Nuestras madres, que nos quieren mucho, son, por lo general, las personas que más dificultad encuentran para entendernos cuando nos hacemos adultos. ¿A qué viene esta absurda reflexión? pues porque sin duda alguna, la frase que más lleva repitiéndome mi madre durante los últimos quince años es "Pero hijo mío, ¿para qué quieres tantos discos?", esa pregunta en tono casi de lamentación es una especie de mantra con el que la autora de mis días me martiriza con cierta asiduidad. Ha sido ese asombro que muestra mi madre hacia mi costumbre de adquirir discos de manera casi compulsiva, el que ha hecho que en más de una ocasión yo mismo me haya planteado el por qué de mi obsesión por la música, la respuesta la he encontrado en discos como los que hoy os traigo.
Uno de los mayores placeres que me proporciona la música es el de la primera escucha; pocas cosas hay comparables al preciso instante en el que oyes una canción o un disco por primera vez, esos instantes de expectación, de incertidumbre, ese halo de misterio, todo eso sólo me lo proporciona la música. Pero es que además cuando esa primera escucha es positiva el placer se multiplica y a uno le invade una sensación inexplicablemente maravillosa, de repente te sientes como si hubieses descubierto un tesoro, a partir de ese momento esos sonidos nuevos pasan a formar parte de tu equipaje vital. Todo eso y mucho más me ocurrió la primera vez que escuché a June et Jim. Cómo llegué a ellos, pues a través de un cartel, vi que tocaban en mi ciudad, me pareció atractivo lo que se decía de ellos y acabé buceando en su myspace en busca de canciones. La sorpresa fue instantánea y el flechazo no se hizo esperar. June et Jim son un dúo formado por una cantante francesa y un compositor español afincados en París, su propuesta es una revisión de la chanson francesa, a la cual sacan de paseo por arrabales y puertos nocturnos, de la mano de Nino Rota y Lee Hazlewood, para acabar cantando y tomando copas al amanecer en compañía de Tom Waits. June et Jim no tienen prejuicios a la hora de componer sus canciones, se inspiran en el cine, en la literatura o en sus propias vivencias; rabia, melancolía, ternura e ironía, tienen cabida en los textos de este peculiar dúo, que a veces lanzan guiños indisimulados a monstruos de la talla de Beckett, Cocteau, Artaud, Genet, Chejóv o Materlinck, casi nada... La música de June et Jim se construye a base de loops, es decir, grabando una serie de sonidos por separado que luego se repiten de manera sincronizada pasando a formar parte de un todo. Sencillos ritmos de guitarra, palmas, el tintineo de unas campanillas, tres o cuatro notas de un piano de juguete, unas maracas, e incluso el ruido de un periódico cuando lo estrujamos con nuestras manos, June et Jim aprovechan todo eso y mucho más en sus canciones, formando parte de una tradición de pop minimalista en la línea de su compatriota Pascal Comelade. Las voces de esta extraña pareja se entienden a la perfección, se buscan, se replican, se admiran, se enamoran; a veces uno tiene la extraña sensación de que June et Jim han nacido para cantar juntos. La voz grave y dura de Jim tiene su contrapunto perfecto en la dulzura y el sosiego que transmite la garganta de June.
Hasta la fecha June et Jim han grabado tres discos, tres trabajos totalmente autoproducidos que pasan por encima de la industria discográfica, ésa que hace creer a la gente que sin pasta no hay oportunidades. La irrupción de internet ha abierto todo un mundo de posibilidades a los artistas, un sinfín de vías a través de las cuales promocionarse y acercar su trabajo a todo el mundo, ahora más que nunca el "hazlo tú mismo" se ha convertido en una realidad, y June et Jim son un ejemplo de ello. "Les Vivants" fue grabado entre enero y marzo del presente año, mientras que "Fables" es un trabajo mucho más reciente si cabe, data de agosto de 2008, apenas tiene tres meses. June et Jim se encargan de todos los instrumentos, así como de todos los asuntos técnicos de la grabación, el resultado es bastante bueno, no tiene nada que ver con grabaciones caseras ni con sonidos lo-fi. De todas formas, lo mejor que podéis hacer es descubrirlo vosotros mismos, dejaos atrapar por el magnetismo que desprenden June et Jim, seguro que son una de las propuestas más originales y atractivas de cuantas habéis oído en los últimos años.
June et Jim son unos músicos a tener muy en cuenta en lo sucesivo, unos artistas que prometen darnos muchas alegrías, os recomiendo encarecidamente sus directos, y os agradecería que si os gustan estos dos discos os pongáis en contacto con ellos vía e-mail para que os hagan llegar alguna copia, gente como ellos necesitan vuestro apoyo. Esta vez el post no tiene muchos extras, tened en cuenta que June et Jim no son un dúo consagrado ni tienen a sus espaldas una larga trayectoria, eso hace que no aparezcan muchas entradas referentes a ellos en internet, de todas formas os dejo un enlace a su myspace y un vídeo donde los podréis ver interprteando en directo el maravilloso tema "Cendres". Espero que os guste.
