Jens Lekman- Oh You're So Silent Jens (2005)

Reconozco públicamente que una de las principales razones por las que me saqué el permiso de conducción fue para poder escuchar la música que a mí, y no a ningún otro individuo, melómano o no, me diese la real gana. En algunos aspectos de la vida no he sido precisamente un tipo precoz, de hecho había atravesado la frontera de los 30 cuando me decidí a ponerme por primera vez a los mandos de un automóvil. Esa decisión llegó tras muchos quebraderos de cabeza, sobre todo aquellos que concernían al desplazamiento y a la logística de la unidad familiar, pero no puedo ocultaros a vosotros que otra razón subyacía bajo aquella iniciativa. Durante años he sido un paciente pasajero, un partenaire de viaje perfecto que se ha comportado con una educación exquisita mientras sufría cruentos ataques sonoros de triunfitos, radioformulistas e indies de mercadillo. Pero todo tiene un límite, queridos míos, y tras lustros de acumular ponzoña en mis adorados pabellones auditivos decidí zanjar este tema convirtiéndome en dueño de mi propio destino musical. Seleccionar música para un viaje es todo un arte, sobre todo si eres tú quien está al volante, ya que has de decantarte por sonidos que te resulten relajantes y que no impidan el correcto devenir de la, siempre delicada, conducción. Hay discos que me encantan pero que jamás pondría en el coche, tal vez por resultarme excesivamente eufóricos, o por sonar profundamente hipnóticos, incluso mántricos, en cambio hay discos que parecen haber sido compuestos para disfrutar mientras se ejerce el noble arte del manejo del volante. Un buen disc jockey de carretera también ha de tener en consideración al resto de pasajeros, decantándose para ello por sonidos fáciles y ritmos asequibles; quienes lo hemos sufrido sabemos de la crudeza de un largo viaje escuchando ruiditos y propuestas vanguardistas. Es fundamental saber qué le gusta a nuestra tripulación e intentar llegar a una entente cordial entre nuestras inclinaciones musicales y las preferencias del resto del pasaje. Tal vez por ello, suelo llevar en el coche discos pausados, mucha Rainy Day Music: bossa nova, power pop (no muy power), rock de raíces, chanson, country, soul (en su vertiente más emocional y romántica), folk, y pop en sus múltiples reencarnaciones, siempre y cuando haya de por medio buenos arreglos y unas voces muy cuidadas; mi versión mas macarra, que la tengo y muy pronunciada, la reservo para el ámbito doméstico. Uno de los discos que más me ha acompañado en el coche en este verano que está a punto de acabar (¡¡¡por fin!!!) es precisamente el que hoy quiero compartir con vosotros, un ecléctico y variado ejercicio de pop a cabo de Jens Lekman, un músico sueco que hoy se sube a nuestro utilitario para hacernos pasar un viaje agradable. Tomad asiento y abrochaos los cinturones, y no olvidéis tomar una biodramina, que aún estoy pagando el coche y no quiero sorpresas desagradables.

Jens Lekman responde al estereotipo de figura de culto del pop, un tipo capaz de convencer a crítica y público, con una carrera asentada y una prolífica producción, pero que sigue siendo un desconocido para los grandes medios. Jens es un adalid del "do it yourself", de hecho gran parte de sus temas han sido grabados en su estudio casero, y es todo un experto en el uso de samplers en sus temas. No tengáis miedo, amantes de lo analógico, nuestro amigo sueco introduce los samplers en sus canciones con una gran inteligencia y con un gusto exquisito, haciendo gala además de una considerable cultura musical. Pero vayamos por partes, Jens Lekman nace en Gotemburgo en 1981, ciudad en la que transcurre su infancia, una etapa de su vida en la que no muestra ninguna inclinación artística en concreto. Será a los 14 años, cuando un amigo le proponga tocar el bajo en una banda de versiones, cuando se produzca su primer contacto serio con el mundo de la música. Lekman pasa un tiempo componiendo sus propias canciones, dando muestras de una creatividad y de una capacidad compositiva enorme, en pocos años compone cientos de temas. En 2001 se autoedita el primero de sus CD´s caseros, conocido como "The Budgie Album", lo hará bajo un seudónimo, Rocky Dennis, nombre robado al protagonista de la película "Mask" ("Máscara" en los cines españoles). Un año más tarde recopila en otro CD sus mejores temas y envía una copia al sello estadounidense Secretly Canadian, algunas de esas canciones verían la luz en 2003 en forma de EP, bajo el título de "Maple Leaves", causando un gran revuelo en internet y convirtiendo al joven Jens en centro de atención para críticos y melómanos. Poco más tarde, el sello sueco Service Records reedita el EP, y un año después, en 2004, Jens Lekman abandona su seudónimo y graba un nuevo EP, "Rocky Dennis in Heaven", al que le seguirá otro EP, "Julie". A finales de 2004 verá la luz el primer largo de Lekman, "When I Said I Wanted To Be Your Dog", que recoge 11 canciones grabadas entre 2000 y 2004, un disco que confirma las enormes expectativas que se habían depositado en el joven compositor, que pronto alcanza la cima del olimpo indie. Pero Lekman no se muestra conformista, sino que más bien se comporta como un músico inquieto que se embarca en giras de todo tipo, de hecho se le ha podido ver sobre un escenario a él solo acompañado de un reproductor de CD y de una guitarra, o interpretando a capella sus canciones, pero también se ha embarcado en giras acompañado de una banda femenina con sección de vientos incluída, o con un coro y un cuarteto de cuerda; Jens Lekman es impredecible. En 2005 aparece en el mercado un nuevo trabajo del sueco, precisamente el que nos ocupa, titulado "Oh You're So Silent Jens", y que recopila sus tres EP's con Secretly Canadian: "Maple Leaves", "Rocky Dennis in Heaven" y "Julie", junto a otros temas incluídos en recopilatorios y rarezas.

La recopilación "Oh You're So Silent Jens" toma su título de una de las estrofas de la canción "Black Cab", incluída en su primer EP, "Maple Leaves", y que se convirtió en uno de sus primeros éxitos. Reúne, como ya señalábamos, el primer material oficial de Jens Lekman, los 3 primeros EP's con Secretly Canadian y diversas colaboraciones en recopilatorios; material, todo él, descatalogado y de muy difícil adquisición, por lo que se antoja como un disco imprescindible para conocer los comienzos musicales del compositor sueco. Tal vez la mayor peculiaridad de la música de Lekman sea el uso de los samplers, que se integran perfectamente en el discurrir de cada tema, apuntalando la estructura sin remitirnos explícitamente a la canción original. La querencia por los loops y los samplers se ve complementada por un gusto por los arreglos elegantes, en los que las cuerdas toman el protagonismo, conformando así el sello de identidad de Jens Lekman. Podríamos calificar el sonido de Lekman como amable, con sutiles arreglos orquestales que le acercan en ocasiones al pop de cámara de bandas como los primeros Belle & Sebastian, y con un sentido del humor que le emparenta con su admirado Jonathan Richman. Además la sensibilidad del compositor sueco nos hace pensar en ocasiones en Stephin Merritt, y su elegante voz recuerda a algunos crooners del pop y del rock, como el eterno Scott Walker; pero no sólo eso, el uso de los samplers nos hace pensar en el Beck más íntimo, y en algunas de las canciones de Lekman hay ecos de bandas tan dispares como Television Personalities, Dexy's Midnight Runners, The Smiths o Beat Happening. Todo ello convierte a Jens Lekman en un músico difícil de catalogar, una rara avis que se empapa de todo aquello que le llega, dando forma a una propuesta muy personal. Es difícil destacar una sola canción de este recopilatorio, porque Lekman se mueve a un nivel altísimo y el disco está repleto de hits, canciones que en un primer momento pueden pasarnos desapercibidas pero que enseguida acabarán metiéndose en nuestra cabeza, de donde se resistirán a salir durante una buena temporada. Entre los samplers que Lekman utiliza en esta colección de canciones podemos citar los siguientes: "Walk Away Renée" de The Left Banke, "By The Time I Get To Phoneix", de Glen Campbell y "Do You Wanna Dance", de The Mamas & The Papas, tres temas que se dan cita en una sola canción, la monumental "Maple Leaves", una de las mejores composiciones de Lekman, y un claro ejemplo de cómo se pueden utilizar los samplers de manera inteligente y creativa. Otro de los grandes momentos del disco llega con "Pocketful of Money", que utiliza un fragmento de "Gravedigger Blues", de Beat Happening, o con el hit "Black Cab", que echa mano de "Mary Jo", de Belle & Sebastian, y de "I've Got Something on my Mind", de The Left Banke, también podemos citar el tema de The Shangri-Las "Remember (Walkin' in the Sand)", que aparece formando parte de "A Sweet Summer's Night on Hammer Hill". Pero no receléis del pobre Jens, no todo son samplers en este disco, ni mucho menos, de hecho las canciones que toman fragmentos prestados son 6 de las 17 que componen este recopilatorio; de modo que los descreídos del arte de la remezcla podrán comprobar como suenan las composiciones de Lekman limpias, sin adulterar. Buen ejemplo de ello son "Sky Phenomenon", con un delicioso piano capaz de emocionarnos por si solo, "Someone to Share my Life with", que bebe del pop spectoriano y del intimismo acústico de bandas como Mojave 3, o "I Saw her at the Anti War Demonstration", que arranca con un precioso arreglo de cuerdas para convertirse en una redonda canción de pop que navega entre el Morrisey más inspirado y el Richman más surrealista. Todas ellas son un ejemplo de la calidad de Jens Lekman como compositor, maravillosas perlas que trufan un disco que suena fresco y variado, eclecticismo bien entendido al servicio de un talento que tiene que darnos todavía muchas alegrías. Ahora es vuestro turno, elegid vuestra favorita, os aseguro que no será tarea fácil.

