EVRIPIDIS AND HIS TRAGEDIES

EVRIPIDIS EN SMOKING ROLLS

ENTREVISTA A EVRIPIDIS EN MUSICA HEINEKEN

RESEÑA DE EVRIPIDIS AND HIS TRAGEDIES EN MUZIKALIA

EVRIPIDIS AND HIS TRAGEDIES EN VIDEOTAPAS

Montreal- A Summer's Night (1970)

2011-07-20T18:06:00.001+02:00

Llegamos pronto para hacernos con un buen sitio, era importante figurar en las primeras filas si uno no quería perderse detalle de lo que iba a ocurrir. Al instante, aquella explanada, que todavía no había sufrido los estragos del ladrillo, ya estaba abarrotada. Mi abuelo aprovechaba la ausencia de mi abuela, quien no quería verse envuelta en semejantes follones, para fumar, mientras yo observaba absorto todo lo que sucedía a mi alrededor; tenía 15 años y todavía no me incomodaban las muchedumbres. No paraba de llegar gente, algunos ataviados de manera estrambótica, combinando colores que sólo el libertinaje estético de los ochenta era capaz de tolerar. La megafonía atronaba aquel tramo de carretera, haciéndose dueña y señora del cotarro, anunciando regalos y promociones, calentando el ambiente. Los responsables de la organización se esmeraban en que todo estuviese controlado, poniendo especial mimo en la seguridad, las motos de la policía hacían su aparición, desatando los primeros nervios entre los presentes. Tras un par de horas de espera comenzaron a escucharse los primeros gritos, producía un cierto respeto el contagio de esa masa sonora que se aproximaba, in crescendo, hasta resultar ensordecedora. Sin apenas darnos cuenta nos vimos imnersos en aquella locura, una catársis de gritos, exclamaciones, algunas de ellas malsonantes, palabras de ánimo y aplausos, que se entremezclaban con una marea de claxones y sirenas, capaces de seducir al mismísimo Odiseo. Nos hallábamos en pleno trance cuando desfilaron ante nuestros ojos todo tipo de colores, si pestañeabas te perdías el espectáculo. Y entre aquellos vertiginosos fotogramas multicolor, el ruido, jamás olvidaré ese ruído, sonaba como un tremendo escape de gas, un ensordecedor susurro metálico. Recuerdo ver el color amarillo, y el verde; el verde era uno de mis favoritos, aunque todos nos habíamos dado cita allí con la esperanza de verle a él, de verle ganar obviamente. Pero todo fue tan rápido, fue algo tan fugaz que en cierta manera me decepcionó, jamás pensé que aquel pelotón de ciclistas pudiese ser tan veloz, sólo pudimos ver con detalle a los rezagados, aquellos que, arrojada la toalla, ya no se preocupaban por los segundos perdidos. Con todos aquellos sentimientos encontrados regresamos a casa, donde nos esperaba el escarnio público de mi abuela, que nos abroncó por no haber conseguido ninguno de esos regalos que todo el mundo lucía orgulloso por las calles - ¡Lilas, que sois unos lilas, ni una gorra habéis cogido!- nos dijo con una franqueza demoledora. La escena se produjo en Jaca el 18 de julio del año 1991, durante la llegada del Tour de Francia, hace justo 20 años. A la mañana siguiente repetimos el ritual, decepcionados, por no haber visto a Perico Delgado cruzar la línea de meta en primer lugar, nos reunimos de nuevo para ver el ceremonial de las firmas y la salida neutralizada. No eramos conscientes de que estábamos asistiendo a un hecho histórico, ni mucho menos de que el protagonista del mismo iba a ser otro, aquel 19 de julio nació en Jaca Miguel Indurain, Miguelón, un tipo que nos hizo engancharnos al ciclismo y que abolió la siesta en España durante 5 veranos consecutivos. Es curioso como podemos encontrarnos en el lugar exacto y en el momento exacto sin ser conscientes de ello, es asombroso todo aquello que nos tiene deparado el azar, incluso a un lila como yo.

Hoy se asoma a esta lluviosa bitácora una banda que sin darse cuenta hizo un disco muy grande, un LP que pasó sin pena ni gloria por la historia de la música del siglo XX, hasta que en 2008 el sello Fallout reeditó una gema que se había convertido en pasto de coleccionistas; hablamos de Montreal y de su disco "A Summer's Night". Esta banda canadiense mezcla de manera soberbia el folk con la psicodelia y el jazz, poniendo especial cuidado en las voces, y haciendo gala de una sobria instrumentación, que huye de propuestas barrocas y grandilocuentes pero que arropa perfectamente a las voces principales a base de flauta, piano y sitar. Encontrar información acerca de Montreal en internet sin que Google te transporte a páginas de viajes es casi imposible, es por eso que me he dejado llevar en la introducción de esta entrada, ya os adelanto que hoy Rainy Day Music no va a parecer la Wikipedia. A pesar de ello podemos situarnos en el contexto histórico en el que aparece este disco, que fue grabado en Nueva York en el año 1970, unos meses antes de la célebre crisis que agitó los cimientos sociopolíticos canadienses, la Crisis de Octubre. Esta tensa y delicada situación fue fruto del agitado escenario ideológico y político del Canadá de los años sesenta y setenta, que con la irrupción en escena del denominado FLQ (Front de Libération du Québec) vivió sus momentos más complicados durante el citado mes del año 1970. Esta organización terrorista se atribuyó dos secuestros con los que intentó chantajear al gobierno canadiense, que acabaría declarando la ley marcial ante la gravedad de los hechos. Finalmente la crisis se zanjó con uno de los secuestrados asesinado y con el arresto de las dos células terroristas autoras del secuestro. Aquel controvertido escenario tendría sus consecuencias en todos los campos de la sociedad, y fundamentalmente supondría el final del terrorismo en Canadá y la apuesta definitiva por una vía democrática y pacífica hacia la independencia de Québec, algo que se vería también reflejado en la música. En los años posteriores a la crisis de octubre proliferarán las bandas y los cantautores de mensaje nacionalista, músicos que se expresan en francés y que apuestan por el folk y el rock progresivo como lenguaje musical. En medio de este panorama aparece Montreal, una banda de una delicadeza exquisita y con una apuesta musical diferente que poco tiene que ver con la de aquellos que triunfan propagando la doctrina nacionalista. Tal vez esa sea la clave para entender por qué el éxito de "A Summer's Night" fue tan escaso, tendrían que pasar unas cuantas décadas para que supiésemos apreciar en su justa medida el valor de este disco.

"A Summer's Night" contará con Fran Losier como vocalista principal, que con su deliciosa voz llenará de magia el disco, Jean Cousineau se encargará de la guitarra, mientras que al piano y al bajo estará Gilles Losier, este será el núcleo de Montreal, que además contará con la colaboración de cuatro músicos estadounidenses de relumbrón: Skeeter Camera, a la percusión , el flautista de jazz Jeremy Steig, el multinistrumentista Buzz Linhart, que se encargará del teclado eléctrico y del vibráfono, y el mismísimo Richie Havens, que además de coproducir el disco colaborará tocando el sitar en alguno de los temas. Definitivamente este LP debía haber sido todo un éxito en su momento, pero resultó demasiado atrevido para las emisoras más comerciales, que no se atrevían a pinchar un tema de casi 8 minutos como "Infinity", y al mismo tiempo resultó poco comprometido para quienes se habían involucrado en una nueva causa; no olvidemos que "A Summer's Night" está íntegramente cantado en inglés, con la excepción del tema que da título al disco, que introduce un par de estrofas en francés con un impostado y exagerado acento inglés. Personalmente destacaría dos canciones de entre todas las que componen el único LP de Montreal, y esas son, curiosamente, las dos primeras. "What About The Wind?" es un temazo de principio a fin, la voz de Fran, las acústicas creando un hipnótico bucle, y los bucólicos y lisérgicos susurros de la flauta, hacen de ella un tema inolvidable que te engancha desde el primer segundo. "A Summer's Night" no es tan brillante como "What About the Wind?", pero tiene algo adictivo, tal vez se deba al sentido del humor que destila su letra, con ese francés macarrónico que acabaría siendo la tumba comercial de esta banda, o al evocador "tumbao" que proporciona la percusión y el bajo en este tema, es posible que se deba al jazzístico pasaje central de la canción, un minuto de oro que muestra la calidad de los músicos que grabaron este LP, o quizás a la voz de los dos hermanos Losier que empasta a la perfección en los primeros compases de la canción. Sea como fuere, "A Summer's Night" resulta tan evocadora como lo pretende su título y se alza con uno de los primeros puestos en esta notable colección de canciones. El resto del disco no desmerece, aunque cuenta con algunos altibajos y el nivel de los primeros temas será difícil de igualar. Mención aparte merece el delicado teclado de "Circles and Lines", canción en la que Fran se destapa, una vez más, como una magnífica vocalista, sobria y seductora al estilo de las cantantes francesas, con un cierto aire masculino, o la sección rítmica de "Sometimes in Stillness", que raya al mejor nivel de la banda. En las aproximaciones más ortodoxas al jazz clásico, como es el caso de "Third Floor Walkup", Montreal baja un poquito el listón, y suena como una banda de club dedicada a interpretar standards. Hablando de standards, la banda hace una personal revisión de "Summertime", que suena fresca y original gracias a las voces dobladas de Fran y a la sobresaliente interpretación del flautista Jeremy Steig. "Every Passing Moment" y "Round and Round" se comportan como dos canciones correctas, que resultan agradables sin aportar grandes novedades, y en las que la voz de Fran recuerda, más que nunca, a la Nico de "Chelsea Girl". Y por último, "Infinity", la apuesta más arriesgada del disco, casi 8 minutos de acid folk que cuentan con el sitar de Richie Havens y en los que Montreal se muestra como una banda atrevida, que se mueve con comodidad en diferentes registros, dando forma a otro de los grandes momentos de "A Summer's Night".

Montreal tuvo una vida efímera, de hecho no grabaría ningún disco oficial después de este "A Summer's Night", pero su legado se antoja importante con el paso de los años, ya que su único LP ha ganado peso específico dentro del nutrido pelotón de bandas folkies y psicodélicas de finales de los sesenta y principios de los setenta, todo ello debido a la indudable calidad de sus composiciones. Unos temas que encuentran el contrapunto perfecto entre el vanguardista lenguaje de la psicodelia y las maneras tradicionales del folk, haciendo que las canciones resulten asequibles sin resultar vulgares. La historia de esta banda canadiense y de su LP es un ejemplo más de trabajos que no han sabido valorarse en su debido momento, discos que han necesitado un tiempo de reposo para poder ser debidamente degustados por los paladares más exquisitos, los de aquellos abnegados coleccionistas que pusieron especial ahínco en que este ignorado y atípico disco de folk se convirtiera en un referente dentro de su género, hasta el punto de que se le dedicase la reedición que tanto se merecía y que contribuiría a darle una segunda oportunidad a un álbum que en su día mereció mejor suerte, sin duda alguna. Yo también merecía mejor suerte a la hora de buscar enlaces en la red, pero creedme que no he encontrado una sola referencia de enjundia al disco de Montreal, es por eso que el apartado de enlaces de esta entrada figura raquítico, si alguien conoce alguna reseña de calidad o quiere aportar algo a lo aquí señalado no tiene más que utilizar los comentarios para ello, cualquier colaboración será bien recibida. Para los yonquis de la información, como yo, os dejo un fantástico artículo aparecido en El País, con motivo del vigésimo aniversasio del primer maillot amarillo de Miguel Indurain. En cuanto a los videos, más de lo mismo, no he encontrado uno sólo, alguna pista de audio en Youtube con la imagen fija de la portada del LP y punto, así que me he decantado por dejar dos pistas de audio y hacer uso de Goear, que hacía mucho tiempo que no echaba mano de esta herramienta; las elegidas han sido mis dos favoritas: "What About The Wind?" y "A Summer's Night". Ojalá vosotros estéis siempre en el lugar indicado y en el momento indicado, el azar es caprichoso y nos tiene reservadas todo tipo de sorpresas, pero no olvidéis que un día se puede ver fracasar a Perico Delgado y al día siguiente, y sin ser consciente de ello, presenciar el nacimiento de un mito, como fue Miguel Indurain; la vida es así de voluble y por ello nunca se debe perder la esperanza. Espero que os guste.

MONTREAL- A SUMMER'S NIGHT

INDURAIN, 20 AÑOS A SU PESAR

The School- Loveless Unbeliever (2010)

2011-07-15T10:46:00.002+02:00

Como cada año, para desgracia de los yonquis de la lluvia y de los ocres otoñales, el verano ya está aquí. Una vez más, quienes me conocen me oirán despotricar acerca de los rigores estivales, las fiestas de los pueblos y la indumentaria veraniega; de los aromas corporales mejor no hablamos. Probablemente sólo haya una cosa del verano que me guste, y ésa es la música. Curiosamente, a pesar de mi adicción a los sonidos "lluviosos", hay algo en la música veraniega que me atrapa irremediablemente, pero ojo, no estoy hablando de la música de chiringuito ni de las manidas canciones del verano, sino de sonidos luminosos y animados, aquellos que se dejan llevar por el hedonismo y los amores intensos y fugaces propios del estío; otro día si queréis hablamos de mi encuentro con Georgie Dann, totalmente verídico. Pues bien, hay discos que huelen a verano, pero no a ese verano de mar y loción solar, ni siquiera al de bus urbano del mes de agosto en hora punta (cientos de axilas descontroladas y en pie de guerra), son discos que huelen a vida, pedazos de plástico que desbordan un engañoso optimismo y que son capaces de dibujarte una sonrisa con apenas una cuantas notas. Hoy me he convertido en Ebenezer Scrooge y he sido visitado por el fantasma del verano pasado, así que, poseído por una desconocida euforia veraniega, os traigo uno de esos discos. Ya sé que "Loveless Unbeliever" se editó el año pasado, pero estoy casi convencido de que este 2011 va a ser vuestro disco del verano, si todavía no me creéis, seguid leyendo.

The School surgen en el año 2007 como el proyecto en solitario de Liz Hunt, quien hasta entonces había militado en The Loves, será a partir de entoces cuando esta galesa dé rienda suelta a su creatividad musical, facturando un pop luminoso, con regusto sesentero y de una sobresaliente exquisitez melódica, que pone especial celo en los arreglos y las voces. El talento de Liz Hunt no pasó desapercibido para Elefant Records, que no dudó en ofrecerle un contrato cuando The School apenas había echado a rodar como banda; tan sólo habían ofrecido cuatro conciertos teloneando a Saturday Looks Good To Me cuando firmaron con el sello español. The School no esconden sus influencias, que van desde los Girl Groups de los 50's y 60's, o el sonido Phil Spector, a formaciones clásicas como The Beach Boys, e incluso compañeros de generación como Camera Obscura o Lucky Soul. Con esos mimbres, y una fuerte dosis de personalidad aportada por su líder, la formación galesa dará forma a dos singles en el año 2008: "All I Wanna Do" y el EP "Let It Slip". Ambas referencias tendrán una fantástica acogida y proporcionarán una estupenda carta de presentación a la banda, que se embarcará en una intensa gira por diversos países europeos. Al mismo tiempo, The School participarán en varias sesiones para la BBC, convirtiéndose en uno de los grupos del momento dentro del panorama pop, siendo presentados como el relevo de Belle and Sebastian y Camera Obscura. A lo largo de 2009 la popularidad de The School sigue en aumento, y sus canciones figuran en varios recopilatorios, graban temas nuevos, entre ellos una versión del tema de Left Banke "And Suddenly", que figurará en un single compartido con George Washington Brown, además continúan ofreciendo directos e incluyen dos de sus temas en la banda sonora de la película española "Yo también". Todo ello contribuirá a allanar el terreno para la grabación del primer LP de la banda de Cardiff en abril de 2010, que incluirá varias de las canciones que ya habían grabado junto a composiociones nuevas.

"Loveless Unbeliever" es toda una declaración de principios, un álbum en el que Liz Hunt y el productor Ian Catt se obsesionan en conseguir el sonido pop perfecto. El resultado es un disco brillante, en el más amplio sentido del término, un disco con un sonido cristalino y con unas melodías capaces de atrapar al oyente desde la primera escucha. La puesta de largo de The School suena a disco atemporal, a temprana obra maestra que figurará en lo sucesivo en los hitos del pop de nuestro actual siglo XXI. Pero para obtener este resultado fue necesario tiempo y muchísimo esfuerzo, no en vano la formación cambiará de miembros en varias ocasiones a lo largo de la grabación del LP; a pesar de todo ello, el resultado es magnífico. "Loveless Unbeliever" está compuesto por las cuatro canciones que figuran en el EP "Let It Slip", las dos del single "All I Wanna Do", y 7 nuevas composiciones, llevando todas la firma de Liz Hunt, salvo dos de ellas, "All I Wanna Do" y "I Want You Back", donde la galesa comparte autoría con el guitarrista Simon Stone. Una vez más, hay que entonar el tópico que afirma que The School no inventan nada nuevo; puro perogrullo ¿acaso alguien les pide que lo hagan? No es mi caso, desde luego. Ya hemos hablado de las influencias de estos galeses, que vuelven a plasmarse en su primer LP, no obstante, The School consiguen un disco fresco, demostrando que son una formación que se mueve muy bien entre la melancolía y el hedonismo, con una gama instrumental y estilística que abarca desde el pop de cámara hasta el sunshine pop, sin dejar de lado interesantes ramalazos soul. Resulta complicado destacar una única canción de este disco, yo prefiero hacer hincapié en su maravilloso comienzo, con una sucesión de canciones inolvidables que se convierten en himnos instantáneos, canciones que hablan de amores y desamores, costumbrismo pop que no pretende cambiar el mundo pero que nos ayuda a espantar nuestros demonios, bien por identificación y empatía, o bien a través de la pista de baile, aquella que jamás debió cerrarse para discos como "Loveless Unbeliever". "Let It Slip" abre el disco como un cañonazo, una adictiva golosina pop, una canción perfecta que nos deja pidiendo más. Pronto nuestro voraz apetito se verá colmado con temazos del calibre de "Is He Really Coming Home?", "Valentine", "I Want You Back", "Is It True?" y "I Love Everything", un comienzo sin mácula, perfecto. Sin ser una mala canción, "Can't Understand" baja un poquito el nivel, que se recupera enseguida con "The One Who Left Me" y con la animada "Hoping and Praying", uno de los hits del disco, cuyo final trae a nuestra memoria el "Shout!" de los Isley Brothers. "Summer's Here" nos deja un cierto regusto ochentero, pero podéis estar tranquilos, ni rastro de sintetizadores ni de laca, acto seguido aparece "Shoulder" al rescate, un himno barnizado con el sabor agridulce que deja el final del verano, para dar paso a "All I Wanna Do", una canción que podría llevar perfectamente la firma de Neil Hannon (es obvia la semajanza del fraseo del piano con "Everybody Knows (Except You)". Finalmente, la amarga "I Don't Believe In Love" cierra el disco, se trata de uno de los temas que más recuerda a esos Camera Obscura de la primera época que tanto gustan a Liz Hunt y los suyos, aunque a mí también me recuerda a otra gran banda como es The Essex Green. La acogida de "Loveless Unbeliever", por parte de la crítica especializada y del público (que es al fin y al cabo quien consume los discos), fue realmente buena, figurando enseguida entre los mejores trabajos del pasado 2010. Poco a poco, The School va ganando enteros como una de las principales apuestas del pop de calidad, aquel que no entiende de modas y que apuesta por unas raíces bien definidas y reconocibles. Sinceramente, creo que muy poca gente puede resistirse a un disco como "Loveless Unbeliever", así que, mientras llega una nueva entrega de Liz Hunt y sus compinches, seguiremos pulsando el play del reproductor para disfrutar de esta maravilla, sea verano u otoño.

Y así llegamos al cierre de esta entrada, a la que echamos la persiana en forma de enlaces. En primer lugar los clásicos, web oficial y myspace de la banda, junto con el completísimo espacio que Elefan t dedica a The School en su web. A continuación dos reseñas de "Loveless Unbeliever", una en lengua culta, en la web de Je Ne Sais Pop, y otra en lengua bárbara, realizada por la BBC. Además podréis desempolvar los cassettes de Planeta DeAgostini y poner a prueba vuestro inglés para disfrutar de una magnífica entrevista realizada a Liz Hunt en la web SoundsXP, y por último la actuación completa de la banda en los conciertos de Radio 3; canela en rama. No podrían faltar además los vídeos, dos en esta ocasión, los clips oficiales de dos temazos de "Loveless Unbeliever": "Let It Slip" y "Hoping and Praying". Y recordad, lo mejor del verano es que cuando empieza ya queda menos para que llegue el otoño; si a eso le añadimos, como banda sonora, canciones como las de este "Loveless Unbeliever", obtendremos como resultado un verano más llevadero. Espero que os guste.

THE SCHOOL- LOVELESS UNBELIEVER

WEB OFICIAL DE THE SCHOOL

MYSPACE DE THE SCHOOL

THE SCHOOL EN LA WEB DE ELEFANT

RESEÑA DE LOVELESS UNBELIEVER EN JE NE SAIS POP

RESEÑA DE LOVELESS UNBELIEVER EN LA WEB DE LA BBC

ENTREVISTA A LIZ HUNT EN SOUNDSXP

THE SCHOOL EN LOS CONCIERTOS DE RADIO 3

The Dutchess and The Duke- She's The Dutchess, He's The Duke (2008)

2011-06-30T08:46:00.000+02:00

Hoy quiero dedicarle esta entrada a mi buen amigo Iñaki, lector en la sombra de esta bitácora, que de vez en cuando asoma la patita en los siempre necesarios comentarios que acompañan a cada post. Hace unos meses (realmente ha llovido ya mucho desde entonces) estuvimos juntos en la magna Caesaraugusta compartiendo mesa y mantel, latas de cerveza barata (la más barata, de hecho), festejando la amistad y por supuesto, escuchando discos, ese vicio que jamás podremos desterrar de nuestras pecaminosas vidas. Cuando Iñaki y yo nos juntamos nuestras respectivas ejercen, más si cabe, de santas sufridoras y tienen que aguantar conversaciones interminables acerca de música y músicos, nos ponemos al día acerca de nuevos descubrimientos, reseñamos los últimos conciertos a los que hemos asistido y traficamos con todo tipo de "drogaína" musical; llegamos a ser verdaderamente cargantes, algo que también me ocurre con otros tunantes, como por ejemplo Lobok75, ése sí que es peligroso... Pues bien, estando en mi humilde hogar realicé una pinchada a modo de homenaje a mis insignes invitados donostiarras, y me detuve especialmente en un disco que sabía que le gustaría a mi vicioso colega. Evidentemente no me equivoqué, son muchos años juntos como para saber qué le puede gustar a mi amigo y qué no, el bueno de Iñaki se mostró sorprendido ante tamaña delicia discográfica y prometió hacerse con ella en cuanto se pasase por la guarida de uno de nuestros principales camellos, JC, regente de Bloody Mary y verdadero Pablo Escobar de la droga vinílica en Euskadi. Han pasado, como ya señalaba, muchos meses, y como en nuestras últimas conversaciones no me ha confirmado la adquisición de esta preciada mercancía, algo me hace pensar que se le ha olvidado el nombre de la banda, el título del disco, o ambas cosas; efectos secundarios de la cerveza barata (ojo, la más barata, repito). Aprovecho pues esta dedicatoria para refrescar la memoria de mi querido Iñaki, y de paso compartir con todos vosotros un disco que debería figurar entre lo mejorcito de cuanto se ha grabado en lo que llevamos de siglo XXI ¿Que exagero? Lo siento, cuando algo me apasiona soy así, y este disco me enamoró desde la primera vez que la aguja lo arañó, extrayendo toda la magia que la música puede desprender.

The Dutchess and The Duke nacen en Seattle en torno al año 2007, fruto del apareamiento musical y creativo de Jesse Lortz y Kimberly Morrison, duque y duquesa respectivamente. Amigos desde la adolescencia, compartieron formación desde 2002 como miembros de la banda de garage punk y R&B pantanoso The Flying Dutchman, donde Morrison, única integrante femenino del plantel, era apodada The Dutchess. Tras un breve periplo por distintas formaciones, entre las que figuran los grandísimos Fallouts, donde Kimberly tocó el bajo, Lortz y Morrison se reencontrarán en The Sultanas, banda bajo cuyo nombre editarán un single en el sello Boom Boom Party Records (of Renton), creado por el propio Lortz. Poco más tarde surge la idea de crear un proyecto más estable, será cuando The Dutchess and The Duke vea la luz, un nombre que es un guiño a su etapa en The Flying Dutchmen, y bajo el que grabarán dos LP's y tres singles. La puesta de largo del dúo tendrá lugar tras las buenas críticas que cosechó el single "Reservoir Park", grabado en 2007 en el sello de Lortz, y llevará por título "She's the Dutchess, He's the Duke", un maravilloso compendio de canciones que apuestan por un folk y un r'n'r minimalista y lo-fi, pero sin caer en el ruidismo ni en el amateurismo mal entendido, sino apostando por una producción que nos retrotrae al mágico monoaural de los vinilos de los 60. Desde un principio se comparó al dúo de Seattle con los primeros Stones, y es cierto que el tema "Reservoir Park" podría haber sido incluído perfectamente en el repertorio de "Aftermath" o en el de "Between The Buttons", también se dijo que volvían la vista hacia el Dylan más acústico, incluso se relacionó su sonido y sus armonías vocales con Mimi y Richard Fariña; sea como fuere, esta pareja musical, que no sentimental, consiguió crear uno de los mejores discos de 2008, una joya a la que parece no habérsele concedido toda la atención que merecía, pero que seguro que de aquí a unos años aparecerá en esas odiosas listas de "discos de culto".

¿Qué hace de "She's the Dutchess, He's the Duke" un disco tan especial? Sin duda dos aspectos: la sencillez instrumental y los maravillosos juegos vocales. En muchos de los temas de este disco no encontaréis más instrumentación que dos guitarras acústicas, una pandereta y unas palmas; componer con estos elementos tan básicos un temazo como "Reservoir Park" tiene mucho mérito, muchas bandas de adolescentes con cresta multicolor matarían por sonar tan punk. El disco de debut de The Dutchess and The Duke está grabado en un ocho pistas y rehúye de todo aquello que se acerce levemente a la sobreproducción, sin embargo hace gala de un inteligente uso de las voces, lo que nos regala momentos de una intensidad sobrecogedora, como en el caso de la maravillosa "Strangers", una de mis favoritas, la pegadiza "Back To Me", otra joya de poco más de dos minutos, la oscura "I Am Just a Ghost", o la espléndida "Mary", folk de pata negra con actitud punk. Siempre me ha hecho mucha gracia aquellos grupos que graban cuatro temas en un estudio, otros tres en otro y dos en casa, luego se van a 5000 kilómetros a mezclar el disco y más tarde se meriendan otra kilometrada para producirlo (a ser posible en Nueva York, que siempre suena más "cool"), no entiendo por qué no se simplifican las cosas, por qué tanta ambición y tantas molestias, como si no se pudiese hacer un disco de calidad con menos medios. Lo que verdaderamente importan son las canciones, y cuando éstas se interpretan de manera honesta y sin grandes pretensiones es cuando se suele acertar en la diana; una buena producción puede sacar mucho partido de un tema, incluso puede hacerle triunfar, pero una buena producción nunca salvará a una mala canción. Lo que Jesse Lortz y Kimberly Morrison nos ofrecen son precisamente buenas canciones, temas de una engañosa sencillez que conectan con el oyente a la primera, como si entre los músicos y nosotros se estableciese una extraña complicidad ¿quién puede resistirse a ello? En 2009 The Dutchess and The Duke editaban su segundo LP, titulado "Sunset / Sunrise", y como era de prever el dúo decidió dar un paso adelante con respecto a su debut y ampliar la gama de instrumentos, además de trabajar con mayor ambición en la producción del disco. El resultado es muy bueno, aunque personalmente prefiero su primer disco, ya que éste posee una inmediatez y una frescura que no es tan nítida en el segundo. Sorprendentemente, cuando todos esperábamos nuevo material del dúo, The Dutchess and The Duke decidieron poner fin a su andadura en octubre de 2010, por lo que quienes tuvimos la oportunidad de verlos en directo en la visita que hicieron en mayo del año pasado a nuestro país podemos considerarnos unos afortunados. En la actualidad, Jesse Lortz está enfrascado en un nuevo e interesante proyecto llamado Case Studies, en cuanto a Kimberly Morrison, desconozco su paradero musical, si alguien la ve, díganle que la echamos de menos.

