Montreal- A Summer's Night (1970)

Llegamos pronto para hacernos con un buen sitio, era importante figurar en las primeras filas si uno no quería perderse detalle de lo que iba a ocurrir. Al instante, aquella explanada, que todavía no había sufrido los estragos del ladrillo, ya estaba abarrotada. Mi abuelo aprovechaba la ausencia de mi abuela, quien no quería verse envuelta en semejantes follones, para fumar, mientras yo observaba absorto todo lo que sucedía a mi alrededor; tenía 15 años y todavía no me incomodaban las muchedumbres. No paraba de llegar gente, algunos ataviados de manera estrambótica, combinando colores que sólo el libertinaje estético de los ochenta era capaz de tolerar. La megafonía atronaba aquel tramo de carretera, haciéndose dueña y señora del cotarro, anunciando regalos y promociones, calentando el ambiente. Los responsables de la organización se esmeraban en que todo estuviese controlado, poniendo especial mimo en la seguridad, las motos de la policía hacían su aparición, desatando los primeros nervios entre los presentes. Tras un par de horas de espera comenzaron a escucharse los primeros gritos, producía un cierto respeto el contagio de esa masa sonora que se aproximaba, in crescendo, hasta resultar ensordecedora. Sin apenas darnos cuenta nos vimos imnersos en aquella locura, una catársis de gritos, exclamaciones, algunas de ellas malsonantes, palabras de ánimo y aplausos, que se entremezclaban con una marea de claxones y sirenas, capaces de seducir al mismísimo Odiseo. Nos hallábamos en pleno trance cuando desfilaron ante nuestros ojos todo tipo de colores, si pestañeabas te perdías el espectáculo. Y entre aquellos vertiginosos fotogramas multicolor, el ruido, jamás olvidaré ese ruído, sonaba como un tremendo escape de gas, un ensordecedor susurro metálico. Recuerdo ver el color amarillo, y el verde; el verde era uno de mis favoritos, aunque todos nos habíamos dado cita allí con la esperanza de verle a él, de verle ganar obviamente. Pero todo fue tan rápido, fue algo tan fugaz que en cierta manera me decepcionó, jamás pensé que aquel pelotón de ciclistas pudiese ser tan veloz, sólo pudimos ver con detalle a los rezagados, aquellos que, arrojada la toalla, ya no se preocupaban por los segundos perdidos. Con todos aquellos sentimientos encontrados regresamos a casa, donde nos esperaba el escarnio público de mi abuela, que nos abroncó por no haber conseguido ninguno de esos regalos que todo el mundo lucía orgulloso por las calles - ¡Lilas, que sois unos lilas, ni una gorra habéis cogido!- nos dijo con una franqueza demoledora. La escena se produjo en Jaca el 18 de julio del año 1991, durante la llegada del Tour de Francia, hace justo 20 años. A la mañana siguiente repetimos el ritual, decepcionados, por no haber visto a Perico Delgado cruzar la línea de meta en primer lugar, nos reunimos de nuevo para ver el ceremonial de las firmas y la salida neutralizada. No eramos conscientes de que estábamos asistiendo a un hecho histórico, ni mucho menos de que el protagonista del mismo iba a ser otro, aquel 19 de julio nació en Jaca Miguel Indurain, Miguelón, un tipo que nos hizo engancharnos al ciclismo y que abolió la siesta en España durante 5 veranos consecutivos. Es curioso como podemos encontrarnos en el lugar exacto y en el momento exacto sin ser conscientes de ello, es asombroso todo aquello que nos tiene deparado el azar, incluso a un lila como yo.

Hoy se asoma a esta lluviosa bitácora una banda que sin darse cuenta hizo un disco muy grande, un LP que pasó sin pena ni gloria por la historia de la música del siglo XX, hasta que en 2008 el sello Fallout reeditó una gema que se había convertido en pasto de coleccionistas; hablamos de Montreal y de su disco "A Summer's Night". Esta banda canadiense mezcla de manera soberbia el folk con la psicodelia y el jazz, poniendo especial cuidado en las voces, y haciendo gala de una sobria instrumentación, que huye de propuestas barrocas y grandilocuentes pero que arropa perfectamente a las voces principales a base de flauta, piano y sitar. Encontrar información acerca de Montreal en internet sin que Google te transporte a páginas de viajes es casi imposible, es por eso que me he dejado llevar en la introducción de esta entrada, ya os adelanto que hoy Rainy Day Music no va a parecer la Wikipedia. A pesar de ello podemos situarnos en el contexto histórico en el que aparece este disco, que fue grabado en Nueva York en el año 1970, unos meses antes de la célebre crisis que agitó los cimientos sociopolíticos canadienses, la Crisis de Octubre. Esta tensa y delicada situación fue fruto del agitado escenario ideológico y político del Canadá de los años sesenta y setenta, que con la irrupción en escena del denominado FLQ (Front de Libération du Québec) vivió sus momentos más complicados durante el citado mes del año 1970. Esta organización terrorista se atribuyó dos secuestros con los que intentó chantajear al gobierno canadiense, que acabaría declarando la ley marcial ante la gravedad de los hechos. Finalmente la crisis se zanjó con uno de los secuestrados asesinado y con el arresto de las dos células terroristas autoras del secuestro. Aquel controvertido escenario tendría sus consecuencias en todos los campos de la sociedad, y fundamentalmente supondría el final del terrorismo en Canadá y la apuesta definitiva por una vía democrática y pacífica hacia la independencia de Québec, algo que se vería también reflejado en la música. En los años posteriores a la crisis de octubre proliferarán las bandas y los cantautores de mensaje nacionalista, músicos que se expresan en francés y que apuestan por el folk y el rock progresivo como lenguaje musical. En medio de este panorama aparece Montreal, una banda de una delicadeza exquisita y con una apuesta musical diferente que poco tiene que ver con la de aquellos que triunfan propagando la doctrina nacionalista. Tal vez esa sea la clave para entender por qué el éxito de "A Summer's Night" fue tan escaso, tendrían que pasar unas cuantas décadas para que supiésemos apreciar en su justa medida el valor de este disco.

"A Summer's Night" contará con Fran Losier como vocalista principal, que con su deliciosa voz llenará de magia el disco, Jean Cousineau se encargará de la guitarra, mientras que al piano y al bajo estará Gilles Losier, este será el núcleo de Montreal, que además contará con la colaboración de cuatro músicos estadounidenses de relumbrón: Skeeter Camera, a la percusión , el flautista de jazz Jeremy Steig, el multinistrumentista Buzz Linhart, que se encargará del teclado eléctrico y del vibráfono, y el mismísimo Richie Havens, que además de coproducir el disco colaborará tocando el sitar en alguno de los temas. Definitivamente este LP debía haber sido todo un éxito en su momento, pero resultó demasiado atrevido para las emisoras más comerciales, que no se atrevían a pinchar un tema de casi 8 minutos como "Infinity", y al mismo tiempo resultó poco comprometido para quienes se habían involucrado en una nueva causa; no olvidemos que "A Summer's Night" está íntegramente cantado en inglés, con la excepción del tema que da título al disco, que introduce un par de estrofas en francés con un impostado y exagerado acento inglés. Personalmente destacaría dos canciones de entre todas las que componen el único LP de Montreal, y esas son, curiosamente, las dos primeras. "What About The Wind?" es un temazo de principio a fin, la voz de Fran, las acústicas creando un hipnótico bucle, y los bucólicos y lisérgicos susurros de la flauta, hacen de ella un tema inolvidable que te engancha desde el primer segundo. "A Summer's Night" no es tan brillante como "What About the Wind?", pero tiene algo adictivo, tal vez se deba al sentido del humor que destila su letra, con ese francés macarrónico que acabaría siendo la tumba comercial de esta banda, o al evocador "tumbao" que proporciona la percusión y el bajo en este tema, es posible que se deba al jazzístico pasaje central de la canción, un minuto de oro que muestra la calidad de los músicos que grabaron este LP, o quizás a la voz de los dos hermanos Losier que empasta a la perfección en los primeros compases de la canción. Sea como fuere, "A Summer's Night" resulta tan evocadora como lo pretende su título y se alza con uno de los primeros puestos en esta notable colección de canciones. El resto del disco no desmerece, aunque cuenta con algunos altibajos y el nivel de los primeros temas será difícil de igualar. Mención aparte merece el delicado teclado de "Circles and Lines", canción en la que Fran se destapa, una vez más, como una magnífica vocalista, sobria y seductora al estilo de las cantantes francesas, con un cierto aire masculino, o la sección rítmica de "Sometimes in Stillness", que raya al mejor nivel de la banda. En las aproximaciones más ortodoxas al jazz clásico, como es el caso de "Third Floor Walkup", Montreal baja un poquito el listón, y suena como una banda de club dedicada a interpretar standards. Hablando de standards, la banda hace una personal revisión de "Summertime", que suena fresca y original gracias a las voces dobladas de Fran y a la sobresaliente interpretación del flautista Jeremy Steig. "Every Passing Moment" y "Round and Round" se comportan como dos canciones correctas, que resultan agradables sin aportar grandes novedades, y en las que la voz de Fran recuerda, más que nunca, a la Nico de "Chelsea Girl". Y por último, "Infinity", la apuesta más arriesgada del disco, casi 8 minutos de acid folk que cuentan con el sitar de Richie Havens y en los que Montreal se muestra como una banda atrevida, que se mueve con comodidad en diferentes registros, dando forma a otro de los grandes momentos de "A Summer's Night".