Tras tres años de frenético trabajo, Jens Lekman anunció en su web que iba a tomarse un largo descanso para trabajar en el material de su segundo disco de estudio, además aseguraba haber aceptado un puesto de empleo en una sala de bingo local. Sin embargo, Lekman abandonó su nuevo trabajo apenas dos días más tarde para dedicarse en cuerpo y alma a su proyecto musical, lo que daría sus frutos en 2007 con la publicación del álbum "Night Falls Over Kortedala". Su última grabación ha visto la luz hace tan sólo unos días, se trata de un nuevo EP, titulado "An Argument with Myself". Entre tanto, Jens Lekman ha ofrecido un buen número de conciertos y ha colaborado con artistas tan diversos como The Ladybug Transistor, El Perro del Mar o Javiera Mena, demostrando que es uno de los músicos más activos y creativos del panorama pop actual.

Una vez más me he vuelto a enrollar más de la cuenta, ya veis en lo que han quedado mis propósitos de enmienda... En fin, vamos echando el cierre a este post con los consabidos enlaces, por supuesto web oficial y myspace de Jens Lekman, además del espacio dedicado en la web del sello Secretly Canadian al músico escandinavo. También he recogido la reseña que de "Oh You're So Silent Jens" se hizo en Pitchfork, así como una entrevista aparecida en la página Super45. Y en último lugar he seleccionado tres enlaces a tres sesiones en directo grabadas por Jens Lekman, la primera con los amigos de La Blogothèque, la segunda para Brass Tree, y la tercera en el entrañable taxi de The Black Cab Sessions. Y por si había pocos videos he completado la entrada con dos más, el clip oificial (al menos eso creo) de la tremenda "Pocketful of Money" y la interpretación de "F Word" que Jens hace para La Blogothèque. Espero que os guste.


JENS LEKMAN- OH YOU'RE SO SILENT JENS

WEB OFICIAL DE JENS LEKMAN

MYSPACE DE JENS LEKMAN

JENS LEKMAN EN SECRETLY CANADIAN

RESEÑA DE OH YOU'RE SO SILENT JENS EN PITCHFORK

ENTREVISTA A JENS LEKMAN EN SUPER45

JENS LEKMAN EN LA BLOGOTHEQUE

JENS LEKMAN EN BRASS TREE SESSIONS

JENS LEKMAN EN THE BLACK CAB SESSIONS

Una recomendación: El Brindador

No se cansan de repetirnos que los tiempos están cambiando, hasta yo mismo lo he proclamado a los cuatro vientos desde esta bitácora, lo que uno no sabe muy bien es hacia dónde ni para qué está mutando nuestra dichosa suerte. Lo que parece evidente es que la libertad cada vez se parece más a un eslogan publicitario, una entelequia al servicio de unos gobernantes a los que no les tiembla el pulso a la hora de recortar derechos y de reconducirnos hacia las cavernas más oscuras de nuestra historia reciente. Hago esta reflexión al hilo de la decisión adoptada por algunos gobiernos de este Viejo Continente de revisar el Tratado de Schengen para así controlar la movilidad por Europa, lo que supondría reinstaurar las fronteras, llevándonos de vuelta al panorama sociopolítico que abandonamos hace casi dos décadas. Cerrarnos en nosotros mismos significaría alimentar nuestros más atávicos miedos y perder la posibilidad de enriquecernos mediante el contacto con otras culturas, impedir la libre circulación de personas por la Unión Europea sería uno de los más dramáticos daños colaterales de cuantos pudiera causar esta crisis, un error de esta envergadura se traduciría en el fracaso de la solidaridad entre pueblos y en el ocaso de la Europa plural. A quienes argumentan que a través de esas fronteras abiertas acceden a nuestros países pobreza y delincuencia, les diría que en primer lugar es muy peligroso generalizar, y puestos a ello observemos la cantidad de delitos cometidos por ciudadanos nacionales de cada estado de la Unión y los cometidos por los residentes extranjeros, y en segundo lugar les recordaría que es una obligación moral ayudar a aquellos que carecen de lo necesario para vivir y que debería ser propio de países civilizados y desarrollados ayudarles a emprender una nueva vida en la que no les faltase lo más elemental. Pero no sólo eso, también me gustaría recordar a los señores Sarkozy y Berlusconi que gracias a la apertura de fronteras y al libre tránsito de personas, un país puede verse afortunado con la presencia de artistas que contribuyen a crear una sociedad más madura, más crítica y mejor formada; quizás sea éso lo que tanto miedo les produce. Y digo ésto porque recientemente un interesantísimo músico procedente de otro país de la Unión se ha instalado en nuestra ciudad, se trata de El Brindador, y hoy me gustaría presentároslo dedicándole esta entrada de Rainy Day Music.

Eric Cihigoyenetche (lo siento pero no volveré a escribir este apellido a lo largo de esta entrada) llegó a Zaragoza procedente de Burdeos, y lo hizo persiguiendo al amor, la verdadera patria de los hombres libres. En Francia había militado en varias formaciones, como por ejemplo People on Holiday o Dollars, pero al aterrizar en nuestra urbe decidió emprender una carrera en solitario bajo el original nombre de El Brindador, convirtiéndose así en uno de los secretos mejor guardados de esta ciudad milenaria. El folk intimista de sus composiciones, junto a una pose entre canalla y melancólica, que le acerca a ese golfo entrañable llamado Gainsbourg, se convertirán en sus señas de identidad. Los acontecimientos se sucederán con rapidez y pronto Eric comenzará a tocar en los locales de Zaragoza, al mismo tiempo que perfila la grabación de una maqueta. Pedro Vizcaíno, cerebro del sello Grabaciones en el Mar, no tardará en fijarse en la personal propuesta de Eric y acabará estrechando su mano como muestra de una colaboración que, hasta la fecha, ha dado sus frutos en forma de dos grabaciones: un EP homónimo compuesto por tres temas y un mini LP de siete canciones, este último titulado "Weird Stories ". La música de El Brindador destaca por su desnudez, especialmente en el inspiradísimo EP que abre su carrera discográfica, una guitarra acústica y una mínima percusión suelen ser ingredientes más que suficientes con los que fabricar emotivas y elegantes canciones. El Brindador no es un virtuoso guitarrista, ni probablemente lo pretenda, pero se muestra como un interesante músico que huye de los acordes acomodaticios y repetitivos, un compositor interesado en los cambios de ritmo y en los originales arpegios que tanto abundan en sus canciones. La voz de Eric se mueve entre los registros de los cantautores más dramáticos, aquellos próximos a la figura del crooner más melancólico; ecos de Cat Stevens, Neil Young, Jim Croce e incluso de Scott Walker pueden encontrarse en algunos de sus temas, sin olvidar al eterno Nick Drake. No obstante, Eric no es un artista fácil de encasillar y sus canciones se mueven por terrenos heterogéneos que van desde la chanson hasta la psicodelia, pasando por el folk o los sonidos de raíces más americanas. En su primer EP, El Brindador muestra su lado más desnudo, aquel en el que una guitarra acústica y una voz de fuerte personalidad se bastan para cocinar tres maravillosas canciones; entre ellas "The Moonstone", una de sus mejores composiciones. En "Weird Stories", Eric abre su abanico instrumental a escuetos aunque efectivos arreglos, fundamentalmente de cuerdas, que contribuyen a enriquecer sus canciones, para ello contará con la colaboración de Cristian Barros y de Pablo Jiménez, ambos miembros de la inclasificable banda zaragozana Picore. La voz elegante de El Brindador y su inconfundible vibrato nos atrapan irremediablemente en temas como "Forks & Knives", que coquetea con el fantasma de Nick Drake, o en "The Trick", una canción a la altura del mejor Stuart Murdoch, en la que el dramatismo que emana de la voz de Eric resulta conmovedor, convirtiéndose además en el broche de oro a uno de los discos más interesantes del año, de cuantos se han editado en España. Personalmente prefiero a El Brindador más descarnado, más solitario, tengo la sensación de que algunas de las canciones de su mini LP sonarían mejor sin batería, sobre todo después de haberlas escuchado en directo sin acompañamiento alguno, a pesar de ello no hay que menospreciar la producción de "Weird Stories", un trabajo que ha sabido sacarle un lustre especial a temas como "Song from Another Time", "Jerks Around Midnight" o la ya citada "The Trick". Con respecto a este disco, me quedo con una duda, no sé si "Casual Day" me gusta o no, llevo tiempo escuchándola y aún no he llegado a una conclusión, eso sí, no puedo dejar de escucharla. ¡Salud, Eric!