Hoy traigo un montón de links, allá van: en primer lugar el myspace de la banda, eso sí, no esperéis actualizaciones, descansen en paz, a continuación os dejo dos reseñas del disco, una en lengua bárbara, en la web de Pitchfork, y otra en lengua culta, en el magnífico blog amigo Kick Out The Jams, auténtica biblia del garage y del r'n'r actual, gracias Óscar. También he querido recoger un artículo que la revista San Francisco Weekly dedicó a la banda en noviembre de 2011, y una completa entrevista publicada en la web Austin Town Hall. Y por último he incluído dos interesantes enlaces, el primero de ellos a la web de Daytrotter, donde podréis disfrutar de la sesión que el dúo de Seattle grabó en exclusiva para esta web, cuatro canciones que podéis escuchar y descargar para vuestro disfrute, y el segundo de los enlaces os conducirá a la web Luxury Wafers, para quienes The Dutchess and The Duke también grabaron una sesión, de hecho podréis ver dos videos y emocionaros con la magnífica interpretación de "Strangers" que nos regalan Jesse Lortz y Kimberly Morrison en verdadero estado de gracia, además también podéis descargaros mp3 grabados en exclusiva para esta sesión y contemplar un montón de fotografías, no os lo perdáis. Y por último, dos vídeos para cerrar la entrada, como de costumbre, el clip oficial de "Mary" y una actuación en directo en una tienda de discos en la que el dúo interpreta la magnífica "Back To Me". Iñaki, toma nota, ahora ya no tienes excusa, y sí, en Bloody Mary lo venden, al menos lo tienen en su web; estoy convencido de que este disco te va a enganchar de por vida, espero que te haya gustado la entrada. Ah, se me olvidaba, y a los demás visitantes de Rainy Day Music, espero que os guste.

THE DUTCHESS AND THE DUKE- SHE'S THE DUTCHESS, HE'S THE DUKE

MYSPACE DE THE DUTCHESS AND THE DUKE

RESEÑA DE "SHE'S THE DUTCHESS, HE'S THE DUKE" EN PITCHFORK

RESEÑA DE "SHE'S THE DUTCHESS, HE'S THE DUKE" EN KICK OUT THE JAMS

ARTÍCULO DEDICADO A THE DUTCHESS AND THE DUKE EN EL SFW

ENTREVISTA A THE DUTCHESS AND THE DUKE EN LA WEB DE ATH

THE DUTCHESS AND THE DUKE EN DAYTROTTER SESSIONS

THE DUTCHESS AND THE DUKE EN LUXURY WAFERS SESSIONS

Jimmy Smith- Prayer Meetin' (1964)

2011-06-25T09:36:00.001+02:00

Una vez que se abre el baúl de los recuerdos resulta complicado volver a echar el candado, de entre las nubes de polvo asoman viejos compañeros de viaje que nos transportan a un tiempo que, si bien no fue necesariamente mejor, sí que fue nuestro tiempo, algo que nadie podrá arrebatarnos jamás. Hoy quiero compartir con vosotros un disco fundamental en mi vida, ya que se trata del primer disco de jazz que compré. Afortunadamente sigue resultando emocionante descubrir artistas nuevos, sonidos diferentes, pero es conmovedor rememorar un tiempo en el que nuestros virginales oídos eran capaces de descubrir todo un estilo musical, un universo por explorar. Jamás había escuchado un disco entero de jazz, sólo algún tema suelto al que me había acercado con más miedo que interés, daba la impresión de que había que ser un entendido para saber apreciar un disco de jazz, y a uno le asaltaba el temor de perderse en escalas incomprensibles y en improvisaciones ininteligibles. Pero un buen día lo encontré ahí, en una estantería de CD's de precio medio, ese disco iba a cambiar mi percepción del jazz para siempre e iba a suponer el comienzo de mi romance eterno con una canción: "Stone Cold Dead in The Market". Lo único que sabía de Jimmy Smith era que una de sus composiciones, "The Sermon", figuraba en la banda sonora de "Barfly" (esa película traducida de manera cateta en nuestro país como "El Borracho"), pero no pude resistirme a esa portada, que mostraba a un Jimmy Smith en trance, con un cigarrillo pegado a los labios mientras atacaba inspirado las teclas de ese monstruo llamado Hammond B3, de fondo otro gigante, Stanley Turrentine insuflando alma a su saxo tenor como muy pocos lo han hecho en la historia de la música. Gracias a "Prayer Meetin' " descubrí que hay jazz más allá de las indescifrables improvisaciones de virtuosos pagados de sí mismos, que son el blues y el soul quienes marcan el camino a seguir, y que sellos como Verve o Blue Note atesoran unas joyas grabadas entre los años 60 y 70 que figuran, por derecho propio, entre las mejores grabaciones musicales del siglo XX. El jazz había entrado en mi vida y a partir de entonces se convertiría en un compañero inseparable, que me ha proporcionado algunos de los mejores momentos sonoros de cuantos he podido disfrutar. Gracias Jimmy Smith.

Nacido el 8 de diciembre de 1928, Jimmy Smith fue uno de los principales pioneros, si no el más importante, en el desarrollo musical, y sobre todo jazzístico, del órgano Hammond B3, un mamotreto de complejísima ejecución que hasta los años 50 dormitaba en las iglesias como mera comparsa de los coros de gospel. Siguiendo la estela de otros dos grandes visionarios del órgano como fueron Fats Waller y Count Basie, Jimmy Smith dotó de otra dimensión a este instrumento, convirtiéndolo en protagonista absoluto de unas revolucionarias sesiones que cambiaron para siempre el panorama de la música contemporánea. A partir de entonces el Hammond pasaría a estar presente no sólo en grabaciones de jazz, sino también en discos de música pop e incluso en los más vanguardistas movimientos enraizados con el, por entonces bisoño, rock'n'roll. Jimmy Smith fue en su día un niño prodigio, alentado por sus padres, también músicos, ya ganaba premios al piano con tan sólo 9 años. Pero será en 1955 cuando emerja su figura como gigante del jazz, en esta fecha Smith, que hasta entonces había alternado en diferentes formaciones el órgano con el piano, decide centrarse en el Hammond B3, comenzando de este modo una verdadera revolución musical. La valiente e innovadora propuesta de Jimmy Smith sacude los cimientos de la industria jazzística y el prestigioso sello Blue Note no tardará en reclutarlo para sus filas; comienza así una importantísima relación que dará como resultado alguno de los mejores títulos de la historia del jazz, entre ellos clásicos como "The Sermon" (1958), "Back at The Chicken Shack" (1960), "Midnight Special" (1960), y por supuesto "Prayer Meetin' " (1964).

Grabado en los prestigiosos estudios de Rudy Van Gelder el 8 de febrero de 1963, "Prayer Meetin' " fue el último de los cuatro discos que Smith grabó en el plazo de una semana, justo antes de iniciar su andadura en Verve. El formato elegido para la grabación será el de cuarteto, aunque en dos de los temas, concretamente los cortes 7 y 8 del disco, se añadirá un quinto miembro a la banda, concretamente Sam Jones, que se hará cargo del bajo. El cuarteto en nómina estará integrado por Stanley Turrentine, a cargo del saxo tenor, Quentin Warren, a la guitarra, Donald Bailey, al mando de las baquetas, y Jimmy Smith, quien por entonces ya era conocido con el sobrenombre de "El Increíble", creando magia con su Hammond. "Prayer Meetin' " es un disco deudor del blues, que mantiene cierto halo espiritual que lo emparenta con el gospel, y que además estrecha su mano amistosamente con el incipiente movimiento soul que por aquel entonces estaba sacudiendo los cimientos de la industria musical estadounidense. A lo largo de los 8 temas que componen el LP encontramos a un Jimmy Smith inspiradísimo que pone en práctica su personal manera de tocar el órgano, en la que se sirve de la técnica pianística y en la que hace gala de un virtuosismo sin parangón, emulando los sonidos del bajo con los pedales de su Hammond B3 ¿Estais escuchando el primer corte del disco? Pues bien, nadie toca el bajo, son los pies de Jimmy, alucinante ¿no? Pero además de Jimmy Smith hay otro nombre propio en este disco, el del saxo tenor Stanley Turrentine, que se entiende perfectamente con el organista, con quien colaborará en numerosas grabaciones, alcanzando unas cotas de calidad difícilmente superables; verdadero groove. Es difícil destacar un tema sobre los demás, aunque reconozco que siento especial debilidad por "Stone Cold Dead in The Market", un calypso que se hace grande en los dedos de Jimmy Smith y que se engalana con el saxo de Stanley Turrentine, es el tema más corto del disco y probablemente también el más accesible, aunque ello no le resta ni un ápice de calidad. "Picknickin' " también puede citarse como uno de los momentos álgidos del disco, un tema con un fraseo pegadizo y con unos solos verdaderamente gloriosos, y además es una composición original de Jimmy Smith ¿se puede pedir más? En resumidas cuentas, "Prayer Meetin' " es un disco que ya ha alcanzado el estatus de clásico dentro de la producción jazzística de los años 60, un LP de fácil escucha para los profanos en la materia que se convierte en la puerta de entrada perfecta para descubrir este maravilloso lenguaje musical que es el jazz, al menos a mí me sirvió para descubrir todo un mundo que a día de hoy no me canso de explorar. Eso sí, cuando me preguntan si me gusta el jazz, siempre contesto que sí, siempre y cuando pueda seguir el ritmo con los pies; el free jazz, el hard bop y todos esos ritmos frenéticos de endiabladas improvisaciones no están hechos para mí, me quedo con todo lo que me enseñó el maestro Smith.

Durante su etapa en Verve, Jimmy Smith mantendrá el nivel de calidad que había mostrado en Blue Note, llegando a grabar discos verdaderamente notables, como "Organ Grinder Swing" (1965), o el magnífico disco grabado con el guitarrista Wes Montgomery, "Jimmy & Wes: The Dynamic Duo" (1966). Durante la década de los 70 también se mantuvo muy activo grabando para diferentes sellos, aunque la calidad de sus discos se vio resentida, fruto de los puntuales abandonos de su formato habitual y su acercamiento a la big band, lo que hizo que alguno de sus discos de esta época careciese de la frescura y de la pegada directa de sus primeras grabaciones. Jimmy Smith siguió en activo, ofreciendo conciertos y grabando material nuevo, hasta sus últimos días; falleció el 8 de febrero de 2005, pasando a engrosar la lista de las grandes leyendas del jazz, no sólo como un virtuoso, sino como un verdadero transgresor, un visionario que con el tiempo se convertiría en una figura elemental para entender movimientos posteriores como el funk o el acid jazz.

Si queréis indagar más en la figura de este maestro os dejo unos cuantos enlaces: uno de ellos a una web, imagino que no oficial, consagrada al "Increíble" Jimmy Smith, un segundo que os conducirá a una biografía de este monstruo de las teclas en la página Apolo y Baco, en castellano, una biografía más, en este caso en inglés, en la página All About Jazz, y en cuarto y último lugar, un enlace al perfil dedicado a Jimmy Smith en la web del sello Verve. Si deseáis ver a Jimmy en acción, no tenéis más que darle al play del vídeo que acompaña esta entrada, una actuación en directo en la que interpreta "The Sermon", uno de sus temas más emblemáticos, en una sesión de 1964, es decir, el mismo año en que se comercializó "Prayer Meetin' ". Espero que os guste.

JIMMY SMITH- PRAYER MEETIN'

THE INCREDIBLE JIMMY SMITH

BIOGRAFÍA DE JIMMY SMITH EN APOLO Y BACO (EN LENGUA CULTA)

BIOGRAFÍA DE JIMMY SMITH EN ALL ABOUT JAZZ (EN LENGUA BÁRBARA)

JIMMY SMITH EN LA WEB DE VERVE

The Modern Lovers- Rock'n'Roll with The Modern Lovers (1977)

2011-06-21T16:52:00.002+02:00

Si fuese un tipo perezoso (algo que sólo reservo para los días pares, los impares prefiero ser abiertamente un vago), podría concluir rápidamente esta entrada del blog exclamando ¡Jonathan Richman es Dios! Pero para vuestra desgracia soy un individuo al que se le pegan los dedos al teclado con mucha facilidad, así que me vais a tener que aguantar unas cuantas líneas. Confieso que toda mi vida he sido un mitómano empedernido, el típico plasta que al final de los conciertos espera la salida de los músicos para pedirles un autógrafo e incluso hacerse una foto con ellos, el recopilador obsesivo compulsivo que guarda las entradas de todos los conciertos a los que ha asistido, un practicante ultraortodoxo de esta religión que es el rock'n'roll, y cuyo panteón se crea al gusto del creyente. Uno de los principales nombres de mi santoral es precisamente Jonathan Richman, a quien hoy le abrimos de par en par las puertas de esta bitácora.

Redactar este post tiene para mí algo de promesa, como esos compromisos que algunos adquieren a través de la fe, una fe a la que agarrarse cuando la razón niega todas las posibilidades. Recuerdo cuando vi por la televisión a Fernando Trueba recoger el Oscar, su ingenioso discurso en un paupérrimo inglés y su dedicatoria a Billy Wilder, yo tenía 17 años y apenas conocía al director de "Con Faldas y a lo Loco", pero no pasaría mucho tiempo en comprender la devoción de Trueba hacia Wilder. Hoy no voy a recoger un Oscar, pero afortunadamente hace ya unos días que he recuperado algo (y alguien) que había perdido durante los últimos tres meses, lo cual ha supuesto para mí y los míos una alegría superior a la que pueda proporcionar cualquier premio material. Durante todo este tiempo de espera e incertidumbre he llevado conmigo, físicamente, este disco, todos los días cada vez que traspasaba el umbral del miedo lo hacía acompañado de "Rock'n'Roll with The Modern Lovers" ¿Por qué lo hacía? Pues porque tengo la convicción de que allá donde vaya este disco nada malo puede ocurrir, lo mismo que pienso que si monto en un avión en el que hay un bebé no hay nada que temer. Los seres humanos somos extremadamente frágiles y a veces nos construímos absurdas corazas como las que hoy estoy compartiendo con vosotros, presagios irracionales y supersticiones que rozan el surrealismo, habrá quien lo denomine enfermedad, en mi caso prefiero llamarlo instinto de supervivencia. La cuestión es que me prometí a mí mismo que si San Jojo respondía a mi plegaria a través de su reliquia discográfica, le concedería el parabién de sacarlo en procesión a través de Rainy Day Music para que todos sus devotos pudiésemos venerarlo; dicho y hecho.

Hoy no voy a hacer una crítica de este disco, ni voy a reseñar los momentos más significativos de la carrera de Jonathan Richman, hoy simplemente quiero compartir con vosotros lo que significa para mí este entrañable bardo y lo que supone abrazar la fe del Richmanismo. "Rock'n'Roll with The Modern Lovers" llegó a mi vida en un momento de cambios y súbitamente se abrió un hueco entre mis discos de cabecera. Jamás había escuchado un disco tan fresco ni tan honesto como éste, fue como una epifanía, una revelación a través del sonido, a ratos melancólico, en ocasiones enérgico y por momentos de un optimismo casi infantil, que destilaban Jonathan y sus amantes modernos. Así fue como me convertí y como deje de lado todas mis creencias y mis miedos atávicos, a partir de entonces empecé a creer firmemente que nada malo podía ocurrirme mientras Jonathan Richman estuviese a mi lado. Con el tiempo fui adquiriendo gran parte de su obra y me introduje de lleno en sus enseñanzas, parábolas de costumbrismo surrealista en las que se hablaba de las desventuras del abominable hombre de las nieves en el supermercado, la comprometida aventura de un ciudadano medio en un bar de lesbianas, y por supuesto las múltiples conversiones de Jonathan, curiosamente siempre en cosas pequeñas: un pequeño aeroplano o un pequeño dinosaurio. Mi fe iba creciendo día a día y finalmente di el gran paso, me convertí en predicador de la iglesia Richmaniana, me propuse ayudar a los perdidos, a los desamparados, y a enseñarles la luz a través de las canciones de Jojo. Como en todas las religiones, era necesaria la figura antagónica del mal, y ésta no tardaría en aparecer en la persona de Pablo Motos ¿Qué hizo este humorista sin gracia para merecer semejante título? Durante su andadura radiofónica en la emisora M80, al frente del programa "No Somos Nadie", Motos y los suyos se dedicaron a pinchar una y otra vez la canción "Vampiresa Mujer", mofándose de Jojo, al que daban un trato de freakie similar al de Cañita Brava; tamaña herejía merecía un castigo ejemplar. Pero sin duda el momento que supuso un antes y un después en mi forma de vivir la fe Richmaniana fue cuando vi en directo a Jonathan, aquel día me sentí ungido por la paz y la bondad de este genio. Tuve además la suerte de poder estrechar su mano y de, como buen mitómano, fotografiarme junto a él. Le pedí una dirección de correo electrónico a la que enviarle las fotos y me contestó que él no tenía e-mail, en su lugar me dio una dirección postal, un domicilio al que hacerle llegar las instantáneas. Al cabo de unos meses, una postal de Edimburgo apareció en mi buzón, estaba escrita ni más ni menos que por el mismísimo Jonathan, que me agradecía el envío de las fotos; así es como se distingue a un artista de un ser humano, aunque no olvidemos que nuestro Jonathan es más bien un ser divino. De esta manera quedan configurados los principales preceptos de la iglesia Richmaniana ¿cómo, que faltan los milagros? Yo ya tengo el mío, ahora os toca a vosotros encontrar vuestro propio milagro. Amén.

Como colofón he seleccionado cuatro enlaces que os ayudarán a ampliar vuestros conocimientos acerca de la obra y milagros de Jonathan Richman, se trata de un Myspace (dudo mucho que sea oficial, me refiero a que lo mantenga y gestione el propio Jojo), una página española dedicada al genio de Massachusetts, y que todavía está en construcción, un interesante y completo blog, no oficial, consagrado a la figura del eterno Peter Pan, y un magnífico artículo aparecido en la web del Círculo de Bellas Artes. Además, para que veneréis la imagen de Jonathan Richman en movimiento, os dejo dos estupendos videos con dos actuaciones en directo: "Buzz Buzz Buzz" y "Now It's Better than Before". Hermanos, dejaos caer en la tentación y seguid el camino que nos muestra Jonathan Richman. Espero que os guste.

ROCK'N'ROLL WITH THE MODERN LOVERS

MYSPACE DE JONATHAN RICHMAN

JONATHAN RICHMAN (PÁGINA EN ESPAÑOL, EN CONSTRUCCIÓN)

JOJOBLOG (BLOG NO OFICIAL)

JONATHAN RICHMAN EN LA WEB DEL CIRCULO DE BELLAS ARTES

Una recomendación: El Brindador

2011-06-11T15:53:00.002+02:00

No se cansan de repetirnos que los tiempos están cambiando, hasta yo mismo lo he proclamado a los cuatro vientos desde esta bitácora, lo que uno no sabe muy bien es hacia dónde ni para qué está mutando nuestra dichosa suerte. Lo que parece evidente es que la libertad cada vez se parece más a un eslogan publicitario, una entelequia al servicio de unos gobernantes a los que no les tiembla el pulso a la hora de recortar derechos y de reconducirnos hacia las cavernas más oscuras de nuestra historia reciente. Hago esta reflexión al hilo de la decisión adoptada por algunos gobiernos de este Viejo Continente de revisar el Tratado de Schengen para así controlar la movilidad por Europa, lo que supondría reinstaurar las fronteras, llevándonos de vuelta al panorama sociopolítico que abandonamos hace casi dos décadas. Cerrarnos en nosotros mismos significaría alimentar nuestros más atávicos miedos y perder la posibilidad de enriquecernos mediante el contacto con otras culturas, impedir la libre circulación de personas por la Unión Europea sería uno de los más dramáticos daños colaterales de cuantos pudiera causar esta crisis, un error de esta envergadura se traduciría en el fracaso de la solidaridad entre pueblos y en el ocaso de la Europa plural. A quienes argumentan que a través de esas fronteras abiertas acceden a nuestros países pobreza y delincuencia, les diría que en primer lugar es muy peligroso generalizar, y puestos a ello observemos la cantidad de delitos cometidos por ciudadanos nacionales de cada estado de la Unión y los cometidos por los residentes extranjeros, y en segundo lugar les recordaría que es una obligación moral ayudar a aquellos que carecen de lo necesario para vivir y que debería ser propio de países civilizados y desarrollados ayudarles a emprender una nueva vida en la que no les faltase lo más elemental. Pero no sólo eso, también me gustaría recordar a los señores Sarkozy y Berlusconi que gracias a la apertura de fronteras y al libre tránsito de personas, un país puede verse afortunado con la presencia de artistas que contribuyen a crear una sociedad más madura, más crítica y mejor formada; quizás sea éso lo que tanto miedo les produce. Y digo ésto porque recientemente un interesantísimo músico procedente de otro país de la Unión se ha instalado en nuestra ciudad, se trata de El Brindador, y hoy me gustaría presentároslo dedicándole esta entrada de Rainy Day Music.

Eric Cihigoyenetche (lo siento pero no volveré a escribir este apellido a lo largo de esta entrada) llegó a Zaragoza procedente de Burdeos, y lo hizo persiguiendo al amor, la verdadera patria de los hombres libres. En Francia había militado en varias formaciones, como por ejemplo People on Holiday o Dollars, pero al aterrizar en nuestra urbe decidió emprender una carrera en solitario bajo el original nombre de El Brindador, convirtiéndose así en uno de los secretos mejor guardados de esta ciudad milenaria. El folk intimista de sus composiciones, junto a una pose entre canalla y melancólica, que le acerca a ese golfo entrañable llamado Gainsbourg, se convertirán en sus señas de identidad. Los acontecimientos se sucederán con rapidez y pronto Eric comenzará a tocar en los locales de Zaragoza, al mismo tiempo que perfila la grabación de una maqueta. Pedro Vizcaíno, cerebro del sello Grabaciones en el Mar, no tardará en fijarse en la personal propuesta de Eric y acabará estrechando su mano como muestra de una colaboración que, hasta la fecha, ha dado sus frutos en forma de dos grabaciones: un EP homónimo compuesto por tres temas y un mini LP de siete canciones, este último titulado "Weird Stories ". La música de El Brindador destaca por su desnudez, especialmente en el inspiradísimo EP que abre su carrera discográfica, una guitarra acústica y una mínima percusión suelen ser ingredientes más que suficientes con los que fabricar emotivas y elegantes canciones. El Brindador no es un virtuoso guitarrista, ni probablemente lo pretenda, pero se muestra como un interesante músico que huye de los acordes acomodaticios y repetitivos, un compositor interesado en los cambios de ritmo y en los originales arpegios que tanto abundan en sus canciones. La voz de Eric se mueve entre los registros de los cantautores más dramáticos, aquellos próximos a la figura del crooner más melancólico; ecos de Cat Stevens, Neil Young, Jim Croce e incluso de Scott Walker pueden encontrarse en algunos de sus temas, sin olvidar al eterno Nick Drake. No obstante, Eric no es un artista fácil de encasillar y sus canciones se mueven por terrenos heterogéneos que van desde la chanson hasta la psicodelia, pasando por el folk o los sonidos de raíces más americanas. En su primer EP, El Brindador muestra su lado más desnudo, aquel en el que una guitarra acústica y una voz de fuerte personalidad se bastan para cocinar tres maravillosas canciones; entre ellas "The Moonstone", una de sus mejores composiciones. En "Weird Stories", Eric abre su abanico instrumental a escuetos aunque efectivos arreglos, fundamentalmente de cuerdas, que contribuyen a enriquecer sus canciones, para ello contará con la colaboración de Cristian Barros y de Pablo Jiménez, ambos miembros de la inclasificable banda zaragozana Picore. La voz elegante de El Brindador y su inconfundible vibrato nos atrapan irremediablemente en temas como "Forks & Knives", que coquetea con el fantasma de Nick Drake, o en "The Trick", una canción a la altura del mejor Stuart Murdoch, en la que el dramatismo que emana de la voz de Eric resulta conmovedor, convirtiéndose además en el broche de oro a uno de los discos más interesantes del año, de cuantos se han editado en España. Personalmente prefiero a El Brindador más descarnado, más solitario, tengo la sensación de que algunas de las canciones de su mini LP sonarían mejor sin batería, sobre todo después de haberlas escuchado en directo sin acompañamiento alguno, a pesar de ello no hay que menospreciar la producción de "Weird Stories", un trabajo que ha sabido sacarle un lustre especial a temas como "Song from Another Time", "Jerks Around Midnight" o la ya citada "The Trick". Con respecto a este disco, me quedo con una duda, no sé si "Casual Day" me gusta o no, llevo tiempo escuchándola y aún no he llegado a una conclusión, eso sí, no puedo dejar de escucharla. ¡Salud, Eric!

Si queréis leer más acerca de El Brindador, os dejo unos enlaces, donde encontraréis la web oficial y el Myspace del artista, además de su página en Bandcamp, también podéis leer las reseñas de sus dos trabajos en JNSP y comprar sus discos en la web de Grabaciones en el Mar. Y como guinda a este suculento pastel, he seleccionado un par de vídeos, el videoclip de la maravillosa "The Moonstone" y una magnífica interpretación en directo, sin trampa ni cartón, de la no menos brillante "Forks & Knives" en la zaragozana sala La Lata de Bombillas. Espero que os guste.

PÁGINA WEB OFICIAL DE EL BRINDADOR

MYSPACE DE EL BRINDADOR

BANDCAMP DE EL BRINDADOR

RESEÑA DEL EP "EL BRINDADOR" EN JENESAISPOP

RESEÑA DE "WEIRD STORIES" EN JENESAISPOP

EL BRINDADOR EN GRABACIONES EN EL MAR (COMPRA Y NO SEAS PIRATA)

Bart Davenport- Game Preserve (2003)

2011-06-08T13:06:00.003+02:00

Es sorprendente la manera en que algunos músicos irrumpen en tu vida, cómo se instalan en tu subconsciente de una manera natural, sin promociones ni sobreexposiciones mediáticas, para acabar convirtiéndose en parte de tu existencia. Algo así me ocurrió con Bart Davenport, pero ojo, éste no es un caso aislado, quienes padecemos esta incurable enfermedad que es la adicción a la música pop y al r'n'r, hemos acabado desarrollando una relación tan estrecha con algunos de nuestros ídolos que casi hemos acabado por considerarlos miembros de nuestra propia familia. La primera vez que mi camino se cruza con el de Bart Davenport se debe a una cinta de VHS, entrañable sistema de video doméstico que aquellos que han nacido pasados los 90's apenas recordarán. El Templo del Gato, legendario garito madrileño, editaba un video con algunas de las mejores bandas que habían pisado sus tablas, ahí estaban formaciones como The Pleasure Fuckers, New Bomb Turks, D.O.A., y junto a ellos una banda californiana llamada The Loved Ones. Aquellos chavales le daban al soul y al R&B que daba gusto, y por encima de todo destacaba la voz de su frontman, un flacucho de veintipocos años llamado Bart Davenport, que se desgañitaba y se retorcía en el escenario. Aquel día conocí a Bart Davenport, ya han pasado más de quince años pero nuestra amistad se ha afianzado con el paso del tiempo, convirtiéndose en un fijo de mi tocadiscos, en una apuesta ganadora, en uno de esos amigos que nunca te falla cuando lo necesitas; así son los buenos músicos y así son los buenos discos.

Bart Davenport crece devorando la colección de discos de sus padres, hippies californianos de refinado paladar musical, por lo que no tardará en involucrarse en la escena musical de San Francisco. Primero junto a The Loved Ones, junto a quienes editará dos LP's, más tarde junto a The Kinetics, y por último en solitario, aunque sin renunciar a diversas aventuras, como es el caso de Honeycut o los más recientes Incarnations. "Game Preserve" es el segundo LP en solitario de Davenport y, hasta el momento, su trabajo más brillante. En él está acompañado de músicos de bandas amigas como Call and Response, Cake, Subtle, Dave Gleason's Wasted Days, y sobre todo de The Moore Brothers, responsables de algunos de los mejores momentos vocales del album. La producción, totalmente analógica y sin ningún tipo de exceso, correrá a cargo de Jon Erickson. Si por algo me gusta Bart Davenport es por su versatilidad, porque es un músico capaz de sorprender en cada disco y de no aburrir nunca, buena muestra de ello es "Game Preserve". Este es un trabajo en el que se dan cita todas las influencias del californiano, desde la bossa nova ("Swetest Game") hasta el soul ("Euphoria or Everyone on Earth is so Beautiful, Even You"), pasando por sonidos cercanos al pop independiente ("Summer in her Hair"), sin olvidar el soft rock ("Bar-Code Trees") de calidad que tanto reivindica Davenport en todos y cada uno de sus discos. Todos ellos son los ingredientes con los que nuestro entrañable trovador fabrica un disco de una calidad soberbia, un album que se vuelve enorme con cada escucha, una colección de canciones en la que, es cierto, asoma la sombra de alguno de los grandes, pero qué demonios, mi colega Bart ya es, por derecho propio, uno de los grandes.