Aprovechando que llegaron las primeras gotas de lluvia en español a Rainy Day Music, continúa hoy este chubasco otoñal con otro músico atrevido y original, Juan José González, quien se atrinchera tras el nombre de Espaldamaceta. Este tarraconense propone una música desnuda, sin artificios, donde podemos esuchar su guitarra y su voz como únicos protagonistas. En la garganta de Espaldamaceta conviven desde Nick Drake hasta Paco Ibáñez, su voz es una de las más personales del panorama español y su apuesta es valiente y sincera. Internet ha sido para este músico una de sus principales lanzaderas, casi podríamos decir que lo que antes denominábamos el "boca a boca" hoy deberíamos rebautizarlo como el "tecla a tecla", ya que es increíble la velocidad con la que se difunden noticias, propuestas, tendencias, fenómenos, rumores e incluso auténticas mentiras por medio de este cajón de sastre que es la red. Espaldamaceta no tardó en aparecer en diversos blogs en los que se colgaban sus canciones, y poco a poco se fue abriendo camino y dándose a conocer; este es un ejemplo de cómo nuestras acciones desde los blogs lejos de infringir la ley sirven para ayudar a algunos músicos y para promocionar la cultura, hacemos gratuitamente el trabajo que otros, que además cobran por ello, deberían hacer. La historia tiene además un final feliz ya que recientemente se ha editado el primer disco de Espaldamaceta, "Madera y poca luz" (Bankrobber, 2008), el cual está promocionando por diferentes ciudades, recibiendo muy buenas críticas. Os dejo con un extracto de su Myspace para que lo conozcáis mejor:
"<< El comentario recurrente entre quienes le ven en vivo es "piel de gallina", y es que pocos cantautores con guitarra de palo tan intensos se han visto por aquí, a un nivel de emoción a lo Jeff Buckley o Elliott Smith, aunque en su inconfundible estilo >>. No lo decimos nosotros, lo dijo Esteve Farrés en Rockdelux cuando el nombre de Espaldamaceta empezaba ya a susurrarse por los entresijos de la escena indie de Barcelona. Para conseguirlo, le bastaron algunas actuaciones escogidas: Apolo, Llantiol, Heliogàbal, Pocket Club... Ya fuera en solitario o junto a compañeros de escenario como Xavier Baró, Raülmoya o El Chico Con La Espina En El Costado, la magia de Espaldamaceta, su voz y sus canciones llenaban el ambiente y se colaban, cuál diminutos cuchillos, por los poros de cada uno hasta lo más hondo de su alma. Espaldamaceta es ahora mismo el artista a descubrir. Si trampa ni cartón, solo con su voz y una guitarra de nylon. Porque no hace falta más. Espaldamaceta es sensibilidad y sinceridad a raudales. Espaldamaceta es una voz inconfundible. Espaldamaceta es un integrista de la guitarra de madera y las cuerda de nylon. Y lleva el fantasma de Nick Drake flotando inquieto a su alrededor, aunque él mismo tardase en darse cuenta. Comprobarlo está solo a un par de clicks: Por la red ya circula hace tiempo "Y ahora que la mierda ya me llega hasta los ojos", su canción clave. Tras toda la literatura que acarrea ya la prehistoria de Espaldamaceta, en septiembre llega la hora de la verdad. El cantautor de Tarragona publica su primer disco, Madera y poca luz. Las expectativas desatadas harán que se presente en vivo en citas inminentes como los festivales BAM (cita en la plaça del Rei, quintaesencia de las noches mágicas) y Altaveu. Para octubre se prevé su primer concierto en Madrid, en Clamores."
Completando este post encontraréis dos canciones de Espaldamaceta, que seguro que os sorprenden, y dos enlaces, uno a su Myspace, donde además de escuchar más canciones podréis consultar las fechas de su gira (aviso para navegantes, mañana 18 de octubre a las 22:00 horas, Espaldamaceta en directo en La Lata de Bombillas totalmente GRATIS. Espabilad zaragozanos, que luego os quejaréis de que no se hacen actividades culturales de calidad en vuestra ciudad...), y otro a un artículo aparecido en el diario Publico. Espero que os guste.