Si queréis leer más acerca de El Brindador, os dejo unos enlaces, donde encontraréis la web oficial y el Myspace del artista, además de su página en Bandcamp, también podéis leer las reseñas de sus dos trabajos en JNSP y comprar sus discos en la web de Grabaciones en el Mar. Y como guinda a este suculento pastel, he seleccionado un par de vídeos, el videoclip de la maravillosa "The Moonstone" y una magnífica interpretación en directo, sin trampa ni cartón, de la no menos brillante "Forks & Knives" en la zaragozana sala La Lata de Bombillas. Espero que os guste.

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RESEÑA DEL EP "EL BRINDADOR" EN JENESAISPOP

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EL BRINDADOR EN GRABACIONES EN EL MAR (COMPRA Y NO SEAS PIRATA)

Bill Callahan- Sometimes I Wish We Were An Eagle (2009)

Hola ¿Hay alguien ahí? La verdad es que esperaba encontrarme con la única respuesta de mi eco, no es para menos después de otra ausencia de más de siete meses. Sinceramente, he estado muy tentado de abandonar el blog, de tirar la toalla; la falta de tiempo y una nueva intromisión, por parte de los inquisidores de la red, que ha acabado retirando una de las entradas de Rainy Day Music, han sido dos motivos más que importantes. Pero siempre hay algo que me hace regresar, supongo que soy como el asesino, ése que, según reza la máxima criminológica, siempre regresa al lugar del crimen. En mi caso, el motivo que me ha impulsado a retomar esta bitácora ha sido el hecho de comprobar que todavía hay gente que sigue visitándola, gente que sigue dando muestras de cariño y que deja sus comentarios en espera de una pronta respuesta, gente que mantiene la ilusión por abrir la página principal de Rainy Day Music y encontrarse con una nueva entrada; a todos vosotros, un millón de gracias. Gracias también a los responsables de Blogger por aplicar un filtro que controla el spam en los comentarios, últimamente se había convertido en una verdadera pesadilla, uno empieza abriendo un blog para hablar de música y acaba haciendo publicidad de Viagra y de señoritas de compañía ¿no tiene nada que decir la SGAE al respecto? A partir de ahora si alguien quiere dejar un comentario en alguna entrada deberá identificarse, en caso contrario el filtro de Blogger lo enviará a la papelera. Esta vez no os voy a aburrir con historias personales, voy a retomar Rainy Day Music como si sólo hubieran transcurrido dos semanas desde el último post, así que la familia bien, gracias; comencemos. Hace unos meses tuve la suerte de ver a Bill Callahan en directo, y simplemente puedo decir que es una experiencia increíble, sí, digo bien, una experiencia, porque presenciar un directo de un monstruo de la talla de Bill Callahan o de Will Johnson trasciende lo meramente escénico y se convierte en una especie de viaje interior, un instante en el que todo se detiene y donde sólo existe la voz de Bill Callahan y el rítmico compás de tu respiración. Bill Callahan ya se había asomado a este blog, lo había hecho con "Red Apple Falls", una maravilla en la que se cobija bajo el pseudónimo de Smog, pero en esta ocasión nos encontramos con un músico desnudo, sin artificios, que firma con su propio nombre. Así que se nos plantea la primera duda de esta entrada ¿de quién vamos a hablar, de Smog o de Bill Callahan? y no sólo eso ¿repetiremos todo lo dicho en el post de "Red Apple Falls"? Tengo una buena noticia para todos vosotros, voy a ser breve, o al menos lo intentaré. Ciertamente, el post de Smog contiene una completísima información acerca de la carrera de Bill Callahan, de modo que os remito a él si queréis documentaros o necesitáis refrescar la memoria (pinchar AQUÍ). ¿Qué voy a hacer, cómo voy a plantear esta entrada? Pues sinceramente, no lo sé, así que deseadme suerte.

Veinte años utilizó Bill Callahan el alias de Smog, hasta que en 2007 vio la luz el EP "Diamond Dancer" y poco más tarde el LP "Woke on a Whaleheart", el cambio de nombre, o más bien la recuperación de su propia identidad, acarrea pequeños, aunque notables, cambios en lo musical. "Diamond Dancer" se aleja del aire pastoral y country que flotaba sobre "A River Ain't Too Much To Love", su último trabajo como Smog, abriendo la puerta a nuevos sonidos, con líneas de bajo cercanas al funk, de hecho algunos críticos lo calificaron como una mezcla de funk y western. La voz inconfundible de Callahan sonaba como en cualquier disco de Smog, grave, intensa, atormentada, pero daba la sensación de que unos rayos de luminosidad pop se colaban por las rendijas de sus canciones. No hay nada malo en ello, es lícito querer llegar a más gente, sonar más comercial, por así decirlo, pero cuando uno se acostumbra al caviar ya no quiere probar sucedáneos, y si por algo nos gusta el caviar que nos ofrece Bill Callahan es por su carga dramática, por su engañosa sencillez compositiva e instrumental, por su humor negro, por el tono maravillosa y hermosamente triste de sus historias, relatos hilvanados con puntadas maestras en su voz irrepetible. Algo de todo éso se había diluído en sus dos primeras grabaciones como Bill Callahan, dando como resultado dos trabajos, que sin ser mediocres, no están a la altura de sus mejores registros. Sería en abril de 2009 cuando el bueno de Bill regresaría con un nuevo disco dispuesto a recuperar su trono, aquel que le corona como uno de los cantautores (qué extraña me suena siempre esta palabra, parece que vayan a aparecer los grises de un momento a otro y vayan a disolver este blog) más talentosos de su generación, ésta es la historia de "Sometimes I Wish We Were An Eagle".

El segundo LP del rebautizado Bill Callahan nos devuelve a unas raíces mejoradas de su mejor versión como Smog, basta con escuchar temas como "Jim Cain", el corte que abre el disco, para darnos cuenta de que nos encontramos ante uno de los mejores trabajos de Callahan, si no el mejor. Una vez que conocemos los pormenores de "I Wish We Were An Eagle", uno de los detalles que más nos llama la atención es la forma en que se grabó el disco. Bill Callahan contrató a unos músicos con los que grabó las canciones que iban a componer el album, todas las canciones, y después se fue de gira por Sudamérica y los USA y envió esa grabación al productor y arreglista del disco, Brian Beattie, que dotaría a las canciones de cuerdas y vientos allí donde se requiriesen. Beattie, conocedor del carácter y de los gustos de Callahan, grabó los arreglos con todos los músicos en torno a un sólo micro, como se hacía antaño, sin mezclas de ningún tipo, registrando el sonido en directo, con ello consiguió recuperar el espíritu de los mejores trabajos de Callahan como Smog, aquéllos en los que se apreciaba una inclinación por la experimentación, pero mostrando al mismo tiempo una decidida apuesta por la sencillez y por la espontaneidad, a caballo entre el ameteurismo y la profesionalidad, como quien se convierte en un genio por accidente, sin ser consciente de la grandeza de sus creaciones. Esta peculiar producción evidencia cómo Callahan ha perdido el miedo atroz a los productores, aquel que caracterizaba sus primeras grabaciones (consultar el post de "Red Apple Falls"), realizadas en cintas caseras, por lo tanto nos encontramos ante un artista que ha alcanzado su madurez creativa, que conoce los entresijos del mercado y que confía en un escudero más que honesto y talentoso para su cruzada musical, a sabiendas de que va a saber alcanzar las cotas compositivas y creativas a las que él no ha sido capaz de llegar; su perfecto complemento. Pero centrémonos en las canciones que componen este "I Wish We Were An Eagle"; como ya indicábamos, todo comienza con "Jim Cain", un verdadero temazo que recupera al Callahan seminal. "Jim Cain" está inspirada en la figura de James M. Cain, escritor conocido por la novela "El Cartero Siempre Llama Dos Veces", un autor oriundo de Maryland, como Callahan, y protagonista de una vida llena de sombras, y es una canción en la línea de las composiciones que dieron notoriedad a Callahan, impregnada de una engañosa sencillez, con una letra que rebosa poesía y una instrumentación sin excesos pero brillante. Los violines de "Jim Cain", sobre todo en el tramo final de la canción recuerdan a algunas producciones del mejor pop orquestado de los 60's y los primeros 70's, mientras que la voz de Callahan te atrapa desde el primer instante y te invita a acompañarle en un viaje de contrastes, de momentos tristes y de instantes hilarantes por su surrealismo, de sueños sinsentido y de fragmentos impregnados de la más cruda y brutal realidad; "Jim Cain" es el inicio perfecto, la canción que muchos contemporáneos de Callahan llevan años intentando escribir. "Eid Ma Clack Shaw" es el segundo corte del disco, una oda al universo onírico del autor, una puerta abierta al indomable y seductor mundo de los sueños, una canción con una magnífica sección de cuerda y con un estribillo que se instala en el cerebro al momento, como un mantra que no puedes dejar de repetir: “show me the way to shake a memory”. "The Wind and The Dove", es el ejemplo perfecto de cómo Callahan se inspira en la naturaleza para engalanar algunas de sus canciones, de hecho el título del disco no es una casualidad ni un capricho, es toda una declaración de intenciones, una excusa para adentrarse en lo más profundo de los sentimientos humanos mediante metáforas que a menudo aluden al mundo natural y animal. El diálogo entre los instrumentos eléctricos y los de cuerda es sublime, y los arreglos de aire oriental dotan a este tema de una enorme personalidad, haciéndole figurar entre las mejores canciones del disco. Pero mis dos debilidades vienen de la mano, formando un tándem irrepetible, dos canciones que han pasado por derecho propio a formar parte de la banda sonora de mi vida, "Rococo Zephyr" y "Too Many Birds".