Vamos poniendo el punto y final a esta entrada, que casi sin darnos cuenta estamos volviendo a las andadas y esto se está alargando. Si alguien quiere un poco más de información, os dejo unos enlaces, y como traca de fin de fiesta un video ¿alguien da más por menos? Ojalá este post sirva para que muchos de vosotros descubráis a este músico elegante y talentoso, que estoy convencido de que pasará a formar parte de vuestras vidas; otros seguro que os reencontraréis con un fiel amigo y os tomaréis unas cervezas mientras recordáis los viejos tiempos. Espero que os guste.

BART DAVENPORT- GAME PRESERVE

PÁGINA WEB OFICIAL DE BART DAVENPORT

MYSPACE DE BART DAVENPORT

CRÍTICA DE GAME PRESERVE EN EL OJO CRÍTICO

ENTREVISTA A BART DAVENPORT EN BUSCAMUSICA (2008)

ENTREVISTA A BART DAVENPORT EN MONDO SONORO (2009)

The Low Anthem- Smart Flesh (2011)

2011-06-01T12:23:00.005+02:00

Quiero dedicar la entrada de hoy, con la que como sabéis inicio una nueva etapa en el blog, a un fiel seguidor de esta bitácora; va por ti Txals. Y quiero dedicársela a él porque fue quien me descubrió este disco en su recomendabilísimo blog Route Americana, un ejemplo más de la labor divulgadora que se hace a través de estas plataformas que algunos se empeñan en demonizar, como si de delincuentes comunes se tratase. The Low Anthem son una banda oriunda de Providence, una formación que con cuatro discos en el mercado se ha convertido en una de las propuestas más personales e interesantes del rock de raíces y del nuevo panorama folk estadounidense, lo que se ha dado en llamar Americana. La banda se formó en 2006, con Ben Knox Miller y Jeff Prystowsky como cerebros principales, dos tipos de formación clásica, algo evidente en los peculiares arreglos de los que harán gala en sus discos, un año más tarde se unirá al proyecto Jocie Adams. Es entonces cuando The Low Anthem comienza a utilizar todo tipo de instrumentos en sus grabaciones, desde los más curiosos e insignificantes utensilios de percusión hasta viejos órganos que datan de la I Guerra Mundial, un hecho que les diferenciará de sus compañeros de generación, tan apegados a la estructura y al repertorio instrumental básico de una banda de rock. Tras dos trabajos autoeditados que les servirían para darse a conocer, The Low Anthem darán la campanada con un soberbio album titulado "Oh My God, Charlie Darwin", un disco que sería reeditado en 2009 por Nonesuch, lo que abriría las puertas de un mercado más amplio a la formación de Providence. Tras las excelentes críticas obtenidas con su tercer LP, la banda se encerrará durante tres meses a grabar su siguiente trabajo: "Smart Flesh"; para ello contará con el multiinstrumentista Mat Davidson, que se suma a la formación.

"Smart Flesh" se graba en una fábrica abandonada, que antiguamente se dedicaba a elaborar salsas para pasta, allí se recluye la banda en un acto de aislamiento, en un ejercicio catártico. La vieja fábrica se convierte en un elemento más del disco, aportando su peculiar sonoridad y sobre todo contribuyendo con sus silencios, breves instantes de quietud que hacen de "Smart Flesh" un disco conmovedoramente bello. Por lo demás, ecos de gospel, folk, country, y escuetas pinceladas de electricidad dotan al cuarto disco de The Low Anthem de una fuerte personalidad, que encuentra en el silencio su mejor baza, un silencio con el que ya han experimentado los grandes, desde Erik Satie hasta Miles Davis. Para quienes deseen pasar más tiempo pegados a la pantalla del ordenador he seleccionado unos cuantos enlaces; junto al consabido myspace y la web oficial de la banda, encontraréis vídeos (Blogothèque, Hauskonzerte y The Alternate Side) y una sesión de audio (Daytrotter Sessions), además de un especial dedicado a la banda en Nosoloindie y, por supuesto, la fantástica entrada consagrada a The Low Anthem en Route Americana. ¡Ah, y de postre un vídeo! Espero que os guste.

THE LOW ANTHEM- SMART FLESH

WEB OFICIAL DE THE LOW ANTHEM

MYSPACE DE THE LOW ANTHEM

THE LOW ANTHEM EN NOSOLOINDIE

THE LOW ANTHEM EN ROUTE AMERICANA

THE LOW ANTHEM EN LA BLOGOTHEQUE

THE LOW ANTHEM EN HAUSKONZERTE

THE LOW ANTHEM EN THE ALTERNATE SIDE

THE LOW ANTHEM EN DAYTROTTER SESSIONS

The Times They Are A-Changin'

2011-05-21T18:47:00.002+02:00

Afirmar que los tiempos cambian es una obviedad: cambios tecnológicos, científicos, sociales, crisis, en definitiva, que desembocan en una nueva manera de concebir el mundo que nos rodea. Basta con asomarnos a las plazas de nuestras ciudades en estos convulsos días para comprobar que la máxima musical lanzada por el viejo Bob se cumple de manera cíclica. Ahora sólo cabe esperar que los cambios traigan mejoras de todo tipo, y que nadie pesque en este río revuelto en el que nadamos y en el que muchos se ahogan sin llegar a la orilla. Nuestras vidas personales no son ajenas a la filosofía dylaniana, y en multiples ocasiones toca volver a sintonizar nuestros diales emocionales y vitales para adaptarnos a las nuevas circunstancias; es ahí precisamente donde yo me encuentro. Debido a un imprevisto de carácter familiar no he podido hacerme cargo del blog tal y como me hubiera gustado hacerlo, afortunadamente todo parece volver, con cautela y mucha pausa, a la normalidad. Pero en breve otro cambio, en este caso feliz, irrumpirá en mi/nuestras vidas, la llegada de un segundo hijo que, aparte de kilotones de felicidad, también supondrá una importante merma de tiempo libre, tiempo sin duda necesario para ocuparme de esta humilde bitácora. Tras analizar la situación, el equipo redactor de Rainy Day Music, compuesto por un servidor y sus múltiples, y patológicas, personalidades ha decidido que es hora de acometer un cambio, es momento de tomar importantes decisiones.

Antes de decantarme por una u otra opción, consulté a los visitantes del blog, un nutrido grupo de humanoides integrado por un mínimo de dos personas y un máximo de cuatro monos tití, a los que planteé las diversas variantes. La primera, y la más radical, consistía en echar el cerrojazo, entonar un himno fúnebre y dar por terminada esta aventura. La segunda consistía en someter el blog a un cambio radical, tanto en lo que se refiere a contenido como en lo que atañe al continente, y dedicarlo a colmar mis aspiraciones literarias; es decir, convertirlo en un blog de relatos cortos, aunque mínimamente relacionado con la música: el fracaso estaba garantizado. Y la tercera, justo es reconocerlo, la planteó uno de los asiduos de Rainy Day Music, y consiste en hacer del blog un sitio con menos carga de trabajo, lo cual se traduce en que desaparecerán las entradas kilométricas y los pormenorizados trabajos de documentación que tanto tiempo me ocupan. Analizado el estado de la cuestión, y sometida la misma a votación democrática, en la que únicamente yo tengo derecho a veto, hemos decidido que la elegida sea la tercera opción. De modo que, queridos míos, un nuevo Rainy Day Music acaba de nacer, inclinaos ante él y deseadle larga vida.

No sé si muchos de vosotros echaréis de menos el anterior funcionamiento del blog, lo que pretendo con este cambio es que las entradas me lleven menos tiempo, lo cual me permitirá actualizar con cierta frecuencia (incluso con más asiduidad de lo que solía hacerlo en los últimos meses); desde luego no estaba dispuesto a estar otros siete meses sin tocar el blog, como ocurrió anteriormente. Tendré que aprender a sintetizar, sacarle punta a mi escueto ingenio y apañármelas para presentar, de una forma medianamente atractiva, un disco en un solo parrafo. Aunque no lo creáis va a ser un drama no poder expandir mis textos hasta el infinito y más allá, a pesar de que un 99% de los visitantes del blog reconocen no leer las entradas en toda su extensión, curiosamente son los mismos que recomiendan tomar chicle sin azúcar después de cada comida. También he considerado oportuno llevar a cabo algunos cambios en el diseño del blog. Casi sin darme cuenta, han pasado tres años desde el nacimiento de esta bitácora y no ha habido ni una sola alteración en su apariencia física, así que ahora que ya es mayor (vista la esperanza de vida de los blogs) le toca vestirse de largo, y qué mejor ocasión que ésta para acometer dicha reforma; espero que os guste. Quiero agradecer, como siempre, el apoyo de todos aquellos que con sus comentarios han contribuído a que este blog siga vivo, es un placer y un lujo contar con vosotros como compañeros de viaje. Y bueno, para ir cogiendo práctica voy a poner el punto y final a esta entrada con la que da inicio una nueva singladura de Rainy Day Music: ¡Que no pare de llover! Un fuerte abrazo a todos.

Fionn Regan- The End of History (2006)

2011-03-17T20:06:00.003+01:00

En estos tiempos que corren uno tiene que hacer verdaderos esfuerzos por no convertirse en un paranoico. La visión sesgada que se nos ofrece de la realidad, así como la manipulación a la que somos sometidos por parte de los medios de comunicación y por parte de quienes ostentan el poder (que en muchos casos acaban siendo las mismas personas), hacen que nos preguntemos hasta qué punto somos conscientes de lo que ocurre a nuestro alrededor, o, por decirlo de otra manera, si es verdad todo cuanto se nos muestra. Es inevitable sentirse como un títere indefenso, a merced de una oligarquía mundial que teje y desteje a su antojo. Hace poco más de un mes tuve la ocasión de ver un documental excepcional, que recomiendo encarecidamente a todo el mundo, titulado "Comprar, tirar, comprar" (podéis verlo aquí), en él se analizaba el fenómeno de la obsolescencia programada, es decir, cómo algunos objetos, fundamentalmente electrodomésticos, se conciben y manipulan para tener una duración notablemente inferior a la que podrían alcanzar. En aras del voraz sistema capitalista, que se nutre principalmente del consumo, productos como las bombillas son manipulados para que no sobrepasen las 1500 horas de vida, mientras que existen estudios que han demostrado que podrían alcanzar hasta las 100000 horas de duración. Ese concepto de realidad distorsionada y, lo peor de todo, condicionada, me resulta aterrador, ya que genera una absoluta desconfianza hacia todo aquello que nos rodea. El mundo de la música no escapa a esta mezquina estrategia de control de las masas, y si no decidme ¿qué otra cosa es la radiofórmula? Seguro que más de uno de vosotros ha tenido que aguantar que le llamen "rarito" por escuchar discos que no figuran en los diales más convencionales; como bien señala un buen amigo mío, todo ese tipo de sonidos son "música para gente a la que no le gusta la música". A través de las emisoras más populares se crea un criterio único de lo que debe ser la música y, lo que todavía es peor, de cómo deben sonar las canciones que merecen ser populares o gozar de cierto éxito. Con todo ello se configura un panorama sonoro estándar, un patrón con el que someter a la población, una música de valores planos y sin mensaje que acaba creando ciudadanos acríticos y sin interés alguno en aquello que se sale de la norma; ciudadanos fáciles de controlar. Ellos marcan la pauta, son pocos, en comparación con la cantidad de propuestas sonoras que nos brindan otras alternativas, pero en cambio se arrogan derechos de autor y tienen la poca vergüenza de llamar a lo que hacen "arte". A mí me la traen al pairo los derechos de autor de Alejandro Sanz, como si se quiere gastar todo su dinero en una dentadura de diamantes, sólo quiero que me dejen descargarme libremente la música que me interesa para luego decidir si quiero comprarla, porque sigo siendo uno de esos enfermos que destina parte de su sueldo a adquirir discos, y algunos en vinilo ¿cuánto hace que tiró usted su tocadiscos, señora ministra? Si algo tengo claro es que, como cantaba el viejo Dylan, los tiempos están cambiando, y que internet es la herramienta más poderosa de cuantas ha creado el hombre después de la imprenta. Internet es un grano en el culo para el poder establecido, por eso en países como Irán o Corea del Norte el acceso a la red está controlado y sometido a una férrea censura. El poder de la red en los últimos acontecimientos históricos no es ni mucho menos anecdótico, como ejemplo podemos citar las revueltas en el mundo árabe, y cada vez son más las personas que utilizan internet como medio para exponer una verdad desnuda, a veces descarnada, cruel e incómoda que debería sonrojar a aquellos que se empeñan en maquillar la realidad a su antojo. Internet está cambiando el mundo y la concepción que tenemos de asuntos como la información o el acceso a la cultura, luchar contra ello con la beligerancia que muestran algunas administraciones es negar una realidad, es un acto de cobardía y una muestra de incultura que equivaldría a vivir en los albores del siglo XIX y estar en contra de la máquina de vapor. También hubo quien dijo que el cinematógrafo era un invento condenado a fracasar, e incluso hasta hace poco más de veinte años había quien negaba a la fotografía su entidad artística, el tiempo es un juez verdaderamente cruel con aquellos que se empeñan en negar la realidad. Hoy visita Rainy Day Music un joven que apuesta en su música por la desnudez y la honestidad, valores que muchos asociados de la SGAE desconocen; podéis estar tranquilos, Fionn Regan no manipula absolutamente nada, todo es lo que parece, y a veces es tan bello que asusta.

Fionn Regan nace en Bray, Irlanda, en 1981, sólo un año antes que Naranjito. El pequeño Fionn crece en un ambiente bohemio, auspiciado por las inquietudes artísticas de su familia, parte de su infancia se desarrolla en un hotel junto a la costa, donde los Regan vivían y trabajaban. Su padre, músico, le familiarizará con los instrumentos, así, este jovencito irlandés ya tocaba el piano, el violín y la guitarra antes de los 10 años. Fionn Regan creció escuchando blues y folk, en múltiples entrevistas cita a Leadbelly o a Woody Guthrie como grandes influencias, pero también se acercó a grandes bandas como The Velvet Underground, e incluso disfrutó de formaciones como Nirvana, al igual que cualquier teenager de mediados de los 90. Fionn Regan no tardaría en subirse a un escenario y en recorrer el país siendo todavía un adolescente, por lo que se puede afirmar que desde muy joven tuvo clara su vocación. La primera grabación oficial de Fionn Regan tiene lugar bajo el nombre de Bilbo, se trata de un EP titulado "Slow Wall", corría el mes de octubre del año 2000. A principios del nuevo milenio Fionn Regan se muda a Brighton, donde acabará firmando con el pequeño sello independiente Anvil Records, con ellos grabará un single y tres EP's: "Little Miss Drunk" en 2002, "Reservoir" en 2003, "Hotel Room" en 2004 y "Campaign Button" en 2005. Regan se mostrará en estas grabaciones como un cantautor clásico, en la línea del folk de principios de los 70, un músico influenciado por Nick Drake, y por su contemporáneo, Damien Rice, con quienes será comparado en lo sucesivo. En poco tiempo, Fionn se convierte en un músico con un futuro muy prometedor, un pequeño genio al que no tardaría en echar sus redes el exquisito sello Bella Union, que le ofrece grabar su disco de debut, será en 2006 bajo el título de "The End of History".

Fionn Regan quería que su disco sonase cercano e íntimo, de modo que no dejó que ningún divo con tendencia a la sobreproducción pusiese las manos sobre su retoño, él mismo produciría el disco, con la única ayuda de Simon Raymonde, capo de Bella Union y antiguo componente de The Cocteau Twins, en las mezclas. La idea que tenía Regan consistía en realizar una grabación analógica, haciendo tomas en directo, de este modo, no en vano, parte del disco está grabada en un abandonado granero de piedra con una grabadora portátil, sin trampa ni cartón. El disco se abre con "Be Good or Be Gone", el tema del disco que más difusión ha tenido gracias, entre otras cosas, a su aparición en la banda sonora de la exitosa serie Anatomía de Grey. Pero no os dejéis engañar, "Be Good or Be Gone" no tiene nada que ver con el pop facilón que suele sonar en la citada serie, ni despide el aroma a almíbar que caracteriza a las historias de estos médicos de ciencia ficticia, muy al contrario, estamos ante una cosa muy seria, algo que se demuestra en frases como ésta: "I Have Become an Aerial View of a Coastal Town That You Once Knew", tome nota, doctora. La guitarra arpegiada se convertirá en el santo y seña de Regan a lo largo de todo el disco, el irlandés se muestra como un buen guitarrista, con una técnica muy depurada que recuerda la forma de tocar de Nick Drake o de Bert Jansch. Aparte de eso, unos escuetos coros dan una nota de color a la canción, eso es todo. "The Underwood Typewriter" sigue los mismos esquemas, aunque añade una percusión prácticamente imperceptible y unas notas de cello; en tan solo dos canciones Fionn Regan ha planteado toda una declaración de intenciones y ha creado dos monumentos con los que se ha erigido en pieza fundamental dentro del panorama del folk contemporáneo. Más de uno se habrá quedado ya pegado al sillón, sorprendido ante lo que ha escuchado, pero todavía falta mucho por descubrir en este enorme disco, "Hunters Map", nos adelanta alguno de los instantes más brillantes de "The End of History". El tercer tema del disco tiene un halo oscuro que lo aleja del folk amable que tanto se estila hoy en día y lo sitúa próximo a las latitudes de otro gran maestro, Mark Kozelek y sus Red House Painters. La guitarra subiendo y bajando, las cuerdas pellizcadas y rasgadas, el sutil cello, la tenue percusión y las voces de acompañamiento, todo en esta canción me parece conmovedor y brillante. Pero espera, ni se te ocurra levantarte para ir al baño, porque Fionn Regan contraataca con otro de los momentazos del disco, "Hey Rabbit". Basta con escuchar las primeras estrofas del disco de debut de Fionn Regan para darnos cuenta de la importancia que le concede a las letras, sin duda nos hallamos ante un fantástico contador de historias, algo que sorprende por la temprana edad de Regan. En ocasiones parece como si Regan hubiese escrito la letra antes de componer la música, ello hace que resulte complicado insertar el texto en el cuerpo de la canción, forzando en determinados momentos la dicción y el fraseo, lo que otorga un mérito extra a la hora de cantar y resolver los temas con la brillantez con que lo hace el joven irlandés. "Hey Rabbit" es buena muestra de ello, pero no es una excepción, como veremos en lo sucesivo. Musicalmente hablando, el tercer corte del disco se asemeja a un vals, un formato que se ajusta cómodamente al fraseo de Regan y que le permite cierta versatilidad a la hora de cantar. Fionn Regan ha encendido la locomotora y no piensa parar, de modo que vuelve a la carga con "Black Water Child"; canela en rama. Esta vez la percusión es más patente, en forma de batería con escobillas, y la voz de Regan aparece empastada con otra que le dota de mayor profundidad. El ritmo se acelera un poco con respecto a los temas precedentes y Regan se atreve incluso con un leve falsete en la parte final del tema; todo ello hace que el disco no resulte plano a la primera escucha, aportando matices diferentes. Casi sin tiempo para recuperarnos de tanta intensidad emocional, nos topamos de frente con "Put a Penny in The Slot", uno de los puntos álgidos del album; sí ya sé que he dicho esto en más de una ocasión, pero es que el disco raya a un nivel muy alto. El sexto tema del disco es, como señala Stewart Mason en su reseña para allmusic, un clásico instantáneo, una canción que nos atrapa desde el primer acorde y que nos remite al folk de los años sesenta y a la música tradicional del período entreguerras. Únicamente suprimiría el coro que aparece en la parte central, preferiría que el total de la canción quedase desnudo, tal y como lo concibe Regan en la mayor parte del tema. A pesar de ello "Put a Penny in The Slot" es un tema como la copa de un pino, con una letra compleja , que cabalga entre la ironía y la melancolía, y que hace alusión a dos grandes escritores, como son Paul Auster y Saul Bellow.

Unos timbales abren fuego en el séptimo tema de "The End of History", dando paso a una guitarra rasgada y a la voz de Fionn Regan, se trata de "The Cowshed", una canción más convencional pero que no por ello baja el listón. La intensidad emocional se recupera rápidamente merced a otro gran tema, "Snowy Atlas Mountains", que recupera al Regan oscuro de "Hunters Map". Es curioso, pero oyendo temas como éste, y más leyendo atentamente la letra, uno tiene la extraña sensación de que algo está a punto de ocurrir, que algo va a explotar delante de nuestras narices, tal y como ocurre con alguna de las disputas conyugales de Raymond Carver; hay que reincidir en el talento literario de Fionn Regan, capaz de recrear escenas de una fuerza poética arrolladora. "Noah (Ghost in a Sheet)" es el noveno corte de "The End of History", una canción que sigue indagando en la faceta menos amable del folk, un tema que transmite una tristeza conmovedora. Personalmente, es la canción del disco que más me recuerda a Nick Drake, una canción mucho más compleja de lo que a simple vista puede parecer, una canción en la que las pausas y los silencios juegan un importante papel. La décima canción del LP es la que le da nombre, "The End of History", un tema con una letra ambigua y una base musical que deja pasar algún rayo de sol después de la oscuridad de los dos temas anteriores. Las voces están especialmente cuidadas y el trabajo de guitarras oscila entre los arpegios y las notas repetitivas a modo de mantra, una muestra de minimalismo bien entendido y enriquecido. "Abacus" es el penúltimo tema del disco, y muestra a un Regan desnudo que se enfrenta con la única ayuda de su voz y una guitarra a la titánica tarea de atrapar al oyente durante dos minutos y medio, un examen que el irlandés supera con nota. Y así llegamos al final de la mano de "Bunker or Basement", el duodécimo corte del LP, una maravilla en la que se introduce un tenue piano que acompaña a la voz y a la guitarra de Fionn Regan, que hace un trabajo sobresaliente con las seis cuerdas. En torno a los 3 minutos y 20 segundos, la canción da un giro, se oscurece y se vuelve instrumental, alcanzando un desarrollo que la llevará hasta los 6 minutos y medio de duración, y en los que piano y guitarra se reparten el protagonismo (acompañados de un escueto cello), creando entre ambos una bellísima atmósfera; imaginaos a Erik Satie haciendo folk a principios de los 70. Tras unos inquietantes instantes de silencio, Regan regresa para interpretar una canción sorpresa que permanece oculta en el minutaje de la última pista, se trata de "Campaign Button". En este caso merece la pena esperar, ya que nos encontramos a un Regan menos comedido en su fraseo y con más matices en su forma de cantar, un cantante como la copa de un pino que interpreta de manera soberbia una melodía con aroma a folk añejo; una bonita forma de cerrar un disco soberbio, uno de los mejores debuts de los últimos años.

La crítica sucumbió al encanto de "The End of History", a la frágil voz de Fionn Regan y a la sutil poesía de sus letras, el primer disco del irlandés apareció en un buen número de listas junto a lo mejor de 2006. El éxito del disco en el Reino Unido, haría que el sello estadounidense Lost Highway Recordings se hiciese con la distribución del album en los USA, abriendo las puertas de un enorme mercado al joven irlandés. Más tarde llegarían las giras, los festivales de verano y las nominaciones a importantes premios, como los Meteor Music Awards, que premian a los mejores artistas irlandeses, y en los que Regan estaría nominado como mejor intérprete masculino y como artista revelación, los Choice Music Prize, donde competiría para hacerse con el título de mejor album del año, o los prestigiosos Mercury Prize, a los que también optaría. No cabía la menor duda de que Fionn Regan había triunfado con su primer trabajo, ahora tocaba esperar la reválida con su segundo LP. Muchos eran los que se frotaban las manos pensando en el segundo disco del irlandés, los más mezquinos ya tenían escrita la crítica desde hacía tiempo, las plumas afiladas estaban listas para hablar de continuismo y de autocomplacencia, pero hete aquí que el joven genio les haría esperar cuatro años, los que han transcurrido hasta que "The Shadow of an Empire" viese la luz en febrero de 2010. Y justo cuando las críticas simplonas estaban a punto de enviarse a imprenta, los críticos descubrieron que el segundo disco de Regan se abría a la electricidad; justo como hiciese en su día Bob Dylan con "Bringing it All Back Home"; lo siento chicos, os han roto la cintura. Fionn Regan sorprende y se reinventa en su segundo largo, huye del camino fácil y del cliché y entrega un soberbio disco en el que explora registros diferentes del intimismo y de la melancolía de "The End of History", creando así una obra que se complementa con su antecesora ejerciendo de perfecto contrapunto y trazando una evolución coherente, que le lleva de lo acústico a lo eléctrico sin dejar de ser el magnífico contador de historias que es.

Como broche a esta entrada os dejo con los enlaces y los vídeos. Entre los enlaces encontraréis los ya habituales, que os conducirán al myspace y a la web oficial de Fionn Regan, además he seleccionado un link que os llevará al espacio que la discográfica Lost Highway Records tiene dedicado al músico irlandés, y que está bastante completo. Más adelante os daréis de bruces con dos reseñas de "The End of History", la primera en lengua culta, en Zona Musical, y la segunda en la lengua del Imperio, en la web de la BBC. Por si esto os parece poco, he recogido una entrevista a Fionn Regan realizada para la web Music Snobbery, y no sólo eso, sino que también podréis disfrutar de nuestro hombre en una de esas maravillosas sesiones a las que nos tienen acostumbrados los chicos de The Black Cab Sessions, y como colofón, he querido enlazar la web Lyricskeeper, donde podréis encontrar las letras de "The End of History". En cuanto a los videos, he escogido dos, el primero de ellos es el videoclip oficial de "Put a Penny in The Slot", mientras que el segundo muestra a Fionn Regan interpretando en directo, y al aire libre, el tema "Hey Rabbitt" para Electric Picnic TV; ambas canciones están incluídas en "The End of History" . Espero que os guste.

WEB OFICIAL DE FIONN REGAN

MYSPACE DE FIONN REGAN

FIONN REGAN EN LA WEB DE LOST HIGWAY RECORDS

RESEÑA DE THE END OF HISTORY EN ZONA MUSICAL

RESEÑA DE THE END OF HISTORY EN LA WEB DE LA BBC

ENTREVISTA A FIONN REGAN EN THE MUSIC SNOBBERY

FIONN REGAN EN THE BLACK CAB SESSIONS

LETRAS DE THE END OF HISTORY EN LYRICSKEEPER

FIONN REGAN- THE END OF HISTORY

Zumpano- Look What The Rookie Did (1995)

2011-02-24T17:50:00.001+01:00

Conforme uno va peinando canas (que ya es de lo poco que nos queda para poder peinar) se da cuenta de lo importante que es dar las gracias, una acción que en este mundo de prisas voraces y de egos superlativos olvidamos con bastante frecuencia. Cuando éramos niños, nuestros padres insistían en que dijésemos la palabra mágica a todo desconocido que nos diese un caramelo (otro día hablaremos de los caramelos con droga a la salida del colegio, qué fuerte...), nosotros asentíamos resignados y con un finísimo hilo de voz deslizándose entre nuestros labios susurrábamos unas "gracias" prácticamente inaudibles; el proceso de aprendizaje era costoso y se nos antojaba realmente complicado articular esas dos sílabas. "Es de bien nacido ser agradecido", me repetía mi padre, frase que con el tiempo he hecho mía en una clara muestra de la "carcamalización" a la que me estoy sometiendo; extraño animal el humano, al que hay que enseñarle a ser agradecido. Yo procuro comportarme como un bien nacido e intento dar las gracias siempre que puedo, hay tantos motivos por los que hacerlo que obviarlo sería de una arrogancia imperdonable. No quiero caer en la cursilería más almibarada, por lo que voy a omitir un millón de motivos por los que estoy agradecido a esta vida, los cuales prefiero reservar para sus principales destinatarios, pero sí que quiero agradecer de nuevo a todos los visitantes de Rainy Day Music su fidelidad, su complicidad y su compañía en esta singladura que va camino de cumplir tres años; gracias por todo lo bueno que me dais, que es mucho. Cuando uno emprende cualquier tipo de aventura personal ha de ser agradecido con todo aquel que le ha servido de apoyo, incluso con los adversarios (en caso de que los haya) que le han servido de estimulo para hacer mejor las cosas. Me encanta cuando un escritore dedica su libro a alguien, porque me hace fantasear con los motivos de tanta gratitud, pero sobre todo me gusta bucear entre los diminutos caracteres de los créditos de los discos en busca de los agradecimientos; dejad que os cuente algo acerca de una sorpresa que me esperaba escondida entre esas liliputienses letras.