Montreal tuvo una vida efímera, de hecho no grabaría ningún disco oficial después de este "A Summer's Night", pero su legado se antoja importante con el paso de los años, ya que su único LP ha ganado peso específico dentro del nutrido pelotón de bandas folkies y psicodélicas de finales de los sesenta y principios de los setenta, todo ello debido a la indudable calidad de sus composiciones. Unos temas que encuentran el contrapunto perfecto entre el vanguardista lenguaje de la psicodelia y las maneras tradicionales del folk, haciendo que las canciones resulten asequibles sin resultar vulgares. La historia de esta banda canadiense y de su LP es un ejemplo más de trabajos que no han sabido valorarse en su debido momento, discos que han necesitado un tiempo de reposo para poder ser debidamente degustados por los paladares más exquisitos, los de aquellos abnegados coleccionistas que pusieron especial ahínco en que este ignorado y atípico disco de folk se convirtiera en un referente dentro de su género, hasta el punto de que se le dedicase la reedición que tanto se merecía y que contribuiría a darle una segunda oportunidad a un álbum que en su día mereció mejor suerte, sin duda alguna. Yo también merecía mejor suerte a la hora de buscar enlaces en la red, pero creedme que no he encontrado una sola referencia de enjundia al disco de Montreal, es por eso que el apartado de enlaces de esta entrada figura raquítico, si alguien conoce alguna reseña de calidad o quiere aportar algo a lo aquí señalado no tiene más que utilizar los comentarios para ello, cualquier colaboración será bien recibida. Para los yonquis de la información, como yo, os dejo un fantástico artículo aparecido en El País, con motivo del vigésimo aniversasio del primer maillot amarillo de Miguel Indurain. En cuanto a los videos, más de lo mismo, no he encontrado uno sólo, alguna pista de audio en Youtube con la imagen fija de la portada del LP y punto, así que me he decantado por dejar dos pistas de audio y hacer uso de Goear, que hacía mucho tiempo que no echaba mano de esta herramienta; las elegidas han sido mis dos favoritas: "What About The Wind?" y "A Summer's Night". Ojalá vosotros estéis siempre en el lugar indicado y en el momento indicado, el azar es caprichoso y nos tiene reservadas todo tipo de sorpresas, pero no olvidéis que un día se puede ver fracasar a Perico Delgado y al día siguiente, y sin ser consciente de ello, presenciar el nacimiento de un mito, como fue Miguel Indurain; la vida es así de voluble y por ello nunca se debe perder la esperanza. Espero que os guste.

MONTREAL- A SUMMER'S NIGHT

INDURAIN, 20 AÑOS A SU PESAR

Jimmy Smith- Prayer Meetin' (1964)

Una vez que se abre el baúl de los recuerdos resulta complicado volver a echar el candado, de entre las nubes de polvo asoman viejos compañeros de viaje que nos transportan a un tiempo que, si bien no fue necesariamente mejor, sí que fue nuestro tiempo, algo que nadie podrá arrebatarnos jamás. Hoy quiero compartir con vosotros un disco fundamental en mi vida, ya que se trata del primer disco de jazz que compré. Afortunadamente sigue resultando emocionante descubrir artistas nuevos, sonidos diferentes, pero es conmovedor rememorar un tiempo en el que nuestros virginales oídos eran capaces de descubrir todo un estilo musical, un universo por explorar. Jamás había escuchado un disco entero de jazz, sólo algún tema suelto al que me había acercado con más miedo que interés, daba la impresión de que había que ser un entendido para saber apreciar un disco de jazz, y a uno le asaltaba el temor de perderse en escalas incomprensibles y en improvisaciones ininteligibles. Pero un buen día lo encontré ahí, en una estantería de CD's de precio medio, ese disco iba a cambiar mi percepción del jazz para siempre e iba a suponer el comienzo de mi romance eterno con una canción: "Stone Cold Dead in The Market". Lo único que sabía de Jimmy Smith era que una de sus composiciones, "The Sermon", figuraba en la banda sonora de "Barfly" (esa película traducida de manera cateta en nuestro país como "El Borracho"), pero no pude resistirme a esa portada, que mostraba a un Jimmy Smith en trance, con un cigarrillo pegado a los labios mientras atacaba inspirado las teclas de ese monstruo llamado Hammond B3, de fondo otro gigante, Stanley Turrentine insuflando alma a su saxo tenor como muy pocos lo han hecho en la historia de la música. Gracias a "Prayer Meetin' " descubrí que hay jazz más allá de las indescifrables improvisaciones de virtuosos pagados de sí mismos, que son el blues y el soul quienes marcan el camino a seguir, y que sellos como Verve o Blue Note atesoran unas joyas grabadas entre los años 60 y 70 que figuran, por derecho propio, entre las mejores grabaciones musicales del siglo XX. El jazz había entrado en mi vida y a partir de entonces se convertiría en un compañero inseparable, que me ha proporcionado algunos de los mejores momentos sonoros de cuantos he podido disfrutar. Gracias Jimmy Smith.

Nacido el 8 de diciembre de 1928, Jimmy Smith fue uno de los principales pioneros, si no el más importante, en el desarrollo musical, y sobre todo jazzístico, del órgano Hammond B3, un mamotreto de complejísima ejecución que hasta los años 50 dormitaba en las iglesias como mera comparsa de los coros de gospel. Siguiendo la estela de otros dos grandes visionarios del órgano como fueron Fats Waller y Count Basie, Jimmy Smith dotó de otra dimensión a este instrumento, convirtiéndolo en protagonista absoluto de unas revolucionarias sesiones que cambiaron para siempre el panorama de la música contemporánea. A partir de entonces el Hammond pasaría a estar presente no sólo en grabaciones de jazz, sino también en discos de música pop e incluso en los más vanguardistas movimientos enraizados con el, por entonces bisoño, rock'n'roll. Jimmy Smith fue en su día un niño prodigio, alentado por sus padres, también músicos, ya ganaba premios al piano con tan sólo 9 años. Pero será en 1955 cuando emerja su figura como gigante del jazz, en esta fecha Smith, que hasta entonces había alternado en diferentes formaciones el órgano con el piano, decide centrarse en el Hammond B3, comenzando de este modo una verdadera revolución musical. La valiente e innovadora propuesta de Jimmy Smith sacude los cimientos de la industria jazzística y el prestigioso sello Blue Note no tardará en reclutarlo para sus filas; comienza así una importantísima relación que dará como resultado alguno de los mejores títulos de la historia del jazz, entre ellos clásicos como "The Sermon" (1958), "Back at The Chicken Shack" (1960), "Midnight Special" (1960), y por supuesto "Prayer Meetin' " (1964).

Grabado en los prestigiosos estudios de Rudy Van Gelder el 8 de febrero de 1963, "Prayer Meetin' " fue el último de los cuatro discos que Smith grabó en el plazo de una semana, justo antes de iniciar su andadura en Verve. El formato elegido para la grabación será el de cuarteto, aunque en dos de los temas, concretamente los cortes 7 y 8 del disco, se añadirá un quinto miembro a la banda, concretamente Sam Jones, que se hará cargo del bajo. El cuarteto en nómina estará integrado por Stanley Turrentine, a cargo del saxo tenor, Quentin Warren, a la guitarra, Donald Bailey, al mando de las baquetas, y Jimmy Smith, quien por entonces ya era conocido con el sobrenombre de "El Increíble", creando magia con su Hammond. "Prayer Meetin' " es un disco deudor del blues, que mantiene cierto halo espiritual que lo emparenta con el gospel, y que además estrecha su mano amistosamente con el incipiente movimiento soul que por aquel entonces estaba sacudiendo los cimientos de la industria musical estadounidense. A lo largo de los 8 temas que componen el LP encontramos a un Jimmy Smith inspiradísimo que pone en práctica su personal manera de tocar el órgano, en la que se sirve de la técnica pianística y en la que hace gala de un virtuosismo sin parangón, emulando los sonidos del bajo con los pedales de su Hammond B3 ¿Estais escuchando el primer corte del disco? Pues bien, nadie toca el bajo, son los pies de Jimmy, alucinante ¿no? Pero además de Jimmy Smith hay otro nombre propio en este disco, el del saxo tenor Stanley Turrentine, que se entiende perfectamente con el organista, con quien colaborará en numerosas grabaciones, alcanzando unas cotas de calidad difícilmente superables; verdadero groove. Es difícil destacar un tema sobre los demás, aunque reconozco que siento especial debilidad por "Stone Cold Dead in The Market", un calypso que se hace grande en los dedos de Jimmy Smith y que se engalana con el saxo de Stanley Turrentine, es el tema más corto del disco y probablemente también el más accesible, aunque ello no le resta ni un ápice de calidad. "Picknickin' " también puede citarse como uno de los momentos álgidos del disco, un tema con un fraseo pegadizo y con unos solos verdaderamente gloriosos, y además es una composición original de Jimmy Smith ¿se puede pedir más? En resumidas cuentas, "Prayer Meetin' " es un disco que ya ha alcanzado el estatus de clásico dentro de la producción jazzística de los años 60, un LP de fácil escucha para los profanos en la materia que se convierte en la puerta de entrada perfecta para descubrir este maravilloso lenguaje musical que es el jazz, al menos a mí me sirvió para descubrir todo un mundo que a día de hoy no me canso de explorar. Eso sí, cuando me preguntan si me gusta el jazz, siempre contesto que sí, siempre y cuando pueda seguir el ritmo con los pies; el free jazz, el hard bop y todos esos ritmos frenéticos de endiabladas improvisaciones no están hechos para mí, me quedo con todo lo que me enseñó el maestro Smith.

Durante su etapa en Verve, Jimmy Smith mantendrá el nivel de calidad que había mostrado en Blue Note, llegando a grabar discos verdaderamente notables, como "Organ Grinder Swing" (1965), o el magnífico disco grabado con el guitarrista Wes Montgomery, "Jimmy & Wes: The Dynamic Duo" (1966). Durante la década de los 70 también se mantuvo muy activo grabando para diferentes sellos, aunque la calidad de sus discos se vio resentida, fruto de los puntuales abandonos de su formato habitual y su acercamiento a la big band, lo que hizo que alguno de sus discos de esta época careciese de la frescura y de la pegada directa de sus primeras grabaciones. Jimmy Smith siguió en activo, ofreciendo conciertos y grabando material nuevo, hasta sus últimos días; falleció el 8 de febrero de 2005, pasando a engrosar la lista de las grandes leyendas del jazz, no sólo como un virtuoso, sino como un verdadero transgresor, un visionario que con el tiempo se convertiría en una figura elemental para entender movimientos posteriores como el funk o el acid jazz.