Hoy llueve en español, y creo que es la primera vez que este inusual fenómeno meteorológico se produce en este blog. ¿Os habéis parado a pensar lo difícil que es componer en la tercera lengua más hablada del mundo? Es difícil no caer en lugares comunes, en tópicos, es complicado dominar aspectos como la métrica de este enrevesado idioma o evitar las consabidas rimas en infinitivos, a toda esta ingrata tarea hay que añadir además que tu mensaje lo pueden entender 400 millones de personas en todo el mundo, a muchas de ellas se la trae al pairo lo que signifiquen las letras de Beyoncé, pero a ti, querido hispanohablante no te van a pasar ni una. Quizás sean todos estos obstáculos los responsables de que no abunden en la actualidad letristas de calidad en la música española, salvo honrosas excepciones la mayoría de las canciones en español que escuchamos en la radio nos obligan a taparnos los oídos para no sonrojarnos ante sus mensajes y proclamas. El español ha quedado relegado al folklore más rancio, al pop de radiofórmula, a los impostores ritmos latinos, al reggaeton y al incipiente rap patrio; terrenos en los que la lengua de don Miguel de Cervantes se siente cómoda, ya que no se le exige mucho y goza de gran repercusión mediática. Hay que tenerlos muy bien puestos para intentar hacer una música creativa y diferente en este país y además hacerla en español, por eso admiro a gente como Abraham Boba, capaz de todo eso y mucho más.
David Cobas nace en Vigo, aunque musicalmente hablando se le puede considerar barcelonés, es un joven veterano de la escena musical española que ha formado parte de dos bandas antes de emprender su carrera en solitario, se trata de Tedium, con la que grabó un disco, y Belmonde, con quienes editó dos trabajos. Compositor, arreglista y letrista, David ha ido dando forma poco a poco a un peculiar alter ego, Abraham Boba, un original nombre de guerra con el que comenzó en 2007 un nuevo proyecto, y cuyo primer fruto es el disco que podéis encontrar aquí. Abraham Boba se destapa como un observador crítico de la sociedad que le ha tocado vivir, un enemigo de la autocomplacencia, del conformismo y del aborregamiento, patologías muy extendidas entre los humanos de hoy en día. Sus letras destilan una calidad poco frecuente en la música española, alternando momentos de un gran calado narrativo, próximos al surrealismo, con pinceladas costumbristas y momentos de crítica o reflexión social. Es difícil clasificar a una "rara avis" como Abraham Boba, su música puede sonarnos a muchas cosas, es evidente que detectamos ciertas influencias, pero quizás el hecho de elegir el español como lengua a la hora de componer hace que se diluyan y que le dote de una gran personalidad. Sin duda alguna ha mamado de los grandes crooners de nuestro tiempo, como Nick Cave o Tom Waits, tiene las inquietudes sociales de Ray Davies, admira la chanson francesa y los ambientes mediterráneos, probablemente ha estado enganchado a Serge Gainsbourg, a Lee Hazlewood, a Leonard Cohen o a Nick Drake, puede que incluso a Henri Salvador o a Nino Rota, también a Erik Satie; pero esto no son más que meros indicios de lo que podemos encontrar en sus composiciones, escasas pistas para resolver uno de los secretos mejor guardados de la música de este país.
El debut discográfico de Abraham Boba tiene apenas un año y es un trabajo sorprendente de principio a fin. El disco fue producido por Abraham Boba junto con Michel Martín y David López y se grabó a la antigua usanza, es decir en directo, sin mezclas de ninguna clase, con Pablo Magariños a la batería y percusiones, Ricardo Díaz al contrabajo y bajo eléctrico, y el propio Abraham Boba a los teclados. En la sección de cuerdas figuran Úrsula Martín y Suso Moreno, y en los coros Coqué Azcona, quien se encargó además del diseño del disco. Como invitados especiales hay que destacar las colaboraciones de Ambrus Horváth a la trompeta y Nacho Mastretta al clarinete. Es un trabajo arriesgado en el que el swing y el jazz se mezclan con el pop y flirtean con la chanson en un escenario cabaretero, está impregnado de una atmósfera intimista y honesta, de ambientes tranquilos y cálidos. Se compone de diez temas, de entre los cuales sobresalen cuatro que justifican por sí mismos la compra del disco, me refiero a "Fuga de Alcatraz", "Las Hermanas Sánchez", "Signos de Admiración" y "Las Masas"; creedme, estos cuatro temas están entre lo mejorcito de cuanto se ha escrito jamás en la música cantada en español. "Fuga de Alcatraz" es una verdadera maravilla, un regalo para los sentidos envuelto en sutiles arreglos de piano y cuerda y con unas voces de una elegancia inusual, la manera perfecta de empezar un disco. "Las Hermanas Sánchez" es el tema más surrealista del disco, una intrigante historia narrada de forma magistral en poco más de dos minutos y medio que evoca los relatos de Boris Vian, también detectamos influencias literarias en "Signos de Admiración" que, es una opinión personal, nos traslada a los turbios escenarios conyugales de Raymond Carver. Y en cuanto a "Las Masas", se puede decir que es una brutal e inteligentísima crítica a la adocenada sociedad actual, reflexión a ritmo de trompeta y piano sobre el estereotipado ser humano, con una letra impagable Abraham Boba es capaz de dar donde más duele, con una precisión de la que carece cualquier grupo punk pone el dedo en la llaga sin reivindicar evidencias, una fotografía descarnada sin recurrir a los tópicos, ni en la letra, ni en lo musical. El resto de los temas están también a un nivel muy alto, como muestran "Tirada Nacional", "Jornadas Cabalísticas" o "Turista Feliz", pero las cuatro canciones señaladas son sin duda mi debilidad. Actualmente Abraham Boba reside en Madrid y está a punto de sacar al mercado su segundo disco, que llevará por título "La Educación", el cual esperamos ansiosamente.