Hace mucho tiempo el país estaba conmocionado por la olvidada crisis del fletán, aquel extraño incidente diplomático con Canadá que a punto de estuvo de convertirse en algo más serio. Yo no sabía qué era un fletán, la globalización piscícola no había llegado a la cocina de mi madre y a mí aún me quedaban unos cuantos años para descubrir especies como la Panga o la Perca del Nilo (¿qué demonios estaremos comiendo? Mejor no pensarlo). A mí todo aquello me daba igual, lo que verdaderamente me cabreaba de la crisis del fletán era que a consecuencia de la misma los visados a ciudadanos canadienses se habían denegado ¿Y qué me importaría eso a mí? os preguntaréis, pues muy fácil, una de mis bandas favoritas por aquel entonces, Bum, tenía programada una gira por España, la cual recalaba en mi ciudad, y tuvo que suspenderla por culpa de los dichosos fletanes y los besugos diplomáticos de turno. Bum era una banda canadiense diminuta para muchos pero enorme para mí, junto a otro buen puñado de melódicos airados se convirtieron en santo y seña de mis veinte años. Fue precisamente en el último disco de Bum (el último en el año 1 después del fletán, se entiende) donde me encontré por primera vez con nuestros lluviosos huéspedes de hoy. En los agradecimientos, mis añorados canadienses citaban a un sin fin de bandas, algunas de ellas eran conocidas para mí, otras me sonaban, pero mi atención recayó en una en concreto, "lookout for Zumpano" decían Bum. ¿Qué enigmático, verdad? Un agradecimiento y una encarecida recomendación al mismo tiempo; sin duda había que investigar. Los cachorros de la era digital serán incapaces de entender cómo un tipo podía gastarse 2500 pesetas (no saquéis las calculadoras, chavales, 15 eurazos) en un disco que nunca había escuchado, sólo porque lo recomendaba una banda a la que admiraba, internet estaba en pañales y Zumpano no sonaban en las emisoras de radio ni se dejaban caer por la MTV; había que jugársela, así es la droga (la de veces que hice este tipo de cosas, a veces salia bien, de otras mejor no hablar...). De modo que me puse en contacto con uno de mis camellos de aquel entonces y le pedí una buena dosis de Zumpano, pasaron los días y pronto cayó en mis manos un disco que me haría olvidar la crisis del fletán y se convertiría en parte muy importante de mi vida, así es como comenzó todo, con un simple agradecimiento.

Mientras Cobi y Curro andaban haciendo de las suyas, dos músicos canadienses, Jason Zumpano y Michael Ledwidge tomaban una decisión muy arriesgada para sus carreras, disolver su banda justo cuando estaban a punto de firmar con una importante multinacional; el motivo, considerar que la formación había degenerado en algo artísticamente impuro, aquella banda se llamaba Glee. Tras su alocada muestra de honestidad, aquellos dos jóvenes deciden embarcarse en un nuevo proyecto, para ello será clave otro músico, Carl Newman, amigo de la infancia de Michael Ledwidge. Superconductor era la banda en la que tocaba Carl Newman, una formación de Vancouver que se declaraba admiradora de Glee, de modo que cuando Newman, se enteró de la separación de estos, les propuso crear una nueva formación. Los tres músicos contarían con la ayuda del bajista Stefan Niemann, de este modo quedaría configurada la formación de Zumpano, con Michael Ledwidge a la guitarra y a los teclados, Carl Newman como cantante y guitarra rítmica y Jason Zumpano al mando de la percusión. Durante un breve período de tiempo la banda se llama The Wayward Boys, aunque finalmente deciden adoptar como nombre el apellido de su batería por su fuerte sonoridad, así es como nace Zumpano. Las coordenadas sonoras de Zumpano están muy claras desde el principio, formaciones como Love, The Beach Boys, The Left Banke, The 5th Dimension, y sobre todo The Zombies, figurarán en la hoja de ruta del cuarteto de Vancouver. La maquinaria de Zumpano se puso pronto en marcha y enseguida comenzaron los conciertos, varios de esos directos les llevaron a Seattle, donde la discográfica Sub Pop caería rendida a los pies de estos muchachos que facturaban un pop fresco y diferente a todo aquello que llevaba la firma del sello padrino del grunge. En 1994 Zumpano firma con Sub Pop, ese mismo año graban su primer tema, una versión de The Zombies, "Changes", para un disco homenaje editado por Popllama, titulado "The World of The Zombies". Un año más tarde sale a la calle su primer disco, "Look What The Rookie Did", una pequeña obra de arte que sería fundamental en el devenir de la discográfica de Seattle, ya que supondría su apertura a sonoridades diferentes de las que marcaron la transición entre la década de los 80 y la de los 90. Aquellas farragosas guitarras y aquella querencia por el ruido y la distorsión que dieron lugar al grunge, daban paso a las armonías vocales, las guitarras limpias y los arreglos cuidados característicos del pop artesano con sabor a años sesenta.

"Look What The Rookie Did" puede parecer una afirmación arrogante, pero en el fondo el título del primer disco de Zumpano nace de una broma entre los integrantes de la banda, de hecho es una frase de una película porno gay. Michael Ledwidge trabajó durante un tiempo duplicando cintas de video, muchas de ellas porno, y para matar el tiempo y entretenerse editaba sus propias cintas con extractos de diferentes películas, cintas que luego visionaba con sus amigos. "Look What The Rookie Did" fue una frase muy celebrada entre los jóvenes Zumpano, y que acabaría convirtiéndose en el título de ni más ni menos que su debut discográfico, pero con el paso del tiempo se ha convertido en una afirmación que ha cobrado más sentido conforme pasaban los años: "Mira lo que hizo el novato". Y es que estos novatos se encierran en un estudio en 1995 para dar forma a un disco soberbio, y lo hacen de manera inocente, con una naturalidad pasmosa, sin atisbo alguno de pretenciosidad; ahí reside, quizás, la grandeza de este disco, en su falta de pretenciones, en su espontaneidad, características que acabarán convirtiéndolo en un disco atemporal, un trabajo fundamental en la historia de la música de los últimos 20 años. El album comienza con "The Party Rages On", una canción luminosa, que en principio parece una muestra más de power pop, pero que se va complicando conforme transcurren los segundos. El trabajo de guitarras en el primer corte del disco es brillante, siendo ésta una tónica que dominará el album de principio a fin; los diálogos entre la guitarra principal y la rítmica, los punteos, algún riff lleno de energía, pinceladas de lap steel, constantes cambios de ritmo, todo ello nos dará una idea del nivel compositivo que desprende este LP. "The Party Rages On" es una declaración de intenciones, un compendio de lo que nos espera a lo largo de "Look What The Rookie Did", una canción capaz de sorprendernos, que huye de la monotonía y de las estructuras típicas del pop. A todo ello hay que sumarle una compleja letra, me refiero a la hora de insertarla vocalmente en el cuerpo de la melodía (intentad cantarla a modo de karaoke con el vídeo que encontraréis más abajo), la dicción es enrevesada y descubre a un Carl Newman rotundo, que se bautiza como pequeño genio en este disco para subir más tarde a los altares de la música independiente de la mano de The New Pornographers. "Oh That Atkinson Girl" es una deliciosa canción que se abre con un toque de flauta que da paso a unos Zumpano un poquito más acelerados que en la primera pista, una vez más, hay que destacar el papel de las guitarras, tarea en la que Michael Ledwidge es el principal responsable. El fraseo de la flauta es el distintivo de esta canción, que además se encarga de separar y estructurar las diferentes partes de la misma. El tercer tema de "Look What The Rookie Did" es una versión, la única de todo el disco, se trata de "Rosecrans Boulevard", de Jimmy Webb. Comienza con teclado y voz únicamente, para más tarde dar paso al resto de instrumentos, que poco a poco irán contribuyendo a complicar la melodía y a introducir los cambios de ritmo que tanto gustan a la banda. Sin duda, "Rosecrans Boulevard" es una canción que parece escrita para Zumpano, un tema que se ajusta perfectamente a los postulados de la banda y que enlaza perfectamente con el soft rock y con el pop barroco más elegante, por algo siempre reconocieron a Jimmy Webb como uno de sus principales referentes. "Platinum Is Best Served Cold" es, según mi opinión, el tema que menos encaja en "Look What The Rookie Did". No quiero decir que no esté a la altura del conjunto del disco, sino que suena diferente, como si se hubiese producido en otro estudio y por otras manos. A pesar de su arrollador comienzo, con ese punteo de guitarra que llevará el peso de la melodía, es la canción más plana del disco, y aquella en la que los cambios resultan menos sorprendentes, aún con todo, nos encontramos ante un gran tema. La quinta pista del disco es "Evil Black Magic", no os dejéis engañar por el título, lejos de encontrarnos ante un pelotazo de blues pantanoso fabricado en New Orleans, nos hallamos ante una monumental canción de pop con mayúsculas, la primera del disco en introducir metales. Zumpano vuelven a la senda del pop trabajado, pulido con maestría hasta la saciedad, y lo hacen con un tema que desprende elegancia desde el primer segundo. "Evil Black Magic" es una canción más convencional en su estructura, aunque sin renunciar a los cambios de ritmo, y con una sección de metales fantástica en el estribillo, que se acompaña de unas voces perfectamente empastadas. Y a partir de aquí agarraos bien fuerte porque se avecinan emociones fuertes, llegamos al cogollo del disco y tenemos por delante cinco canciones que deberían figurar por méritos propios entre lo mejorcito del pop de las últimas décadas. ¿No me creéis? Probemos con "Temptation Summary".

El sexto tema de "Look What The Rookie Did" comienza con un suave e insinuante punteo de guitarra, que en apenas unos segundos da paso a una cascada de instrumentos que se dejan llevar por una trepidante batería y que acaban rematados por una ráfaga de metales. El conjunto funciona como un caos perfectamente ordenado en el que destacan los punteos de guitarra y la magnífica voz de un inspiradísimo Carl Newman, que consigue una matricula de honor en otra complicada prueba en lo que a dicción se refiere. "Temptation Summary" es Zumpano en estado puro, con constantes cambios y con una instrumentación elegante y compacta. Si a estas alturas aún no te has enamorado de Zumpano no insistas, será mejor que te dediques a hacer otras cosas, aunque dudo que puedan ser más hermosas que esta canción. Casi sin dejarnos recobrar el aliento, el cuarteto canadiense contraataca con "I Dig You", un tema que parte de una estructura básica, en cuanto al cuerpo y al estribillo se refiere, y que cuenta con un trepidante in crescendo en su recta final que muestra a los Zumpano más guitarreros acompañados de un fantástico teclado. El octavo tema del LP es "Wraparound Shades", que de nuevo se abre con el teclado, en este caso las guitarras permanecen agazapadas otorgando protagonismo a la sección rítmica, en especial al bajo. Un cambio de ritmo saca de su letargo a las seis cuerdas, que abren la ráfaga del estribillo para luego devolver la batuta al bajo, entre medio se abre un pequeño agujero a través del cual penetra la luz de la mejor tradición vocal de los 60; un nuevo cambio de ritmo que conduce a la canción a derroteros muy diferentes de aquellos que al principio se sugerían. Y llegamos a mis dos momentos favoritos del disco, el primero se titula "Snowflakes and Heartache". Esta novena pista de "Look What The Rookie Did" está emparentada con "Temptation Summary", aunque en este caso la banda va directa al grano, sin concesiones. Nos encontramos de nuevo ante una compleja estructura, de apariencia caótica pero de resultado armonioso, una canción que hace un brillante uso de los metales y que cuenta con unos punteos de guitarra flamencados que sitúan a Zumpano en la mejor tradición del pop elegante y atemporal, pasando a formar parte de una genealogía que les emparenta directamente con monstruos de la talla de Love, The Zombies o The Beach Boys. "Snowflakes and Heartache" es sencillamente sublime, y lo es en la medida que lo son "Alone Again Or" o "The Time of The Season", no creo que una sola banda de pop en la primera mitad de los años 90 haya sido capaz de igualar el nivel que alcanzan Zumpano con esta canción. La canción funciona como un todo colectivo en el que cada instrumento tiene su función e incluso ritmos diferentes, no se trata de seguir la pauta que marca la sección rítmica sino de crear una melodía utilizando diferentes tonalidades, como si se tratase de una composición polifónica. Y lo mejor de todo es que lo que muchos habían logrado en casi diez minutos de canción, Zumpano lo condensan en apenas tres minutos y medio; ese es el caos controlado y armonioso que tan bien dominan Zumpano, y "Snowflakes and Heartaches" es su mejor expresión. Pero cuando estéis a punto de desfallecer de la emoción y del gozo, no se os ocurra bajar la guardia, porque los cuatro geniecillos canadienses nos van a dar la puntilla con "Jeez Louise". Zumpano saca a relucir su lado más punk en la décima canción del disco, un tema para escuchar a todo volumen y no parar de dar saltos. La canción se abre con una guitarra con wha wha que acaba dando paso a una verdadera explosión de energía, una fiesta a la que también están invitados los metales, protagonistas de los cambios de ritmo y encargados de insuflar swing a un tema redondo de principio a fin. Y después del ritmo frenético de "Jeez Louise" llega la calma de "(She's A) Full Blodded Sicilian", el tema que cierra los créditos de "Look What The Rookie Did". Esta canción cierra perfectamente el disco, se trata de un medio tiempo en el que aparece como invitado especial un banjo, curiosamente es la canción más larga del LP, un tema marca de la casa con ecos de The Zombies y Brian Wilson y con unas guitarras que van del swing al surf pasando por el folk sin apenas despeinarse. "Look What The Rookie Did" guarda una sorpresa a modo de canción oculta, un tema que no aparece en los créditos y que supone la pista número doce. Se trata de una canción que recoge el ambiente de lo que bien pudiera ser un local de ensayo, en el que escuchamos una batería y una guitarra distorsionada en constante diálogo; es una pista que no aporta nada y que bien se podrían haber ahorrado el cuarteto de Vancouver. Ésta es una opinión personal, pero nunca he entendido por qué se hacen este tipo de cosas en algunos discos, si nos fijamos, en los años 90 era bastante frecuente, ahora, afortunadamente, esta tendencia parece haber desaparecido.

El debut de Zumpano fue muy bien recibido por la crítica, aunque tuvo unas ventas discretas, algo llamativo en un momento en el que se vendían muchos más discos que en la actualidad (que curioso que ahora, que es cuando más música se escucha, sea cuando menos se vende), los periodistas especializados se vieron sorprendidos por el sonido de Zumpano, una propuesta sin grandes pretensiones que ofrecía una pincelada diferente en un panorama dominado por los monolíticos sonidos del grunge y por la estrechez de miras del pop más comercial. En 1996 Zumpano remataría su carrera con su segundo disco, "Goin' Through Changes", un trabajo en el que las melodías dan un pasito más allá y apuestan por una mayor complejidad, emparentándose directamente con las composiciones de Burt Bacharach. "Goin' Through Changes" fue unánimemente aclamado por la crítica, que sigue considerándolo el mejor disco de Zumpano, para este humilde escribiente es un magnífico disco, aunque más blandito que su antecesor, con menos garra y frescura que "Look What The Rookie Did"; digan lo que digan, no hay amor como el primero. Y pasaron los años sin que hubiese noticia alguna sobre Zumpano, nadie había anunciado su disolución pero tampoco se había presentado material nuevo por parte de la banda, su situación era un misterio. Hasta que en el año 2000 Carl Newman reaparece de manera fulgurante con su nueva banda, The New Pornographers, con la que conocerá las mieles del éxito que se le habían negado a Zumpano. The New Pornographers es un antiguo proyecto que Carl Newman decide retomar en los albores del nuevo milenio, esta formación cuenta con la presencia de la mismísima Neko Case, niña mimada de la crítica independiente. Será en una entrevista, ya al frente de su nueva banda, cuando el propio Newman reconozca la separación de Zumpano, la cual se produjo poco después de que "Goin' Through Changes" viese la luz. También en el año 2000, Michael Ledwidge vuelve a la escena como Near Castlegar, convertido en hombre orquesta, Jason Zumpano haría lo propio en 2003 al frente de Sparrow, y más tarde, en 2007, con Attics and Cellars. Jason Zumpano y Carl Newman (que también firma sus discos como A.C. Newman) han grabado material en solitario, y el primero de ellos se ha destapado como un magnífico pianista, así lo plasma en sus propias grabaciones y en las distintas colaboraciones en las que se ha involucrado. Para la historia quedan dos sobresalientes LP's y tres singles, uno de ellos compartido con otras tres bandas, además de varias participaciones en recopilatorios y discos de homenaje; ese es el pequeño, pero exquisito, legado que nos deja Zumpano.

Llega la hora de echar el cierre a esta extensa entrada y lo vamos a hacer, como es costumbre, con los enlaces y los videos. Cuando Zumpano estaban en activo, queridos niños, ese invento del demonio llamado internet apenas se conocía, es por eso que me ha resultado complicado encontrar enlaces de enjundia para recomendaros. No obstante, no soy de los que se rinde fácilmente, de modo que finalmente he seleccionado cuatro enlaces que podrán proporcionaros una visión más amplia de la carrera del cuarteto de Vancouver; vamos allá: El primer link os conducirá a la web de Sub Pop, donde hay un pequeño espacio dedicado a Zumpano, ahí podréis encontrar una breve historia de la banda (extraída de Wikipedia, por cierto, ya les vale...), además de fotos y las grabaciones del cuarteto, las cuales podéis adquirir a precios asequibles. El segundo enlace os situará en la web personal de Jason Zumpano, en la que el músico canadiense muestra detalles de sus trabajos más recientes. Pero el enlace más jugoso es el tercero, el de la web Behind The Beehive, una página diseñada por un fan de la banda (no en vano, "Behind The Beehive" es el título de uno de los temas incluídos en el segundo disco de Zumpano) y en la que ponen a nuestra disposición todas las rarezas y caras B's de la banda, además de entrevistas, directos y vídeos; no os la perdáis, aunque el diseño deja mucho que desear. Y por último, como no he encontrado una entrevista decente realizada a Zumpano en ninguna web (aunque podéis disfrutar de una en Behind The Beehive), he elegido un link que os llevará a una entrevista realizada a Jason Zumpano en mayo de 2010 en The Line of Best Fit. En cuanto a los videos, tampoco había mucho donde elegir, así que he optado por lo fácil, los dos clips que se rodaron de "Look What The Rookie Did": "Party Rages On" y "I Dig You". No hace falta que me deis las gracias, más bien soy yo quien os agradece que aún estéis leyendo este testamento, aunque si queréis hacerlo no os lo impediré; ser agradecidos saca lo mejor que llevamos dentro, y eso siempre resulta sorprendente y reconfortante. Espero que os guste.

ZUMPANO EN LA PÁGINA WEB DE SUB-POP

PÁGINA WEB DE JASON ZUMPANO

BEHIND THE BEEHIVE

ENTREVISTA A JASON ZUMPANO EN THE LINE OF BEST FIT

ZUMPANO- LOOK WHAT THE ROOKIE DID

C.W. Stoneking- Jungle Blues (2008)

2011-02-03T11:53:00.002+01:00

Siempre me fascinaron las películas de Tarzán, su inocente y maravillosa combinación de aventuras, comedia y romance se ha convertido en santo y seña de mis primeros recuerdos cinematográficos. Seguro que más de uno de vosotros también recuerda aquellas tardes de sábado frente al televisor disfrutando de las andanzas del hombre mono, sus eternas luchas contra cocodrilos de cartón piedra y sus acrobáticos saltos de liana en liana. Sé que tiendo a ponerme melancólico y plasta con estas cosas, y que caigo fácilmente en la agridulce trampa generacional que nos lleva a pensar que cualquier tiempo pasado fue mejor, pero es que en este caso lo creo así, y además con una fe inquebrantable. ¿Qué hacíamos nosotros, hijos de la Transición, disfrutando con películas de hacía más de 40 años? ¿Os imagináis a un niño de hoy en día viendo una película en blanco y negro en la que los efectos especiales no estén hechos con ordenador? Con todos mis respetos, a mí me cuesta mucho imaginarlo. A veces pienso que hemos sido una generación privilegiada, que aquellos que hoy tenemos entre 30 y 40 años hemos disfrutado de la mejor televisión que ha tenido este país, una tele que distaba mucho de lo que hoy denominamos "caja tonta". Aquella tele nos invitaba a soñar, como niños que éramos, pero al mismo tiempo se empeñaba en hacer de nosotros futuros adultos responsables, comprometidos con unos valores que hoy en día son ninguneados al ser considerados como algo caduco e incluso reaccionario; sin duda una relectura más que interesada por parte de aquellos a los que les interesa que la ciudadanía sea una masa iletrada y apática, dos cualidades que garantizan el inmovilismo y la desidia que tanto gusta a nuestros actuales dirigentes. Pero volviendo a las películas de Tarzán (que resultan mucho más estimulantes que la actualidad mundial), lo que más me ha llamado la atención con el paso de los años es comprobar como nuestro entrañable héroe de la jungla sobrevivía con un más que exiguo vocabulario. Apenas media docena de términos bastaban al hombre mono para comunicarse con la población local, animales incluídos, ríase usted del inglés en 1000 palabras. Entre aquellos vocablos sobresalían tres: Ungawa (léase "angagua"), Juju (pronúnciese "yuyu") y Chita (ésta, amigos, no necesita interpretación fonética); ahí prácticamente terminaba el vocabulario de Tarzán, fascinante. Como cualquier niño de mi generación, yo quería parecerme a Tarzán (a pesar de que me inquietaba aquel insignificante taparrabos y la posibilidad de dejar mis vergüenzas al descubierto), vivir un sin fín de aventuras, saltar de liana en liana con una guapa chica abrazada a mi hercúleo torso y someter a nativos y animales con cuatro ridículas palabras. Mis padres en cambio insistían en que estudiase, no acababan de ver claro lo de convertirme en hombre mono, sobre todo porque para ello se necesitaba una gran pericia como nadador, y mi familia ha sido víctima durante siglos de una terrible maldición que le impide desplazarse por el agua con la más mínima dignidad; pero ése es otro tema del que prometo hablaros otro día. Han pasado muchos años desde aquellas entrañables películas, cintas que ya no se pasan por la tele, y yo he ido fabricando mis propias junglas en las que poder sentirme como mi admirado Tarzán. Algunas de esas junglas son tortuosas y siniestras, por lo que procuro alejarme de ellas, otras en cambio son amables y están llenas de inofensivos animales y de simpáticos indígenas, es a ésas a las que me aferro desesperadamente. Y por supuesto también me adentro en multitud de junglas sonoras, todas ellas reconfortantes y estimulantes, por ello he querido dedicar esta entrada tan selvática a un disco con un título alusivo a la jungla, y con un repertorio musical plagado de ecos que nos hacen viajar a la época en que se filmaron todas aquellas películas de Tarzán; niños y niñas, con todos vosotros C.W. Stoneking y su Jungle Blues, preparaos para una increíble aventura.

Christopher William Stoneking nace en 1974 en la lejana y exótica Australia, más o menos cuando pasaban las películas de Tarzán por TVE. Hijo de estadounidenses, su infancia fue un tanto atípica, ya que sus padres se separaron poco después de que él naciera y el niño Stoneking pasó esta decisiva etapa en la vida de cualquier ser humano con su padre, el escritor y profesor Billy Marshall Stoneking, quien decidió criar al niño en una comunidad aborigen, concretamente la de Papunya. A los 9 años se mudaría con su padre a Sidney, donde tardaría poco en descubrir la música, allí comenzará a tocar la guitarra con 11 años, pasando a formar parte de algunas bandas locales con tan sólo 13. Recién empezado el instituto, C.W. Stoneking descubre las grabaciones de su padre, viejos discos y cassettes de blues y country, muchos de ellos de artistas de los años 20's y 30's que le descubren un universo totalmente nuevo. En 1997 decide mudarse a Melbourne, donde comienza a tocar como solista de blues y se autoproduciría un disco homónimo con versiones del género que vería la luz en 1998. Ese mismo año consigue formar una banda, a la que llamará C.W. Stoneking & the Blue Tits, y que tendrá una cortísima vida, ya que se desintegró debido a la muerte de uno de sus miembros, concretamente el mandolinista Charlie Bostock. De aquella época queda como testimonio una grabación no oficial, que ha estado en circulación desde 1999, titulada C.W. Stoneking & the Blue Tits y que recoge una actuación de la banda en una radio de Melbourne. Al igual que Tarzán, C.W. Stoneking también se verá envuelto en numerosas aventuras, fruto de sus viajes por medio mundo, en esos viajes vivirá insólitas experiencias, como cuando trabajó como asistente de un peculiar doctor vudú en Nueva Orleans. Pero sus frecuentes éxodos también le servirán para ir dando forma a su personal estilo, muestra de ello será su estancia en Trinidad, donde aprenderá las bases del calypso. Nuestro hombre de la selva particular estaba dispuesto a pelear contra cocodrilos, leones y cuantas fechorías le tuviese preparadas el temible hombre blanco, todo con tal de encarrilar su carrera como músico. Así es como decide volver al formato de solista para grabar un disco que recoge grabaciones originales inspiradas en su colección de discos de calypso, ragtime, blues, country, hillbilly y jazz. Tendrán que pasar unos años para que el primer disco oficial de C.W. Stoneking se convierta en una realidad, será concretamente en 2005 bajo el título de "King Hokum", editándose por primera vez en Australia en 2006 con el sello Low Transit Industries Recordings. Poco después el sello suizo Voodoo Rhythm editaría "King Hokum" en Europa, descubriendo a los melómanos del viejo continente a un músico fascinante, capaz de tocar y cantar blues como si hubiera nacido a principios del difunto siglo XX. La crítica se rendiría ante el disco de C.W. Stoneking, su personal voz, que recuerda inevitablemente a Tom Waits, su añejo recetario musical e incluso su excéntrica indumentaria, lo convertirán en un personaje difícil de clasificar y "King Hokum" aparecerá entre los favoritos del año en Australia, al mismo tiempo que irá sonando cada vez con más fuerza en Europa y América. Finalmente C.W. Stoneking dará forma a su banda, un asunto que parecía obsesionarle desde hacía años, a la que aglutinará bajo el nombre de The Primitive Horn Orchestra, y que incluirá a Ros Jones a la tuba, Ed Farlie como trompetista, Kynan Robinson al trombón y Kirsty Fraser, esposa de Stoneking, haciendo voces; esta es la formación que le acompañará en su segundo disco, "Jungle Blues".

Cuando uno se adentra en el universo de C.W. Stoneking e intenta descifrar sus letras (tarea siempre compleja para los que no somos angloparlantes) enseguida se da cuenta de que el australiano es un magnífico contador de historias. No tengo muy claro si es una muestra más de su imaginación y su talento como escritor y letrista, pero C.W. Stoneking afirma que "Jungle Blues" nació inspirado, en parte, por una rocambolesca historia (que él mismo relata en la contraportada del disco), concretamente un naufragio en la costa occidental de África del que nuestro hombre consiguió sobrevivir. Sea como fuere, es innegable que "Jungle Blues" es un disco único, una verdadera rara avis en los tiempos que corren, fruto del talento y de la cultura musical de su autor. El disco se abre con la canción que le da título, "Jungle Blues", con sólo escuchar las primeras notas ya nos hemos embarcado en un maravilloso viaje, una aventura terpidante que nos llevará a lugares que nunca habíamos soñado visitar. Los metales y el banjo abren fuego y enseguida hay un lugar que nos viene a la mente: Nueva Orleans, es entonces cuando irrumpe una voz masculina haciendo las veces de maestro de ceremonias advirtiéndonos de los peligros de este viaje, acto seguido la tuba se hace dueña y señora de la canción y C.W. Stoneking comienza a relatar la aventura de su naufragio en las costas africanas; apenas ha paado un minuto y estoy seguro de que ya estás enganchado. La voz de C.W. Stoneking se compara a menudo con la de Tom Waits, no se puede negar que hay un cierto parecido en la manera en que arrastran las sílabas y en el tono cavernoso que sale de la garganta de ambos, pero sin duda el australiano tiene personalidad propia, y es que C.W. Stoneking no tiene nada que ver con la figura del crooner que tanto inspira a Tom Waits, sobre todo en sus celebrados primeros trabajos. Sea como fuere, el hecho es que "Jungle Blues" acaba de empezar y nosotros queremos más; la réplica llegará con "Talkin' Lion Blues". El segundo corte del disco es un blues que nos retrotrae a la música tradicional del período Entreguerras, canciones que sonaban con frecuencia en el sur de los Estados Unidos y que emanan un aroma a algodón recién recogido, un tiempo visitado a menudo por otro enorme genio, Robert Crumb, un defensor a ultranza de esta tradición musical. "Talkin' Lion Blues" es una hilarante historia acerca del encuentro del protagonista con un león parlanchín, que consigue embaucarle para finalmente acabar preso y sentenciado por un mono; muestra a un Stoneking más contenido, alejado de sus registros más oscuros. El tercer tema del disco lleva por título "Jungle Lullaby" y es uno de los momentos fuertes de "Jungle Blues". La historia sigue ambientada en África, como sus predecesoras, y nos transporta a los últimos estertores del colonialismo, dibujando un paisaje exótico y siniestro al mismo tiempo, un escenario en el que el protagonista sale a pasear con una bella muchacha y acaba embarcado en una nueva aventura repleta de peligros y sobresaltos. La melodía me recuerda a "Quiero ser como tú" de "El Libro de la Selva", sé que hay quien creerá que estoy loco, pero me suena como una versión ralentizada del célebre tema de la factoría Disney. Comparaciones al margen, "Jungle Lullaby" es una canción inquietantemente bella, con unos metales y un violín sencillamente maravillosos. La cuarta canción del disco es una de mis favoritas, "Brave Son of America", un tema en el que C.W. Stoneking abandona momentáneamente el continente negro para centrarse en la figura del general MacArthur, ahí es nada. Ferviente anticomunista, MacArthur es un verdadero héroe militar, un tipo que fue nombrado general con tan sólo 32 años y que participó en tres guerras (Las dos Grandes y la de Corea), venerado por unos y odiado por otros, el viejo general es el icono perfecto del belicismo y de la épica militar estadounidense, alguien a quien muy poca gente hoy en día le dedicaría una canción, aunque claro, C.W. Stoneking no tiene nada de convencional. "Brave Son of America" es un calypso en el que los metales tienen un enorme protagonismo, un tema que da rienda suelta al Stoneking más cavernoso y visceral y que nos regala un solo de trompeta magistral, una canción que nos traslada al Pacífico Sur y que casi nos permite ver al general fumando una de sus características pipas de mazorca.