Si queréis indagar más en la figura de este maestro os dejo unos cuantos enlaces: uno de ellos a una web, imagino que no oficial, consagrada al "Increíble" Jimmy Smith, un segundo que os conducirá a una biografía de este monstruo de las teclas en la página Apolo y Baco, en castellano, una biografía más, en este caso en inglés, en la página All About Jazz, y en cuarto y último lugar, un enlace al perfil dedicado a Jimmy Smith en la web del sello Verve. Si deseáis ver a Jimmy en acción, no tenéis más que darle al play del vídeo que acompaña esta entrada, una actuación en directo en la que interpreta "The Sermon", uno de sus temas más emblemáticos, en una sesión de 1964, es decir, el mismo año en que se comercializó "Prayer Meetin' ". Espero que os guste.


JIMMY SMITH- PRAYER MEETIN'

THE INCREDIBLE JIMMY SMITH

BIOGRAFÍA DE JIMMY SMITH EN APOLO Y BACO (EN LENGUA CULTA)

BIOGRAFÍA DE JIMMY SMITH EN ALL ABOUT JAZZ (EN LENGUA BÁRBARA)

JIMMY SMITH EN LA WEB DE VERVE

Morphine- Cure For Pain (1993)

Tenía 16 años cuando decidí que quería formar una banda de rock'n'roll, para ello sólo debía superar un pequeño obstáculo: debía aprender a tocar un instrumento. No tardé en elegir la guitarra, siempre me había gustado su sonido, sus formas, e incluso tenía estudiadas las poses de aquellos guitarristas que más me gustaban. Un verano tomé prestada la guitarra de una buena amiga y empecé a rasgar sus cuerdas con verdadera vehemencia, era capaz de pasar tardes enteras intentando extraer algún sonido de aquel complejo instrumento, además descubrí que el hecho de sentarme a intentar desentrañar los profundos misterios de la guitarra española me relajaba, hecho que no debemos pasar por alto en un momento tan complejo y agitado de la vida como es la adolescencia. Pasaban los meses y mi carrera como guitarrista apenas experimentaba mejorías, seguía sin saber cómo debía colocar los dedos, desconocía si el instrumento estaba afinado o no, y lo peor de todo, me había cargado dos cuerdas; eso sí, mis poses ante el espejo de la habitación de mis padres habían mejorado notablemente, no es lo mismo posar con una vieja raqueta de tenis que hacerlo con una guitarra auténtica, por muy desvencijada que esté. A pesar de que todos esos contratiempos me remitían a mi frustrante relación con la música, que comenzó a los ocho años cuando fui incapaz de aprender solfeo, estaba muy contento de tener un instrumento, yo me consideraba un guitarrista en ciernes, y vivía convencido de que en poco tiempo la guitarra no tendría secretos para mí. Un buen día una nueva cuerda se desgarró, quedando sólo tres cuerdas de las seis que componen este noble instrumento, entonces, como por arte de magia aquella guitarra empezó a sonar bien, quiero decir que a mí me sonaba bien. Era capaz de interpretar, a mi manera, canciones de otros desplazando mis dedos adolescentes por las tres cuerdas, e incluso empecé a crear mis propias canciones, burlándome de los acordes tradicionales, de la métrica y de la armonía, entonces me hice una pregunta: ¿por qué no se podía tocar la guitarra sólo con tres cuerdas? Unos días más tarde, estaba escuchando la radio y la voz del locutor captó mi atención, hablaba de una banda formada por tres tipos en la que no había guitarras, sólo batería, bajo y saxo, aquel melómano visionario pregonaba las grandezas de esta nueva formación y entre sus peculiaridades citaba que su bajista le había extirpado dos cuerdas a su instrumento, aquella banda era Morphine y aquel heterodoxo bajista era Mark Sandman; sin duda me había encontrado con mi alma gemela.

Decir Morphine es decir Mark Sandman, es un ejemplo típico de cantante o "frontman", como dicen los anglosajones, que fagocita al resto de la banda. La personalidad de Sandman, su azarosa existencia, y sobre todo su trágico final, han dado forma a una de las principales figuras de culto de la música en los últimos 25 años. Poco se sabe de los primeros años de vida de Mark Sandman, salvo que nace en 1952 y que tras finalizar sus estudios universitarios comienza a trabajar en un barco pesquero. Será a mediados de los años ochenta cuando comience la documentada relación de Sandman con el mundo de la música, durante esa etapa se afinca en Boston y entra a formar parte de una banda denominada Treat Her Right, una formación de raíces blues y con regusto punk, Sandman tocará la guitarra y coincidirá con un futuro miembro de Morphine, el batería Billy Conway. A lo largo de sus cinco años de existencia la banda consigue alumbrar tres discos de estudio y cosechar algún que otro éxito de repercusión local, al mismo tiempo, Sandman actúa de manera anárquica e independiente, colaborando con numerosos músicos, además de liderar nuevos proyectos, como Treat Her Orange, Supergroup, y sobre todo Hypnosonics; uno de esos proyectos tomará forma en 1990 bajo el nombre de Morphine. Sandman contará con los saxos de Dana Colley, que procedía de otra banda llamada Three Colors, y con las baquetas de Jerome Dupree en la primera formación de Morphine, desde el principio se muestran como una banda diferente, con una propuesta musical arriesgada y valiente: una batería, un saxo y un bajo, personalizado por Sandman y tocado con slide, nada más. El resultado de este experimento será un sonido áspero, grave, pero tremendamente seductor, una mezcla de jazz, con graves líneas de bajo que recuerdan al funk, y blues pantanoso, con unas letras cercanas a la literatura beatnik, cargadas de poesía sucia, que aluden a experiencias con psicotrópicos y a situaciones tormentosas, interpretadas por la voz cavernosa de un Mark Sandman en estado de gracia; el eslabón perdido entre Iggy Pop y Nick Cave. De este modo, Morphine debuta en 1991 con un disco titulado "Good", como curiosidad hay que señalar que a mitad de la grabación del primer álbum de la banda se produce un cambio de batería, y Billy Conway, con quien Sandman había coincidido en Treat Her Right, pasará a hacerse cargo de las baquetas. "Good" ve la luz en el sello independiente Accurate / Distortion (más tarde sería reeditado en Rykodisc, en 1992) y sorprende a propios y a extraños, nadie había oído algo parecido, su refrescante originalidad le allana el terreno y le hace un hueco en casi todas las emisoras de radio, las críticas de la prensa especializada se deshacen en elogios hacia el debut de Morphine y pronto llegará el contrato con Rykodisc.

En 1993 Morphine graba su segundo trabajo, "Cure For Pain", el disco que contribuirá a consagrar al trío de Boston, una de las obras maestras de la música en estos últimos años. El éxito de "Cure For Pain" será tremendo, Morphine se convierte en la banda de moda, constantes apariciones en la televisión, vídeos en la MTV, y en plena efervescencia de los festivales de verano, serán objeto de deseo de todos los promotores de conciertos. La salida del disco lleva aparejada una intensa promoción y una interminable gira por Europa, finalmente se venden 300.000 copias del "Cure For Pain", unas cifras apabullantes para un sello como Rykodisc y para una banda tan personal e inclasificable como la de Boston. "Yes" será el sucesor de "Cure For Pain", un disco esperadísimo por la crítica internacional que había quedado atrapada por la hechizo hipnotizador del segundo disco de Morphine, corre el año 1995 y la banda ya se encuentra plenamente afianzada en la escena mundial. Con su tercer álbum la banda de Boston busca un sonido más accesible, pero sin perder la marcada personalidad de la que hacían gala sus predecesores, la propuesta sigue siendo la misma, aunque con matices que contribuyen a suavizarla para hacerla menos indigesta ante la maquinaria del mainstream; se trata de un disco lleno de instantes brillantes, aunque un peldaño por debajo de "Cure For Pain". Dreamworks (sello que más tarde sería comprado por Universal) echa sus redes sobre Morphine y en el año 1997 edita su cuarto disco de estudio, "Like Swimming", Sandman y los suyos no parecen sentirse del todo a gusto trabajando para una potente discográfica y firman su disco más flojo, no se trata de un disco malo, pero evidentemente pierde enteros si lo comparamos con trabajos de la talla de "Cure For Pain" o "Yes". Los temas del cuarto disco de Morphine han perdido la intensidad de la que hacían gala los mejores temas de sus anteriores discos, la fórmula, aunque sigue convenciendo, ha dejado de resultar original e incluso parece generar cierto hastío en sus creadores. Sandman es consciente de que la banda necesita dar un paso más allá, que necesitan dar forma a un disco que esté, como mínimo, a la altura de "Cure For Pain" y que suponga un punto de inflexión en la carrera de Morphine, de modo que se embarca en un proceso creativo de enorme intensidad que hará mella en la salud del bajista y cantante. También en 1997, Rykodisc aprovecha para apurar las migajas del pastel de Morphine, sacando al mercado un disco que recoge las caras B's y rarezas que la banda creó bajo su auspicio, su título "B-Sides & Otherwise". A comienzos de 1999 Morphine se encierra en el estudio para grabar su quinto disco, Jerome Dupree regresa a la banda, pero no lo hace para suplir a nadie, sino para enriquecer a la formación, que pasará así a contar con cuatro miembros. Sandman sigue perfeccionando los temas del último disco, al que deciden llamar "The Night", al mismo tiempo que comienza una intensa gira para la banda que les llevará, entre otros países, a Italia. El 3 de julio de 1999, Morphine toca en directo en los "Giardini del Príncipe" en Palestrina, a escasos kilómetros de Roma, en el festival Nel Nome del Rock, en medio de la actuación, y ante el estupor de todos los presentes, Mark Sandman se desploma, instantes más tarde fallece de ataque al corazón, tenía 47 años.