"Rococo Zephyr" es pura poesía, probablemente el tema más bello de este disco, una joya repleta de sutiles detalles, en la que la maestría de Callahan y el saber hacer de Beattie en la producción alcanzan uno de sus puntos álgidos, una canción en la que nada sobra y en la que nada falta, y es que poco se puede añadir a estrofas como ésta: “She lay beside me like a branch from a tender willow tree / I was as still as a river could be”; sobran las palabras. "Too Many Birds" muestra al Callahan más relajado, el que rebaja la intensidad de las emociones y apuesta por los juegos de palabras, haciendo gala de una poética minimalista y luminosa. Es otra muestra de cómo la naturaleza sirve de inspiración a Callahan para reflejar los sentimientos humanos y así componer un temazo como la copa de un pino (valga la comparación naturalista también por mi parte). Es un tema que hace presencia en el momento exacto, justo en el ecuador del disco, rebajando la tensión emocional pero sin perder por ello un ápice de calidad ni caer en la más mínima frivolidad. "My Friend", es una canción que Callahan dedica a su perro fallecido. Comienza con una desnudez enternecedora, por unos instantes tenemos la impresión de que podemos pellizcar el nylon de las cuerdas de la guitarra de Callahan, pero súbitamente, en torno al minuto de duración, la canción avanza con paso firme hacia otros derroteros que anuncian la épica del siguiente corte, alternando el positivo balbuceo inicial con pasajes más dramáticos. "All Thoughts Are Prey to Some Beast", es el tema más ambicioso, en lo que a composición se refiere, del disco, es la canción que más instrumentos introduce y en la que los coros tienen mayor protagonismo. Es la antesala a la parte más oscura y personal de este viaje, que tiene en el siguiente corte, "Invocation of Ratiocination", su clímax, que sirve de puente perfecto para enlazar con el último corte de "Sometimes I Wish We Were An Eagle". "Faith/Void" retrata al Callahan más íntimo, aquel que nos abre de par en par las puertas de su espiritualidad y que abre fuego con toda una declaración de intenciones, una frase en torno a la que gira el grueso de la canción: “it’s time to put God away”; una frase, de gran dureza por su contundencia y por su implicación, que contrasta con la amable instrumentación con la que se abre la canción. Uno tiene la impresión de encontrarse con un Callahan liberado, redimido al abandonar definitivamente la fe que con total escepticismo se negaba a abrazar, y todo ello lo consigue creando una canción de una sencillez abrumadora, pero de una trascendencia y de una calidad incontestables. "Faith/Void" posee los mejores arreglos de cuerda de todo el disco, unos violines que nadan entre el pop orquestado de los 60's y los mejores medios tiempos de la primera Motown; simple y llanamente magia.

"Sometimes I Wish We Were An Eagle" figuró en casi todas las quinielas de la crítica especializada como uno de los mejores discos de 2009, esa prensa musical, obsesionada por etiquetar y por evaluar todo cuanto de sí da el mercado discográfico, y que parece empeñada en hacer eternos (y aburridos) rankings, se rindió ante el monumental trabajo de Bill Callahan, que emprendería una importante gira para dar a conocer su disco. Fue precisamente en esa gira en la que yo me encontré con Bill Callahan, con su poesía, sus metáforas, su sobrecogedora tristeza y su humor negro, su desnudez sobre el escenario, su honestidad como creador; fue en esa gira en la que yo me enamoré perdidamente de este disco. También en 2009, Bill Callahan colaboró en dos discos de tributo, el primero de ellos dedicado a Judee Sill, interpretando el tema "For a Rainbow", y el segundo homenajeando a Kath Bloom, con el tema "The Breeze/My Baby Cries". En marzo del presente año vio la luz "Rough Travel for a Rare Thing", un doble LP que recoge un directo grabado en 2007, y hace apenas dos meses el sello Drag City publicó la novela "Letters To Emma Bowlcut" escrita por el propio Callahan, quien anteriormente ya había publicado libros y escritos relacionados con el mundo del arte. Como podéis comprobar, os había dicho que iba a ser breve y, una vez más, os he engañado, espero que no me lo tengáis en cuenta. Como premio por vuestra paciencia os dejo unos suculentos enlaces, el primero de ellos, como suele ser habitual, al myspace del padre de la criatura, en este caso Bill Callahan, el segundo a la magnífica crítica de "Sometimes I Wish We Were An Eagle" aparecida en Jenesaispop, y que me ha ayudado enormemente a la hora de redactar esta entrada, os la recomiendo, y aprovecho para dar las gracias a Raúl Guillén, autor de la misma. El tercer link os llevará a otra crítica del disco, en este caso en lengua bárbara, y que aparece en Drowned In Sound, he encontrado además un curioso enlace en la web de la revista chilena Paula.cl, donde Rodolfo García nos cuenta su cita con Callahan, con quien quedó para hacerle una entrevista, es un artículo que ayuda a entender la personalidad del artista, así que echadle un ojo, un quinto enlace os dirigirá a una entrevista, también en lengua extranjera, realizada a Callahan en abril de 2009 por la web Prefix Magazine, y el último de los enlaces recoge el apartado que la National Public Radio (NPR) dedica al bueno de Bill. Y de postre dos vídeos, uno de la entrañable serie Black Cab Sessions, que recoge a Bill Callahan interpretando "River Guard" (tema perteneciente al disco "Knock Knock" editado en 1999 como Smog), y otro impagable documento audiovisual en el que podréis ver a Callahan en directo cantando "Too Many Birds", de éste, su último disco de estudio. Y por mi parte, nada más, simplemente agradeceros, de nuevo, que sigáis ahí y desearos que disfrutéis con este disco tanto como yo. Espero que os guste.




MYSPACE DE BILL CALLAHAN

SOMETIMES I WISH WE WERE AN EAGLE EN JENESAISPOP

SOMETIMES I WISH WE WERE AN EAGLE EN DROWNED SOUND (En Inglés)

ENTREVISTA A BILL CALLAHAN EN PAULA.CL

ENTREVISTA A BILL CALLAHAN EN PREFIX MAGAZINE

BILL CALLAHAN EN NPR




BILL CALLAHAN- SOMETIMES I WISH WE WERE AN EAGLE

Micah P. Hinson- and The Red Empire Orchestra (2008)

Bueno, yo creo que siete meses ya son suficientes ¿no os parece? Estoy de vuelta, y lo hago con la misma ilusión y los mismos miedos que el día que abrí este blog. He pasado gran parte de estos últimos días pensando en qué escribir, sobre qué hablar, qué tono adoptar y, sobre todo, qué disco elegir para este reencuentro. Después de tanto desvelo sólo he conseguido tener claro el disco con el que quiero iniciar esta nueva etapa, espero haber acertado. Quizás he dotado a este momento de una liturgia desproporcionada, lo cual, tal vez os parezca una tontería pero es cierto, me ha hecho recular en más de una ocasión a la hora de sentarme frente al ordenador. Han sido varias las tardes en las que, como le ocurría a Barton Fink en la impagable película de los hermanos Coen, me ha asaltado el pánico a la pantalla en blanco, ese blanco mortecino y casi tétrico que desprende el monitor del ordenador. He intentado concentrarme en casa y en el trabajo, he buscado el momento idóneo, nada más despertarme, después de comer, antes de acostarme, pero nada, era incapaz de acabar con el vacío que me saludaba a diario desde la pantalla. Finalmente le he dado una patada a tanta liturgia y a tanto ritual estúpido y he mandado a paseo todos mis miedos y todas las ridículas responsabilidades que había ido adquiriendo, al fin y al cabo, no vivo de esto ni creo que nadie me vaya a enviar un correo confesándome que mi sagaz estilo literario junto con mi metódica documentación a la hora de abordar las reseñas de los discos le ha salvado la vida (al menos hasta ahora no ha ocurrido). Tal había sido mi grado de tormento ante este falta de inspiración, que había pensado en echar la persiana o, por lo menos, cambiar la concepción de Rainy Day Music, pero en última instancia he decidido (de hecho acabo de decidirlo hace exactamente seis minutos) que este blog va a continuar siendo tal y como ha sido hasta ahora.