Tras glosar las hazañas de MacArthur, C.W. Stoneking regresa al sur de los USA con "Jailhouse Blues", un blues de corte clásico en el que el australiano se acompaña únicamente de su guitarra. Se trata de una historia de ambientación presidiaria y de amores fatales: "Some would murder with a gun or a knife, Some would lock a man away the rest of his life, Lord, lord, lord, I got the Jailhouse Blues", se lamenta Stoneking. "Housebound Blues" marca el ecuador del disco y es la única canción en que la voz cantante la lleva Kirsty Fraser. Es un tema que cabalga entre el ragtime y los ambientes más cabareteros, donde sobresale, de nuevo, la magnífica trompeta de Ed Farlie. La letra ironiza sobre la desigualdad entre sexos, y con un delicioso aire añejo (que no retro) muestra las quejas de una mujer harta de las continuas salidas de su esposo y cansada de estar encerrada en casa al cargo de las tareas domésticas, una situación insostenible que llevará a nuestra protagonista a abandonar a su holgazán compañero. "I Heard the Marching of the Drum" es el séptimo tema de "Jungle Blues", un tema que, a pesar de no seguir los patrones del calypso, nos remite a "Brave Son of America" por su brillante sección de metales: tuba, clarinete, trompeta y trombón, que suenan como un cañón y con una sincronía que recuerda a las fanfarrias de la Europa oriental. La fórmula sigue siendo la misma, y además tiene más de setenta años de existencia, pero si a estas alturas todavía no te has enganchado a "Jungle Blues" posiblemente tengas un problema. Por si acaso, C.W. Stoneking te lo va a poner fácil con otro de los momentazos del disco, un nuevo calypso titulado "The Love Me or Die". Stoneking se descuelga con otro tema que enlaza con su peculiar biografía, el vudú, en este caso la historia relata las penurias de un enamorado no correspondido que recurre a sus conocimientos sobre magia negra para fabricar una poción llamada "The Love Me or Die". Ante la reticente postura de su amada el protagonista decide hacer uso de la fórmula mágica obteniendo un resultado no deseado, así es como termina este octavo tema de "Jungle Blues", una verdadera maravilla que cuenta con un fraseo de trompeta que no podréis sacaros de la cabeza en meses. Superado el desparrame de "The Love Me or Die", Stoneking vuelve a encarar un blues clásico, se trata de "Early in the Mornin". En esta ocasión, nuestro Tarzán austral se hace acompañar de un contrabajo que dota de más cuerpo a la canción, un tema que alude a un lugar inhóspito al que Stoneking asegura no querer regresar jamás. Y llegamos al final de la mano de "The Greatest Liar", el corte que cierra "Jungle Blues". Una voz masculina se encarga de presentar a una estrella llegada de Nueva Orleans, King Hokum (recordad que éste era el título del primer album de C.W. Stoneking), que nos cuenta una rocambolesca historia acerca de un tipo al que considera el mayor embustero del mundo, un discurso de unos tres minutos tras el cual irrumpe la banda de Stoneking atacando, de manera fugaz, un tema de jazz con regusto añejo y ragtime, puro New Orleans para cerrar un disco enorme.

"Jungle Blues" vio la luz en 2008 y lo hizo bajo el propio sello de Stoneking, King Hokum, el disco refrendaría las buenas críticas de su antecesor y supondría el despegue definitivo de su autor, coronado como una de las mayores figuras del blues moderno, además de un verdadero arqueólogo musical, capaz de rescatar tradiciones que amenazan con caer en el olvido en éstos nuestros días en los que todo se vive demasiado deprisa. A pesar de ello hay quien considera a Stoneking un impostor, e incluso quien critica su marcada pronunciación y su forma de cantar; en mi humilde opinión, Stoneking está en las antípodas (nunca mejor dicho) de resultar un farsante. Es evidente que no es un anciano negro y ciego (puestos a exagerar tópicos) que canta blues después de una dura jornada de trabajo en el campo, pero también es innegable que lo que hace no es una parodia ni una simple revisión, Stoneking muestra una pasión desenfrenada por aquello que hace, y alguien que se apasiona con su trabajo nunca puede ser un embaucador. Sigo sin entender a quienes critican a aquellos que encuentran en épocas pasadas su fuente de inspiración, a nadie se le ocurre censurar a un cantante de jota, y lo que está haciendo es continuar con una antigua tradición musical, inspirarse en ella y dotarla de dignidad y vigencia, ¿por qué no ocurre lo mismo con el rock'n'roll y con el pop, que es la música popular del siglo XX? Uno ya se cansa de escuchar aquello de "no crean nada nuevo, es más de lo mismo", creo que existe un culto mal entendido hacia la originalidad, que es precisamente el que se encarga de crear pastiches infumables y que genera artistas y estilos que acaban sumidos en el olvido con el paso de los años. Dudar de la integridad de músicos como Stoneking es propio de necios, lo que deberían hacer estas personas, por muy puristas y entendidos que sean, es agradecerle al australiano que haya dado a conocer una riquísima tradición musical a varias generaciones que hasta ahora la ignoraban. Los pobres iletrados, que nos emocionamos y conformamos con muy poquito, esperaremos a la tercera entrega de nuestro particular Tarzán, quien mientras tanto se dedica a disfrutar de una plácida existencia junto a su esposa y sus dos hijos, al margen de absurdas polémicas sobre certificados de autenticidad.

Ya va siendo hora de poner el punto y final a esta entrada, y lo haremos, como siempre, con unos cuantos enlaces. Como no podía ser de otra manera, comenzamos con los enlaces a la web oficial y al myspace de C.W. Stoneking, no os perdáis su web oficial, entre otras cosas porque allí encontraréis las letras de todas las canciones de "Jungle Blues", algo más que necesario si no eres angloparlante y quieres desentrañar su contenido. Continuamos con un enlace a la web de la BBC, donde aparece una crítica de "Jungle Blues", y otro link a Soulshine, una web australiana dedicada a la música independiente, en el que podréis leer una entrevista realizada a Stoneking el pasado 2010; ambos enlaces en la lengua de Shakespeare. Como último enlace he seleccionado una videoentrevista realizada al músico australiano y emitida por la canadiense Falls TV, de nuevo tendréis que poner a prueba vuestras meninges y hacer uso de esos cursos de inglés de CCC. Y finalmente los consabidos videos, el primero de ellos, el videoclip oficial del tema que da título al disco, "Jungle Blues", y el segundo, una actuación en directo en el Barbican de Londres, donde C.W. Stoneking y su banda interpretan dos temas: "Don't Go Dancin' ", incluído en su primer disco, y el tremendo "The Love Me or Die". Por mi parte, no tengo nada más que decir, bueno sí, Juju Ungawa Chita, o lo que es lo mismo, espero que os guste.

PÁGINA WEB OFICIAL DE C.W. STONEKING

MYSPACE DE C.W. STONEKING

RESEÑA DE JUNGLE BLUES EN LA WEB DE LA BBC

ENTREVISTA A C.W. STONEKING EN SOULSHINE

VIDEOENTREVISTA A C.W. STONEKING EN FALLS TV

C.W. STONEKING- JUNGLE BLUES

Una recomendación: Dotore

2011-01-16T12:35:00.002+01:00

Hubo un tiempo en el que me gustaban los veranos. Para encontrarlo hay que iniciar la cuenta atrás, ceñirnos la escafandra y viajar a décadas pasadas, repletas de tiempo libre y de tardes con olor a mortadela. ¿Recordáis las emociones del final de curso? las fiestas escolares, la última mirada tímida a aquella chica, a la que venerabas en el más riguroso de los anonimatos, algún que otro adiós, que el tiempo se encargaría de convertir en definitivo, y el dolor de tripa, fruto de la osadía al combinar refrescos, ganchitos y patatas fritas sin orden ni concierto alguno (para que luego hablen de los peligros del alcohol). El verano quedó malherido cuando me hice un adolescente y se abrieron las puertas para que entrasen los demonios propios del acné y de la inseguridad, más tarde recibiría un tiro de gracia cuando entré de lleno en la supuesta vida adulta. Con el tiempo acabaría descubriendo los encantos del otoño y sucumbiría a los días de lluvia, pero aquellos veranos ya nunca regresarían, se perdieron por el camino, con la inocencia y con los sueños de aquellas mentes sin adulterar. El verano hace ya tiempo que dejó de significar ociosidad y diversión para mí, incluso reconozco que la mayoría de los años se me hace largo y pesado, una estación incómoda a la que he acabado cogiendo manía, como a las fiestas populares. Pero de repente te encuentras con alguien que sabe sacarte el verano que llevas dentro, una persona que pone letra y música a tu apatía estival, que huye de los tópicos propios de la estación más popular para dotar de una nueva dimensión melancólica a los soleados días de agosto. Eso es lo que me ha pasado a mí y quiero compartirlo con todos vosotros, os presento a Pablo Martínez Sanromá, alias Dotore, la persona que me ha hecho creer de nuevo en los veranos con su último disco: "Los veranos y los días".

Pablo Martínez Sanromá nace en San Sebastián (ciudad a la que adoro), aunque pronto se convertirá en un trotamundos que dará con sus huesos en diversas partes del planeta, una experiencia que sin duda le enriquecerá en todos los aspectos. A mediados de la pasada década decide tomarse en serio su afición por la música y embarcarse en la complicada tarea de grabar un disco, para ello contará con unos excepcionales compañeros de viaje, los muchachos de Primo, un sello con un gusto exquisito a la hora de elegir artistas y de editar sus trabajos, arte en su máxima expresión. Así es como en septiembre de 2006 comienza el proceso de grabación de "Demonios del otro lado del océano", su impecable tarjeta de presentación musical, un LP en el que queda patente su inclinación hacia el pop intimista, canciones que zozobran entre la melancolía y el optimismo, y que apuestan por un minimalismo preciosista en cuanto a la instrumentación se refiere. Sólo se lanzaron 120 copias de este trabajo, así que si tienes una de ellas en tu poder puedes considerarte un afortunado. La limitadísima tirada de "Demonios del otro lado del océano", unida a las buenas crítica cosechadas, hace que el debut de Dotore pronto se convierta en objeto de culto, lo que supone el espaldarazo definitivo para Pablo Martínez, que se reafirma en su condición de compositor. En 2008 Pablo se muda a Barcelona, las canciones siguen bullendo en su interior y no tardará en toparse con la persona adecuada para dar forma a su segundo trabajo, se trata del chelista y pianista noruego Hävard Enstad, quien aportará la pincelada necesaria para transformar los crepusculares paisajes estivales de Pablo en verdaderas obras maestras. A ellos se sumará otro donostiarra, Iñaki Irisarri, que se encargará de la batería, y como invitado especial figurará en alguno de los temas del disco Pep Arimont, que colaborará con su elegante trompeta.

Lo primero que tuve que hacer al escuchar "Los veranos y los días" fue abrir la página principal de Google y teclear Nanjing, necesitaba saber dónde se encontraba esa ciudad capaz de inspirar una canción tan bonita. "Nadie llora en Nanjing" es el tema que abre el disco, y personalmente creo que es difícil encontrar un mejor comienzo, sin duda esta canción figura entre mis favoritas del año. Las notas sostenidas del chelo y de la guitarra, unidas al tenue redoble con escobillas de la batería, son capaces de crear un clima único, un martilleante sosiego capaz de transportarnos a un espacio atemporal en el que se arremolinan los recuerdos del pasado verano. Los ecos de dos grandes bandas como son Red House Painters y Kings of Convenience, así como la crudeza melancólica de José González, acuden a nuestra cabeza desde la primera escucha, pero sin dejarnos una impronta de copia fácil y ramplona. Creo que ya he hablado en alguna ocasión acerca de la equivocada importancia que, según mi opinión, se concede a la originalidad en nuestra sociedad, ¿o acaso Platón ha pasado a la historia por imitar a Sócrates?. No se puede negar que hay evidentes referencias en la música de Dotore, pero ello no resta ni un ápice de personalidad ni de valor a su propuesta. "La Conversación" tiene un arranque que recuerda a alguna de las composiciones de Mark Kozelek, pero enseguida se desmarca de los tópicos, gracias a la luminosidad que brinda el magnífico chelo de Hävard Enstad y a la magia acústica que es capaz de crear Pablo Martínez Sanromá, que además hace gala de una voz que, aunque sin alardes, es capaz de transmitir honestidad y sosiego, incluso cuando dice cosas como: "Tan guapa que dueles, y así te pienso recordar, yo estaba enamorado de ti y ahora de pronto todo esto se ha ido". Este segundo tema de "Los veranos y los días" es una de esas canciones que van creciendo conforme se escuchan, una composición aparentemente sencilla pero llena de matices y con una enorme capacidad narrativa. "La mañana" es la canción más pegadiza del disco, y no porque tenga vocación de hit pop, sino porque su letra y su melodía son de una cercanía rotunda, si a eso unimos un falsete comedido y elegante, obtenemos como resultado una canción de una inmediatez y de un encanto irresistible. Piano, guitarra y voz, esos son los elementos que Pablo necesita para crear una canción perfecta en apenas dos minutos. "Las dudas" es un tema que guarda cierto encanto mediterráneo, una canción pícara en la que aflora el lado más cálido de Dotore, a ello contribuyen las trompetas de Pep Arimont, que se mezclan acertadamente con la guitarra acústica, dejando un agradable poso de indolencia. Tras ella llega el turno de "Ríes", una de mis favoritas. De nuevo, Pablo Martínez Sanromá, es capaz de crear un temazo con lo mínimo, incluso con una letra que apenas sería capaz de llenar cuatro líneas en una cuartilla; poco más de dos minutos y medio de trance estival en los que uno desea volver a besar los labios de aquel antiguo amor de verano. Otro falsete de diez. "Suenan sonrisas en la playa, suspiros despiertan a la chica y mientras, en la orilla, las olas se olvidan de mí", así empieza "Septiembre", otra canción monumental. Pablo Martínez aparece armado únicamente con su guitarra, hasta que entra el estribillo, con la percusión y el impagable chelo, que irrumpe como los primeros rayos de sol de la mañana en la playa, apenas unos segundos de arrebatadora pasión.

Cuando escuché por primera vez "Los veranos y los días" no le dí mucha importancia a "Isla de Fiesta", estaba demasiado enganchado a "Nadie llora en Nanjing", pero con el tiempo no tardaría en darme cuenta de que esta canción es una de las mejores del segundo disco de Dotore. Me encanta como suena la guitarra acústica en "Isla de Fiesta", y decididamente me encanta el falsete de Pablo, más incluso que cuando canta con su voz limpia, y me parece además que la percusión hace un papel impecable en esta canción, sin eclipsar al conjunto, casi sin notarse, así debería ser la percusión perfecta. La letra juega con el desenfado y el patetismo, algo que me gusta mucho, presentándonos a unos personajes que resultan graciosos muy a su pesar, como ocurre en alguna de las mejores películas de Woody Allen. "Isla de Fiesta" es un tema que esconde mucho más de lo que muestra a simple vista, un caramelo relleno de lirismo estival envuelto en desafecto pop. "Las Ilusiones" nos devuelve al punto de partida, concretamente a "La conversación", es la canción más sombría del disco, con una guitarra de evocación sureña y un inquietante redoble de aire marcial. Regresa el chelo de Hävard Enstad, que cobra un gran protagonismo en "Las ilusiones", y que contribuye a incrementar el desasosiego. En "Cuento de junio" vuelve el atardecer crepuscular que tan bien sabe dibujar Pablo Martínez Sanromá, y con él el contenido falsete que tan buenos resultados le proporciona a lo largo de este LP. "Cuento de junio" es una oda al amor de verano, aquella pasión fugaz que se aparta violentamente de nuestro lado con los últimos calores de septiembre, una pasión que todavía está viva en junio siendo capaz de engendrar sueños e ilusiones; "l'amour fou". Y todo eso Dotore lo consigue con su voz y la única ayuda de una guitarra acústica; conmovedora y preciosa. El décimo corte del disco se titula "El verano", auténtica declaración de intenciones y leitmotiv del segundo disco de Dotore. La sombra de Mark Kozelek es alargada, siendo puntillosos aludiríamos a "Ocean Beach", ese tremendo disco de Red House Painters en el que la tristeza se convierte en arte, pero la súbita aparición del chelo echa por tierra cualquier comparación y dota de entidad propia a esta canción; "El verano ya ha llegado y sabes que te sienta bien". Del mismo modo que el final del verano nos atrapa desprevenidos, nos aproximamos al final del disco, y lo hacemos con dos canciones, la primera de ellas la mántrica "Mejor que antes". Este undécimo corte de "Los veranos y los días" es, para quien esto escribe, otro de los grandes momentos del disco, verdadero minimalismo pop con arreglos exquisitos, una sola frase que funciona como un microrrelato capaz de desencadenar múltiples tramas en nuestras mentes. No hay mejor manera de plasmar aquella vieja máxima que reza que menos es más. "Agosto, Lorea" cierra el disco, se trata de un pasaje instrumental de una delizadeza y una ternura absolutas, no en vano lorea en euskera significa flor, una imagen que recoge perfectamente la fragilidad de esta composición. Pablo Martínez Sanromá huye de artificios y apuesta por la desnudez de una guitarra acústica, haciéndonos volver la mirada al mencionado "Ocean Beach" o a alguno de los temas más estivales de Mojave 3; una forma deliciosa de terminar un disco tan bello como "Los veranos y los días".

Casi sin hacer ruido y con una promoción prácticamente nula, el segundo largo de Dotore se ha situado entre lo mejor del pasado 2010 en la listas nacionales de la prensa especializada. Si bien no siempre hay que fiarse de estas dichosas listas, en esta ocasión no nos queda más que reconocer el acierto de quienes incluyen en dicha selección a "Los veranos y los días"; a mí, desde luego, me parece uno de los mejores trabajos del pasado año, junto con el "Deer Park Mirage" de Mittens y "This is the Beginning of a Beautiful Friendship" de Bigott. Habrá que seguir de cerca a Dotore y ver cómo Pablo Martínez Sanromá vuelve a la carga después de un trabajo tan acertado, un disco que rezuma saudade y melancolía, que hace gala de un comedido optimismo, un album que se mueve entre el folk, la psicodelia y el pop de cámara, sin estridencias, con cierta timidez, como si su creador no quisiera darse cuenta de que ha parido un disco que acabará convirtiéndose en un clásico de nuestro pop; tiempo al tiempo.

Y para que disfrutéis por partida doble os dejo unos suculentos enlaces. El primero de ellos, al myspace de Dotore, como veis una opción clásica en los links de Rainy Day Music, el segundo enlace os conducirá a la web de Primo, el pequeño sello que ha hecho posible este milagro y que ha puesto todo el mimo del mundo en la elaboración de este disco; hacedme caso, compraos este disco, merece la pena por el contenido y por el continente, afortunadamente sigue habiendo gente en este mundo de la música para la que el dinero no es lo más importante, gracias a los muchachos de Primo. En este link podréis leer el texto promocional del lanzamiento del disco y además podréis descargaros el LP de manera gratuita. He seleccionado un tercer enlace, concretamente al Bandcamp de Dotore, desde el que también podéis descargaros el disco por la cara (tranquila señora Ministra, no hiperventile). Si bien los grandes medios no han pasado siquiera de puntillas por el genial trabajo de Dotore, internet si que se ha hecho eco de "Los veranos y los días", algo que he querido plasmar en los enlaces, donde podéis disfrutar de críticas realmente buenas. De este modo, os he dejado enlaces a las páginas de La Fonoteca, Hipersónica, La Nadadora y Mondo Sonoro, donde se habla del segundo disco de Pablo Martínez Sanromá. Y como guinda del pastel, he enlazado una entrevista aparecida en Je ne Sais Pop y un link al programa de radio "La Jungla Sonora" de Eitb, en el que figura Dotore como invitado especial. Finalmente, la consabida sección de videos, donde he querido seguir la postura minimalista de Dotore, en este caso podréis disfrutar de un único video, el video clip oficial de "Nadie llora en Nanjing". Abrid vuestras puertas a un nuevo verano, un verano diferente, sin músicas gritonas y chabacanas, sin calores asfixiantes, sin chulos de playa, sin operación retorno; el verano de Dotore, nuestro verano. Espero que os guste.

MYSPACE DE DOTORE

BANDCAMP DE DOTORE (Descarga gratuita de su último disco)

DOTORE EN LA WEB DE PRIMO

DOTORE EN LA FONOTECA

RESEÑA DE LOS VERANOS Y LOS DÍAS EN MONDOSONORO

ENTREVISTA A DOTORE EN JENESAISPOP

DOTORE EN LA JUNGLA SONORA (La entrevista comienza en el minuto 23:24)

Go Sailor- Go Sailor (1996)

2010-12-28T13:04:00.001+01:00

Te recuerdo perfectamente, si cierro los ojos puedo verte con total claridad. Los focos te nublan la vista y los nervios apenas te permiten respirar con normalidad, has llegado muy lejos, más de lo que cabría esperar de una chica tan joven, sientes que las piernas se te doblan. Atrás queda esa sobremesa tensa en la que tuviste que convencer a tu padre de que aquella era una buena oportunidad para ti, de que en Melilla no pintabas nada, de que todo se cocía en Madrid y Barcelona, de que aquel era tu billete a una nueva vida. Tres, dos, uno, la cuenta atrás del regidor inyecta una nueva dosis de adrenalina en tu organismo, cada vez quedáis menos y ahora toca repartirse el protagonismo, un verdadero minuto de oro para cada una. Llega tu turno, te sudan las manos. Miras al piloto rojo de la cámara, tal y como te dijeron en los ensayos, y acto seguido bajas la mirada para buscar a tu interlocutor, es un señor regordete, con gafas y una tremenda mata de pelo gris, nunca antes lo habías visto. De repente se detiene el tiempo y te formula la pregunta: "Dime en algunas ventisinco palabrrras qué sabes de mi pais; soy embajadorrr de Rusia". En ese momento quieres morirte, tenías preparada la respuesta de por qué te has presentado al concurso, podías argumentar acerca de cómo defenderías la corona, te habías aprendido tres virtudes y tres defectos, te habías inventado que querías estudiar periodismo y arte dramático, pero ¿Rusia? nadie te había advertido de algo así. Los segundos se hacen interminables, pesados como el plomo, "cuando no sepas que decir, sonríe" te había dicho tu abuela, pero tus labios trémulos son incapaces de dibujar una leve sonrisa. Tu mente se ha bloqueado, necesitas tiempo, "Perdón ¿puede repetirme la pregunta?" dices con voz temblorosa, acabas de ganar unos segundos. El embajador eleva su tono de voz, parece que no le ha gustado mucho tu propuesta, su acento se endurece y de repente te parece un villano de los de las películas de James Bond. Ya está, lo tienes, tomas aire, buscas a tu padre en las gradas y te arrancas: "Bueno, pues sé que es un país donde vive gente maravillosa, que ha habido en el tema de política algunos cambios y... no sé mucho más. Gracias". Sí señor, veinticinco palabras exactas, y dos más de regalo, que se entere ese estirado de que tú sabes contar.

Seguro que a ninguno de vosotros os gustaría estar en la piel de Miss Melilla 2001 ¿verdad? El rostro de aquella chica era la viva imagen del estupor. Eso es lo que pretendía yo hoy, descolocaros un poquito y que os preguntaséis qué hace una banda de la escudería Lookout!, un sello vinculado al punk rock, en un blog como éste. Como ya indiqué en el nacimiento de Rainy Day Music, mi intención era la de crear un blog que no estuviese sujeto a ningún estilo concreto, un sitio en el que tuviesen cabida múltiples maneras de entender la música. Pues bien, últimamente sentía que ese espíritu inicial se estaba diluyendo, así que pensé que había que elegir un disco diferente, alejado de los parámetros del folk y del pop orquestado que tanto se prodigaba por esta bitácora últimamente. Go Sailor me pareció el grupo perfecto, porque a pesar de su inmediatez punk y su sonido casi amateur tienen un halo de melancolía y de dulzura que me parece muy lluvioso. Pero quien se ha quedado desconcertado he sido yo, puesto que al acudir a la web para documentarme acerca de esta banda, y poderos contar así algún que otro chisme interesante, me he encontrado con que apenas hay información con algo de enjundia sobre Go Sailor. Entonces me he sentido como Elizabeth, la estupefacta miss, y he escuchado en mi interior una voz con acento caucásico que me preguntaba "¿qué puede desirrrme sobrre Go Sailorrr?". En ese preciso instante me ha asaltado un sudor frío y me he dado cuenta de que no podía decir más que "Go Sailor es un grupo maravilloso". Ahora que se han apagado los focos y que el plató ya no huele a champán y sudor, me dispongo a escribir unas líneas sobre esta banda californiana, espero que seáis indulgentes. Elizabeth, no sabes cuánto te entiendo.

En la Universidad me enseñaron que cuando se escribía acerca de un tema concreto lo primero que se debía hacer era situarlo en un contexto histórico, de modo que empezaré siguiendo ese sabio consejo. Nos encontramos a finales de los años 80's en la zona de la Bahía de San Francisco, donde Larry Livermore y David Hayes fundan un pequeño sello discográfico llamado Lookout! , ha echado a andar recientemente y se ha especializado en el punk rock más melódico, aquel que combina perfectamente la crudeza con la melodía. En poco tiempo este sello establecido en Berkeley va editando un buen número de referencias y acoje en su seno a buena parte de la parroquia hardcore y punk rocker de California. David Hayes abandonará Lookout! para crear otro sello, Very Small Records, poco más tarde, Livermore decide dar una oportunidad a unos adolescentes con buen gusto para las melodías y proclives a las guitarras con mordiente; esos muchachos con acné se hacen llamar Green Day. La fama del trío californiano comienza a subir como la espuma y en 1994 firman con una multinacional para grabar su tercer disco, es el momento de eclosión del punk rock y del hardcore melódico; Offspring, NOFX, Pennywise, todos ellos veteranos de la escena, se convierten en estrellas gracias al tirón mediático adquirido por este sonido en poco más de un año. Lookout! obtiene sus beneficios en este pingüe negocio y se lanza a la búsqueda de nuevos Green Day, comienza la época de esplendor del sello, que ve aumentadas sus ventas y sus referencias en el mercado. Una de las bandas que llega a Lookout! en esta época es Go Sailor, un trío formado por Rose Melberg, que venía de otra formación llamada Tiger Trap, Paul Curran, que tocaba el bajo en otra banda de Lookout! llamada Crimpshrine, y Amy Linton, que tocaba la batería en Henry's Dress. Go Sailor no eran unos recién llegados, ya contaban con dos EP's en el mercado, "Fine Day for Sailing", editado en 1994 por Yo Yo Recordings, y "Long Distance", que vería la luz en 1995 a través de Slumberland, además de un par de canciones en dos recopilatorios, una en un disco titulado "Periscope" editado por Yo Yo Recordings en 1994, y otra en "Slice of Lemon", un doble LP compartido por los sellos Lookout! y Kill Rock Stars en 1995. En 1995 grabarían para Lookout! el que sería su último EP, y a la postre su última grabación, "Don't Go", con el que cerrarían una corta pero intensa carrera que dejaría tras de sí catorce magníficas canciones. Un año más tarde, el sello de Berkeley reunía en un CD los tres EP's y las dos canciones incluídas en los recopilatorios anteriormente citados, ése es el disco que presentamos hoy en Rainy Day Music.