Aquella noche todo cambió, el pasado, el presente y el futuro de Morphine se fueron al traste como un castillo de naipes. La conmoción en la escena musical internacional fue absoluta, Sandman, azote de los críticos y periodistas por su difícil carácter en las entrevistas, había fallecido en lo más álgido de su carrera, justo cuando había colocado a Morphine entre los grandes de finales de los años noventa y cuando había dado forma a un nuevo disco, del que se sentía muy orgulloso. En ese momento Morphine se disuelve, ya no tenía sentido continuar sin la persona que había liderado este proyecto desde su nacimiento, aquel que era responsable de la práctica totalidad de los temas de la banda, un artista diferente y carismático con una personalidad única. Con la llegada de la nueva centuria, Dreamworks decide editar el disco póstumo de Morphine, el testamento sonoro de Mark Sandman, de este modo "The Night" verá la luz en 2000, al mismo tiempo que Rykodisc pone en el mercado un directo oficial de la banda, titulado "Bootleg Detroit", ¿casualidad u oportunismo? Sea como fuere, Colley y Conway se embarcan en nuevos proyectos, el primero de ellos será Orchestra Morphine, con el que junto a varios amigos de Sandman contribuyen a mantener vivo el espíritu del desaparecido músico, y sobre todo a sentar las bases del Mark Sandman Music Education Fund, creado en apoyo al sistema público de enseñanza musical de Cambridge, Massachussets. Otro proyecto que ha intentado retomar la propuesta de Morphine ha sido Twinemen, que cuenta con Colley, Conway y Laurie Sargent, además los dos componentes de Morphine han creado un sello llamado Hi-n-Dry, en el que han editado una caja bajo el título "Sandbox", que contiene material grabado por Mark Sandman, entrevistas, actuaciones en directo, etc. En 2006 Dana Colley formó la banda A.K.A.C.O.D., con quienes ha grabado un disco en 2008 titulado "Happiness".

"Cure For Pain" es la piedra angular de la propuesta musical de Morphine, su disco más brillante. Es un álbum que te atrapa desde el primer tema, un disco que te engulle sin que puedas remediarlo y te sumerge en un mundo desconocido, donde los instrumentos han mutado y no suenan como solían hacerlo, y los cantantes tienen una extraña e hipnótica voz, a medio camino entre un crooner y un actor de doblaje. ¿A qué demonios suena Morphine? es complicado describirlo, en cierta ocasión un crítico musical le preguntó a Sandman qué tipo de música hacía la banda, el enigmático cantante afirmó: "low rock". Objetivamente podríamos afirmar que el ideario musical de Mark Sandman bebe del jazz y del blues fundamentalmente, aunque sin desdeñar aspectos del rock'n'roll más clásico, el rock independiente americano de los años ochenta, la psicodelia e incluso el funk. Lo que hace verdaderamente único el sonido de Morphine es su bajo, instrumento omnipresente en todos los temas de la banda, el bajo de Sandman es un instrumento de fabricación casera, se trata de un bajo eléctrico despojado de dos de sus cuerdas, las dos existentes están tensadas de manera que emiten la misma nota, y la mayoría de las notas están ejecutadas con un slide, el resultado es lo que el propio Sandman define como "two-string slide bass". Uno de los momentos más brillantes del "two-string slide bass" es el comienzo del tema "Buena", incluido en "Cure For Pain", una de las mejores composiciones de Sandman. Pero el segundo disco de Morphine cuenta con otros grandes momentos, con temas como "I'm Free Now", "All Wrong", "Candy", "Let's Take A Trip Together", o "Sheila", por citar alguno de los clasicos que componen este disco. Las atmósferas que son capaces de crear Sandman con su bajo y Colley con su saxo son sorprendentes, caminan constantemente por el filo de la navaja, nos sugieren ambientes ácidos donde se desatan las más bajas pasiones, y al mismo tiempo nos transmiten una melancolía encubierta, fruto del placer que en ocasiones obtenemos cuando lamemos nuestras propias heridas. Siempre se ha establecido una evidente analogía entre las letras que Sandman escribe para Morphine y la literatura de la generación beat, este hecho se hace patente cuando escuchamos las canciones de la banda, en las que el sexo, las drogas y el rechazo a un modo de vida convencional, entroncado con el "american way of life", es más que evidente; las letras de Sandman son poéticas y sucias al mismo tiempo, evocadoras y oscuras, seductoras y crueles, son, en suma, el complemento perfecto a la música de Morphine. "Cure For Pain" es el gran disco de Morphine, el trabajo en el que encontramos a un trío que funciona como una maquinaria perfectamente engrasada, hasta el punto de que en ocasiones nos cuesta creer que en algunas canciones sólo intervengan tres músicos, es un album en el que se percibe perfectamente la libertad creativa de unos músicos que se encuentran en su mejor momento, un disco con pasajes innovadores que permanecerá para siempre entre las grandes grabaciones del siglo XX.

Es evidente que "Cure For Pain" es un disco que no guarda muchas similitudes sonoras con los álbumes que suelen asomarse por este blog, es una grabación dura, densa, áspera, pero tampoco todos los días de lluvia son iguales, de modo que he querido ver en Morphine el vigor de la tormenta y la inquietud provocada por sus poderosos rayos y truenos; quizás me equivoque, pero pienso que "Cure For Pain" es un disco perfecto para disfrutar de las repentinas tormentas de verano. En cuanto a los extras, he seleccionado cuatro enlaces, el primero de ellos a una completa biografía de Mark Sandman aparecida en The Boston Phoenix, en cuanto al segundo link, os conducirá a una página web dedicada a Morphine llamada The Other Side (que toma su nombre de un tema de la banda incluído en su primer disco, "Good"), he querido completar los enlaces con una entrevista realizada a la banda en Mondosonoro, y por último con un fantástico, y recomendadísimo, especia que Ruta 66 dedicó al trío de Boston en octubre de 1999. En cuanto al vídeo, me he decantado por una actuación en directo de Morphine para la televisión francesa, en la que interpretan dos temas, "All Wrong", incluido en "Cure For Pain", y "Whisper", de su tercer disco, "Yes". Espero que os guste.



BIOGRAFÍA DE MARK SANDMAN EN THE BOSTON PHOENIX

THE OTHER SIDE

ENTREVISTA A MORPHINE EN MONDOSONORO

ESPECIAL MORPHINE EN RUTA 66




MORPHINE- CURE FOR PAIN

Gilberto Gil & Jorge Ben- Gil e Jorge. Ogum Xango (1975)

Muchas veces mantengo conversaciones como ésta con mi sentido común:

- Sentido Común: Otro disco de música brasileña ¿estás loco? Pero si el último que recomendaste tuvo dos o tres comentarios, entre ellos el de una persona que se interesaba por la inclusión de un tema de Celso Fonseca en la banda sonora de un culebrón televisivo…

- El pobre y terco Binguero: Pero éste no es un disco de samba, ni de bossa, ni siquiera tengo claro que se trate de música brasileña propiamente dicha, éste es un disco diferente, es pura magia.

-Sentido Común: ¿Pura magia? Luego no me vengas llorando, no quiero volver a escuchar aquello de –me he equivocado- La música brasileña no ha cuajado en este blog y punto, ya hay muchas otras bitácoras dedicadas a estos sonidos.

- El pobre y terco Binguero: Las hay, y muy buenas. Yo simplemente quiero abrir los horizontes sonoros de este blog, es lo que me propuse desde el principio y voy a ser fiel a esa filosofía.

- Sentido Común: Hablas como un cultureta, o peor aún, como un snob. Al final siempre te sales con la tuya, así que haz lo que te dé la gana, pero que conste que, como tantas otras veces, te lo advertí

Sí, lo he vuelto a hacer, he hecho oídos sordos a los dictados de mi sentido común y vuelvo a proponer un disco “made in Brazil”. En esta ocasión he elegido un disco único (¡te estoy oyendo Sentido Común!), una colaboración histórica entre dos gigantes de la música brasileña: Gilberto Gil y Jorge Ben. Dos hombres muy distintos que se encontraron en uno de los momentos más dulces de sus respectivas carreras, consiguiendo crear una atmósfera irrepetible que serviría para gestar una verdadera joya, un disco que sigue manteniendo el tipo ante el envite de los años, un trabajo de una calidad vocal que se encuentra al alcance de muy pocos artistas, y de una inspiración casi supraterrenal. “Gil e Jorge” es uno de mis discos favoritos, lo fue casi desde el mismo instante en que escuché los primeros compases de “Meu Glorioso Sao Cristovao” y fui consciente de que me encontraba ante algo totalmente diferente de cuanto había escuchado hasta ese momento. Pero antes de hablar de las canciones que componen este maravilloso disco, repasemos brevemente el currículum de sus responsables, dos músicos tan brillantes como dispares.

Gilberto Gil es hoy en día el brillante Ministro de Cultura del brasileño gobierno de Lula, una figura que goza de reconocimiento no sólo en su país, sino a nivel global, una figura respetada. Pero los comienzos de Gilberto Gil no fueron precisamente fáciles. Su relación con la música comienza cuando contaba tan sólo con ocho años, será cuando aprenda a tocar el acordeón seducido por los cantantes callejeros que hipnotizaban al niño Gilberto en los mercados y en las calles de su Salvador de Bahia natal. Con el paso del tiempo se fue acercando a la música de manera más profesional, hasta el punto de formar parte de un grupo, se trataba de Os Desafinados, en aquella época Gilberto Gil era tan sólo un estudiante. Pero de repente, escuchando la radio, se encontró con algo que iba a cambiar su vida, un nuevo sonido llamado Bossa Nova y que combinaba elementos de la música popular brasileña con el jazz provinente de los ingratos vecinos del Norte, su mayor representante, un cantante llamado Joao Gilberto (ahórrate las ironías Sentido Común…). El joven Gilberto no tardaría en comprarse una guitarra para dedicarse en cuerpo y alma a cantar y a tocar bossa nova. En los comienzos de los años sesenta Gil componía canciones para anuncios publicitarios para la incipiente televisión brasileña, hasta que en 1964 empezó a trabajar en un show llamado “Nos Por Exemplo”, un programa en el que tenían cabida la bossa nova y la música popular y que dirigía un joven talentoso llamado Caetano Veloso. En el año 1965 decide mudarse a Sao Paolo, allí grabará con la cantante Elis Regina el que será su primer éxito “Louvaçao”, esta canción tuvo una enorme repercusión y colocó a Gilberto Gil en la onda de los jóvenes músicos brasileños que practicaban una suerte de canción protesta en la que se reivindicaban los derechos del pueblo, especialmente los de la siempre denostada población indígena, y en la que se volvía a las raíces de la música popular brasileña pero sin cerrarse a influencias externas como el rock, el pop o la recién nacida psicodelia; un movimiento que se denominó Tropicalia (también Tropicalismo) y del que Gil se convertiría en uno de sus principales representantes.