Una vez más, quiero daros las gracias a todos los que os dejáis caer por aquí, y sobre todo a aquellos que de vez en cuando dejáis constancia de vuestra visita con un comentario. Como muchos de vosotros sabéis, mi ausencia ha tenido un feliz motivo: recientemente he sido padre (madre mía, como suena, así escrito hasta asusta y todo) de un niño maravilloso. Esta feliz circunstancia ha alterado, obviamente, mi vida, privándome fundamentalmente de eso que en las sociedades ricas y opulentas llamamos tiempo libre. Poco a poco (la experiencia es un grado) y tras el terremoto emocional de los primeros meses, todo vuelve a su cauce, mi vida vuelve a ser la que era aunque ahora un pequeña personilla se haya colado en ella para no salir nunca jamás. Tras los primeros meses de reajuste existencial decidí que merecía la pena retomar la aventura de Rainy Day Music (por mucho que le pese a la ministra de cultura y a Teddy Bautista) y aquí estoy de nuevo. Tal vez no pueda acompañaros todas las semanas, ni todos los meses, pero de momento me niego a dar cerrojazo a esta pequeña parcela de mi vida que comparto con todos vosotros, esta bitácora desde la que hablamos de una de las cosas que más me apasionan en esta vida: la música, así que allá vamos.

Han sido muchos los discos que me han venido a la cabeza para abrir esta nueva singladura del blog, pero al final he decidido quedarme con "Micah P. Hinson and The Red Empire Orchestra" porque me parece un disco soberbio, un album del que dentro de unos años se hablará como de una obra maestra, un trabajo que destila honestidad y emociones en cada uno de sus temas, un compendio de canciones donde los sentimientos más oscuros conviven con ese soplo de esperanza que todos necesitamos para poder seguir respirando. Pensé que el tercer trabajo de este niño prodigio con vocación de enfant terrible era el disco perfecto para volver porque en definitiva contiene todo lo que nos gusta a quienes disfrutamos escuchando un disco taciturno durante un día de lluvia, así que espero haber dado en el clavo. Micah P. Hinson nace el 30 de marzo de 1981 ni más ni menos que en Memphis, Tennessee, engrosando las filas de una familia muy tradicional, en la que casi todo gira en torno a la religión. Cuando Micah contaba con cuatro años, la familia se muda a Abilene, Texas, allí su padre trabajará como profesor en la Christian University. Micah crece en un entorno tranquilo y conservador, la banda sonora de su niñez la compondrán los discos de sus padres, seguidores de John Denver y Neil Diamond, y el piano de su madre. Cuando cumple los 11 años, su padre le regala una guitarra, el prepúber Micah ya siente una clara inclinación hacia la música que se ve espoleada por los gustos de su hermano mayor, juntos escucharán algunas de las bandas más significativas del rock alternativo de los primeros noventa, como Ministry, Nirvana o Dinosaur Jr., junto con otras formaciones ya consagradas, tales como Sonic Youth o The Cure. La adolescencia de Micah transurre sin grandes sobresaltos, el músico se muestra como un joven inconformista al que la localidad texana y su ambiente conservador le resultan asfixiantes, lo que le llevará a pasar la mayor parte de su tiempo tocando la guitarra, montando en monopatín y coqueteando con las drogas. Pero más tarde tendrá lugar un hecho que marcará la vida, y por supuesto la música, de nuestro antihéroe. En Abilene, Micah conoce a una mujer varios años mayor que él, se trata de la viuda del guitarrista de un grupo local llamado Tripping Daisy, una atractiva ex modelo. Esta mujer, a la que el propio cantante acabará denominando "la viuda negra", introduce al timorato Micah en un mundo nuevo, en el que sus compañeros de juegos pasarán a ser las drogas, fundamentalmente medicamentos legales como el Valium y otros antidepresivos. Micah pierde la cabeza por esta relación y su flirteo con las pastillitas de colores acaba de una manera bastante gris, ya que con tan sólo 19 años se verá obligado a pasar una temporadita entre rejas; la acusación formal será falsificación de recetas médicas. Una vez abandonado el pijama de rayas, Micah regresa a su casa y se encuentra con que su piadosa familia le ha cerrado a cal y canto la puerta del hogar. El jovencísimo Micah se declarará insolvente y se verá obligado a llevar una vida nómada que rozará peligrosamente la indigencia, llegando a subsistir como un auténtico vagabundo. Afortunadamente sus amigos le abren las puertas de sus casas y le brindan su apoyo, al mismo tiempo encontrará un trabajo, hecho que le ayudará a salir del pozo y le llevará a mudarse a un motel. En ese motel comienza la andadura musical de nuestro protagonista, allí, con un equipo prestado, compondrá y grabará una treintena de canciones que serán la base de sus primeros trabajos. En 2003 tendrá lugar el hecho que catapultará su carrera, Micah se muda a Austin, allí compartirá piso con una mujer, convirtiéndose en su mantenido, y conseguirá el apoyo de The Earlies, una banda texana de chamber pop que le ayudará a dar forma a sus canciones, que quedarán recogidas en una serie de maquetas. Precisamente uno de los miembros de The Earlies, que por aquel entonces trabajaba como pinchadiscos en el Reino Unido, hará llegar las canciones de Micah a la BBC, y poco más tarde el sello escocés Sketchbook Records se pondrá en contacto con el músico para ofrecerle la grabación de su debut discográfico.

La grabación de "Micah P. Hinson and The Gospel of Progress" no estará exenta de todo tipo de historias rocambolescas, que incluirán una nueva detención del cantante, esta vez en el aeropuerto de Londres. Centrándonos en lo estrictamente musical, el disco contará con The Earlies como banda de apoyo, quienes a su vez producirán el disco, y sentará las bases de la propuesta musical de Micah; una propuesta que, a pesar de encontrarse un tanto tierna, encandilará a propios y extraños. En este primer trabajo ya aparecen las atmósferas, oscuras y delicadas al mismo tiempo, tan características de sus canciones, su personal voz grave se encuentra omnipresente en todas las pistas, y los arreglos cuidados y sin excesos ponen la rúbrica a un maravilloso debut. El primer LP de Micah P. Hinson aparecerá en casi todas las listas de lo mejor de 2004, y la prensa musical británica encuentra carnaza más que abundante en la vida personal del artista con la que llenar las páginas de sus revistas especializadas. Pero la suerte volvió a ser esquiva con este joven de 23 años, ya que durante una fiesta un amigo le golpeó, involuntariamente, en la zona lumbar causándole una importante lesión. El médico le recetaría codeína y ansiolíticos, justo las pastillitas a las que había sido adicto hacía tan sólo unos años. En la primavera de 2005 Micah P. Hinson se enrola en una gira europea que acabaría por hacerle trizas la espalda, y que terminaría con el artista regresando a los USA y sometiéndose a una operación cuya convalecencia lo tendría varias semanas inmóvil en la cama. En el plano musical vería la luz un disco compuesto por ocho canciones bajo el título de "The baby and The Satellite", se trata de las primeras grabaciones del cantante reinterpretadas y pulidas para que brillen con luz propia, será el primer trabajo de Micah para el sello Jade Tree. Tras concluir el calvario de su reposo, Micah P Hinson vuelve a los escenarios, al mismo tiempo que se involucra en un nuevo proyecto llamado The Late Cord, junto a John Mark Lapham de The Earlies, juntos grabarán un EP para 4AD Titulado "Lights from The Wheelhouse" que verá la luz en 2006. En este mismo año, aparecerá su segundo disco, "Micah P. Hinson and The Opera Circuit", un trabajo grabado en su casa de Abilene, en el que contará con una nueva banda para la ocasión y donde seguirá metiendo el dedo en las mismas llagas que lo hizo con su predecesor, será su segunda grabación para Jade Tree y supondrá el eslabón entre su formidable, aunque tierno, debut, y su tercer y maravilloso album, "Micah P. Hinson and The Red Empire Orchestra".