Si después de todo esto no os morís de ganas por escuchar el debut de Abraham Boba, os dejo unos cuantos enlaces que certifican que no estoy exagerando, y que además os permitirán conocer un poquito más acerca de este interesante músico. El primer enlace os conducirá a la página dedicada a Abraham Boba en la web de Limbo Starr Records (echad un vistazo al dossier de prensa que está muy completo), donde además podéis comprar el disco, el segundo enlace es el del Myspace del propio Abraham Boba, el tercero recoge una amplia reseña de Abraham Boba en el suplemento cultural del diario El País, Babelia, y en el último de los enlaces encontraréis una entrevista a Abraham Boba en la web Festivales de Pop. Y cómo no, un video magnífico del tema "Fuga de Alcatraz" para que vayáis abriendo boca. Espero que os guste.
Smog es una de esas palabrejas que los anglosajones se sacan de la manga contrayendo dos términos, en este caso "Smoke" y "Fog", o en lengua cristiana, humo y niebla; con ella se define la contaminación atmosférica que se produce en algunas ciudades como resultado de la combinación de unas determinadas circunstancias climatológicas y unos concretos contaminantes. Pero Smog es además el alias de nuestro invitado de hoy, Bill Callahan, que ha grabado la friolera de 12 discos bajo el contraído seudónimo, un tipo tan interesante como misterioso, tan talentoso como humilde.
A Bill Callahan se le considera pionero del lo-fi, permitidme que yo no opine al respecto, ya que no tengo muy claro qué es eso del lo-fi (¿o son los propios críticos quienes no lo tienen muy claro?), pero desde luego un disco como el que hoy encontraréis en Rainy Day Music, con una producción soberbia, una instrumentación austera pero contundente, arreglos de metales, unos teclados gloriosos y una voz limpia y casi de barítono, es de todo menos lo-fi. De todas maneras hay que reconocer que los comienzos de nuestro antihéroe sí que fueron un poco de baja fidelidad, ya que realizó él mismo sus primeras grabaciones en unas cassettes cochambrosas. Estas grabaciones las llevó a cabo con medios muy precarios, de ahí su peculiar sonido, ya que sentía un enorme temor a pisar un estudio de grabación; sin ser consciente de ello, Bill Callahan había dado forma a una nueva corriente musical que en lo sucesivo gozaría de numerosos seguidores, había nacido el lo-fi para mayor gloria de los críticos musicales y los cazadores de tendencias. Sea como fuere, Bill Callahan grabó estos artefactos sonoros durante un par de años, el tiempo transcurrido entre 1988 y 1990, y los títulos de las cintas de la discordia son los siguientes: "Macramé Gunplay" (1988), "Cow" (1989), "A Table Setting" (1990) y "Tired Tape Machine" (1990). Afortunadamente llegó el día en que Bill Callahan venció sus miedos y se atrevió a poner un pie en un estudio de grabación, el cassette entonaba el canto del cisne y un nuevo soporte se apoderaba del mercado, era el Compact Disc que además pretendía dar la puntilla a un viejo pionero que se resistía a morir, el vinilo. La primera visita de Callahan al estudio dio como resultado la aparición de su primer trabajo profesional, "Sewn to the Sky", corría el año 1990.