La controvertida propuesta musical de Gilberto Gil, así como su comprometida postura política, le acarreó más de un problema con el dictatorial régimen brasileño de la época, llegando a estar detenido en más de una ocasión, finalmente el músico se exilió a Gran Bretaña, huyendo de un entorno político e intelectual asfixiante para recalar en un país que, por aquel entonces, rebosaba libertad creativa. Los tres años que Gil pasó en Gran Bretaña fueron realmente enriquecedores, llegó a tocar con estrellas del momento como Pink Floyd o The Incredible String Band, se empapó de lo mejor de la cultura pop del momento y estuvo en contacto con la vanguardia intelectual y artística a nivel internacional. En 1972 regresó a Brasil y grabó uno de sus mejores trabajos “Expresso 2222”, durante los siguientes cinco años verán la luz sus discos más importantes y se embarcará en una inolvidable gira con tres monstruos: Maria Bethania, Caetano Veloso y Gal Costa; Gilberto Gil se encontraba en su mejor momento. A finales de los años setenta, Gil ya era una figura a nivel mundial y había firmado por una multinacional de conocido prestigio internacional, había realizado una exitosa gira por los USA y había tocado en los mejores festivales de jazz del planeta. Durante una de sus giras Gil formó equipo con el músico jamaicano Jimmy Cliff, ambos recorrieron juntos Brasil, corría 1980 y comenzaba el idilio de Gilberto Gil con el reggae; la versión que el músico brasileño hizo de “No Woman, No Cry” vendió 700.000 copias. La pasión de Gil hacia la música jamaicana le llevó a grabar un disco con los Wailers, “Raça Humana” (1984) e incluso a realizar un disco de versiones de Bob Marley, “Kaya N’Gan Daya” (2002). Durante los años ochenta la calidad de la producción musical de Gilberto Gil decreció de manera importante al tiempo que aumentaba su compromiso político, Gil se había convertido en una figura consagrada pero se mostraba incapaz de repetir la frescura de discos como “Gilberto Gil” (1971), “Expresso 2222” (1972), “Gil e Jorge” (1975) o “Refazenda” (1975). Con el tiempo nacería un político activo, que comenzaría su carrera en su natal Salvador de Bahia y que acabaría siendo Ministro de Cultura de Brasil; a pesar de su militancia, Gil ha intentado mantener viva su carrera como músico, de hecho no hace mucho que se le pudo ver girando por España, a pesar de no contar con la energía ni con el talento de antaño.

Jorge Ben tiene un perfil muy diferente al de Gilberto Gil, él no tuvo los problemas políticos que atenazaron a los tropicalistas, y aunque sí gozó de gran popularidad en su país, no tuvo el reconocimiento que artistas como Caetano o el propio Gil tuvieron más allá de sus fronteras. A pesar de las diferencias, Gil y Jorge Ben tienen un nexo común en su despertar artístico, y ese nexo tiene nombre y apellidos: Joao Gilberto. Nacido en Rio de Janeiro, Jorge Ben decide dedicarse a la música tras escuchar las populares tonadas del maestro Joao Gilberto, pero se encuentra con un problema, la tremenda complejidad que esconde la aparente sencillez de la técnica de la bossa nova. Lejos de desesperarse ante las dificultades, Jorge Ben decide crear su propia técnica, y lo hará tocando la guitarra como si se tratase de un bajo; así es como consigue el particular sonido de sus primeros éxitos, entre ellos el célebre “Mas Que Nada”, uno de los hits brasileños más reinterpretados y que este joven carioca escribió con tan sólo 23 años. Durante la dictadura militar que se estableció en el país en los años sesenta, Jorge Ben no tuvo excesivos problemas para actuar o para grabar sus discos, y eso que la suya era una propuesta novedosa que realizaba una relectura de la bossa y que introducía pinceladas de estilos negros como el soul, pero evidentemente el compromiso político de Ben no era equiparable al de Caetano o al de Gilberto Gil, por lo que el régimen no lo interpretaba como una amenaza. Entre 1963 y 1976 Jorge Ben graba ocho discos de una enorme calidad, ocho magníficos trabajos en los que el swing, el soul y la música brasileña conviven en perfecta armonía, ocho grabaciones en las que se pueden encontrar trallazos bailables, maravillosas baladas y composiciones de una inspiración y una frescura inigualable en la bossa de su tiempo; títulos como “Samba Esquema Novo” (1963), “O Bidú” (1964), Jorge Ben (1969), “Força Bruta” (1970) o “Africa Brasil” (1976) son de escucha obligatoria. Jorge Ben se convierte en una figura muy popular en Brasil, un músico apreciado y reconocido, al mismo tiempo su música evoluciona y se muestra cada vez más influída por los sonidos africanos y por el funk. En 1989 verá la luz su disco “Benjor” a la vez que anuncia que va a cambiar su apellido, alargándolo y convirtiéndolo precisamente en Benjor, Jorge Benjor; su acercamiento a la música africana es ya evidente y empieza a colaborar con músicos del continente negro como el nigeriano King Sunny Ade. Durante los últimos años la figura de Jorge Ben ha sido objeto de una reivindicación, pudiendo hablar casi de un redescubrimiento por parte de países como los USA, donde durante los años sesenta y setenta fue casi ignorado, parte de la responsabilidad de esta nueva visión de Jorge Ben la tiene David Byrne, declarado admirador del carioca.

Nuestros dos hombres se encuentran en 1975, cuando se les encarga la grabación de un disco conjunto. Ambos se hallan en la cima de su creatividad y rebosan talento a raudales, de hecho mantienen una cierta rivalidad debido a su éxito, lo cual no hace sino aumentar las expectativas ante la que será la primera y la única grabación que realizarán juntos. La idea no puede ser más simple, se trata de realizar un disco donde prime la improvisación, que cuente únicamente con las guitarras de Gilberto Gil y Jorge Ben, un bajo, el de Wagner, y la correspondiente percusión, que correría a cargo de Djalma Correa. Los temas irán fluyendo como si de una jam session se tratara, para ello se elegirán varios éxitos de ambos músicos: cuatro de Jorge Ben, tres de Gilberto Gil y un tema de autoría compartida. El disco se grabará en una sola noche, intentando recoger la magia y el carácter irrepetible de las sesiones improvisadas en lo que es un verdadero homenaje a la música popular, a su forma de desarrollarse y de interpretarse, con una sola toma y sin ningún tipo de mezclas. La estructura de las canciones funciona a modo de diálogo entre ambos músicos, y la intensidad de las interpretaciones va en aumento, en función de la capacidad de improvisación del momento. Gilberto Gil muestra una valentía inédita en cualquiera de sus grabaciones posteriores, y se lanza a la improvisación más absoluta sin reprimir ningún tipo de sonido salido de su garganta y demostrando que es un verdadero maestro del falsete y un conocedor de la técnica del scat. Jorge Ben no se queda atrás, de hecho en muchos de los temas es él quien maneja el timón sin miedo y con una energía que por momentos parece sobrenatural teniendo en cuenta que algunas de las canciones superan los diez minutos y que están grabadas en directo, sin ninguna manipulación de estudio, sin postproducción. Es difícil encontrar calificativos estilísticos para referirse a este disco, a veces tenemos la sensación de estar ante un disco de bossa nova, otras parece acercarse al funky, en ocasiones nos recuerda al jazz, e incluso encontramos retazos de psicodelia en algunos de sus momentos más álgidos. Sin duda es un disco que rinde homenaje a una forma de entender la música basada en las raíces, en la tradición, en el sustrato popular del arte; el disco lleva por título “Gil e Jorge”, aunque no en vano también se le conoce como “Ogum Xango” (Dioses u Orixas de la guerra y la justicia respectivamente) en clara alusión a la cultura negra brasileña de origen africano, toda una declaración de principios. Entre los mejores momentos del disco, yo destacaría personalmente el arranque del mismo, la maravillosa “Meu Glorioso Sao Cristovao”, donde el nivel vocal de Gilberto Gil y Jorge Ben es apabullante; “Jurubeba”, en la que ambos músicos se divierten improvisando con las sílabas de esta mágica palabra; y la tremenda “Taj Mahal”, un tema que supera los catorce minutos, una canción compuesta por Jorge Ben y que tuvo que defender en los tribunales ante el mismísimo Rod Stewart, quien le acusó de haberle plagiado su célebre “Do You Think I’m Sexy?” (realmente son calcadas en su estribillo), finalmente el carioca salió victorioso de la contienda y se le reconoció legalmente la autoría del tema. También hay que prestar una atención especial a la interpretación de “Filhos de Gandhi”, donde el duelo de voces entre Gilberto Gil y Jorge Ben es inolvidable.

Bueno, ¿qué te parece Sentido Común? Me he saltado a la torera todas tus recomendaciones, no sólo repito un probable fracaso con un nuevo disco brasileño, sino que además acabo de redactar la entrada más larga de cuantas hay hasta el momento en este blog, burlándome así de esas recomendaciones que aseguran que el tope de caracteres de un escrito en internet debe estar en torno a los 1.500. Sinceramente nada de eso me importa, acabo de hablar de un disco que me apasiona y realmente he disfrutado como nunca redactando esta entrada, sólo me queda esperar que a vosotros, visitantes de este humilde blog, os enganche este disco como me enganchó a mí la primera vez que lo escuché, o por lo menos que le deis una oportunidad y os perdáis en su mágica sencillez durante los casi ochenta minutos que dura. Como extras, os dejo dos enlaces, poca cosa ya que se trata de las respectivas páginas web oficiales de ambos artistas, y os dejo en este caso (para coronar así el post más largo de la historia de los blogs) dos videos, uno por cada músico, que recoge a Gilberto Gil y a Jorge Ben en dos de los mejores momentos de sus carreras, interpretando dos temas de una gran calidad. Queridos visitantes, queridísimo Sentido Común, eso es todo, simplemente espero que hayáis aguantado toda esta parrafada de fan declarado e irredento y, por supuesto, deseo que os guste este inolvidable “Gil e Jorge”.