La sencillez, la melodía y la inmediatez son las señas de identidad de Go Sailor, y las podemos encontrar en absolutamente todas sus canciones. Estamos ante una banda que combina perfectamente la energía y la urgencia del punk con la ingenuidad del pop, una formación que rezuma un encanto que casi roza el amateurismo, y que es capaz de contagiar optimismo y melancolía a partes iguales con apenas tres acordes. Todo eso y mucho más es Go Sailor, que nadie busque ni el más mínimo rastro de virtuosismo en su repertorio, ellos hacen suya la máxima de menos es más, y con una filosofía próxima al "hazlo tú mismo" consiguen enarbolar la bandera de un estilo que hasta la irrupción de Go Sailor contaba con un publico minoritario, y lo mejor de todo es que todo esto lo consiguen sin proponérselo. Hay quien ha calificado el sonido de Go Sailor como Mid-Fi, que vendría a ser un punto intermedio entre el Lo-Fi y las grandes producciones sonoras, no es desacertada esta denominación, ya que las guitarras suenan limpias, no hay efectos que distorsionen las voces, ni tampoco hay rastro de instrumentos saturados, pero el fondo de la grabación destila un espíritu amateur, hasta el punto de que casi tenemos la impresión de encontrarnos ante un grupo de amigos tocando sus canciones sin ninguna pretensión más allá de la simple y pura diversión. La voz de Rose Melberg suena dulce, con un irresistible punto naïf, la guitarra se rasga permanentemente y una acentuada línea de bajo lleva la voz cantante en cuestiones rítmicas, como acompañamiento, la precisa batería de Amy Linton; así son todas las canciones de la banda, apenas hay sorpresas pero ¿quién las necesita? El disco de Lookout! se abre con "Last Year", que es la primera canción que grabó Go Sailor, y que figuraba en el recopilatorio editado en 1994 por Yo Yo Recordings bajo el título de "Periscope"; es decir, que el sello de Berkeley respeta el orden cronológico a la hora de maquetar la recopilación. "Last Year" es un magnífico adelanto de lo que nos depara este CD, una canción inspirada, con un bonito estribillo y unas voces perfectamente empastadas, todo ello con la instrumentación marca de la casa, esa especie de chatarra melodiosa que tan buenos resultados dio al trío; poco más de dos minutos y ya nos hemos enganchado a la voz de Rose Melberg y al omnipresente bajo de Paul Curran. En 1994 Go Sailor graba con Yo Yo Recording s su primer EP, al que titularán como una de las canciones en él incluídas: "Fine Day for Sailing". Precisamente ésos son los cuatro cortes que toman el relevo en este recopilatorio, cuatro temas que nos presentan a los Go Sailor más brillantes, probablemente sus mejores canciones. "Fine Day for Sailing" es por lo tanto el segundo corte del CD, y una de mis canciones favoritas de la banda, una canción sobre el desencanto amoroso y nuestra capacidad para reponernos de él. A qué le va a cantar Rose Melberg con esa voz sino al amor; la melancolía con la que arrastra la sílabas, su tono cristalino y esa ingenua naturalidad que tiene al cantar, hacen que cualquier canción de amor en sus labios sea perfectamente creíble. Me gusta especialmente el cambio que hacen en torno al minuto cuando sólo se escucha el bajo, el bombo y la caja de la batería, al tiempo que la voz de Rose se siente más cercana que nunca y su guitarra deja de rasgarse para dar notas sueltas; es un recurso simple, como el mecanismo de un chupete, pero no puede ser más efectivo. "I'm Still Crying" es otra de mis favoritas, me gusta como empieza, directa al grano, en diez segundos ya nos han presentado la canción. Una nueva oda al desamor, en este caso al llanto desesperado, a las lágrimas derramadas contra tu voluntad y tu orgullo por aquella persona a la que desearías no haber conocido jamás. Una triste temática que contrasta con la animada melodía de la canción, lo cual unido a un estribillo en el que Rose y Paul empastan sus voces, hace de "I'm Still Crying" una canción verdaderamente deliciosa. Go Sailor en un auténtico ataque de inspiración pop contraatacan con otra joya, "I Just Do" ¿podrás resistirte? Yo creo que no. La fórmula sigue siendo la misma, "I Dropped a Penny and you Picked it up, you Want to be Something when you Grow up, you Make me Laugh and you Don't Even Try, you Say that Sometimes you Just Like to Cry", canta Rose; no se puede ser más irresistiblemente agridulce. "Bigger Than an Ocean" es la última canción del EP "Fine Day for Sailing" y es la única que explora otras vías musicales, de hecho no apuesta por el rasca-rasca y se sitúa próxima a las coordenadas del pop independiente de la primera mitad de los 90's, recordándonos a bandas como Velocity Girl o Belly, y a cantantes como Juliana Hatfield. La letra apuesta por la temática naútica y acuática, seña de identidad de la banda, que hace así un guiño a su nombre, y vuelve a incidir en el amor como fuente de inspiración.

En 1995 Lookout! edita, conjuntamente con Kill Rock Stars, un doble LP que incluye a bandas de ambos sellos, Go Sailor figura con el tema "Silly". Esta es la sexta canción del CD, un tema con más fuerza, más enérgico en su base instrumental, con un bajo que lo cubre todo, que redondea cada uno de los pasajes de la canción y envuelve perfectamente la voz de Rose. Un año más tarde, Go Sailor se dispone a grabar su segundo EP, y lo hará con el sello Slumberland, cuatro nuevas canciones que darán lugar a una de sus grabaciones más celebradas, y con una portada que es todo un monumento a la cultura pop. El título del EP será "Long Distance"; precisamente, y respetando el orden de las canciones, el siguiente corte del CD será "Long Distance". Go Sailor parecen haber madurado su estilo y son capaces de crear melodías con un gancho arrebatador, un buen ejemplo es este tema, en el que la guitarra suena más limpia que nunca y en el que el trío parece estar totalmente compenetrado, como si fuesen capaces de hacer canciones perfectas sin apenas despeinarse. "Windy" nos devuelve a los Go Sailor seminales, los más inmediatos, los de la guitarra rasgada y el bajo protagonista, los del desamor, los agridulces; "Windy" es sencillamente otra joya fruto del pop sencillo y sin pretensiones de Go Sailor. "Blue Sky" se articula en torno a una estrofa que se repite y un escueto estribillo, economía de medios marca de la casa. Es una animada canción que podría calificarse como la más blandita del EP, sobre todo porque tras ella viene uno de los grandes himnos de Go Sailor. Ese himno no es otro que "The Boy Who Sailed Around the World", un tema que recupera la inspiración naútica que tanto gusta a la banda, y la única canción en la que la voz principal es la de Paul Curran. Unos certeros golpes de guitarra abren la canción acompañando al bajo de Paul y dan comienzo a una de las mejores canciones del disco, con una letra entre surrealista y costumbrista que relata la aventura de un muchacho que se echa a la mar para recorrer el mundo, una canción que va in crescendo y que termina con el irresistibe "Would You Sail with me Around the World?" entonado por Paul y Rose y que estalla definitivamente con un grito de guerra: "Go Sailor!"; sublime punk pop. En 1995 Lookout! arroja definitivamente sus redes sobre Go Sailor y consigue que graben con ellos su tercer y último EP, "Don't Go", cuatro nuevas canciones que ponían el punto y final a su carrera y cerraban el repertorio de la banda. "Don't Go" es la primera de esas canciones, un nuevo ejercicio de contradicciones entre la melodía y la letra, más pop agridulce con la misma calidad de siempre; oyendo la música cuesta creer que Rose diga cosas como estas: "Don't You Know this Kind of Heartache Never Mends? Should I Tell Myself it Was an Accident Again? Please Don't Leave me, Don't Go, I'm Not Ready Yet", ¿alguna vez se está preparado para que te abandonen? Otra joya que añadir a la colección. "Ray of Sunshine" comienza sin concesión alguna, con la voz de Rose abriendo fuego, una canción dedicada, de nuevo, al amor perdido, en la que la voz de Paul y Rose se entienden a la perfección en un pegadizo estribillo. El siguiente corte del CD y del EP es "Together Forever in Love", una de las canciones más contagiosas de Go Sailor, un tema que podría haber tenido mucha salida comercial. El inicio recuerda a "The Boy who Sailed Around the World", con esa guitarra que señala el inicio y que parece buscar al bajo, es una canción que rebosa rebeldía adolescente, pero lo hace sin rabia ni odio, con toneladas de amor, como muestra un botón: "What Do They Know When They Say I'm Too Young, As I Get Older and Until my Life is Done, I'll Be the One who Had Love that Was True, They All Had Nothing, and I have You". Una vez más, Go Sailor aciertan en la diana de la melodía con gancho, la voz perfecta y el estribillo pegadizo; ¡bingo! "Everyday" cierra el disco, y casi se podría decir que la carrera de Go Sailor, es una canción que no abre ninguna vía nueva, que no experimenta con nuevos sonidos, que en definitiva no introduce ningún cambio en la sencilla ecuación de la banda, pero que, una vez más, consigue atraparnos con su honestidad y su naturalidad. Los responsables de Lookout! fueron perspicaces y rápidos y se hicieron con los derechos para recopilar en un CD todas las grabaciones de Go Sailor, haciendo así justicia y reivindicando, de manera temprana, a una banda que supuso una bocanada de aire fresco en el adocenado panorama musical de principios de los 90's. En los últimos años parece que se quiere recuperar la figura de Go Sailor y con el tiempo se está reconociendo la influencia que su legado ha tenido en otras bandas. Go Sailor facturaron una música que sigue vigente, un pop descarado y fresco, que unido a la inmediatez y la urgencia del punk formaba un cóctel explosivo e irresistible, esperemos que no tarden en ocupar el lugar que la historia de la música pop debería reservar a este irrepetible trío.

La integrante más activa y relevante de Go Sailor es Rose Melberg, que acabaría en The Softies, un nuevo proyecto consistente en un dúo, aventura en la que le acompañaría Jen Sbragia. The Softies apuesta por el minimalismo pop, con unas canciones casi desnudas y de sencilla instrumentación y arreglos que se apoyan en las dulces voces de Rose y Jen; juntas grabarían un buen puñado de singles y tres LP's entre 1994 y 2000. En 1998 Rose Melberg contrae matrimonio con Bill Baker, capo del sello canadiense Mint, por lo que se trasladará a British Columbia. Será entonces cuando empiece a colaborar con otra banda, los canadienses Gaze, para quienes tocará la batería y compondrá algún tema entre 1998 y 1999. Alrededor de esa época Rose empieza a trabajar en su propio material, planteándose seriamente editar algún trabajo en solitario, así es como ve la luz "Portola", su primer largo en solitario, editado por Double Agent Records en 1998, y que recopila canciones escritas por Rose entre 1994 y 1997. Tras la disolución de The Softies, Rose Melberg se dedica en cuerpo y alma a cuidar de su hijo, serán cinco años de silencio discográfico que se romperán en 2005 con una breve gira y con la grabación de algunos temas, antesala de lo que será su segundo trabajo en solitario, titulado "Cast Away The Clouds", un brillante LP que le llevará a telonear a Belle & Sebastian. Tras tres años de sequía, Rose volvió a complacer a sus fervientes seguidores con un nuevo trabajo que vio la luz en 2009, "Homemade Ship", su último largo hasta la fecha, en el que vuelve a ahondar en ese pop tan personal y taciturno que lleva facturando en la última década, lejos de la electricidad e inmediatez de Go Sailor. Cuando Paul Curran se une a Go Sailor no es un novato en la escena californiana, de hecho había tocado el bajo en formaciones como Crimpshrine y Monsula, tras su corto romance musical con Rose Melberg y Amy Linton, prueba suerte en diferentes proyectos, llegando a ser cordinador de la mítica publicación punk Maximum Rock'n'Roll. Finalmente se afianza como músico con una nueva aventura, en una banda llamada Onion Flavored Sound, en la que tocará el bajo y hará voces, y con la que sigue en activo hoy en día. Y en cuanto a Amy Linton, que era batería de la banda Henry's Dress cuando se sumó al proyecto de Melberg y Curran, formaría en 1997 The Aislers Set. El nuevo proyecto de Amy se mantendría en activo hasta 2003 y dejaría tras de sí unos cuantos EP's y cuatro LP's, entre los que destaca "The Last Match", un trabajo en el que Amy se destapa como compositora, productora y cantante, y que sería aclamado por la crítica. En cuanto a Go Sailor, parece que en los últimos años se ha reivindicado como una banda de culto, sus sencillas, y a veces ingenuas, canciones van ganando adeptos con el paso del tiempo, y dos de sus canciones (concretamente "Ray of Sunshine" y "Together Forever in Love" fueron incluídas en la banda sonora de la película "But I'm a Cheerleader". Esta revisión del repertorio de Go Sailor llevaría a una pequeña gira de reunión de la banda a principios de este 2010, con motivo del vigésimo aniversario de Slumberland Records, que les llevaría a tocar en San Francisco y en Los Angeles, y tras la cual cada uno de los integrantes regresaría a sus propios proyectos personales.

En cuanto a los enlaces de hoy, creedme que me ha resultado dificilísimo encontrar links interesantes relativos a Go Sailor, la mayoría mostraba textos que apenas superaban la media docena de líneas, y en muchos casos el contenido se repetía; exasperante. La banda, al estar inactiva, no dispone de web ni de myspace, dos recursos bastante socorridos a la hora de aportar enlaces, de modo que, después de sopesar diferentes opciones, he decidido agregar seis enlaces a esta entrada, a saber: una escueta reseña del disco que nos ocupa aparecida en Rawkblog, la discografía de la banda aparecida en la página Pette Discographies, una interesante entrevista realizada a Rose Melberg en la web Cokemachineglow con motivo de su reaparición musical con el LP "Cast Away the Clouds", de 2006, y los tres myspace de los actuales (o al menos los más recientes) proyectos de los respectivos integrantes de Go Sailor. Con los vídeos he corrido mejor suerte, eso sí, no hay material de la época, o al menos yo no lo he encontrado. Gracias a la reciente reunión del grupo, circulan por Youtube numerosos vídeos de sus actuaciones en San Francisco y en Los Angeles, me he decantado por dos extractos del concierto de Frisco, que aunque están grabados en blanco y negro tienen mejor calidad de sonido que los de L.A. ; la actuación data concretamente del 23 de marzo de 2010 y está rodada en el Rickshaw Stop. He elegido dos de mis canciones favoritas del repertorio de Go Sailor: "Fine Day for Sailing" y "The Boy Who Sailed Around the World", dos pequeñas gemas pop que nunca me canso de escuchar. Parece que la voz del embajador de Rusia va abandonando mi interior, como un eco lejano. Espero que os guste.

RESEÑA DE GO SAILOR EN RAWKBLOG

DISCOGRAFÍA DE GO SAILOR EN PETTE DISCOGRAPHIES

ENTREVISTA A ROSE MELBERG EN COKEMACHINEGLOW

MYSPACE DE ROSE MELBERG

MYSPACE DE ONION FLAVORED RINGS

MYSPACE DE THE AISLERS SET

GO SAILOR- GO SAILOR

The Ladybug Transistor- The Albermale Sound (1999)

2010-12-22T12:50:00.003+01:00

¿Alguna vez os habéis preguntado quién decide el número de raciones que componen un plato precocinado? Sé que es un pregunta absurda, pero yo no puedo evitar formulármela cada vez que una de esas bombas de sal y colesterol cae en mi poder. Sostengo el sobre en mis manos y leo: "4 raciones", entonces me asalta la duda ¿preparo todo el plato o calculo la parte correspondiente? Finalmente acabo vertiendo todo el sobre, temeroso de haber cometido un exceso. Una vez se han cumplido los tiempos de cocción recomendados (que tampoco suelen ajustarse a la realidad, aunque esto nos llevaría a otro arduo debate) observo el resultado y pienso: "tampoco es para tanto, no creo que una familia de cuatro miembros (con perdón) se alimente con esta ración". En resumidas cuentas, acabo devorando todo el contenido del respectivo sobre de pasta o arroz (son los más socorridos; los solteros treintañeros sabéis de lo que hablo ¿verdad?), lo que me lleva a aseverar, según los criterios de la ciencia liofilizada, que yo solito consumo lo mismo que cuatro personas juntas. ¿Sería capaz yo, que no supero el metro setenta y poco y que peso unos 77 kilos, de comerme toda la manduca de una familia estándar? De ser así no es de extrañar que cada vez me inviten menos amigos a sus casas, pero antes de llegar a conclusiones precipitadas me gustaría hacer la prueba definitiva; sentar a cuatro personas a la mesa y servirles como primer plato el contenido íntegro de uno de esos sobres de inspiración italiana (sólo por el nombre, el resto deja bastante que desear). Me gustaría ver sus rostros al comprobar incrédulos la exigua ración que apenas mancha su inmaculado plato ¿quién demonios calcula estas porciones, Ferrán Adriá? se preguntaría alguno de ellos; sin duda este experimento sociológico arrojaría algo de luz sobre este oscuro asunto. Yo sigo pensando que las cifras son erróneas, y que los sobrecitos en cuestión están pensados para una sola persona, o como mucho para dos, pero en ningún caso creo que se pueda alimentar mínimamente al número de comensales indicado en el envase. Estos son los peligros de la vida moderna, que puede convertirte en un voraz tragaldabas por obra y gracia de unos caprichosos números, obviamente nada de esto ocurriría si confiásemos nuestras digestiones a la cocina tradicional, aquella que se hace con las justas dosis de tiempo y mucho mimo. Esos son los dos ingredientes que suelen garantizar el éxito en casi todas las cosas que hacemos, y el mundo musical, que es lo que ocupa a este blog (perdón por estas digresiones culinarias), no es una excepción. Hoy visita esta humilde bitácora una banda que nos ofrece un recetario basado en la tradición del pop más elegante, unos tipos que rechazan la comida rápida y se decantan por el refinado sabor de lo clásico, una formación que debería figurar entre lo más granado del pop de la última decada, la banda más británica de los USA; señoras y señores, pónganse en pie para recibir a The Ladybug Transistor. No hace falta que rebañen sus platos, les aseguro que el menú de hoy les dejará más que satisfechos.

The Ladybug Transistor comienza su andadura a mediados de los años 90's, como resultado de la unión de Gary Olson, Edward Powers y Javier Villegas. Sus ansias por publicar un disco son tales que no se sentarán a esperar la llamada de un cazatalentos, sino que se lanzarán a la piscina y se autoeditarán su primer trabajo, "Marlborough Farms", que toma su nombre del estudio casero de Olson, situado en esa zona de Brooklyn, Marlborough. Gary Olson es un muchacho unido a la música desde la mismísima cuna, ya que sus padres regentaban una fábrica de pianos, en la que el joven Gary trabajará revisando teclas y ajustando cuerdas; no es de extrañar por lo tanto que este joven de Brooklyn decidiese dedicarse en cuerpo y alma a la música. El primer trabajo de The Ladybug Transistor llamará enseguida la atención de un importante sello independiente, Merge Records, que no tardará en ofrecerles un contrato y la posibilidad de editar un nuevo album. Desde sus inicios, The Ladybug Transistor han estado vinculados a Elephant 6, colectivo del que hablamos en una reciente entrada dedicada a Neutral Milk Hotel (¿no te acuerdas? haz click AQUÍ), esta vinculación va a favorecer el intercambio de ideas y de músicos, tal y como persiguen los principios de este proyecto. Debido a este motivo, entre otra cosas, la formación sufrirá algún ajuste en lo personal, con la entrada de los hermanos Baron, Jennifer y Jeff, que se encargarán del bajo y de la guitarra respectivamente; por otro lado, Javier Villegas, miembro fundador de la banda, abandonará el barco. "Beverly Atonale" verá la luz en 1997 y tomará el testigo sonoro de su predecesor, se trata de un disco heterogéneo que todavía vive a la sombra del pop independiente americano de los primeros 90's, de hecho es fácil encontrar ecos de formaciones como Pavement o Mercury Rev en alguna de las canciones del disco. No obstante, alguno de los temas de "Beverly Atonale" (es el caso de la espléndida "Rushes of Pure Srping") preludia el sonido que hará de The Ladybug Transistor una banda inscrita en la vertiente del pop elegante, de arreglos exquisitos y barrocos, sin hacer ningún asco a la herencia psicodélica de raíz sesentera; en resumen, música atemporal, amable y proclive a un refinado sentido del humor en sus letras. El segundo disco de The Ladybug Transistor coloca a la banda en el escaparate internacional, supondrá un cierto reconocimiento por parte de la prensa especializada y el comienzo de importantes giras de promoción. Pero Gary Olson sigue buscando el sonido perfecto dentro de su cabeza, la canción redonda con la que sueñan todos los músicos, él todavía no es consciente, pero está a punto de conseguirlo, una pequeña joya verá la luz en 1999, su nombre "The Albermale Sound". Al poco tiempo de editarse "Beverly Atonale", Edward Powers abandona la banda y es sustituído por San Fadyl en sus tareas de percusionista, a esta novedad en la formación se unirá un alta más, la de Sasha Bell a los teclados y a las voces. Esta formación será la responsable de dar forma al tercer trabajo de la banda, un album delicioso que, si bien no oculta sus fuentes de inspiración, no se conforma con ser un mero ejercicio de estilo, sino que acaba convirtiéndose en referente dentro del pop barroco y orquestado de los últimos veinte años. "The Albermale Sound" es un disco en el que conviven las sombras de Brian Wilson, Scott Walker o Burt Bacharach, pero lo hacen sin eclipsar la personalidad de una banda auténtica, que no busca convertirse en un burdo remedo del pasado, sino un grupo de músicos que hacen gala de una amplia cultura musical y que demuestran una intuición formidable a la hora de crear melodías de una belleza sobrecogedora.

"The Albermale Sound" abre el telón de las maravillas con un tema que funciona como una cortinilla radiofónica, casi como un jingle publicitario que enlaza directamente con el segundo corte del disco, me refiero a "Oriental Boulevard", una canción de apenas 20 segundos en la que el oyente más perspicaz ya puede intuir lo que nos va a deparar este disco: elegancia, melancolía y altas dosis de calidad. Sin darnos respiro alguno, el primer corte del disco se funde con el segundo, "Six Times", una canción que abre con unos metales que recuerdan a otra banda del colectivo Elephant 6, Neutral Milk Hotel, enseguida entra el piano, que limpia, fija y da esplendor a una canción redonda. En torno al minuto irrumpe la cálida voz de barítono de Gary Olson, a quien replica un coro perfectamente empastado, un redoble de aire marcial capitanea al ejército de metales omnipresente en "Six Times", y que contribuye a dar una pincelada psicodélica a este auténtico temazo pop. "Meadowport Arch" toma el relevo y lo hace volviendo la vista atrás, contagiándose del espíritu de Ray Davies, es una canción muy británica en la que se puede respirar la ironía y la flema características del pop inglés de los años 60's. El estribillo se desgarra con una guitarra eléctrica distorsionada que funciona como contrapunto de esta elegante canción, que gana intensidad conforme se acerca al ecuador fruto de un cambio de ritmo de aires circenses que desemboca en una mayor riqueza instrumental, que tiene de nuevo como protagonistas a los metales, y en unas magníficas voces. El cuarto tema del disco es "Today Knows", uno de mis favoritos. "Today Knows" es un aviso para navegantes: este es un disco de alto voltaje emocional, un trabajo instrumental y de voces realmente exquisito. Los ásperos metales dejan lugar a unas cuerdas melancólicas y a un teclado soberbio, sobre los que destaca la inspiradísima voz de Olson acompañada puntualmente de la dulce Sasha Bell. Ambos conducen la canción a un estribillo sublime tras el cual hace entrada una acertadísima y bucólica flauta; ha transcurrido poco más de un minuto de canción y resulta difícil no emocionarse. El resto es sencillamente maravilloso, con unos arreglos que consiguen que la canción y su intensidad vayan in crescendo. Lejos de convertirse en una balada o un simple medio tiempo, "Today Knows" se remata con unos metales que contribuyen a redondear una canción perfecta que acaba transformada en un vals. Tras este mágico momento, The Ladybug Transistor vuelven a echar la vista atrás para mirarse en el espejo de The Kinks, eso sí, pasado por un túrmix actual que les acerca, de nuevo, a algunas de las bandas del colectivo Elephant 6; todo ello, y mucho más, lo podemos advertir en "The Great British Spring", el quinto corte del LP. La canción empieza elegante, con un piano acompañado de unos metales a los que poco a poco se van sumando más elementos: guitarras eléctricas, una flauta o una batería, entre otros, componiendo así una pieza en la que se respira un maravilloso caos instrumental, en el que todo se encuentra en el lugar y en la medida exactos. "The Great British Spring" marca el ecuador del disco es el preludio de otro de los mejores momentos de "The Albermale Sound", me refiero a la enorme versión que la banda hace de "Like a Summer Rain". Los más veteranos seguidores de Rainy Day Music recordarán perfectamente esta canción, de la que ya disfrutamos en su día gracias a la entrada dedicada a Jan & Dean (desmemoriados y recién llegados, haced click AQUÍ), pues bien, la lectura que The Ladybug Transistor hace de este clásico no tiene nada que envidiar a la anteriormente señalada. Unas maravillosas guitarras abren fuego y dan paso a un espléndido arreglo de cuerda, sobre ellos unas voces celestiales que pondrán a prueba vuestra capacidad para emocionaros y os harán desear que todos los días del verano llueva para poder escuchar esta canción, que acaba con un coro que haría temblar de emoción al mismísimo Brian Wilson. "The Swimmer" recupera la inspiración británica de The Ladybug Transistor y le da un agradable barniz de psicodelia. Se trata del séptimo corte del disco, una canción que muestra el talento compositivo de la banda, un tema que cuenta con elegantes cambios de ritmo y con arreglos que tan pronto acercan la canción a la psicodelia, como al pop barroco o incluso a la música clásica; una verdadera lección de estilo, sin duda otro de los momentazos de "The Albermale Sound". Casi sin darnos cuenta llegamos al octavo tema del LP, estamos a punto de encarar la recta final del disco, y lo hacemos con "Cienfuegos", un nuevo instrumental que consigue descolocarnos en sus primeros compases, que evocan las áridas tierras del Far West merced a una temblorosa armónica, acto seguido unos punteos de guitarra se entremezclan con una percusión trotona que nos lleva a cabalgar por las polvorientas llanuras americanas. Una acertada trompeta nos sitúa cerca de la frontera, no se puede ser más gráfico componiendo una canción, el crepitar del fuego marca la muerte lenta de este fantástico tema. Pero Olson y los suyos guardan todavía alguna que otra sorpresa en su chistera y, tras habernos roto la cintura con este paisaje desértico, deciden dar una nueva vuelta de tuerca a "The Albermale Sound" con una oda al humor absurdo: "The Automobile Song". Pop de inspiración sesentera y psicodelia es lo que destila este noveno corte del disco, una canción en la que el protagonismo se reparte entre una flauta, un teclado y las maravillosas voces de Olson y Sasha Bell; una delicia de poco más de minuto y medio de duración. Toca abrocharse los cinturones, ya que estamos a punto de aterrizar y abadonar el mágico universo de "The Albermale Sound", pero antes de tocar tierra podremos disfrutar de otro de los momentazos de este disco, me refiero a "Oceans in The Hall", un verdadero himno. "Oceans in The Hall" lo tiene todo para quien aporrea el teclado en estos momentos, el tiempo exacto, las voces, los arreglos... todo. El encanto del décimo corte del disco se destapa con unas guitarras acústicas replicadas por unas cuerdas y unos metales de auténtico lujo, es difícil empezar mejor una canción, pero si a éso le añadimos la impecable voz de Gary Olson, nadie podrá negar que nos encontramos ante un auténtico temazo, y si no me crees, prueba a sacarla de tu cabeza durante las próximas semanas. Cualquier detalle, cualquier cambio introducido en "Oceans in The Hall" es perfecto y muestra la capacidad compositiva y la cultura musical de sus responsables, que rozan el límite del talento creando un himno que nada entre el mejor pop orquestado de los 60's y las producciones spectorianas, todo ello visto desde la peculiar e ingeniosa retina de The Ladybug Transistor; diez sobre diez. Un último instrumental sirve de antesala al final del disco, se trata de "Vale of Cashmere", una delicada pieza que insiste en los originales cambios de tiempo y en los acertados arreglos, otorgando todo el protagonismo a las flautas y a los teclados. Y lamentablemente llegamos al final del viaje, y lo hacemos con "Aleida's Theme", una canción que concede el papel principal a Sasha Bell. "Aleida's Theme" se mueve entre la elegancia británica de las composiciones de The Ladybug Transistor y el vals, presente en el estribillo, el resultado es la canción de más desarrollo del LP, un soberbio exceso que acaba únicamente con un cello y un violín, y que funciona perfectamente como traca final, dejándonos con una amplia sonrisa en la boca. Esa misma sonrisa es la que le asomó a la mayor parte de la crítica, que no tardaría en rconocer la grandeza de "The Albermale Sound", un disco con el que The Ladybug Transistor habían encontrado el camino definitivo a seguir, una verdadera joya con la que Gary Olson y sus amigos esculpieron, con la precisión de un cirujano, un monumento al pop orquestado y atemporal.