Como amateur o como profesional, Bill Callahan tenía muy claro cómo quería sonar, cuál era la estructura de sus canciones y las letras de las mismas, pero poco a poco se iba a acercar a composiciones más tradicionales y, en un futuro no muy lejano, comenzaría a introducir arreglos de cuerda que enriquecerían la paleta de colores con la que iluminaba sus canciones. Ese proceso de cambio comienza en 1991 con la aparición del E.P. "Floating", que supuso el fichaje de Smog por el sello de Chicago Drag City, y se corrobora con su segundo largo, "Forgotten Foundation" (1992), donde Bill Callahan explora caminos más melódicos. Tan sólo un año más tarde, Smog edita el que será su primer gran disco, "Julius Caesar", la colaboración de Cynthia Dall y Jim O'Rourke supondrá la clave en el salto de calidad conseguido por Bill Callahan, quien se consagra como uno de los mejores compositores y letristas de su generación. En 1994 verá la luz el E.P. "Burning Kingdom", en el que se siguen explorando las atmósferas inquietantes y los ambientes oscuros, serán seis canciones de transición entre dos grandes trabajos, ya que en 1995 se edita "Wild Love", uno de los trabajos de Smog mejor recibidos por la crítica. "Wild Love" muestra a un Bill Callahan alejado de los postulados del sonido cochambroso, un músico que es consciente de sus aptitudes y que experimenta en busca de mejores sonidos, un artista que gana en limpieza y se acerca al pop de cámara, a sonoridades más complejas donde conviven diversos instrumentos en perfecta armonía. "Julius Caesar" fue la semilla y "Wild Love" el fertilizante que propiciaría la germinación de un nuevo Bill Callahan y de una serie de discos que se encuentran, por derecho propio, entre lo mejorcito de cuanto se grabó en los anodinos años noventa. En 1996 sale al mercado un nuevo E.P. titulado "Kicking a Couple Around", un set compuesto por cuatro temas que originalmente fueron grabados para una sesión de la BBC Radio, una verdadera oda a los sonidos acústicos en la que figura una de las canciones más cálidas de Bill Callahan, "I Break Horses". En este mismo año Smog dará forma a su nuevo largo, "Doctor Came at Dawn", uno de sus trabajos más complejos, tanto en las letras como en lo musical, muchos críticos consideran este album como uno de los más oscuros de Bill Callahan, pero a la vez como uno de los más maduros; el prólogo perfecto para su gran obra maestra: "Red Apple Falls".
"Red Apple Falls" está producido por Jim O'Rourke, miembro de los míticos Red Crayola y responsable de la mezcla de discos tan importantes como "Yankee Hotel Foxtrot" o "A Ghost Is Born", ambos de Wilco. Es un trabajo que abandona definitivamente los sonidos experimentales de los primeros discos de Smog y que apuesta decididamente por una música introspectiva pero cristalina, donde conviven a la perfección los sonidos acústicos con el piano, los violines y los metales. Podríamos decir que con este disco Bill Callahan formula los mandamientos de su personal sonido, en el que las baladas agridulces tendrán un protagonismo estelar y en el que el humor negro campa a sus anchas, resultando a veces desconcertante, hasta el punto de hacer que nos preguntemos si Callahan se autocompadece o se autoparodia en sus canciones. Muchos críticos no han entendido la ironía y el sarcasmo de Bill Callahan, algunos suelen tachar la música de Smog de tremendamente introspectiva y con evidentes signos depresivos, incluso un iluminado del lenguaje de la crítica la definió como "una visión de un mundo insular de alienación", en fin... Yo pienso que no hay mejor crítico que el propio oyente, así que juzgad vosotros mismos si Bill Callahan está al borde del precipicio maníaco-depresivo, o si por el contrario goza de una maravillosa lucidez mental que le permite burlarse de una manera inteligente de las miserias emocionales del ser humano. Polémicas al margen, "Red Apple Falls" bebe del folk, del rock y del country a partes iguales, lo que hace realmente difícil su catalogación dentro de un estilo. El disco comienza con "The Morning Paper" una hipnótica canción en la que apenas tres notas y unos austeros arreglos de corneta y piano nos dejan paralizados, un principio brillante que obtiene su confirmación con "Blood Red Bird", una de las mejores composiciones de Bill Callahan. La hermosa decadencia de "Red Apples" y su ritmo pausado también figuran entre lo mejor del disco, sus notas son la puerta de entrada a una de las habitaciones más confortables de este edificio sonoro levantado por Bill Callahan, "I Was a Stranger", que cuenta con una maravillosa voz que se pregunta: "Why do you women in this town let me look at you so bold?/You should have seen what I was in the last town/Or in the last town/I was worse than a stranger/I was well known,". El quinto corte del disco es "To Be of Use", donde nos enfrentamos a un cantante sincero, cercano, que nos susurra al oído sus miedos y su dolor, a continuación, la canción que da título al disco, que personalmente me parece la más floja (lo que no quiere decir que sea mala, ojo), a la que le sigue "Ex-Con", quizás el tema más arriesgado del disco, que mezcla sintetizadores con unas maravillosas cornetas, ofreciéndonos quizás el momento más optimista de "Red Apple Falls". "Inspirational" es el penúltimo tema del disco y huele a desierto, con unas guitarras que nos acercan a Calexico y un cuidado arreglo vocal, es la antesala de "Finer Days", el corte que cierra el disco, un tema que compositivamente es muy similar a "The Morning Paper", por lo que funciona como el extremo de un bucle perfecto que cierra uno de esos discos a los que volvemos una y otra vez.