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GILBERTO GIL & JORGE BEN- GIL E JORGE. OGUM XANGO

Melingo- Maldito Tango (2008)

Cuando la primera entrada irrumpió en este blog yo me empeñé en recalcar que esta bitácora nacía como una criatura libre de prejuicios, recuerdo que anuncié que éste no era un blog de estilo, es decir que no se iba a dedicar en exclusiva al blues, al jazz ni al cante jondo, sino que iba a centrarse en la música, sin conceder importancia a las etiquetas. La verdad es que me gustaría renovar mis votos al respecto, y lo voy a hacer presentándoos un disco diferente a todos los que hasta la fecha se han asomado a este blog, el último trabajo del personal cantante de tango Melingo. Lamentablemente me encuentro con un inconveniente, mi desconocimiento absoluto sobre el tango, su música y su filosofía, hecho que hace que me tiemblen las piernas al acercarme a una cuestión tan seria, la cual me infunde muchísimo respeto. Es por ello que he elegido a una de mis mejores amigas para que os hable del tema, Wikipedia; haciendo click aquí encontraréis un completísimo artículo sobre el tango, su historia y peculiaridades, que os servirá de introducción perfecta a esta entrada.

A mí no sé si me gusta el tango, pero sí que sé, perfectamente, que me gusta Melingo. Supongo que, como ocurre con aquellos artistas que partiendo de un estilo de fuertes raíces tradicionales plantean una relectura o una revisión del mismo, para muchos puristas lo que hace Melingo no será tango, sinceramente, yo no me planteo este tipo de cuestiones, ese trabajo tan ingrato se lo dejo a los expertos. A mí me gusta este bonaerense porque me encanta que me cuenten historias, y escuchar una canción de Melingo es sumergirse en verdaderos relatos donde no faltan las infidelidades, el desamor, los crímenes, la soledad... Sus canciones están repletas de imágenes, su prosa es muy visual, hasta el punto de que no cuesta trabajo imaginarnos las tramas con escenarios y actores, como si de una película se tratase. Pocos músicos son capaces de sugerir tanto, por eso me gusta.

Daniel Melingo nace en Parque Patricios, un barrio de Buenos Aires, en el año 1957. Además de poseer una voz con un timbre muy personal, Melingo es multiinstrumentista, toca el saxofón, la guitarra y el clarinete, y goza de una larga e interesante carrera profesional, tanto formando parte de distintas bandas, como en solitario. Con tan sólo 18 años, Melingo pasó a formar parte de la banda que acompañaba a Milton Nascimento, una figura fundamental en la historia de la música brasileña, con quien estaría hasta 1980, año en que se embarcaría en una mítica banda argentina llamada Los Abuelos de la Nada, allí tocaría el saxo compartiendo plantel con músicos como Miguel Abuelo, Andrés Calamaro, Gustavo Bazterrica y Polo Corbella. En 1982 funda con Pipo Cipolatti Los Twist, una banda orientada hacia sonidos de corte rockabilly y de letras irreverentes, durante un breve periodo, en 1984, Melingo compagina su militancia en Los Twist con la banda de Charly García, hasta que en 1987 se muda a España, donde no tardará en formar otra banda, Lions in Love, con quienes grabaría dos discos. Pero será ya entrada la década de los 90's, cuando Melingo emprenda su carrera en solitario, y lo hará formando su propia banda, con la que dará a luz su primer trabajo como solista, "H2O" (1996), un disco en el que predominan los ritmos próximos al reggae y al funk. En 1997 Melingo se implica en un nuevo proyecto, en este caso se encargará de presentar y conducir un programa televisivo titulado "Mala Yunta" para el canal de televisión argentino Sólo Tango, Melingo invitará a distintos músicos cercanos al rock, a los que les propondrá interpretar tangos. A partir de entonces se produce una mutación en la carrera de este músico, que pasa de ser un rockero interesado en el tango, a ser un tanguista enloquecido de perfil único e inimitable. He encontrado una reseña del disco "Maldito Tango", en la que Rémy Kolpa Kopoul define a Melingo así: "¿Cuál es la receta de Melingo el Magnífico? Pues cogemos una pizca de Roberto Goyeneche "El polaco", este tanguero febril (tan agudo él), la mezclamos con Nick Cave (la semilla negra del underground), Tom Waits (con su lado arty), añadimos un poco de Gainsbourg, y combinando todas esas voces roncas y profundas y las pintas de bohemios obtendremos un esbozo de este diablo de Melingo, un viejo canalla no tan viejo pero muy pícaro." ; sin duda es una descripción muy acertada.

Podemos decir que Melingo se crea a sí mismo, inventa un personaje, el de un tanguista bohemio y anacrónico, un personaje irreverente y canalla, de esos que nos llegan al corazón. A pesar de que Melingo canta en castellano, es evidente que quienes, como yo, no estéis familiarizados con el tango, os vais a encontrar con más de un problema de comprensión, ya que la lengua del tango es el lunfardo, un complejo argot que dota al tango de expresiones maravillosa y extrañamente hermosas. Volviendo a la carrera de Melingo, hay que señalar que a su primer album le han seguido cuatro más: "Tangos Bajos" (1999), "Ufa "(2003), "Santa Milonga" (2005) y, el más reciente, "Maldito Tango" (2008). En sus discos Melingo canta temas propios y también versiones, además musica poemas de escritores como Lorca, pocas cosas se le ponen por delante a este gallardo porteño, que incluso es ganador de un premio Goya a la mejor canción original (por su tema "Pequeño Paria", incluído en la película "El Niño de Barro" de Jorge Algora, realizada en 2007; canción que encontraréis además en este disco). En cuanto al disco "Maldito Tango", os sugiero que leáis la reseña que os comentaba anteriormente, realizada por Rémy Kolpa Kopoul, sólo tenéis que hacer click aquí. Por mi parte os recomiendo que no os perdáis temas como el que abre el disco, "En un Bondi Color Humo", verdadero cine negro con envoltorio de tango, "A lo Magdalena", que recuerda a alguna de las trágicas composiciones del cubano Miguel Matamoros (me viene a la cabeza un tema brutal titulado "La Cocainómana"), "Cuando la Tarde se Inclina", auténtico costumbrismo porteño, y el último corte, "Eco il Mondo", una maravilla de 12 minutos que tiene mucho de improvisación y genialidad. También me gustaría llamar la atención acerca de la cuidada edición del disco, que corre a cargo del sello francés Mañana, cuyo responsable es otro argentino, el componente de Gotan Project Eduardo Makaroff. Se trata de un elegante formato en cartón con el interior troquelado creando efecto de relieve, realmente original, así da gusto comprar discos.

Sin más os dejo con el disco de Melingo, invitándoos a que os sumerjáis, sin miedo, en aguas que, a muchos de vosotros, os resultarán desconocidas, pero antes os dejo, como siempre, unos enlaces de regalo. El primero de ellos os llevará a un practiquísimo diccionario on line de lunfardo, para que este peculiar argot no tenga secretos para vosotros, el segundo os conducirá a la página web Todo Tango, donde podréis profundizar en la historia de esta música, el tercer enlace corresponde a la página web oficial de Melingo, y el último de ellos os brinda la oportunidad de disfrutar de una entrevista realizada a Melingo por el diario argentino Página 12, el 15 de septiembre de 2004. Y además, esta vez sí, un vídeo, en el que el propio Melingo presenta su último disco hasta la fecha, "Maldito Tango". Espero que os guste.

DICCIONARIO LUNFARDO

TODO TANGO

PÁGINA WEB OFICIAL DE MELINGO

ENTREVISTA A MELINGO EN PÁGINA 12







MELINGO- MALDITO TANGO

Abraham Boba- S / T (2007)

Hoy llueve en español, y creo que es la primera vez que este inusual fenómeno meteorológico se produce en este blog. ¿Os habéis parado a pensar lo difícil que es componer en la tercera lengua más hablada del mundo? Es difícil no caer en lugares comunes, en tópicos, es complicado dominar aspectos como la métrica de este enrevesado idioma o evitar las consabidas rimas en infinitivos, a toda esta ingrata tarea hay que añadir además que tu mensaje lo pueden entender 400 millones de personas en todo el mundo, a muchas de ellas se la trae al pairo lo que signifiquen las letras de Beyoncé, pero a ti, querido hispanohablante no te van a pasar ni una. Quizás sean todos estos obstáculos los responsables de que no abunden en la actualidad letristas de calidad en la música española, salvo honrosas excepciones la mayoría de las canciones en español que escuchamos en la radio nos obligan a taparnos los oídos para no sonrojarnos ante sus mensajes y proclamas. El español ha quedado relegado al folklore más rancio, al pop de radiofórmula, a los impostores ritmos latinos, al reggaeton y al incipiente rap patrio; terrenos en los que la lengua de don Miguel de Cervantes se siente cómoda, ya que no se le exige mucho y goza de gran repercusión mediática. Hay que tenerlos muy bien puestos para intentar hacer una música creativa y diferente en este país y además hacerla en español, por eso admiro a gente como Abraham Boba, capaz de todo eso y mucho más.

David Cobas nace en Vigo, aunque musicalmente hablando se le puede considerar barcelonés, es un joven veterano de la escena musical española que ha formado parte de dos bandas antes de emprender su carrera en solitario, se trata de Tedium, con la que grabó un disco, y Belmonde, con quienes editó dos trabajos. Compositor, arreglista y letrista, David ha ido dando forma poco a poco a un peculiar alter ego, Abraham Boba, un original nombre de guerra con el que comenzó en 2007 un nuevo proyecto, y cuyo primer fruto es el disco que podéis encontrar aquí. Abraham Boba se destapa como un observador crítico de la sociedad que le ha tocado vivir, un enemigo de la autocomplacencia, del conformismo y del aborregamiento, patologías muy extendidas entre los humanos de hoy en día. Sus letras destilan una calidad poco frecuente en la música española, alternando momentos de un gran calado narrativo, próximos al surrealismo, con pinceladas costumbristas y momentos de crítica o reflexión social. Es difícil clasificar a una "rara avis" como Abraham Boba, su música puede sonarnos a muchas cosas, es evidente que detectamos ciertas influencias, pero quizás el hecho de elegir el español como lengua a la hora de componer hace que se diluyan y que le dote de una gran personalidad. Sin duda alguna ha mamado de los grandes crooners de nuestro tiempo, como Nick Cave o Tom Waits, tiene las inquietudes sociales de Ray Davies, admira la chanson francesa y los ambientes mediterráneos, probablemente ha estado enganchado a Serge Gainsbourg, a Lee Hazlewood, a Leonard Cohen o a Nick Drake, puede que incluso a Henri Salvador o a Nino Rota, también a Erik Satie; pero esto no son más que meros indicios de lo que podemos encontrar en sus composiciones, escasas pistas para resolver uno de los secretos mejor guardados de la música de este país.