Cuando Micah P. Hinson se enfrentó a la grabación de su tercer trabajo discográfico, el primero para Full Time Hobby, lo hizo en uno de los mejores momentos personales de su vida, se acababa de casar con su novia, a la que pidió la mano en uno de sus conciertos ante una atónita audiencia (ver aquí), y sus dos primeros discos habían suscitado los aplausos de la crítica especializada de una forma casi unánime. Esos mimbres explican en gran medida la excelencia de este disco, a la vez que hablan con claridad del compromiso profesional y personal de este artista, que lejos de apoltronarse es capaz de mejorar la pócima con la que había encandilado a sus seguidores. El trabajo de estudio de este disco es más intenso y concienzudo que el de sus predecesores, Micah explota al máximo las posibilidades que le brinda el estudio (no olvidemos que su segundo disco se grabó en su casa, y que su disco de debut tuvo un proceso de grabación un tanto accidentado)y consigue unos arreglos y unos matices que lejos de apoderarse de la aparente sencillez de sus canciones le brindan una nueva piel que le abre otras posibilidades como músico. A lo largo del disco Micah se siente muy a gusto en los compases del vals, el célebre 3/4, cuna de buena parte de la música popular yanqui y abrevadero del country en sus múltiples expresiones. Este es el caso de "Sunrise Over The Olympus Mons", o de la conmovedora "Dyin' Alone", uno de los mejores cortes del disco (si no se te eriza el vello con esta canción tal vez debas visitar a tu cardiólogo), apoyada a su vez en una convincente sección de cuerda. Pero "Micah P. Hinson and The Red Empire Orchestra" no es un disco plano que se recrea en una fórmula resultona, es, aunque tal vez no lo parezca en la primera escucha, un disco de contrastes, un trabajo de pequeños antagonismos que se complementan de manera armoniosa, un juego de contrarios, como sucede con el exceso eléctrico de "You Will Find Me" y la desnudez de "The Fire Came Up To My Knees", otro de los mejores momentos del disco, con un Micah entregado, desgarrando su voz en una canción que más bien parece un pasaje de una oración. La canción que abre el album muestra perfectamente la dualidad de este tercer trabajo de Micah, se trata de "Come Home Quickly, Darlin'", una llamada desesperada que comienza casi susurrante para terminar in crescendo al hilo de una maravillosa guitarra. Tras dos discos que le habían granjeado una buena reputación, el músico de Abilene se verá obligado a enfrentarse a un tercer trabajo que confirmase las expectativas que se habían depositado en él, asumiendo la dura tarea de firmar un album que le dé el salto definitivo al gran público. A Micah no le tiembla el pulso y compone un disco en el que se respira cierta accesibilidad (yo no hablaría de comercialidad) pero sin abandonar las atmósferas decadentes y un tanto oscuras que le habían dado a conocer, así lo demuestran temas como "When We Embraced" o "Tell Me It Ain't So", dos canciones que podrían colarse en cualquier disco de Lambchop y que conviven con dos maravillas como "I Keep Havin' These Dreams" y "The Wishing Well and The Willow Tree", que dejan patente el talento de este artista y que huyen de caminos trillados y previsibles. En su tercer disco la voz de Micah suena mejor que nunca, por mucho que se le compare con los registros de Bill Callahan y, sobre todo, de Kurt Wagner, el de Abilene tiene personalidad a raudales en su garganta y hace gala de un registro grave aunque versátil, una voz que sorprende, sobre todo cuando sabemos que quien se expresa a través de ella aún no ha alcanzado la treintena. Sinceramente, no creo que haya un solo minuto de relleno en este album, se trata de un disco que nos brinda la esencia de su creador, que se manifiesta con una sinceridad hiriente a través de las once pistas que componen este "Micah P. Hinson and The Red Empire Orchestra".

Tras este disco, Micah grabaría en 2008 un EP titulado "The Surrendering" compuesto por seis canciones para el sello Locomotive S.L. y el año pasado sorprendió a propios y extraños con un doble disco de versiones bajo el título de "All Dressed Up and Smelling of Strangers" para Pias/Full Time Hobby y por el que desfilan desde el inevitable Leonard Cohen hasta Bob Dylan e incluso Roy Orbison, lo que podríamos catalogar como clásicos de la música norteamericana. Su producción musical se ha visto trufada con un buen número de singles y con colaboraciones en recopilatorios como es el caso del homenaje al "Pet Sounds" de Beach Boys "Do It Again. A Tribute To Pet Sounds" (Houston Party, 2006) o el tributo a Tim y Jeff Buckley, bajo el título "Dream Brother. The Songs of Tim and Jeff Buckley" (Full Time Hobby, 2005), todo ello, junto a colaboraciones con otros músicos han consagrado a Micah P. Hinson como una de las figuras más inquietas del panorama musical, un genio precoz a tener muy en cuenta.


Bien, y a todos los valientes que hayáis leído hasta aquí os doy mis más sincera enhorabuena, que sepáis que contáis con mi más profunda admiración, no todo el mundo se mete entre pecho y espalda semejante parrafada, normalmente la gente le da al botón de descarga y se marcha, pero yo sé que los habituales de Rainy Day Music estáis hechos de otra pasta. Como colofón, y siguiendo el esquema de las entregas anteriores, os dejo una buena colección de enlaces y dos vídeos. El primer vídeo muestra a Micah interpretando "Tell Me It Ain't So", un tema incluído en éste, su tercer disco, mientras que en el segundo vídeo veremos a nuestro protagonista tocando "Yard of Blonde Girls", una canción incluída en el disco "Dream Brother. The Songs of Tim and Jeff Buckley". En cuanto a los enlaces, el primero de ellos os llevará a la página web oficial de Micah P. Hinson, el segundo es un atajo ciberespacial para llegar al myspace del artista, con el tercero podréis disfrutar de una actuación de Micah en The Black Cab Sessions, una original propuesta británica en la que diferentes músicos de todo pelaje interpretan algunas de sus composiciones mientras van sentados en un taxi negro, el cuarto enlace os permitirá leer una entrevista al cantante realizada por Ainhoa Rebolledo para la revista Efe Eme en noviembre de 2009. Pero no queda ahí la cosa, un quinto enlace os conducirá a elojocrítico.net, donde encontraréis una reseña de "Micah P. Hinson ante The Red Empire Orchestra", tras éste, un sexto link enlaza con la página songbytoad.com, allí disfrutaréis de una entrevista en lengua bárbara y de varios e interesantes vídeos, y por último, el séptimo enlace se ríe de la velocidad de la luz y os lleva e un periquete a BBC Collective, donde podréis encontrar más material de este entrañable monstruo. Dicho todo esto, me alegra estar de vuelta, no me queda más que despedirme diciendo aquello de: espero que os guste.




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MICAH P. HINSON EN THE BLACK CAB SESSIONS

ENTREVISTA A MICAH P. HINSON EN EFE EME

RESEÑA DE MICAH P. HINSON AND THE RED EMPIRE ORCHESTRA EN ELOJOCRITICO.NET

MICAH P. HINSON EN SONGBYTOAD (VIDEOS Y ENTREVISTA)

MICAH P. HINSON EN BBC COLLECTIVE




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Richard Hawley- Cole's Corner (2005)

Al fin se acaba el atípico febrero, ese rarito del calendario que sólo tiene 28 días (¡y cada cuatro años uno más!) y que a pesar de su corta extensión acaba haciéndose larguísimo. No obstante es inevitable sentir cierto cariño hacia el segundo mes del año, aunque sólo sea porque nos ayuda a superar la temible cuesta de enero, al menos es lo que a mí me ocurre, será que siento una especial debilidad por los raritos. Y de raritos va la propuesta de hoy, ya que con los tiempos que corren hay que ser muy rarito para convertirse en un crooner romanticón dedicado en cuerpo y alma a cantarle al amor, a sus luces y a sus sombras; eso es lo que le ocurre al bueno de Richard Hawley.

Richard Willis Hawley nace en Sheffield el 17 de enero de 1967, su relación con la música comienza siendo niño, cuando escuchaba los discos de su padre, admirador de artistas como Roy Orbison o Elvis Presley. Precisamente con la ayuda de su padre y de su tío aprenderá a tocar la guitarra a una temprana edad, un instrumento por el que sentirá una especial fascinación. Estando en el instituto forma su primera banda, Treebound Story, aunque será mucho más tarde, concretamente en 1994, cuando figure en una formación con cierta proyección internacional, se trata del grupo de britpop Longpigs, una banda que, según las palabras del propio Hawley, casi acaba con su vida, que terminó convirtiéndose en una espiral de alcohol y drogas. Richard Hawley trabajará además como músico de sesión para artistas de enorme éxito comercial, tales como Robbie Williams, Beth Orton o All Saints, ganándose una excelente reputación como guitarrista, y abriéndose una puerta a colaboraciones que aún hoy en día sigue explotando junto a músicos como R.E.M., Nancy Sinatra, Hank Marvin o Elbow, por citar alguno de ellos. Más tarde Richard Hawley se embarcará en otra experiencia todavía más ambiciosa, pasando a ser guitarrista de los reputadísimos Pulp, con quienes tocaría hasta 2001, cuando decide emprender su carrera en solitario. Es entonces cuando este crápula hijo de la Gran Bretaña sorprende a propios y extraños con su homónimo disco de debut, dejando aflorar una personalidad que nada tenía que ver con la arrogante estrella del britpop que había sido hasta entonces, un cliché, una pose con la que se le había identificado quizás injustamente. Pero no sólo eso, además el primer disco de Richard Hawley nos descubría a un cantante como la copa de un pino, un tipo con una melodiosa voz de barítono capaz de hacer estremecerse al más pintado cuando le cantaba al amor. Sin duda alguna había nacido una estrella.