A "Red Apple Falls" le seguiría en 1999 otro gran trabajo, también producido por Jim O'Rourke, titulado "Knock Knock", un disco muy apreciado por la crítica, pero que cuenta con una de las peores portadas de la historia de la música. En 2000 Smog continúa por el buen camino editando "Dongs of Sevotion", que según los expertos combina los arreglos de cámara de "Wild Love", con la dolorosa honestidad de "Doctor Came at Dawn", los momentos folkies de "Red Apple Falls" y el humor negro de "Knock Knock", todo ello bajo una portada en la línea del E.P. "Burning Kingdom". También con el cambio de milenio verián la luz dos E.P.'s, se trata de "The Manta Rays of Time" y "'Neath the Puke Tree", un año más tarde Bill Callahan cambia sutilmente el nombre de su proyecto colocándolo entre unos enigmáticos paréntesis, así el nuevo trabajo de (Smog) lleva por título "Rain on Lens" y es un disco que apuesta por la sencillez compositiva y los temas emotivos y reflexivos. En 2002 ve la luz el inevitable disco de singles y rarezas, se titulará "Accumulation: None" y contará como principal atractivo con cinco temas inéditos. Los dos últimos discos de (Smog) son "Supper" (2003) y "A River Ain't Too Much to Love" (2005). En 2007 Bill Callahan deja de firmar como Smog (con o sin paréntesis) y comienza a utilizar su auténtico nombre, bajo esta nueva nomenclatura tomará forma el E.P. "Diamond Dancer" y el largo "Woke on a Whaleheart", su último trabajo hasta la fecha.
Los extras de este post vienen cargaditos, en primer lugar el video de "Rock Bottom Riser", uno de los temas incluídos en el disco "A River Ain’t Too Much Too Love" (2005), y un poquito más abajo ni más ni menos que cuatro enlaces: el primero a Keep Some Steady Friends Around, una página web dedicada a Smog donde podréis encontrar una gran cantidad de información, eso sí, en inglés; el segundo de los enlaces os conducirá al apartado que el sello Drag City Records dedica en su página web a Smog, no os lo perdáis; el tercer link pertenece a un especial, con entrevista incluída, dedicado a Bill Callahan en la página web de habla hispana Super45; y el último de los enlaces también os transportará a un completísimo especial dedicado a Smog en la página web de la BBC, por supuesto está en inglés pero incluye videos y canciones. Os dejo con este maravilloso disco, espero que os guste.
Hace unos días hubo en este blog un malentendido con respecto al envío de material para ser publicado, alguien (que aún no se ha identificado) dejó un enlace, con las mejores intenciones, en un comentario de uno de los posts a través del cual se podía descargar un disco del que estábamos hablando. Como administrador de este blog, mostré mi desaprobación, no por el hecho en sí sino más bien por las maneras, volviendo a lo que dije en ese momento repito que no estoy en contra de las colaboraciones, más bien todo lo contrario, estoy en contra de que se cuelguen discos como churros sin la calidad necesaria, sin reseñas, sin portadas, etc. Mis pretensiones, que no son muy elevadas, me exigen tener muy en cuenta la calidad de los ripeos, así como realizar una cuidada selección de los discos propuestos, y sobre todo mostrar un respeto total hacia el artista, lo que exige un mimo especial hacia su obra, por ello no cuelgo simplemente enlaces, sino que estos deben ser "algo más"; supongo que sabéis a lo que me refiero, no quiero que este blog se convierta en un mercadillo de enlaces a discos sino que vaya un poquito más allá, aportando información y mostrando la debida admiración a los responsables de la música que aquí se puede encontrar. Imagino que a muchos les parecerá una paradoja que pida respeto hacia los artistas y que sin embargo ponga sus discos a disposición de todo aquel que lo desee, para mí esta es una tarea de difusión que espero que sirva para que quienes escucháis estos discos los compréis y vayáis a los conciertos de sus responsables, a muchos puede parecerles ingenua mi manera de pensar, pero realmente creo que es así, al menos así debería ser. Perdonad este coñazo de introducción, pero simplemente quería dejar las cosas claras antes de mostraros un ejemplo de lo que considero que debe ser una colaboración. En primer lugar quiero agradecer su ayuda a Superfurry, quien nos regala este maravilloso disco, cumpliendo con todos los requisitos que se han señalado anteriormente.