También en 1999, Jeff Baron, Sasha Bell y Mike Barrett (este último también participó en la grabación de "The Albermale Sound", e incluso es el responsable del trabajo artístico del album) editarán su primer trabajo como Essex Green, una banda que también se mueve en los parámetros del pop de cámara y del folk; una formación muy recomendable con tres trabajos en su haber. En 2001 The Ladybug Transistor se encierra en el estudio para grabar su tercer LP, "Argyle Heir", al mismo tiempo, el promiscuo trío formado por Baron, Bell y Barrett se embarca en otra aventura musical, en este caso una formación más cercana al folk y al country llamada The Sixth Great Lake. Pero volviendo a nuestros muchachos, "Argyle Heir" supondrá la continuación del camino iniciado con "The Albermale Sound", hasta el punto de que se habla de una trilogía compuesta por los dos discos señalados y el cuarto, y homónimo, LP de la banda. Una vez más, las trompetas, los pianos, los violines y las voces cuidadas echan a andar en un disco precioso y preciosista que se engalana con unas trabajadas letras próximas al surrealismo y al humor absurdo. No obstante, la crítica no opina lo mismo, de hecho tacharán de autocomplaciente y previsible al tercer largo de la banda de Brooklyn, etiquetándolo como un disco en cierta manera decepcionante. Yo disiento, me parece que es un disco que gana con las escuchas y que, si bien no arriesga, continúa con una línea inmaculada, la que se abría con "The Albermale Sound", así que como reza el dicho: "Si algo funciona, no lo toques", qué le vamos a hacer, soy así de conformado. 2001 es un año agitado, en lo musical, para la banda, que edita además un disco en directo bajo el título de "Live at The Amigo". El cuarto album de The Ladybug Transistor verá la luz en 2003, y lo hará sin Jennifer Baron, que dejará su sitio a Julia Rydholm, se trata de un trabajo homónimo, el primer disco de la banda grabado fuera de Marlborough Farms, el estudio de Olson. "The Ladybug Transistor" contará con la producción de Craig Schumacher, célebre por sus trabajos para Calexico, a pesar de su fama, la mano de Schumacher no será muy evidente en este disco, aunque tal vez esas slide guitars que asoman de vez en cuando lleven su sello. Este disco en cambio encantará a la crítica, que se deshace en elogios hacia la banda, personalmente opino que ni el anterior era tan malo ni éste es tan bueno, ambos son dos grandes trabajos que surgen a la sombra de "The Albermale Sound", santo y seña del sonido de The Ladybug Transistor. Tras este cuarto disco de la banda de Gary Olson más cambios acechan a la formación, Sasha Bell deja el grupo para centrarse en Essex Green y Jeff Baron se convierte en una especie de miembro satélite involucrado en sus múltiples proyectos personales y colectivos. Todos estos sobresaltos propician un período de calma en el que Olson se dedicará a producir a otros artistas, hasta que en 2006 The Ladybug Transistor regresa con fuerza. Lo hará apoyando a Kevin Ayers en la grabación de su disco "Unfairground" y editando un EP titulado "Here Comes The Rain"; será el preludio de su quinto trabajo de estudio, "Can't Wait Another Day", de 2007. "Can't Wait Another day" supone el regreso de The Ladybug Transistor a Marlborough Farms, la fábrica de sueños de Gary Olson, donde se cocinará un disco apto para los paladares más exquisitos. Dentro de los ya clásicos movimientos en la formación de la banda, este nuevo trabajo supondrá la incorporación del teclista Kyle Forester y del guitarrista Ben Crum, ambos miembros de Great Lakes, banda inscrita en el colectivo Elephant 6. El resultado es, una vez más, un disco soberbio, un compendio de canciones que reúne lo mejor del pop de los 60's pasado por un tamiz actual (que no moderno) y que vuelve a demostrar el acierto de Gary Olson a la hora de reunirse con buenos amigos, poco importan los cambios en la formación, el sonido de The Ladybug Transistor permanece, e incluso gana enteros, porque Gary Olson sigue ahí, siendo el alma de este proyecto con vocación de clásico de culto. En "Can't Wait Another Day" Olson contará con colaboraciones especiales, como la de Jens Lekman o la de miembros de otras bandas como The Clientele, Vetiver o Architecture in Helsinki, entre otros; está claro que cuando alguien recibe la invitación de Gary Olson no duda en aceptar ni un solo instante. The Ladybug Transistor lleva a la práctica la filosofía del colectivo Elephant 6 en el que se integra la banda, un intercambio enriquecedor de músicos y de ideas que convierte al proyecto de Olson en un lugar de encuentro de amigos, creando un ambiente de trabajo ajeno a las tensiones de una banda convencional y contribuyendo al crecimiento de los responsables de cada grabación así como de la propia banda. Lamentablemente, poco después de la grabación del album, San Fadyl, uno de los más fieles compañeros de viaje de Gary Olson, fallecería víctima de sus severos ataques de asma. Por nuestra parte, sólo nos queda esperar a que Olson nos llame una vez más para disfrutar de una nueva entrega de su elegante recetario, un menú en el que no se falsean ni los ingredientes ni las cantidades; aprenda señora Gallina Blanca.

Como colofón, os dejo los inevitables enlaces, que incluyen la página web oficial de la banda, su myspace y su apartado en la web de Merge Records, además he querido añadir una entrevista a la banda aparecida en la web de Recoil Magazine (lo siento pero está en el idioma de la Pérfida Albión) y un set de canciones grabadas para Daytrotter en 2007. Más complicado lo he tenido con los vídeos, me ha resultado casi imposible encontrar un vídeo decente de The Ladybug Transistor, cuando no fallaba el sonido lo hacía la imagen, y cuando no las dos cosas. Finalmente he seleccionado uno, se trata de una actuación de la banda en los directos de Radio 3 allá por 2001, la imagen debe estar ripeada de VHS por lo que la calidad no es muy buena, pero el sonido es fantástico, lo que os permitirá disfrutar de una canción preciosa como es "Like a Summer Rain". Como sorpresa he insertado una grabación de audio, se trata de una entrevista hecha a la banda en Radio 3, dentro de la serie de "Entrevistas Acústicas" que se realizan en el programa "Hoy empieza todo" de la citada emisora; escuchadla, merece la pena. Como siempre, gracias por estar al otro lado, y sobre todo gracias por llegar hasta aquí porque ¿te has leído lo de antes, no? Espero que os guste.

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MYSPACE DE THE LADYBUG TRANSISTOR

THE LADYBUG TRANSISTOR EN MERGE RECORDS

ENTREVISTA A THE LADYBUG TRANSISTOR EN RECOIL MAG

THE LADYBUG TRANSISTOR EN DAYTROTTER SESSIONS

Hoy empieza todo - Entrevistas Acústicas: The Ladybug Transistor - 10/12/09

THE LADYBUG TRANSISTOR- THE ALBERMALE SOUND

Noah and the Whale- First Days of Spring (2009)

2010-11-30T19:08:00.000+01:00

Todos tenemos algún amigo que tiene una concepción un tanto peculiar de lo que significa la sinceridad, un amigo que en un momento dado, y sin que tú le pidas su opinión al respecto, se descuelga con alguna lindeza del tipo: "qué maja tu novia, me cae muy bien. Nunca te lo quise decir, pero es que la de antes era un poco tonta". Vivimos en una sociedad que idolatra la sinceridad, pero que al mismo tiempo no sabe muy bien cómo definir esta virtud o condición, confundiéndola, en la mayoría de las ocasiones con la zafiedad, en este sentido sinceridad y brutalidad se solapan dando lugar a situaciones un tanto violentas. Se premia la vehemencia propia del histrión apartando de las reglas sociales la educación y los buenos modales, que son vistos por muchas personas como algo caduco, un reducto de un dandismo carca y retrógrado que ahora, en un mundo en el que hay que decir siempre lo que uno piensa, es etiquetado como "políticamente correcto". Pues bien, servidor de ustedes prefiere ser políticamente correcto, así que no os preocupéis, que si me gusta más vuestra pareja actual que la anterior, no os lo haré saber nunca, a no ser, eso sí, que me lo preguntéis. No entiendo por qué se han invertido determinados valores y, aún a riesgo de parecer un conservador recalcitrante, no me duelen prendas en reconocer que opino que, en este apartado concreto, cualquier tiempo pasado fue mejor. ¿Y por qué os suelto este discurso? os preguntaréis los más inquietos, pues sinceramente porque no sé muy bien cómo encabezar esta entrada y ésta me ha parecido una buena excusa. Después de elegir el disco de hoy, escucharlo detenidamente e intentarle extraer todo su jugo, me he dado cuenta de que no tiene mucho que ver con su predecesor, el primer largo de esta banda, y me he percatado de que hay un hecho significativo en el plano compositivo, e incluso en el concepto de Noah and The Whale como banda, que diferencia a ambos trabajos, y ese hecho es la ruptura sentimental de dos de sus miembros. Es entonces cuando he pensado que la exnovia de Charlie Fink no me gustaba mucho, pero que no podía empezar un post proclamando algo así, de este modo es como ha comenzado mi diatriba acerca de la sinceridad en nuestra civilización occidental; el resto es historia, si es que todavía estáis leyendo. Yo no sé si vosotros habéis sufrido esa sinceridad brutal y gratuita de la que hablo en las primeras líneas de este post, yo sí, por eso me ha parecido conveniente reflexionar al respecto. Pero ahora que ya tenemos redactado el siempre complicado primer párrafo, dejémonos de monsergas y vayamos al disco, que es lo que importa; luego, cuando nadie nos vea, pondremos a caer de un burro a la ex de Charlie Fink, como se ha hecho toda la vida.

Noah and the Whale nace como banda en el año 2006, cuando un grupo de muchachos residentes en Londres deciden unir sus fuerzas para dedicarse a lo que más les gusta, la música. La voz cantante de este proyecto la pondrá, sin ningún género de dudas, Charlie Fink, un talentoso joven con aspecto de yerno perfecto. Charlie tocará la guitarra, el ukelele y además compondrá y cantará todos los temas de la banda, le acompañarán: Doug Fink, hermano de Charlie, a la batería, Urby Whale en el bajo, Tom Hobden, que se encargará de tocar el violín y por último Laura Marling, pareja de Charlie Fink, que pondrá el contrapunto dulce a la voz grave y rasgada de Fink, haciendo los coros. Charlie Fink es un cinéfilo confeso y decide bautizar a la banda haciendo un juego de palabras entre el título de una de sus películas favoritas y su director, de este modo Noah and The Whale surge del título del film The Squid and The Whale (Una Historia de Brooklyn, en España) y del nombre de su creador Noah Baumbach. Poco a poco la banda se va haciendo un hueco en la escena independiente londinense y no tardarán en grabar algunos singles, entre ellos el de la canción que poco más tarde figurará en su album de debut y con la que consiguieron una gran repercusión, me refiero a "5 Years Time". Este tema, facilón y pegadizo, fue utilizado en varios anuncios y dio alas a Noah and the Whale para grabar su primer disco, al cual titularían "Peaceful, The World Lays Me Down". La crítica y el público reciben con los brazos abiertos la puesta de largo de la banda, un disco que, en conjunto, queda eclipado por el single "5 Years Time", que acarrearía una enorme popularidad para Noah and the Whale, sobre todo en el Reino Unido. En realidad se trata de un disco de debut bastante correcto, sin ser nada del otro mundo, muestra a un grupo de jóvenes músicos con unas referencias muy claras pero con un estilo propio todavía por definir. La crítica no tardará en compararlos con Neutral Milk Hotel, Belle & Sebastian o Bonnie Prince Billy, ellos citan como influencias el folk y el punk rock, aunque si lo que buscas en sus canciones es algo similar a un "Gabba Gabba Hey!" pronunciado alto y claro y con el puño levantado, te vas a llevar algo más que una decepción, aviso para navegantes. Sea como fuere, "Peaceful, The World Lays Me Down" es un disco amable, con buenas intenciones, alguna canción más que interesante y algún que otro tema que nos recuerda a lugares ya visitados con anterioridad. La producción del disco corre a cargo de Eliot James, que colabora estrechamente en los arreglos y que sabe enriquecer perfectamente un album que de otra manera habría resultado un tanto plano. De este modo, los metales y los violines golpean ahí donde es necesario, dotando de cuerpo a unas canciones resultonas que enganchan fácilmente y que catapultan a "Peaceful, The World Lays Me Down" a las posiciones más privilegiadas de los debutantes de 2008. La voz de Laura Marling consigue encandilar a la crítica, ciertamente funciona a la perfección como contrapunto de Fink, con quien empasta sin ningún problema, y desde luego hay que valorar que cuando la chica graba este disco apenas tenía dieciocho añitos. Laura Marling había debutado con poco más de dieciséis años gracias a esos extraños fenómenos cibernéticos relacionados con myspace, página en la que esta lolita folkie había colgado unas cuantas canciones que no tardaron en atraer a un buen puñado de fans y a unos cuantos cazatalentos ávidos por hacerse con una nueva pieza. Así es como Laura Marling se fue haciendo un nombre en el pop británico, gracias a su capacidad de trabajo, demostrada en unas giras interminables, y a un buen puñado de temas que vieron la luz en forma de singles y EP's. Charlie Fink se involucraría en la carrera de la que por entones era su pareja produciéndole su disco de debut, "Alas I Cannot Swim", que vería la luz unos meses antes que "Peaceful, The World Lays Me Down". Y hasta aquí tenemos la historia de dos jóvenes guapos, con talento y con una incipiente y prometedora carrera musical, una pareja sentimental que comparte éxitos, individuales y comunes, y que disfruta de sus particulares días de vino y rosas. Pero todo tiene su principio y su final, como bien cantaba el sabio Vinicius de Moraes: "tristeza não tem fin, felicidade si", así que la relación de nuestros atractivos geniecillos llegó a su fin, algo que se puede experimentar de manera patente en "First Days of Spring", un disco que se despega de su antecesor y que nos muestra la cara adulta de un gran compositor que se acerca a su madurez creativa. Antes del lanzamiento de su segundo largo, la banda había puesto en el mercado en 2008 "Noah and the Whale presents... The A Sides", un EP limitado a 2500 copias en vinilo de 12", que recoge algunas canciones inéditas de Noah and The Whale junto con alguna versión, un album cuyos beneficios fueron a parar a una ONG dedicada a ayudar a los ancianos.

Muchos de vosotros os estaréis preguntando ¿y qué ha hecho esta pobre muchacha, Laura Marling, para que este plasta de Binguero asevere que no le cae bien? Obviamente la respuesta es absolutamente nada. Sencillamente me gusta más cómo compone Charlie Fink en este segundo album y creo que ese cambio se debe a su fallida relación con Marling, un desengaño amoroso que es patente en las canciones de "First Days of Spring", y que lo convierte en un disco más melancólico, con una paleta totalmente agridulce y con unos arreglos de cuerda sublimes. Tal vez mi problema sea que identifico en exceso el primer disco de Noah and the Whale con la canción "5 Years Time", un tema un tanto ramplón bajo mi opinión, pienso en el binomio Fink-Marling y me viene el condenado silbidito a la cabeza. Curiosamente al desaparecer Laura Marling, desaparece ese lado más frívolo de Charlie Fink como compositor, lo que dota de mayor profundidad a su segundo disco; de ahí deduzco, seguramente de manera errónea, que Fink está mejor solo que con Marling, al menos en el aspecto musical, que nadie me malinterprete, o quizás sea que todo se deba a que a veces las mejores obras de arte se gestan desde el dolor y la decepción. Aclaradas mis filias y mis fobias, vayamos a analizar el segundo LP de Noah and the Whale, un trabajo ambicioso que Charlie Fink concibe además como una película, un mediometraje que titulará como el disco (de hecho en la edición deluxe de este LP el disco va acompañado de la película), además nuestro cinéfilo militante también rueda el proceso de grabación del LP en un documental que titulará "First Days". Muchos críticos describen "First Days of Spring" como un disco muy cinematográfico, el disco comienza situándonos la acción, cuenta con dos pasajes instrumentales de una enorme belleza y se remata con otro puñado de canciones que desarrollan la trama. El disco se abre con "First Days of Spring", canción que da título al album y que empieza con un acompañamiento de cuerdas fantástico que sirve de escolta a una guitarra eléctrica, limpia, sin distorsión, la voz de Charlie Fink comienza a dibujar el paisaje en el que se va a desarrollar la trama y sin apenas darnos cuenta ya nos estamos enganchando a la historia. Fink apuesta fuerte, sabe de la importancia de los inicios, un buen comienzo es fundamental, es lo que decidirá si seguimos interesados en la historia o si nos decantamos por un zapping mental, Fink lo borda y consigue seducirnos con el tema más ambicioso del album, una canción de casi siete minutos con una orquestación brillante. El telón ha caído, los actores pisan las tablas y la escenografía se descubre ante nuestros ojos, el público está expectante, acaba de entrar en la historia y quiere más, Fink se destapa de nuevo con "Our Window", disminuyendo la solemnidad del comienzo, pasando página tras la obertura y ofreciéndonos un pasaje de una gran intensidad emocional. El segundo corte del LP es una canción que destila amargura en cada nota: "Spring can be the cruelest of months", canta Fink en "Our Window", un tema en el que, de nuevo, hay que destacar unos exquisitos arreglos. "I Have Nothing" es el tercer corte de "First Days of Spring", una canción que recoge el testigo taciturno y lluvioso de "Our Window", es el tema en el que Fink rompe con mayor deliberación su voz, alcanzando en ocasiones cotas de desafinación que dotan de mayor dramatismo a la historia. Fink desnuda sus sentimientos, se muestra como un amante abatido por la pérdida de su pareja, a quien se dirige con la esperanza de un feliz reencuentro ¿alguno de los presentes no se ha encontrado así en algún momento de sus vidas? ¡Bingo! Eso se llama empatía y es la clave para que cualquier historia nos enganche, sentir que nos reflejamos en ella, bien sea en nuestro presente, en un pasado no muy remoto o en un anhelado futuro; bravo Mr.Fink, la historia funciona. "My Broken Heart" continúa con esta historia de desamor, y lo hace con un tono especialmente agridulce, con una letra que se debate entre el desamparo y el orgullo de aquel a quien han partido su corazón en mil pedazos: "I'm impenetrable to pain, oh, you can break my broken heart", ¿no escucháis el tintineo de los cubitos de hielo en el whiskey al oir esta canción? "My Broken Heart" introduce metales y, por primera vez, una guitarra eléctrica distorsionada, como la percepción del personaje, que no sabe si reir o llorar. A continuación, la representación contará con un breve descanso durante el que aprovecharemos para afinar los instrumentos que intervendrán el el siguiente pasaje, así es como podríamos definir "Instrumental I", que adelanta los compases de uno de mis temas favoritos de "First days of Spring", "Love of an Orchestra". "Instrumental I" rebaja la tensión emocional del album, sirviendo de puente a lo que podríamos considerar la segunda parte del disco, que comienza con el corte número seis, la mencionada "Love of an Orchestra". Esta segunda parte de "First Days of Spring" comienza con un coro que abre una ventana a la esperanza dentro de esta historia de corazones rotos: "If you gotta run, run from hope", nos recomienda este conjunto de voces en un inicio que haría enfurecer de envidia a Stuart Murdoch o al mismísimo Neil Hannon; grandioso. A continuación entra la orquesta y la voz de Fink, que suena más juvenil y limpia, es el resurgir de quien estaba herido de muerte y que se aferra a la música para seguir viviendo y disfrutando de la vida y del amor, es el renacimiento de la naturaleza en la primavera, con unos violines que nos evocan, inevitablemente, a Vivaldi; tomad buena nota porque caeréis rendidos ante esta canción.

Tras la explosión de vida de "Love of an Orchestra", la historia se ralentiza con un nuevo puente intrumental, en este caso protagonizado por una guitarra eléctrica que nos evoca esos atardeceres primaverales en los que uno desearía que el tiempo se detuviese y sólo se escuchase el rumor del agua; una vez más, reivindico la inclusión de la pereza en la Declaración Universal de los Derechos Humanos. "Stranger" es la canción que se encarga de retomar el pulso de la historia, y lo hace con una letra preciosa, en la que Fink cuestiona aquel viejo dicho que asevera que un clavo saca a otro clavo. De nuevo nuestro amante abatido vuelve a dar signos de flaqueza, desencantado ante una nueva relación, toma conciencia de que la herida abierta por la pérdida de su amada tardará mucho tiempo en cicatrizar, de hecho tal vez no lo haga nunca. Os invito a leer la letra de "Stranger", echadle un vistazo, aunque no dominéis la lengua de Shakespeare no creo que encontréis muchas dificultades en entenderla (Haced click AQUÍ, abstenerse corazones recién abandonados). Musicalmente hablando, es un tema que se apoya en los magníficos arreglos de cuerda marca de la casa, creando una atmósfera que juega, de nuevo, con los claroscuros, con las sensaciones agridulces de nuestro protagonista, un naúfrago sentimental abandonado a su suerte en una eterna y lúgubre primavera. "Blue Skies" busca de nuevo la complicidad con el oyente, de hecho Fink se dirige a todos nosotros reconociendo que ésta es una canción para cualquiera que tenga el corazón roto, así es como reza la primera frase de ésta, la novena canción de "First days of Spring". Nuestro atribulado Romeo se esfuerza por salir del pozo e intenta componer un nuevo canto a la esperanza, en este caso asegura que ésta será la última canción que compondrá con su añorada amada en mente. Los metales entran en escena flirteando con violines y cellos, y dan paso al coro de ángeles que ya habíamos disfrutado en "Love of an Orchestra"; se avecina el final y parece que nuestro protagonista quiere insuflar un soplo de esperanza entre tanto desamor. Él décimo corte del LP se titula "Slow Glass", y personalmente me parece el tema de menor intensidad del disco, una canción que ignora los arreglos que tan buenos resultados había proporcionado al resto del conjunto y que apuesta por un pop más convencional. El último minuto de esta pista sirve de introducción a la última canción de "First Days of Spring", "My Door Is Always Open", una composición emparentada con el tercer corte del disco, "I Have Nothing", de hecho la entonación de Fink en ambos estribillos es casi la misma. "My Door is Always Open" funciona en nuestras mentes como un travelling a través del cual analizamos toda la historia de nuestro desdichado amante, un tipo que ha tocado fondo, se ha levantado, se ha vuelto a caer y finalmente se ha prometido a sí mismo alzar la cabeza para disfrutar de los esperanzadores cielos azules de la primavera. De hecho, Fink no muestra ningún rencor en la letra de esta canción, pero al mismo tiempo se congratula de ser libre, no libre de corazón, sino libre del dolor al que le tenía sometido esta amarga ruptura. Este último tema es el más desnudo del disco, encomendando toda la carga emocional a dos guitarras, una acústica y otra slide, que son el único acompañamiento de la voz de Fink hasta que al llegar al tramo final de la canción surge un coro que marca el clímax de la historia, poniendo, no sabemos si el punto y aparte o si el punto y final, a esta malograda historia de amor.

Unos días antes de que saliera a la luz "First Days of Spring", Charlie Fink sufre otro revés emocional, su hermano, hasta entonces batería de la banda, anuncia que abandona Noah and The Whale para centrarse en sus estudios de medicina; Jack Hamson ocupará su lugar en la nueva formación, acompañado de otra incorporación, Fred Abbott, que se encargará de la guitarra y de los teclados. "First Days of Spring" volvería a atraer la atención de la crítica, que valorará muy positivamente este paso adelante en la madurez compositiva de Charlie Fink, mientras que desconcertará a algunos de sus fans, que no encuentran ni rastro de frivolidad en un disco que abre de par en par las puertas de las alcobas más íntimas del corazón de su autor. A pesar de que el disco tuvo una buena acogida, no contó con ningún single que gozase del éxito del pegadizo "5 years Time", no obstante, el segundo LP de Noah and The Whale figuró entre lo mejorcito del pasado año para muchas publicaciones especializadas. En enero de 2010 empiezan a correr rumores acerca del nuevo disco de la banda, que no tardará en encerrarse en el estudio para plasmar las nuevas composiciones de Fink. Tras numerosas especulaciones al respecto, parece que el disco estará listo para marzo de 2011 y llevará por título "Last Night On Earth".

Ya no me queda más que añadir (menos mal, dirá más de uno), salvo los imprescindibles enlaces. Por supuesto, os dejo los enlaces a la página web oficial de Noah and The Whale y a su myspace, y como guarnición podréis picotear una reseña de "First Days of Spring" aparecida en la web Drowned In Sound y una entrevista, en lengua bárbara eso sí, en la página Under The Radar. Como además he encontrado bastante material audiovisual que me ha parecido de interés, también os dejo un enlace a la magnífica web La Blogotheque, donde podréis disfrutar de dos actuaciones de Noah and the Whale; aunque se trata de temas pertenecientes a su primer trabajo son dos canciones bastante recomendables. Como guinda del pastel, cierro los enlaces con un link al blog de la grabación del documental "First Days", en el que Charlie Fink recoge el proceso de grabación del segundo disco de la banda. Y como no, los videos, me he decantado por "Love of an Orchestra" y por "Blue Skies", que me parecen dos grandísimas canciones. Espero que os guste.

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RESEÑA DE FIRST DAYS OF SPRING EN DROWNED IN SOUND

ENTREVISTA A NOAH AND THE WHALE EN UNDER THE RADAR

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NOAH AND THE WHALE- FIRST DAYS OF SPRING

James Yorkston- The Year of The Leopard (2006)

2010-11-19T22:11:00.002+01:00

¿Alguna vez os habéis comprado un disco sólo (lo siento señores académicos, me niego a prescindir de este acento) por la portada? Yo sí, y muchas veces además. Este es un acto de una osadía sin igual, es como lanzarte de cabeza a una piscina sin conocer con exactitud su profundidad, como caminar por el alambre sin red, sin ser consciente de lo que te vas a encontrar al otro lado. Muchas veces me he sentido atrapado por portadas de una fuerza visual tremenda y no me ha quedado más remedio que tomar el disco en cuestión entre mis manos, mirarlo por el derecho, más tarde por el revés, extraerlo pacientemente de su funda y examinarlo al trasluz, como si supiera para qué demonios sirve esta extraña operación, leer con detenimiento los créditos, como si eso me fuera a sacar de alguna duda, y finalmente buscar en el bolsillo de mi raído pantalón la cantidad exacta que marca la pegatina para llevar a cabo la, ya ritual, transacción. Así es como esas preciadas piezas caen en mis manos, eso sí, luego viene lo realmente trágico: llegar a casa y salir de dudas, comprobar si hemos metido la pata o no. Es entonces cuando vuelves a repetir todos los pasos que habías seguido en la tienda, pero sintiendo en este caso que manejas un paquete bomba que puede explotar en tus manos o que en cambio puede resultar, felizmente, inofensivo para tu orgullo y tu bolsillo. Aquí la suerte es dispar, nos hemos guiado por algo tan poco esclarecedor como es una portada, y las consecuencias a veces son letales (tengo muchos ejemplos de discos meramente decorativos), mientras que en otras ocasiones son gozosas, llevándonos a un éxtasis musical que culmina aquella especie de epifanía que habíamos tenido en la tienda, cuando habíamos pensado "ese disco debe ser la ostia, menuda portada". La llegada de las nuevas tecnologías, y sobre todo de este nido de piratas y maleantes que es internet, ha acabado en parte con el romanticismo discográfico de hace una década, ahora ya no es necesario correr riesgos económicos, si un disco te ha llamado la atención en la tienda, te lo bajas y si te gusta te lo compras, así con toda la profilaxis del mundo. No obstante, las portadas siguen siendo para mí un sugerente reclamo, un caramelo, a veces envenenado, que me lleva a sucumbir ante determinados discos. Por eso me cuesta tanto entender a toda esta generación que almacena canciones en lugar de atesorarlas, que desconoce los soportes clásicos de las grabaciones musicales y que sólo utiliza el mp3 como forma de disfrutar de la música. Esa generación que no necesita tocar los discos, olerlos, enamorarse de sus portadas, llorar desconsoladamente el día que le haces una raya a tu disco favorito (quizás no sepan ni que los discos se pueden rayar). Todo eso me provoca un enorme estupor y me hace pensar que el consumismo voraz de nuestro tiempo ha llegado también a la música, una música que se ha mercantilizado en exceso atizada por una sociedad que no sabe apreciar el bello fetichismo que se esconde tras las grabaciones, una sociedad que acumula emociones en archivos binarios que ni siquiera pueden abrazar cuando se sienten desconsolados, un puñado de melómanos impostores que no saben cúal es la portada de su disco favorito porque el archivo que se bajaron venía sin el "artwork" (qué barbarismo tan feo). Y cuidado, porque ahora esta apisonadora de recuerdos y emociones ha puesto su mira en los libros. Estáis avisados.