El debut discográfico de Abraham Boba tiene apenas un año y es un trabajo sorprendente de principio a fin. El disco fue producido por Abraham Boba junto con Michel Martín y David López y se grabó a la antigua usanza, es decir en directo, sin mezclas de ninguna clase, con Pablo Magariños a la batería y percusiones, Ricardo Díaz al contrabajo y bajo eléctrico, y el propio Abraham Boba a los teclados. En la sección de cuerdas figuran Úrsula Martín y Suso Moreno, y en los coros Coqué Azcona, quien se encargó además del diseño del disco. Como invitados especiales hay que destacar las colaboraciones de Ambrus Horváth a la trompeta y Nacho Mastretta al clarinete. Es un trabajo arriesgado en el que el swing y el jazz se mezclan con el pop y flirtean con la chanson en un escenario cabaretero, está impregnado de una atmósfera intimista y honesta, de ambientes tranquilos y cálidos. Se compone de diez temas, de entre los cuales sobresalen cuatro que justifican por sí mismos la compra del disco, me refiero a "Fuga de Alcatraz", "Las Hermanas Sánchez", "Signos de Admiración" y "Las Masas"; creedme, estos cuatro temas están entre lo mejorcito de cuanto se ha escrito jamás en la música cantada en español. "Fuga de Alcatraz" es una verdadera maravilla, un regalo para los sentidos envuelto en sutiles arreglos de piano y cuerda y con unas voces de una elegancia inusual, la manera perfecta de empezar un disco. "Las Hermanas Sánchez" es el tema más surrealista del disco, una intrigante historia narrada de forma magistral en poco más de dos minutos y medio que evoca los relatos de Boris Vian, también detectamos influencias literarias en "Signos de Admiración" que, es una opinión personal, nos traslada a los turbios escenarios conyugales de Raymond Carver. Y en cuanto a "Las Masas", se puede decir que es una brutal e inteligentísima crítica a la adocenada sociedad actual, reflexión a ritmo de trompeta y piano sobre el estereotipado ser humano, con una letra impagable Abraham Boba es capaz de dar donde más duele, con una precisión de la que carece cualquier grupo punk pone el dedo en la llaga sin reivindicar evidencias, una fotografía descarnada sin recurrir a los tópicos, ni en la letra, ni en lo musical. El resto de los temas están también a un nivel muy alto, como muestran "Tirada Nacional", "Jornadas Cabalísticas" o "Turista Feliz", pero las cuatro canciones señaladas son sin duda mi debilidad. Actualmente Abraham Boba reside en Madrid y está a punto de sacar al mercado su segundo disco, que llevará por título "La Educación", el cual esperamos ansiosamente.

Si después de todo esto no os morís de ganas por escuchar el debut de Abraham Boba, os dejo unos cuantos enlaces que certifican que no estoy exagerando, y que además os permitirán conocer un poquito más acerca de este interesante músico. El primer enlace os conducirá a la página dedicada a Abraham Boba en la web de Limbo Starr Records (echad un vistazo al dossier de prensa que está muy completo), donde además podéis comprar el disco, el segundo enlace es el del Myspace del propio Abraham Boba, el tercero recoge una amplia reseña de Abraham Boba en el suplemento cultural del diario El País, Babelia, y en el último de los enlaces encontraréis una entrevista a Abraham Boba en la web Festivales de Pop. Y cómo no, un video magnífico del tema "Fuga de Alcatraz" para que vayáis abriendo boca. Espero que os guste.





PÁGINA DEDICADA A ABRAHAM BOBA EN LIMBO STARR RECORDS

MYSPACE DE ABRAHAM BOBA

ABRAHAM BOBA EN BABELIA

ENTREVISTA A ABRAHAM BOBA EN FESTIVALESDEPOP.COM


ABRAHAM BOBA- S / T

Miles Davis- Ascenseur Pour L'échafaud (1958)

Hoy vamos al cine, y lo hacemos de la mano de dos monstruos: Louis Malle y Miles Davis. "Ascensor para el cadalso" es la película que consagró a Malle como director, la historia que provocó el nacimiento de un mito de la pantalla como Jeanne Moureau y la música que abrió las puertas de Europa de par en par a otra leyenda: Miles Davis. La relación entre Miles Davis y esta película comienza en 1957 y nos la cuenta perfectamente Jesús Villalba en la página web de Jazz Granada, os dejo con sus palabras:

"Miles Davis en Paris. Diciembre de 1957.

En invierno de 1957 Miles Davis había sido contratado por Marcel Romano, promotor del Club Saint-Germain , para una gira europea de tres semanas que no tuvo el éxito esperado y de la que solamente se concretaron tres actuaciones en Bruselas, Amsterdam y Stutgart, además de las tres anunciadas en Paris. Gracias a esta circunstancia Miles pudo tener suficiente tiempo para conocer a los intelectuales y estrellas francesas de moda, como Jean-Paul Sartre y Simone de Beauvoir o Boris Vian y su mujer, Juliette Greco -con la que mantuvo un tórrido romance-, y de vivir, de forma intensa, las noches parisinas. El trompetista norteamericano llegó solo a Paris, sin sus músicos habituales: el maravilloso quinteto integrado por John Coltrane, Red Garland, Paul Chambers y Philly Jones. Por lo que Miles seleccionó músicos jóvenes sin gran experiencia en los clubes de jazz de la ciudad – aparte de Kenny Clarke, baterista obligado para todos los músicos americanos que pasaban por Paris -, el pianista René Urtreger, el contrabajista Pierre Michelot y el saxofonista Barney Wilen, conformando un grupo que, en tan sólo tres semanas, habría de encontrar un lugar destacado en la historia del jazz.

René Urtreger recuerda su primer encuentro con Davis: << Yo tenía un póster de Miles en mi habitación. La primera vez que nos vimos, estaba tocando con un trío en algún club de Montparnasse. Recuerdo que era un lugar frío y con poca luz. Miles apareció en la penumbra del local. Hacía tanto frío que se quedó con su abrigo puesto junto a la barra, daban escalofríos. Un poco más tarde sacó su trompeta y comenzó a tocar con nosotros >>. Jean-Claude Rappeneau, jefe del equipo técnico de Romano, trabajaba también con un joven director aficionado al jazz, Louis Malle, que acababa de terminar el rodaje de su primera película: Ascenseur pour l´échafaud, y tuvo la feliz idea de poner a ambos en contacto para que estudiaran la posibilidad de que Davis compusiera la banda sonora de la película. A Miles le gustó la idea de componer una banda sonora y aceptó el proyecto con la condición de tener un piano y un proyector de cine para visionar la película en la habitación de su hotel. Trabajó durante dos semanas de una manera relajada ante las imágenes, en condiciones próximas al cine mudo, cuando los pianistas de la salas de cine tenían la ocasión de acompañar e improvisar varias veces la misma película.

Louis Malle era perfectamente consciente del riesgo de esta tentativa, sin precedentes en la historia del cine hablado: << La música contribuyó al éxito de la película. Le dio su tono, una atmósfera, una especie de ambiente que la música de Davis mantiene hasta el final y que le da su unidad >>. La banda sonora se caracteriza por no tener un leit-motiv concreto, un tema estelar; un concepto totalmente revolucionario en la época, y por ser una de las partituras más densas y sugerentes de la historia del cine. Se graba en tan solo dos sesiones en los estudios de La Poste Parisien, las noches del 4 y 5 de diciembre de 1957. Unos días inolvidables para Jeanne Moureau, la joven y atractiva protagonista del filme que ameniza las grabaciones con su simpática presencia, y para un testigo de excepción: Boris Vian.

Nunca una música se había asociado a un largometraje de esta manera. Jamás la leyenda de un filme se había construido tanto alrededor de su banda sonora. La fuerza del filme, su originalidad, plagada de novedosas imágenes, su modernidad, su trascendencia por la música de Miles Davis, su asociación a la explosión de la Nouvelle Vague, hacen que Ascenseur pour l´échafaud sea un ejemplo raro, único, de un filme que nos descubre también, un universo poético que es la identidad fundamental de la película. La contemplación de las imágenes de un Paris en blanco y negro, donde Jeanne Moureau busca un amor perdido, ha cambiado, tal vez... un poco, la historia del cine y del jazz.

Jesús Villalba"

Poco más se puede decir, os dejo con un pequeño extracto de "Ascensor para el cadalso", donde se puede apreciar el perfecto maridaje entre la banda sonora y la atmósfera construída por Louis Malle para narrar esta historia, cine negro en estado puro. En cuanto a Miles Davis, creo que es de sobras conocido como para esbozar una reseña biográfica en este post, no obstante si alguien quiere un poquito de información extra os dejo un enlace muy interesante. Espero que os guste.



Especial Miles Davis en Tomajazz

MILES DAVIS- ASCENSEUR POUR L'ÉCHAFAUD

Blossom Dearie- My Gentleman Friend (1959)

Blossom Dearie es hoy en día una entrañable viejecita de 82 años a la que uno invitaría gustosamente a su casa para tomar un té con pastas. Pero en los años 50's, esta neoyorquina afrancesada encandiló a más de uno con su voz aniñada, llegando a grabar una serie de discos, de una calidad y sofisticación sobresalientes, a las órdenes de Norman Granz. La relación de Blossom Dearie con la música comienza muy temprano, de niña estudia piano y se forma en la música clásica, ya en su adolescencia se acerca al jazz y forma parte de dos grupos vocales: The Blue Reys y The Blue Flames. La atracción que París ejercía sobre los norteamericanos en los primeros 50's era impresionante, no en vano alguno de los mejores clubes de jazz del mundo se encontraba en la capital de Francia, donde además se vivía un ambiente de libertad y bohemia que nada tenía que ver con la reprimida América de aquella época, empeñada en vender el "american way of life" al mundo entero. Blossom Dearie se apunta a la aventura parisina, como muchos otros músicos de jazz de la época, y en 1952 se planta en la ciudad del Sena dispuesta a formar su propio grupo, The Blue Stars of France. Dos años más tarde Blossom Dearie y sus Blue Stars of France alcanzan la cima de las listas de éxitos con una versión en francés del genial tema de Gershwin, "Lullaby of Birdland".