Hablar de Sun Kil Moon es hablar de Mark Kozelek, uno de los mayores talentos musicales de la oscura década de los 90's, responsable de una de las bandas más admiradas y respetadas del final de la pasada centuria, Red House Painters. Nacido el 24 de enero de 1967 en Massillon, Ohio, este hombre de voz profunda ha demostrado a lo largo de su carrera poseer una sensibilidad fuera de lo común, una inclinación especial hacia sonidos intimistas que le ha hecho convertirse en uno de los más destacados orfebres de la tristeza en el panorama musical actual. A pesar de haber militado en otras bandas anteriormente, Red House Painters fue el revulsivo en la carrera de Kozelek como compositor, con ellos grabaría seis discos entre 1992 y 2001. Sorprende la irrupción de Red House Painters en una escena dominada por el fenómeno de Seattle, ya que si bien su aspecto se ajustaba en cierta manera a los cánones maníaco-depresivo-punks del grunge y sus sempiternas camisas de cuadros, su música estaba en las antípodas de esa rabia juvenil y de ese nihilismo. Mientras los de Seattle y sus acólitos miraban al exterior a la hora de componer sus canciones y culpaban a la sociedad de todos sus males, Red House Painters apostaba por la introspección y realizaban un verdadero ejercicio de confesión y de sinceridad, relatando honestamente la realidad personal de su líder, Mark Kozelek, que por lo general no era muy halagüeña. Quizás esa diferencia con respecto a sus compañeros generacionales hizo que Red House Painters se ganase el respeto de la crítica y del público, la verdad es que facturaron trabajos de una enorme calidad como "Down Colorful Hill" (1992) y "Ocean Beach" (1995). Pero, como suele ocurrir, la convivencia y los conflictos de intereses, tanto personales como por parte de la discográfica, hicieron que se tambaleasen los cimientos de la banda, hasta que finalmente se resquebrajaron en el año 2001, un año antes Mark Kozelek ya había editado su primer trabajo en solitario y dos años más tarde formaba una nueva banda a la que llamaría Sun Kil Moon.
Sun Kil Moon nace por lo tanto de las cenizas de Red House Painters, no en vano Mark Kozelek estará acompañado en su nueva aventura por el batería de su anterior banda, Anthony Koutsos; el resto de integrantes serán Geoff Stanfield, que tocaba en Black Lab, y Tim Mooney, procdente de la banda de culto, American Music Club. Mark Kozelek, gran aficionado al boxeo, bautizará a su nuevo proyecto con el nombre de Sun Kil Moon, un púgil coreano fallecido en un combate contra Ray Mancini en el año 1982. Ciertamente hay más de una similitud entre Red House Painters y Sun Kil Moon, en su momento se llegó a decir que se trataba de la misma banda y que Mark Kozelek había cambiado su nombre porque estaba harto de encontrar los discos de Red House Painters en las tiendas siempre junto a los de Red Hot Chili Peppers. Sea o no cierta esta hipótesis, la verdad es que se mantiene la intensidad emocional de Red House Painters y la voz de Mark sigue siendo la protagonista absoluta de unas canciones que se muestran menos desgarradoras que en su anterior banda y que apuestan por sonidos más acústicos, más desnudos, más directos. En ocasiones la voz de Mark flota por encima de unos acordes básicos que se repiten incesantemente como si se tratase de un mantra capaz de hacernos entrar en trance, el sonido de las voces y de las guitarras es limpio, cristalino, y han desaparecido las distorsiones de algunos temas de Red House Painters; Sun Kil Moon introduce una luminosidad de la que carecía la música de Red House Painters, aunque sutiles, hay diferencias más que evidentes entre ambas bandas. También se han dejado notar evidentes diferencias en cuanto a las letras de ambas formaciones, mientras que en Red House Painters, Kozelek parecía obsesionado con las mujeres y las relaciones de pareja, con Sun Kil Moon descubre la importancia de un concepto fundamental en la existencia del ser humano, la muerte; según sus propias palabras: «No podía evitarlo. Casi siempre hablaba sobre chicas, pero ahora creo que he mejorado con las letras e intento que cada pieza sea una cápsula de emoción que transmita lo que yo sentí al crearla. Además, el álbum gira mucho en torno a la idea de la muerte. Dos amigos míos se han ido durante el último año y luego están todos esos boxeadores de los que hablo en el disco y que murieron trágicamente en el ring» (Mark Kozelek en declaraciones al suplemento del diario El Mundo, con motivo del lanzmiento del primer disco de Sun Kil Moon).Con estas premisas, sale a la calle el primer trabajo de Sun Kil Moon en 2003, bajo el título "Ghosts Of The Great Highway", el disco tiene una magnífica acogida y Mark Kozelek vuelve a la primera línea consagrándose como uno de los mejores compositores norteamericanos. Pero el amigo Mark siempre ha sido un tipo de arrebatos extraños, capaz de dar rienda suelta a sus caprichos más insólitos, y en esta ocasión volvía a hacer gala de su gusto por las versiones, un pasatiempo al que ya había jugado, tanto en solitario como junto a Red House Painters, reinventando temas de grupos como AC/DC o Kiss hasta hacerlos completamente irreconocibles.