Y por qué empiezo con este rollo, pues porque el disco de hoy es uno de esos que me llamaron la atención por su portada, un bonito diseño que parece salido de un cuento oscuro, una atracción fatal que tuvo un final feliz. James Yorkston nace en Kingsbarns, un pequeño pueblo de Fife, Escocia, de niño es un muchacho inquieto que no tardará en mostrar interés por la música, de hecho a los ocho años comenzó a tocar algunos instrumentos. A los diecisiete decide mudarse a Edimburgo con su novia, al mismo tiempo que se involucra en una banda de garage y punkrock llamada Huckleberry en la que tocará el bajo; poco más tarde acabará regresando a Fife. En 1996 dará su primer concierto acústico, después de que un amigo que trabajaba en una tienda de discos lo eligiera para telonear, ni más ni menos, que a Bert Jansch, será por aquella época cuando nuestro hombre se incline definitivamente por los sonidos acústicos de herencia folk, dejando atrás los sonidos más rudos y primarios; sin duda aquella experiencia fue decisiva en su carrera. A partir de entonces, James Yorkston se inscribe en el Fence Collective, un pequeño sello que funciona como un grupo de amigos y artistas con base en la ciudad de Fife y que pretende promocionar a los músicos de la zona, el fundador y cerebro de este pequeño movimiento será Kenny Anderson, cuyo nombre artístico es King Creosote. Con Fence Records, Yorkston grabará en lo sucesivo algunas referencias, además de colaborar en recopilatorios, todo ello con un espíritu próximo al amateurismo, lo que hace que sean, a día de hoy, piezas difíciles de encontrar. Pero la carrera en solitario de James comienza como tal en el año 2000, cuando graba un cinta casera bajo el nombre de J. Wright Presents, se lía la manta a la cabeza y se la envía al mismísimo John Peel, quien, sorprendentemente, no tardará en pinchar algunas de las canciones en su programa. Esa misma cinta, también se la envía al cantautor folk británico John Martyn, quien finalmente le invitará a ser su telonero durante una importante gira. Durante ese tour que le llevará por Irlanda y Reino Unido, uno de los capos de Domino Records, Laurence Bell, queda impactado por la actuación de Yorkston, por lo que no tardará en ponerse en contacto con él para ofrecerle estampar su firma en un contrato. Es así, con el tesón y con la humildad de un verdadero artista, como James Yorkston se va abriendo camino en la escena folk británica; finalmente su fe obtiene la ansiada recompensa y en octubre de 2000 publica su primera grabación, el single "Moving Up Country". Yorkston comienza una carrera de fondo, sin prisa pero sin pausa trabaja en sucesivos temas y alumbra pequeñas piezas que añadir a su, entonces, incipiente discografía, es así como en enero de 2002 graba un single compartido con Lone Pigeon, integrantes a su vez del Fence Collective. Nuestro laborioso cantautor forma una banda estable que le servirá de perfecta compañía en sus grabaciones y en sus directos, se llamarán, como no podía ser de otra manera para este fondista, The Athletes, y con ellos grabará en mayo de 2002, un EP titulado "St. Patrick". Meses más tarde tendrá lugar la puesta de largo de James Yorkston, que graba su primer LP al que llamará "Moving Up Country", justo como el primer single que alumbró. Las primeras grabaciones de Yorkston, y en particular su primer LP, evidencian las influencias de este cantautor, que combina como pocos la tradición folk británica con el country americano, creando ambientes alejados del mundo moderno y más próximos a los utópicos postulados de finales de los 60's y principios de los 70's, cuando un buen número de artistas y pensadores de diverso pelaje apostaban por un regreso a las raíces, una vuelta al origen, a un mundo más pausado, a una sociedad más humana. El primer disco de Yorkston y sus atletas es muy bien recibido por la crítica, lo que le dará alas en su tenaz carrera por convertirse en uno de los compositores de referencia del folk británico contemporáneo, de este modo, nuestro obrero acústico se embarca en diferentes giras teloneando a artistas como The Divine Comedy, Lambchop o Turin Brakes. En 2003 Yorkston pule una nueva gema que añadir a su colección, el EP "Someplace Simple", su tercera referencia con el exquisito sello Domino Records, en él introduce nuevos instrumentos, como el banjo, el cello, el acordeón, la concertina, obteniendo un sonido que le emparenta con los primeros Fairport Convention. Un año más tarde Yorkston y los suyos se encierran en el estudio para ultimar su segundo LP, dejando la producción a los mandos de Kieran Hebden. El trabajo del cantautor y su banda se plasmará en "Just Beyond The River", un disco que superará las expectativas creadas con su primer album y que obtendrá el beneplácito de la crítica especializada; la frágil belleza de las composiciones, sus cuidados arreglos y la tierna voz de Yorkston se convierten en el santo y seña de este artesano del folk, que sigue trabajando y ganando adeptos a su causa. La cadena de producción folk de Yorkston no para ni un segundo, y en octubre de 2005 el sello español Houston Party Records saca a la luz un nuevo EP del británico, en este caso titulado "Hoopoe" y compuesto por seis temas. Casi sin tiempo para descansar, James se enrola en una nueva aventura discográfica, su tercer LP: "The Year of The Leopard".

"The Year of The Leopard" es el primer largo de Yorkston en el que no están acreditados sus atletas, un trabajo en el que prima la desnudez musical, tal y como se nos adelanta en la contraportada con esa foto de un Yorkston solitario, que parece salido de otro tiempo. La producción del album correrá a cargo de Rustin Man, antes conocido como Paul Webb, antiguo bajista de Talk Talk reconvertido a productor desde principios del nuevo milenio. Y el resultado será un disco de una belleza sorprendente, a veces inquietante y otras plácida e inspiradora. El album comienza sin concesiones, directo al corazón con una preciosa canción, "Summer Song". Se trata de un tema en el que parece que podemos acariciar las guitarras acústicas y con el que resulta fácil dejarse llevar por la susurrante voz de Yorkston; una percusión casi inaudible comanda el ritmo de esta composición que nos traslada a otra época, al mismo tiempo que varios instrumentos, tradicionalmente ligados a la música folk, se incorporan a la canción para formar un hermoso puente. Cuando acaba el primer tema de "The Year of The Leopard" queremos más, y vaya si lo tenemos, "Steady as She Goes" es uno de los mejores temas del disco, es una de las canciones que más se aproximan al pop, casi podríamos decir que la más comercial del album, pero ello no le resta calidad en ningún momento, más bien al contrario. De nuevo se repite la base acústica y la tenue percusión, si bien ahora se añade un banjo, un cello y otros instrumentos que dotan de múltiples matices a una canción que gana con cada escucha. Especialmente conmovedor me parece el tercer tema, que da título al disco, que muestra a un compositor con una capacidad para emocionar fuera de lo común, un genio que armado con su voz y las cuerdas de su guitarra consigue ponernos el vello de punta. En el ecuador de la canción se suman una voz femenina, la de Jenny Casino, y un discreto arreglo de viento, que funcionan como perfecto complemento de la melancolía que destila esta bellísima canción. El disco continúa con "5 A.M.", un tema con el que Yorkston se deja querer por ese pop de cámara tan efectivo y que tan buenos resultados ha dado a ciertas bandas escocesas e inglesas, pero todo ello sin abandonar su apego a la música tradicional y al folk, para construir una canción que se hace grande gracias a unos maravillosos arreglos de cuerda y a una voz que tiene un don especial para emocionarnos. En casi todos los discos hay una canción de la que uno podría prescindir, un tema que funciona como un intruso que se ha colado en una fiesta a la que no ha sido invitado, en "The Year of The Leopard" esa canción es ""Woozy with Cyder", que curiosamente se convertiría en uno de los sencillos del álbum. En este, quinto tema del disco, James Yorkston divaga, o más bien ironiza, acerca de si su música le hará algún día rico, y esto lo hace sobre una base musical propuesta por Steve Reich, uno de los padres del minimalismo, que se podría ir con sus sintetizadores y sus aparatitos a otra parte mucho menos evocadora que la que sugieren las composiciones de James Yorkston. Ésta es una colaboración extraña, propia, probablemente, de personas musicalmente inquietas, como es el caso de Yorkston, cuyo resultado no deja a nadie indiferente, estoy seguro de que habrá a quien no le moleste este corte, quizás hasta le guste, pero a mí me chirría dentro de una sinfonía acústica tan bella como la que plantea el músico escocés. A esto hay que sumarle que si uno no es angloparlante es muy fácil perderse en el discurso de Yorkston, de hecho hay que ser prácticamente bilingüe para seguir la perorata de nuestro amigo, lo que sin duda hace que baje la emotividad y la intensidad del disco. Que no cunda el pánico, porque tras este leve pinchazo vuelve nuestro Yorkston, y lo hace con "I Awoke", mostrando sus armas habituales y dejando de lado banales experimentos sonoros. Con ello consigue atraparnos de nuevo en su red de cuerdas acústicas y sutiles arreglos, a la vez que la sugerente voz de Jenny Casino arropa con mimo una canción frágil, hermosa y llena de pequeños matices, una nueva maravilla firmada por este genio. Así llegamos al tramo final del disco, y lo hacemos con "Brussels Rambler", un tema en el que la voz de Yorkston se muestra entre melodiosa y hablada, con una naturalidad y una expresividad punzante, próxima a los registros de Kurt Wagner, y acompañada por unos arreglos de viento que acarician las cuerdas de unas guitarras percutoras. "Orgiva Song" comienza con un teclado, al que se van añadiendo eventualmente otros instrumentos, como una harmónica, un piano, un xilófono, y otra voz que acompaña a la de Yorkston, el resultado es un tanto tibio e inquietante, aunque sin llegar a los niveles de "Woozy with Cyder"; quizás la mano de los productores sea excesivamente alargada en ciertas ocasiones y empuje a los músicos a experimentar en terrenos que distan de su habitat natural, puede que éste sea uno de esos casos. Pero si alguien pensaba que nos iban a adulterar al bueno de James andaba muy, pero muy equivocado, cuando se acerca el cierre del disco Yorkston se descuelga con un temazo de la envergadura de "Don't Let Me Down"; mira bien tu corazón, porque si esta canción no te emociona puede que te hayan dado el cambiazo y te lo hayan sustituído por una alpargata vieja. La épica acústica de James Yorkston regresa felizmente con esta canción en la que su voz es apenas un susurro que se pierde en la neblina de unos arreglos fantásticos, que enriquecen la canción sin eclipsarla y sin caer en sobreproducciones; imposible no temblar cuando escuchamos a Yorkston pidiéndonos que no le dejemos caer, "Don't Let Me Down". Y casi sin darnos cuenta hemos llegado a la décima y última canción de "The Year of The Leopard", "Us Late Travellers", otra maravilla acústica en la que el escocés juega con los géneros a su antojo, descolocando a los amantes de las etiquetas musicales. ¿Qué hace Yorkston, folk, country, música tradicional, acaso es pop? qué importa, lo que realmente cuenta es que el resultado es de una belleza arrebatadora, que tiene un sello propio, un estilo reconocible, y que es capaz de emocionarnos casi hasta la lágrima, cuando se lo propone. "The Year of The Leopard" fue aclamado como uno de los mejores trabajos de 2006 y situó a su creador en la cima de los creadores folk, convirtiéndolo en todo un referente del género. El disco vería la luz en los USA en 2007, un año más tarde que en el Reino Unido y Europa, y del mismo se prensarían distintas ediciones, la que ofrecemos en Rainy Day Music es la normal, la de CD sencillo, pero el tercer trabajo de Yorkston se editó en vinilo (en un precioso formato de doble 10'' con dos temas extra: "I Acknowledge The Devil" y "Buzzard") y también en una edición especial de dos CD's que contenía seis pistas extra con las demos de algunos temas del disco.

Como ya anunciábamos, James Yorkston es un estajanovista del folk y ha seguido trabajando incesantemente, colaborando con The Fence Collective, junto a los que ha apoyado a sus amigos y ha girado en diversos tours completando varias formaciones, y por supuesto editando más trabajos en diferentes sellos. No en vano, en 2007 realiza para Fence Records "Lang Cat, Crooked Cat, Spider Cat", un trabajo instrumental compuesto por siete temas, ese mismo año Domino Records edita "Roaring The Gospel", un disco que recoge las caras B's de algunos de los singles de Yorkston junto con otras rarezas. Será en 2008 cuando vea la luz el cuarto LP de estudio de Yorkston, "When The Haar Rolls In", un disco con una portada preciosa, un trabajo que, aunque se muestra más luminoso que su predecesor, continúa la misma senda, según la cual las canciones se cocinan a fuego lento, siguiendo la receta acústica y tradicional que tan buenos resultados le ha dado al escocés, todo ello salpimentado por unos arreglos magistrales marca de la casa. Y así llegamos hasta 2009, año en que se edita el, hasta la fecha, último álbum de James Yorkston, "Folk Songs", en el que se hará acompañar de The Big Eyes Family Players. "Folk Songs" es un disco que sitúa a Yorkston más cerca que nunca de la música tradicional propia de las Islas Británicas, versioneando clásicos como "Martinmas Time", aunque sin perder la esencia de sus anteriores trabajos, aquellos que le han convertido en un verdadero gigante de la escena folk mundial.

Ponemos el colofón a esta entrada con una nueva dosis de enlaces, como no podria ser de otra manera, con los links a la página web oficial y al myspace de James Yorkston, además os dejo un tercer enlace al espacio que la web de Domino Records dedica a este genio escocés. Un cuarto enlace os conducirá a una reseña de "The Year of The Leopard" aparecida en la página web Drowned In Sound, mientras que un quinto link os facilitará la llegada a una entrevista realizada a James Yorkston aparecida en The Guardian, sólo apta para angloparlantes. Buceando en la búsqueda de vídeos para esta entrada me he encontrado con dos magníficos documentos que me gustaría compartir con todos vosotros, el primero es un documental de 15 minutos sobre la grabación de "The Year of The Leopard", se titula "Making The Year of The Leopard" y está dividido en tres partes, por lo que os adjunto sus tres correspondientes enlaces. El segundo video que os enlazo lleva por título "Homelights Tour", se trata de un documental de unos 20 minutos que recoge algunos momentos de la gira que realizaron conjuntamente James Yorkston, Adrian Crowley y Alasdair Roberts, y que les llevó por tierras irlandesas. Finalmente he insertado dos vídeos en la entrada, el primero es el videoclip oficial de la canción "Steady as She Goes", incluída en "The Year of The Leopard", mientras que el segundo muestra a Yorkston acompañado de sus Big Eyes Family Players interpretando el tema tradicional "Martinmas Time", incluído en su último trabajo, "Folk Songs". Espero que os guste.

PÁGINA WEB OFICIAL DE JAMES YORKSTON

MYSPACE DE JAMES YORKSTON

JAMES YORKSTON EN LA WEB DE DOMINO RECORDS

ENTREVISTA A JAMES YORKSTON EN THE GUARDIAN

MAKING THE YEAR OF THE LEOPARD- PARTE 1 /// PARTE 2 /// PARTE 3

HOMELIGHTS TOUR

JAMES YORKSTON- THE YEAR OF THE LEOPARD

Vetiver- To Find Me Gone (2006)

2010-11-12T18:22:00.004+01:00

Está bien, admitámoslo, soy un mitómano. Y lo soy hasta tal punto que a veces me interesa más el personaje que hay detrás de las canciones que su propia música; no me suele pasar a menudo, ya que lo normal es que mis genios más adorados sean también aquellos que componen sutilmente el hilo musical de mi existencia, pero en ocasiones se me cuela algún intruso que acaba ganándome el corazón, aunque musicalmente no me pellizque del todo el alma. Esto es lo que me sucede con el bueno de Devendra Banhart, un tipo peculiar donde los haya que me gusta más por cómo es que por lo que hace. Este brillante chiflado es capaz de crear joyas de la talla de "Santa Maria da Feira" o "Samba Vexillographica", verdaderos himnos del folk y del pop mas naïf, para después descolgarse con unos truños como puños que provocan una digestión más que pesada. Pero aún así, el bueno de Devendra se ha ganado un huequecito en el sancta sanctorum de mi discoteca, un pase de invitado al Olimpo de mis locos favoritos. Este yanqui criado en Venezuela ha conseguido engatusarme con ese aire de hippie iluminado, de santón que rezuma paz interior, de genio que parece estar constantemente a punto de crear su obra maestra. Y claro, una vez que dejas entrar en tu casa a un tipo tan peculiar, no te queda otra que tener que invitar de vez en cuando a tomar café a sus colegas; así es como mi buen amigo Devendra me presentó a Vetiver. Así es como abrí la puerta de mi humilde hogar discográfico a unos desconocidos que, sin apenas permiso, se instalaron en mi salón, se bebieron mis cervezas e hicieron de mi sofá su cama; gracias a Dios han respetado a mi mujer, pero amenazan con no irse nunca, afortunadamente.

Durante la última década se ha ido dibujando una escena folk muy próxima a la psicodelia y al pop barroco de finales de los 60's, es lo que se ha dado en llamar Freak Folk, una expresión más que añadir al saco sin fondo de etiquetas de los críticos musicales, y que cuenta con Devendra Banhart, Joanna Newsom, Sufjan Stevens, Animal Collective y, por supuesto, Vetiver, entre sus más destacados miembros. Vetiver dio sus primeros pasos en 2004, fruto del talento de Andy Cabic, alma mater y cerebro de la banda. Cabic tocaba en una banda de rock llamada The Raymond Brake, una formación que nace a mediados de los 90's en Greensboro, Carolina del Norte, y que tendría cierto éxito a nivel local, con ellos grabó un LP, un EP y varios singles, hasta que en 1998 decide mudarse a San Francisco. En Frisco, Cabic se unirá a la formación de rock bailable Tussle, donde tocará el bajo, al mismo tiempo que entra en contacto con Joanna Newsom y con Devendra Banhart, a quien conoce en el San Francisco Art Institute; es así como se zambulle en una escena folk en plena efervescencia, sin duda la amistad que entabla con estos dos talentosos músicos influirá enormemente en su concepción musical y en sus posteriores trabajos. Cabic empieza a colaborar musicalmente con sus nuevos amigos, toca junto a ellos y les acompaña en sus giras, durante ese período compone algunas de las canciones a las que más tarde dará forma bajo el nombre de Vetiver. De este modo, 2004 se convierte en un año clave para nuestro amigo, ya que escribe junto a Banhart uno de los temas de su disco "Rejoicing In The Hands", concretamente el que lleva por título "At The Hop", y al mismo tiempo verá luz el disco de debut de su banda, el homónimo "Vetiver", auspiciado por el pequeño sello independiente DiCristina. En su nueva aventura, Cabic estará acompañado por el entrañable barbudo, Banhart, que se encargará de la guitarra y de los coros, Jim Gaylord, al violín, y Alissa Anderson, que tocará el cello; Cabic se encargará del banjo, la guitarra acústica y, por supuesto, llevará la voz cantante. El LP estará producido por Thom Monaham, miembro de The Pernice Brothers, y contará con invitados de la talla de Joanna Newsom, Hope Sandoval y el antiguo batería de My Bloody Valentine, Colm O'Ciosoig. El primer disco de Vetiver sienta las bases de lo que será el definitivo sonido de la banda, es un magnífico viaje iniciático en el que Cabic se reúne con sus amigos y se sumerge en un territorio en el que se desenvuelve como pez en el agua: canciones con cuerpo folk que en ocasiones arropa con vestidos country y con delicadas texturas musicales, canciones tiernas, tranquilas, que se aproximan al pop en algunas ocasiones, pero sin perderse en caminos trillados ni en convencionalismos banales. Banhart contribuye firmando dos canciones junto a Cabic, "Amour Fou" y "Los Pájaros del Río", es su manera de involucrarse en el proyecto de su amigo, sin eclipsarlo, a pesar de que cuando el primer album de Vetiver ve la luz Devendra Banhart ya había removido los cimientos de la escena folk mundial y estaba a punto de editar su quinto disco. En 2005, Vetiver pone en circulación un disco en formato EP compuesto por cinco canciones, se trata de una versión de Fleetwood Mac ("Save Me A Place"), alguna toma en directo y unas cuantas demos; entre ellas, "Belles" (en este caso una toma realizada para una emisora de radio), que ya figuraba en su puesta de largo, y "Been So Long" (en su estado embrionario), que más tarde aparecerá en el album que nos ocupa en esta entrada. Ese mismo año, Andy Cabic coproduce "Cripple Crow", uno de los mejores trabajos de su amigo Devendra Banhart.

Será en 2006 cuando "To Find Me Gone" vea la luz. El núcleo de la banda estaba compuesto por Devendra Banhart, Alissa Anderson y el propio Cabic, a los que se sumarán entonces el batería Otto Hauser y el bajista Kevin Barker. Thom Monaham se encargará de nuevo de capitanear la producción del disco, que fue engendrado en su estudio casero de Los Angeles durante la primavera de 2006. "To Find Me Gone" es algo más que la continuación de "Vetiver", el album de debut de la banda, es la confirmación de una forma muy personal de entender el pop y el folk, una manera totalmente desprejuiciada de hacer música que en ocasiones lanza un guiño al country y que en otras se deja querer por una tradición musical que parece rescatada de un pasado muy remoto. Las letras de Cabic tienden al surrealismo, a veces rozan el absurdo, tal y como ocurre con las canciones de su amigo Devendra Banhart, fruto del hedonismo militante del que ambos hacen gala. El disco se abre con "Been So Long", un tema que comienza con aires orientales para ir abriéndose paso hacia latitudes más próximas a la concepción tradicional de la música folk, la canción funciona como una bienvenida perfecta, nos abre los sentidos en un sentido casi místico y hace que nos interesemos por el resto de cortes del disco. La voz de Cabic suena dulce, casi susurrante, acompañada por unos maravillosos coros y por una percusión orientalizante, poco a poco se va introduciendo una guitarra acústica y una flauta que visten de gala una canción preciosa. Tras este fulgurante inicio, "You May Be Blue" arranca con el aire misterioso y sofisticado que le otorga el xilófono, con un ritmo trotón sobre el que destaca la voz de Cabic, comandando un ejército de guitarras cuyo punteo funciona como un mantra. El tercer tema del disco se traduce en uno de los mejores momentos del mismo, "No One Word" recupera al primer Dylan, lo invita a consumir unas cuantas sustancias psicotrópicas y lo tumba en una hamaca a disfrutar de un cielo estrellado, sólo así se entiende esta maravilla en la que el cello de Alissa Anderson juega un papel primordial; más de seis minutos de éxtasis, y no me refiero a las populares pastillitas que consume la muchachada. El cuarto corte del disco es "Idle Ties", una canción que rebaja la intensidad mística de su predecesora sin por ello bajar el listón, se trata de mostrar el lado más desenfadado y pop de la banda sin caer en lo ordinario; de nuevo las cuerdas de Anderson sustentan la canción, dotándola de una fuerza especial. "I Know No Pardon" es la canción más ambiciosa, en cuanto a duración se refiere, de todo el disco, un precioso tema de casi siete minutos de duración. Este quinto tema de "To Find me Gone" muestra la querencia de la banda por la música country, es la canción perfecta para pedirle matrimonio a a una granjera durante la verbena de un pueblo perdido del Far West, al ritmo de una lap steel que parece llorar sobre nuestro hombro recordando aquello que fuimos y que ya nunca más volveremos a ser. Para recuperarnos del impacto emocional de "I Know No Pardon", Cabic y lo suyos nos proponen un tema que destila ternura y calidez por partes iguales, con una guitarra acústica que suena de miedo y, de nuevo, una lap steel y un teclado que parecen invisibles pero que dotan de cuerpo a una canción que no pasa desapercibida; así es "Maureen". "The Porter" es un ejercicio de libertad expresiva, un tema próximo a la psicodelia con tintes de banda sonora del Oeste, es la canción que sobrepasa el ecuador del disco adentrándose en aguas turbulentas, lejos de la complacencia y de los amables sonidos folk imperantes en el repertorio de Vetiver. "Double" es el octavo tema del LP, una composición que retoma el camino que parecía haberse perdido con "The Porter", una canción que vuelve a apostar por el falso minimalismo que tanto agrada a Cabic, los reiterativos punteos de su acústica y un trasfondo rico en matices que construyen un nuevo monumento a la melancolía más cálida y en el que yo, personalmente echo de menos algún metal. El noveno corte del segundo trabajo de Vetiver lleva por título "Red Lantern Girls" y supone otro de los momentos estelares del disco; es el epítome del recetario de Cabic, la quintaesencia de su sonido folk, de sus arreglos de astuto orfebre, de sus ritmos repetitivos e hipnóticos. Todo ello se enriquece con unos sutiles cambios de ritmo, que explotan definitivamente hacia los cuatro minutos y medio de duración con una inesperada distorsión eléctrica que irrumpe sin previo aviso y contribuye a enrarecer el ambiente de esta canción, que es inquietantemente bella. Una vez más, Cabic decide darnos una pequeña tregua después de tanta intensidad, y lo hace con "Won't Be Me", el tema más country del disco, una entrañable canción que galopa a ritmo de banjo y de acústica, dejando una nube de polvo en el ambiente que traza una huella indeleble en nuestra memoria, imposible no tararearla. Y la guinda a este pastel se la pone "Down at El Rio", canción escrita a cuatro manos entre Andy Cabic y Devendra Banhart, algo que podríamos adivinar sin necesidad de que nadie nos lo chivase. Las guitarras de este último tema de "To Find Me Gone" suenan brillantes, limpias y relucientes, acompañando perfectamente a las voces de estos dos amigos que muestran su parte más hedonista, dos tipos que se entienden a la perfección y que han contribuído a impulsar una nueva escena folk que goza de repercusión mundial y que todo el mundo se empeña en etiquetar. Sea como fuere, para mí canciones tan puras y naïves como "Down at El Rio", o como otras creaciones del entrañable barbudo, son imprescindibles en un mundo tan asquerosamente feo como es éste que nos ha tocado vivir. Son canciones que transmiten un profundo bienestar, al menos en lo que a mí respecta, diminutas joyas que consiguen pellizcarnos el alma.

Tras el lanzamiento de "To Find me Gone", Vetiver experimenta serios cambios en su formación, Devendra Banhart abandona la nave y en su lugar se hará cargo de la guitarra Sanders Trippe, además el bajo cambia de titular con la salida de Kevin Barker y la incorporación de Brent Dunne. Todo esto se traducirá en estabilidad para la banda, ya que la formación queda más definida, lo que permite, entre otras cosas, un proyecto más serio y ambicioso de giras, tal y como pretendía Cabic. En 2008 Vetiver regresa con un nuevo trabajo, se trata de "Thing of The Past", un disco de versiones que recoge las canciones que más han influído a Cabic. Las composiciones de artistas como Townes Van Zandt, Ronnie Lane, Michael Hurley o Garland Jeffreys se pasean por este LP, que en su conjunto se muestra como un trabajo compacto, un disco en el que Cabic hace suyas todas estas creaciones ajenas dotándolas de ropajes nuevos, con resultados, en ocasiones, sorprendentes. Aprovechando el tirón de este disco de versiones, Vetiver editará unos meses más tarde un EP con otras cinco canciones prestadas, lo hará con el sello Gnomonsong bajo el título de "More of The Past". Un año más tarde sale a la calle el, hasta la fecha, último trabajo de Vetiver, "Tight Knit", un disco consistente que sigue apostando por la misma fórmula, lo cual no deja mucho espacio para las sorpresas pero tampoco para la decepción.

Y ponemos punto y final a esta entrada con una selección de enlaces. El primero de ellos os llevará a la web oficial de la banda, y el segundo, como viene siendo habitual, os conducirá al myspace de Vetiver, un tercer link recoge el apartado que la banda tiene en la página de Jam Base, que está bastante bien porque en su mayor parte data de la etapa en que se grabó "To Find Me Gone", y por último he querido recoger dos entrevistas, en este caso en forma de vídeo, una de ellas en inglés, para Freakbeat, y la otra, para suerte de todos los que no pasamos del manido "How Are You?", subtitulada en la lengua de Cervantes, en este caso para Scanner TV. Como colofón dos vídeos, ambos en directo, en el primero la banda interpreta el tema con el que se abre "To Find Me Gone", "Been So Long", mientras que el segundo muestra una actuación en Sonic Boom Records, en Toronto, donde Vetiver interpreta "Maureen". No tengáis miedo y abrid la puerta de vuestra casa a Vetiver, seguro que no os arrepentís, eso sí, cuidado con la cervezas y el tabaco, estos hippies son un poco gorrones. Espero que os guste.

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