En enero de 2002 Richard Hawley edita su segundo disco bajo el título de "Late Night Final", un disco que sigue explorando la línea que había esbozado su mini-lp de debut, canciones de etérea instrumentación en las que la voz de este crooner atemporal se erige como protagonista absoluta. "Lowedges" verá la luz un año más tarde, y seguirá manteniendo las virtudes de su antecesor, pop cristalino de referencias clásicas, con los dos ojos puestos en los 50's y los 60's, con aroma a standard, a clásico instantáneo. Pero será con su tercer largo con el que Richard Hawley se consagrará, un disco que sale a la calle en el año 2005 con el título de "Cole's Corner" ( Cole's Corner no es un sitio ficticio, es una esquina de Sheffield que sirve de punto de reunión a la gente desde 1905, bien en forma de citas o bien de manera fortuita, fruto del azar, es el lugar donde se han conocido muchas parejas) y que confirmará todas las bondades de este romántico empedernido. En "Cole's Corner" las referencias a Elvis, Roy Orbison, Johnny Cash o Scott Walker son más que evidentes en algunos temas, aunque ello no resta personalidad a la monumental voz ni a las composiciones de Richard Hawley, es más, uno tiene la impresión clara, casi cristalina, de dónde está el punto de partida de Hawley, pero a la vez acaba convencido de que el de Sheffield ha dado un paso más allá para, partiendo de archiconocidos patrones clásicos, construir un universo propio en el que se mueve como pez en el agua. Ecos de country, doo wop, soul sofisticado y elegante, preciosas orquestaciones, todo ello se da cita en "Cole's Corner", un disco que destila melancolía y elegancia a partes iguales, un album compuesto por once temas que suenan familiares desde la primera escucha. Richard Hawley factura una colección de canciones que giran en torno al amor, un amor muchas veces no correspondido, frustrado o marchito, pero que no por ello llaman al desespero, Hawley se zambulle en un océano de emociones que maneja a la perfección, siendo capaz de conseguir algo muy importante, que el sentimiento no se apodere de sus canciones. Con todo ello las canciones de "Cole's Corner" suenan íntimas, cercanas, huyen del histrionismo o de los lamentos de otros trovadores romanticones y se sitúan en las antípodas de los edulcorados cantos al amor de los años 50's ó 60's; es como si Richard Hawley nos regalase una lección magistral de cómo caer con estilo, sin lamentos y sin autocompasión, con verdadera clase. Pocos músicos hoy en día suenan tan honestos como Hawley, pocos privilegiados son capaces de componer un cancionero perfecto como el que figura en "Cole's Corner". Resulta difícil quedarse con una sola canción, sinceramente el disco resulta adictivo desde el principio hasta el final, y su aparente y falsa sencillez hace que descubramos nuevos matices con cada escucha, todo ello le convierte en un album que en el preciso instante en que entra en nuestras vidas lo hace para quedarse, sin pedir permiso pasa a convertirse en una parte indispensable de nosotros mismos, en parte de la banda sonora de nuestras vidas.

Tras el éxito de "Cole's Corner", Richard Hawley sacaría a la calle en 2007 su cuarto larga duración, titulado "Lady's Bridge" (de nuevo un sitio real, en este caso un puente, de su Sheffield natal), en el que mantiene el buen tono demostrado en su anterior entrega, componiendo un nuevo canto a la melancolía elegante que le convierte en un artista único, una auténtica "rara avis" en un gallinero musical donde la vulgaridad y la impostura están a la orden del día. Richard Hawley, continúa realizando colaboraciones con otros artistas, manteniendo viva su faceta como músico de sesión, hasta la fecha su último disco es "Live At The Devil's Arse", un trabajo que acaba de ver la luz. Esta vez me voy a desquitar, ya que la entrada de Heron me produjo una gran desazón ante la falta de información con la que me encontré (por cierto, gracias a Laviejaola por su colaboración, el enlace al especial de Ecos de Sociedad sobre Heron es impagable), así que os dejo como extras cinco enlaces que van a ir acompañados de dos vídeos, tomad buena nota: un enlace os conducirá a la página web oficial de Richard Hawley, el segundo de ellos es el atajo para llegar a su myspace, además de ello tenéis la oportunidad de leer una magnífica entrevista a Richard Hawley en lengua culta aparecida en Artes Hoy con tan sólo hacer click, y por si todo éso fuera poco os dejo dos enlaces a sendas reseñas de "Cole's Corner", una de ellas en Feedback-Zine, y la otra en Velvet Rockmine. En cuanto a los vídeos he elegido dos, el videoclip del tema "The Ocean", incluído en "Cole's Corner", y un vídeo que recoge una actuación acústica de Richard Hawley en la BBC, donde interpreta el temazo "Tonight The Streets Are Ours", de su último disco de estudio, "Lady's Bridge". Espero que os guste.




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ENTREVISTA A RICHARD HAWLEY EN ARTES HOY

RESEÑA DE COLE'S CORNER EN FEEDBACK-ZINE

RESEÑA DE COLE'S CORNER EN VELVET ROCKMINE




RICHARD HAWLEY- COLE'S CORNER

Melingo- Maldito Tango (2008)

Cuando la primera entrada irrumpió en este blog yo me empeñé en recalcar que esta bitácora nacía como una criatura libre de prejuicios, recuerdo que anuncié que éste no era un blog de estilo, es decir que no se iba a dedicar en exclusiva al blues, al jazz ni al cante jondo, sino que iba a centrarse en la música, sin conceder importancia a las etiquetas. La verdad es que me gustaría renovar mis votos al respecto, y lo voy a hacer presentándoos un disco diferente a todos los que hasta la fecha se han asomado a este blog, el último trabajo del personal cantante de tango Melingo. Lamentablemente me encuentro con un inconveniente, mi desconocimiento absoluto sobre el tango, su música y su filosofía, hecho que hace que me tiemblen las piernas al acercarme a una cuestión tan seria, la cual me infunde muchísimo respeto. Es por ello que he elegido a una de mis mejores amigas para que os hable del tema, Wikipedia; haciendo click aquí encontraréis un completísimo artículo sobre el tango, su historia y peculiaridades, que os servirá de introducción perfecta a esta entrada.

A mí no sé si me gusta el tango, pero sí que sé, perfectamente, que me gusta Melingo. Supongo que, como ocurre con aquellos artistas que partiendo de un estilo de fuertes raíces tradicionales plantean una relectura o una revisión del mismo, para muchos puristas lo que hace Melingo no será tango, sinceramente, yo no me planteo este tipo de cuestiones, ese trabajo tan ingrato se lo dejo a los expertos. A mí me gusta este bonaerense porque me encanta que me cuenten historias, y escuchar una canción de Melingo es sumergirse en verdaderos relatos donde no faltan las infidelidades, el desamor, los crímenes, la soledad... Sus canciones están repletas de imágenes, su prosa es muy visual, hasta el punto de que no cuesta trabajo imaginarnos las tramas con escenarios y actores, como si de una película se tratase. Pocos músicos son capaces de sugerir tanto, por eso me gusta.

Daniel Melingo nace en Parque Patricios, un barrio de Buenos Aires, en el año 1957. Además de poseer una voz con un timbre muy personal, Melingo es multiinstrumentista, toca el saxofón, la guitarra y el clarinete, y goza de una larga e interesante carrera profesional, tanto formando parte de distintas bandas, como en solitario. Con tan sólo 18 años, Melingo pasó a formar parte de la banda que acompañaba a Milton Nascimento, una figura fundamental en la historia de la música brasileña, con quien estaría hasta 1980, año en que se embarcaría en una mítica banda argentina llamada Los Abuelos de la Nada, allí tocaría el saxo compartiendo plantel con músicos como Miguel Abuelo, Andrés Calamaro, Gustavo Bazterrica y Polo Corbella. En 1982 funda con Pipo Cipolatti Los Twist, una banda orientada hacia sonidos de corte rockabilly y de letras irreverentes, durante un breve periodo, en 1984, Melingo compagina su militancia en Los Twist con la banda de Charly García, hasta que en 1987 se muda a España, donde no tardará en formar otra banda, Lions in Love, con quienes grabaría dos discos. Pero será ya entrada la década de los 90's, cuando Melingo emprenda su carrera en solitario, y lo hará formando su propia banda, con la que dará a luz su primer trabajo como solista, "H2O" (1996), un disco en el que predominan los ritmos próximos al reggae y al funk. En 1997 Melingo se implica en un nuevo proyecto, en este caso se encargará de presentar y conducir un programa televisivo titulado "Mala Yunta" para el canal de televisión argentino Sólo Tango, Melingo invitará a distintos músicos cercanos al rock, a los que les propondrá interpretar tangos. A partir de entonces se produce una mutación en la carrera de este músico, que pasa de ser un rockero interesado en el tango, a ser un tanguista enloquecido de perfil único e inimitable. He encontrado una reseña del disco "Maldito Tango", en la que Rémy Kolpa Kopoul define a Melingo así: "¿Cuál es la receta de Melingo el Magnífico? Pues cogemos una pizca de Roberto Goyeneche "El polaco", este tanguero febril (tan agudo él), la mezclamos con Nick Cave (la semilla negra del underground), Tom Waits (con su lado arty), añadimos un poco de Gainsbourg, y combinando todas esas voces roncas y profundas y las pintas de bohemios obtendremos un esbozo de este diablo de Melingo, un viejo canalla no tan viejo pero muy pícaro." ; sin duda es una descripción muy acertada.