Esa extraña obsesión con las versiones se desborda con el segundo disco de Sun Kil Moon, "Tiny Cities", en el que la banda toma prestado un repertorio completo de Modest Mouse. "Tiny Cities" es el primer disco del sello de Mark Kozelek, Caldo Verde, y es el trabajo que podéis encontrar en este post de Rainy Day Music, se trata de un disco que posee la marca de Kozelek, quien sorprendentemente es capaz de hacer suyas un buen número de canciones a las que desnuda por completo; de las canciones de Modest Mouse sólo queda la esencia, no merece la pena perder el tiempo en comparar las originales con las versiones, ya que los temas de este "Tiny Cities" pueden, y deben, escucharse como si de temas completamente nuevos se tratasen. La peculiar visión que Mark Kozelek tiene de los temas de Modest Mouse, no fue muy celebrada por parte de los fans de la citada banda, quienes echaban de menos la electricidad y la energía de su grupo favorito y consideraban que este disco no era la mejor forma de rendir tributo a Modest Mouse, los críticos tampoco se mostraron del todo satisfechos con este segundo trabajo de Sun Kil Moon al que catalogan como su disco más flojo. Sin embargo creo que la forma que tiene Kozelek de recrear las canciones de Modest Mouse, o de otras bandas como ha demostrado anteriormente, es tan personal que es la mejor manera de rendir tributo a alguien, no se limita a imitar o a copiar, sino que siente tan dentro esas canciones que las hace suyas, como si le perteneciesen. No es fácil de entender, pero pienso que en ningún momento se pierde el respeto hacia los temas originales, simplemente se les da otra vuelta de tuerca, se les sitúa en otro plano que les hace más universales. Con todo esto a su favor y en su contra, "Tiny Cities" es un disco de una emotividad sublime, en el que nos reencontramos con el Mark Kozelek más auténtico, temas como "Neverending Math Equation", "Jesus Christ was an Only Child", "Space Travel is Boring" o "Truckers Atlas", sobresalen sobre los demás y merecen algo más que una simple escucha.
Superfurry pone a nuestra disposición este disco en su formato digital, pero como es un melómano empedernido, también posee una copia en vinilo de la edición especial de "Tiny Cities", esa edición está compuesta por el disco de estudio y un disco con siete temas en directo; pues bien, en el enlace de este post podréis disfrutar del CD original y del LP extra en directo de la edición especial. En cuanto a Sun Kil Moon, hay que señalar que su último disco, hasta la fecha, es "April", editado en 2008 y en el que cuenta con invitados de la talla de Will Oldham y Ben Gibbard, un trabajo con el que se han vuelto a meter a la crítica en el bolsillo. En los extras del post encontraréis tres enlaces, uno os conducirá a la página web oficial de la banda, otro llevará vuestros huesos hasta la web del sello de Mark Kozelek, Caldo Verde, y el último os sumergirá en una entrevista para la que os recomiendo que tengáis a mano el Collins, ya que está en el idioma de la pérfida Albión. Ah, y por supuesto un video, en el que disfrutaréis del sonido intimista de Kozelek, acompañado únicamente de su guitarra y tocando en directo en la sala L'Heliogàbal de Barcelona. Espero que os guste.
La sorpresa fue instantánea y el flechazo no se hizo esperar. June et Jim son un dúo formado por una cantante francesa y un compositor español afincados en París, su propuesta es una revisión de la chanson francesa, a la cual sacan de paseo por arrabales y puertos nocturnos, de la mano de Nino Rota y Lee Hazlewood, para acabar cantando y tomando copas al amanecer en compañía de Tom Waits. June et Jim no tienen prejuicios a la hora de componer sus canciones, se inspiran en el cine, en la literatura o en sus propias vivencias; rabia, melancolía, ternura e ironía, tienen cabida en los textos de este peculiar dúo, que a veces lanzan guiños indisimulados a monstruos de la talla de Beckett, Cocteau, Artaud, Genet, Chejóv o Materlinck, casi nada... La música de June et Jim se construye a base de loops, es decir, grabando una serie de sonidos por separado que luego se repiten de manera sincronizada pasando a formar parte de un todo. Sencillos ritmos de guitarra, palmas, el tintineo de unas campanillas, tres o cuatro notas de un piano de juguete, unas maracas, e incluso el ruido de un periódico cuando lo estrujamos con nuestras manos, June et Jim aprovechan todo eso y mucho más en sus canciones, formando parte de una tradición de pop minimalista en la línea de su compatriota Pascal Comelade. Las voces de esta extraña pareja se entienden a la perfección, se buscan, se replican, se admiran, se enamoran; a veces uno tiene la extraña sensación de que June et Jim han nacido para cantar juntos. La voz grave y dura de Jim tiene su contrapunto perfecto en la dulzura y el sosiego que transmite la garganta de June.