Blossom Dearie vive sus particulares días de vino y rosas en París, donde se suceden los conciertos y los aplausos del público y de la crítica. En 1956 el productor Norman Granz acude a una de sus actuaciones y queda tan impresionado que no duda en ofrecerle un contrato con Verve, a finales de ese mismo año Blossom Dearie regresa a los Estados Unidos. Entre 1956 y 1960 Blossom Dearie graba sus mejores discos, la selección de los temas y los acompañamientos de sus primeros trabajos son acertadísimos, dando forma al característico estilo de esta pianista y cantante, donde se mezcla el cabaret, la chanson, el bop, el cool, las melodías y las maneras de los escenarios de Broadway y la música popular norteamericana y francesa de la primera mitad del siglo XX. En las primeras grabaciones de Blossom Dearie para Verve llama la atención la manera en que la cantante se enfrenta a los standards, lo hace huyendo de alardes instrumentales, dejando atrás las secciones de cuerda que otros compañeros habían explotado hasta la saciedad. La cercanía, la sencillez y la intimidad se convierten en la marca de la casa y le conceden a Blossom Dearie un reconocimiento que la sitúa entre las más célebres cantantes de jazz del momento. Su fama crece rápidamente, al igual que los conciertos en los más afamados night clubs de Nueva York, convirtiéndola en una de las más conocidas intérpretes de standards de la época. Además se atreve a componer temas propios, dada su exquisita formación musical y la colaboración de su marido, el multiinstrumentista belga Bobby Jaspar, y se rodea de unos músicos excelentes que hacen que sus grabaciones para Verve se encuentren entre lo mejorcito del repertorio de la casa discográfica estadounidense.

Es entonces, en la cima de su carrera, cuando graba este "Gentleman Friend", un disco lleno de standards, en el que Blossom Dearie muestra el bagaje artístico que adquirió durante sus años parisinos, algo que a los norteamericanos de los años 50's les resultaba tremendamente sofisticado. La cantante lidera un cuarteto en el que le acompañan el gran Kenny Burrell a la guitarra, Ray Brown al contrabajo y Ed Thigpen a la batería; todos ellos, junto con el piano de Blossom Dearie, forman un equipo sólido, con el que, sin grandes despliegues, consiguen un resultado más que notable. A lo largo de esta grabación nos encontramos con una cantante que muestra un estilo vocal consolidado a la vez que llamativo, Blossom Dearie se muestra en las antípodas de los alardes vocales de sus contemporáneas, huye de las exhibiciones de técnica y de potencia y apuesta por un tono íntimo de matices naïves, una manera de interpretar que se acerca a aquella que harían célebre más tarde las cantantes francesas de los años 60's; unas maneras que se acercan por igual a la melancolía y a la inocencia propia de quien posee una voz de matices infantiles. Standards como "Little Jazz Bird" de Gershwin o "Boum" (canción que hizo célebre Charles Trenet) se encuentran entre los mejores temas del disco, reflejando perfectamente el estilo de Blossom Dearie en sus años dorados.

Pocos años más tarde Blossom Dearie rompe su contrato con Verve para grabar un disco con Capitol en 1964, comienza entonces un lento declive para la cantante, quien apenas grabará un puñado de discos en toda la década. Son tiempos duros para la artista que tiene que hacer frente al auge de la música juvenil, que desplaza a otros estilos y que hace parecer dinosaurios a quienes 15 años antes habían formado parte del Olimpo de la música popular norteamericana; pocos se interesan por la música de Blossom Dearie durante los últimos años de los sesenta o los primeros setenta. A pesar de ello la cantante neoyorquina no se amedrenta y a principios de los 70's decide fundar su propio sello, Daffodil Records, con el que en lo sucesivo editará sus propios discos, que lamentablemente no alcanzarán el nivel de sus primeras grabaciones para Verve.

Afortunadamente el tiempo ha devuelto a Blossom Dearie el estatus que merecía dentro del jazz y la música popular norteamericana. Las nuevas tecnologías han permitido la reedición de sus primeros trabajos, que se habían convertido en joyas inencontrables, y nos han permitido redescubrir a una cantante con un sello personal capaz de convertir un standard en un tema completamente nuevo. Buena muestra de todo ello es este disco, en cuya portada la mirada lánguida de Blossom Dearie nos adelanta lo que nos aguarda en el interior. Dejaos seducir por esta peculiar cantante. Espero que os guste.


BLOSSOM DEARIE- MY GENTLEMAN FRIEND

Niño Josele- Paz (2006)

Cuando Bill Evans falleció en 1980 Niño Josele sólo tenía 6 años, con toda seguridad no había oído hablar del pianista americano, una de las figuras clave en la historia del jazz, y ni siquiera imaginaba que su música acabaría inspirándole un disco maravillosamente poético 26 años más tarde. Con el tiempo Niño Josele acabaría convirtiéndose en uno de los mejores guitarristas españoles, con tan sólo 16 años ganaría un importante concurso de flamenco y acabaría dominando todos los palos de esta música, comenzaría una fructífera carrera que le llevaría a tocar con sus ídolos, como Paco de Lucía, Duquende, Diego "El Cigala" o Enrique Morente, pero este joven inquieto no acotaría su virtuosismo ni sus ganas de experimentar, lo que le llevaría a acompañar también a artistas muy alejados del flamenco, entre ellos Lenny Kravitz o Elton John. Esa falta de prejuicios y esa libertad son la clave para entender el nacimiento de este disco y la manera de entender la música de este monstruo de la guitarra. Todo parece indicar que el primer contacto de Niño Josele con el Jazz se produce cuando el trompetista Jerry González llega a España, ese contacto quedaría plasmado en un disco "Los Piratas del flamenco" (2002), grabado en Casa Limón y que contaría, además de con el trompetista y el guitarrista ya mecionados, con Israel Suárez "Piraña" y Diego "El Cigala". Pero será a través del piano de Bebo Valdés cuando se produzca el encuentro definitivo de Niño Josele con Bill Evans; parece que Bebo se encontraba interpretando una pieza del músico americano y Niño Josele al escucharla preguntó - ¿Qué es esa música tan bonita? -, el flechazo entre el fallecido pianista y el joven guitarrista se materializaría en forma de este disco que lleva por título "Paz".

Niño Josele contó en su particular viaje musical con la ayuda de varios amigos, que fueron acecándole a la música de Bill Evans, entre ellos Fernando Trueba y Javier Limón que se encargarían de producir este trabajo. Poco a poco las notas de Bill Evans abandonaron el piano para pasar a la guitarra española en una verdadera lección de valentía musical, la misma que años antes habían mostrado Michel Camilo y Tomatito al realizar su trabajo "Spain" (2000), cerrando las bocas de todos aquellos que decían que piano y guitarra española no podían convivir en armonía. En cierta manera "Paz" es heredero del disco de Camilo y Tomatito, al igual que éste lo era del "Sketches of Spain" de Miles Davis (1960); el trabajo de Niño Josele se adentra en unos terrenos en los que pocos músicos se han atrevido a aventurarse, curiosamente las veces en que tal osadía ha tenido lugar el resultado ha sido excelente, pero parece que a los músicos de jazz les da mucho respeto investigar en los sonidos flamencos, al igual que a los flamencos parece causarles un gran reparo dejarse llevar por los sonidos del jazz. Ese es uno de los méritos de Niño Josele, sus ansias de experimenación, su libertad, el valor que demostró encerrándose a grabar este disco, aún a sabiendas de que los sectores más reaccionarios del flamenco no iban a estar de acuerdo él. Pero el guitarrista fue más allá y culminó un trabajo sobresaliente, en el que tiene cabida no sólo el jazz de Bill Evans, sino también temas de músicos brasileños como Luis Eça ("The Dolphin") o Francis Hime y Ruy Guerra ("Minha"), demostrando que no tiene ningún reparo en adentrarse en cuaquier lenguaje musical, que no hay grilletes que le obliguen a seguir rancias tradiciones, que la música es más que una interminable relación de estilos, que es un lenguaje universal y que él no tiene miedo a hablarlo, aunque algunos no quieran (o no sepan) escucharlo.

"Paz" es un disco lleno de sentimiento, se nos presenta como "la carta de amor de Niño Josele a Bill Evans", y realmente uno siente que en cada tema el guitarrista le agradece sinceramente al malogrado pianista haberle descubierto todo un universo nuevo. El primer tema "Peace Piece" es simplemente magistral y recrea perfectamente la técnica de Evans al piano, trasladada en este caso a la guitarra, evoca en cierta manera a compositores como Erik Satie y nos hace reflexionar sobre la originalidad de Bill Evans; sin duda debió resultar llamativo en los círculos jazzísticos de los años 50's encontrarse con un músico que encontraba su fuente de inspiración en compositores clásicos europeos como Bizet, en lugar de explorar las raíces africanas del jazz tal y como hacían la mayoría de sus contemporáneos. "Peace Piece" marca el tempo del disco y sirve como introducción perfecta al resto de temas, en los que Niño Josele se acompaña de músicos como Jerry González (trompeta), Javier Colina (contrabajo), Joe Lovano (saxo tenor), Horacio "El Negro" Hernández (percusión), Marc Johnson (contrabajo) y Tom Harrell (trompeta), además de las voces de Estrella Morente (en "Minha") y del hermano de Nat King Cole, Freddy Cole (en "I Do It For Your Love").

El resultado es un disco enormemente sugerente, sosegado a la vez que atrevido, técnicamente exquisito a la par que honesto; un trabajo cargado de un lirismo especial que nos hace desear que esa "historia de amor" entre Niño Josele y Bill Evans no termine nunca y que tenga como resultado una abultada descendencia. Espero que os guste.


Página web oficial de Niño Josele



NIÑO JOSELE- PAZ