Podemos decir que Melingo se crea a sí mismo, inventa un personaje, el de un tanguista bohemio y anacrónico, un personaje irreverente y canalla, de esos que nos llegan al corazón. A pesar de que Melingo canta en castellano, es evidente que quienes, como yo, no estéis familiarizados con el tango, os vais a encontrar con más de un problema de comprensión, ya que la lengua del tango es el lunfardo, un complejo argot que dota al tango de expresiones maravillosa y extrañamente hermosas. Volviendo a la carrera de Melingo, hay que señalar que a su primer album le han seguido cuatro más: "Tangos Bajos" (1999), "Ufa "(2003), "Santa Milonga" (2005) y, el más reciente, "Maldito Tango" (2008). En sus discos Melingo canta temas propios y también versiones, además musica poemas de escritores como Lorca, pocas cosas se le ponen por delante a este gallardo porteño, que incluso es ganador de un premio Goya a la mejor canción original (por su tema "Pequeño Paria", incluído en la película "El Niño de Barro" de Jorge Algora, realizada en 2007; canción que encontraréis además en este disco). En cuanto al disco "Maldito Tango", os sugiero que leáis la reseña que os comentaba anteriormente, realizada por Rémy Kolpa Kopoul, sólo tenéis que hacer click aquí. Por mi parte os recomiendo que no os perdáis temas como el que abre el disco, "En un Bondi Color Humo", verdadero cine negro con envoltorio de tango, "A lo Magdalena", que recuerda a alguna de las trágicas composiciones del cubano Miguel Matamoros (me viene a la cabeza un tema brutal titulado "La Cocainómana"), "Cuando la Tarde se Inclina", auténtico costumbrismo porteño, y el último corte, "Eco il Mondo", una maravilla de 12 minutos que tiene mucho de improvisación y genialidad. También me gustaría llamar la atención acerca de la cuidada edición del disco, que corre a cargo del sello francés Mañana, cuyo responsable es otro argentino, el componente de Gotan Project Eduardo Makaroff. Se trata de un elegante formato en cartón con el interior troquelado creando efecto de relieve, realmente original, así da gusto comprar discos.

Sin más os dejo con el disco de Melingo, invitándoos a que os sumerjáis, sin miedo, en aguas que, a muchos de vosotros, os resultarán desconocidas, pero antes os dejo, como siempre, unos enlaces de regalo. El primero de ellos os llevará a un practiquísimo diccionario on line de lunfardo, para que este peculiar argot no tenga secretos para vosotros, el segundo os conducirá a la página web Todo Tango, donde podréis profundizar en la historia de esta música, el tercer enlace corresponde a la página web oficial de Melingo, y el último de ellos os brinda la oportunidad de disfrutar de una entrevista realizada a Melingo por el diario argentino Página 12, el 15 de septiembre de 2004. Y además, esta vez sí, un vídeo, en el que el propio Melingo presenta su último disco hasta la fecha, "Maldito Tango". Espero que os guste.

DICCIONARIO LUNFARDO

TODO TANGO

PÁGINA WEB OFICIAL DE MELINGO

ENTREVISTA A MELINGO EN PÁGINA 12







MELINGO- MALDITO TANGO

Abraham Boba- S / T (2007)

Hoy llueve en español, y creo que es la primera vez que este inusual fenómeno meteorológico se produce en este blog. ¿Os habéis parado a pensar lo difícil que es componer en la tercera lengua más hablada del mundo? Es difícil no caer en lugares comunes, en tópicos, es complicado dominar aspectos como la métrica de este enrevesado idioma o evitar las consabidas rimas en infinitivos, a toda esta ingrata tarea hay que añadir además que tu mensaje lo pueden entender 400 millones de personas en todo el mundo, a muchas de ellas se la trae al pairo lo que signifiquen las letras de Beyoncé, pero a ti, querido hispanohablante no te van a pasar ni una. Quizás sean todos estos obstáculos los responsables de que no abunden en la actualidad letristas de calidad en la música española, salvo honrosas excepciones la mayoría de las canciones en español que escuchamos en la radio nos obligan a taparnos los oídos para no sonrojarnos ante sus mensajes y proclamas. El español ha quedado relegado al folklore más rancio, al pop de radiofórmula, a los impostores ritmos latinos, al reggaeton y al incipiente rap patrio; terrenos en los que la lengua de don Miguel de Cervantes se siente cómoda, ya que no se le exige mucho y goza de gran repercusión mediática. Hay que tenerlos muy bien puestos para intentar hacer una música creativa y diferente en este país y además hacerla en español, por eso admiro a gente como Abraham Boba, capaz de todo eso y mucho más.

David Cobas nace en Vigo, aunque musicalmente hablando se le puede considerar barcelonés, es un joven veterano de la escena musical española que ha formado parte de dos bandas antes de emprender su carrera en solitario, se trata de Tedium, con la que grabó un disco, y Belmonde, con quienes editó dos trabajos. Compositor, arreglista y letrista, David ha ido dando forma poco a poco a un peculiar alter ego, Abraham Boba, un original nombre de guerra con el que comenzó en 2007 un nuevo proyecto, y cuyo primer fruto es el disco que podéis encontrar aquí. Abraham Boba se destapa como un observador crítico de la sociedad que le ha tocado vivir, un enemigo de la autocomplacencia, del conformismo y del aborregamiento, patologías muy extendidas entre los humanos de hoy en día. Sus letras destilan una calidad poco frecuente en la música española, alternando momentos de un gran calado narrativo, próximos al surrealismo, con pinceladas costumbristas y momentos de crítica o reflexión social. Es difícil clasificar a una "rara avis" como Abraham Boba, su música puede sonarnos a muchas cosas, es evidente que detectamos ciertas influencias, pero quizás el hecho de elegir el español como lengua a la hora de componer hace que se diluyan y que le dote de una gran personalidad. Sin duda alguna ha mamado de los grandes crooners de nuestro tiempo, como Nick Cave o Tom Waits, tiene las inquietudes sociales de Ray Davies, admira la chanson francesa y los ambientes mediterráneos, probablemente ha estado enganchado a Serge Gainsbourg, a Lee Hazlewood, a Leonard Cohen o a Nick Drake, puede que incluso a Henri Salvador o a Nino Rota, también a Erik Satie; pero esto no son más que meros indicios de lo que podemos encontrar en sus composiciones, escasas pistas para resolver uno de los secretos mejor guardados de la música de este país.

El debut discográfico de Abraham Boba tiene apenas un año y es un trabajo sorprendente de principio a fin. El disco fue producido por Abraham Boba junto con Michel Martín y David López y se grabó a la antigua usanza, es decir en directo, sin mezclas de ninguna clase, con Pablo Magariños a la batería y percusiones, Ricardo Díaz al contrabajo y bajo eléctrico, y el propio Abraham Boba a los teclados. En la sección de cuerdas figuran Úrsula Martín y Suso Moreno, y en los coros Coqué Azcona, quien se encargó además del diseño del disco. Como invitados especiales hay que destacar las colaboraciones de Ambrus Horváth a la trompeta y Nacho Mastretta al clarinete. Es un trabajo arriesgado en el que el swing y el jazz se mezclan con el pop y flirtean con la chanson en un escenario cabaretero, está impregnado de una atmósfera intimista y honesta, de ambientes tranquilos y cálidos. Se compone de diez temas, de entre los cuales sobresalen cuatro que justifican por sí mismos la compra del disco, me refiero a "Fuga de Alcatraz", "Las Hermanas Sánchez", "Signos de Admiración" y "Las Masas"; creedme, estos cuatro temas están entre lo mejorcito de cuanto se ha escrito jamás en la música cantada en español. "Fuga de Alcatraz" es una verdadera maravilla, un regalo para los sentidos envuelto en sutiles arreglos de piano y cuerda y con unas voces de una elegancia inusual, la manera perfecta de empezar un disco. "Las Hermanas Sánchez" es el tema más surrealista del disco, una intrigante historia narrada de forma magistral en poco más de dos minutos y medio que evoca los relatos de Boris Vian, también detectamos influencias literarias en "Signos de Admiración" que, es una opinión personal, nos traslada a los turbios escenarios conyugales de Raymond Carver. Y en cuanto a "Las Masas", se puede decir que es una brutal e inteligentísima crítica a la adocenada sociedad actual, reflexión a ritmo de trompeta y piano sobre el estereotipado ser humano, con una letra impagable Abraham Boba es capaz de dar donde más duele, con una precisión de la que carece cualquier grupo punk pone el dedo en la llaga sin reivindicar evidencias, una fotografía descarnada sin recurrir a los tópicos, ni en la letra, ni en lo musical. El resto de los temas están también a un nivel muy alto, como muestran "Tirada Nacional", "Jornadas Cabalísticas" o "Turista Feliz", pero las cuatro canciones señaladas son sin duda mi debilidad. Actualmente Abraham Boba reside en Madrid y está a punto de sacar al mercado su segundo disco, que llevará por título "La Educación", el cual esperamos ansiosamente.

Si después de todo esto no os morís de ganas por escuchar el debut de Abraham Boba, os dejo unos cuantos enlaces que certifican que no estoy exagerando, y que además os permitirán conocer un poquito más acerca de este interesante músico. El primer enlace os conducirá a la página dedicada a Abraham Boba en la web de Limbo Starr Records (echad un vistazo al dossier de prensa que está muy completo), donde además podéis comprar el disco, el segundo enlace es el del Myspace del propio Abraham Boba, el tercero recoge una amplia reseña de Abraham Boba en el suplemento cultural del diario El País, Babelia, y en el último de los enlaces encontraréis una entrevista a Abraham Boba en la web Festivales de Pop. Y cómo no, un video magnífico del tema "Fuga de Alcatraz" para que vayáis abriendo boca. Espero que os guste.





PÁGINA DEDICADA A ABRAHAM BOBA EN LIMBO STARR RECORDS

MYSPACE DE ABRAHAM BOBA

ABRAHAM BOBA EN BABELIA

ENTREVISTA A ABRAHAM BOBA EN FESTIVALESDEPOP.COM


ABRAHAM BOBA- S / T