Lester Young with The Oscar Peterson Trio (1952)

Hay muchas razones que convierten al jazz en la música más interesante y rompedora del siglo XX, y hay pequeños detalles que hacen que su sonido goce de una frescura crónica de la que muchos estilos musicales carecen. El jazz suena atemporal, y además fue capaz en su momento de unir en un mismo estudio de grabación el talento de genios de la talla como los que se asoman hoy aquí en este post de Rainy Day Music. Lester Young es una auténtica leyenda del jazz, un gigante del saxo tenor que supo distanciarse de la influencia ejercida por Coleman Hawkins, creando un estilo propio que le convertiría en referente para muchos saxofonistas en los 50's y los 60's. Oscar Peterson es uno de los mejores pianistas del siglo XX, su destreza, su rapidez y su técnica le confirieron un carácter único, lo que no le impedía hacer gala de una enorme versatilidad a la hora de atacar diferentes estilos. Los dos maestros aunarían sus fuerzas en el año 1952 para grabar dos discos, "Lester Young with The Oscar Peterson Trio" y "The President plays with The Oscar Peterson Trio", ambos están reunidos en este CD editado en 1997.

Lester Young fue conocido en los ambientes jazzísticos como "The President" (también "Pres"), apodo acuñado por la mismísima Billie Holiday. Era un hombre tranquilo y reservado, capaz de interpretar la más emotiva balada pero también dispuesto a enfrentarse a ritmos frenéticos y festivos, como quedó patente en las grabaciones que hizo con la banda de Count Basie. Aunque pasó sus primeros días en New Orleans, podemos decir que Lester Young vivió en Minneapolis, donde tocó en una banda familar durante los locos años 20's, estudió violín, trompeta y percusión, y comenzó a tocar el saxo alto a la edad de 13 años. No tardaría en aproximarse al que será su instrumento, el saxo tenor, será en 1927, cuando se niega a realizar una gira por el convulso sur de los Estados Unidos, lo que le lleva a enrolarse en otra banda, los Art Bronson's Bostonians. A partir de entonces, podemos decir que el joven Lester funciona como un "freelance" que ofrece sus servicios a numerosos músicos y orquestas, poniendo a su disposición su mágico saxo. En 1934 tiene lugar su primer encuentro con otro grande del jazz, Count Basie, junto a él realizaría una serie de grabaciones míticas, sobre todo aquellas en las que acompañan a dos gigantes, Billie Holiday y Teddy Wilson. Lester Young y Count Basie formarán un matrimonio único, que se separa, se vuelve a reunir, se complementa, se necesita; durante las décadas de los 30's y los 40's desarrollan un repertorio único, es entonces cuando aflora el personal estilo de este saxo tenor, que estaba llamado a revolucionar el, por entonces emergente, mundo del jazz.

Corre el año 1943 y la vida de Lester Young está a punto de cambiar para siempre, el músico es llamado a filas para defender a su país en el enfrentamiento más cruel de la reciente historia de la Humanidad, la II Guerra Mundial. La violencia, el comportamiento irracional de los seres humanos, el odio y el racismo del que fue víctima el propio Lester Young, se marcarán para siempre a fuego en su memoria y en su alma, este gigante del saxo tenor ya no volverá a ser el mismo, y en lo sucesivo su vida cabalgará entre la depresión más profunda y el alcoholismo. A su regreso de la guerra se enfrentará al duro reto de reincorporarse a una sociedad que desconoce la dimensión de aquella tragedia, que prefiere festejar la victoria con grandes fastos, que alardea del "american way of life", que ignora la cruda realidad de un conflicto que se ha desarrollado a miles de kilómetros de sus hogares, que obvia la existencia de todo aquello que Lester Young es incapaz de olvidar. A pesar de ello, Lester engrasa su maquinaria y enseguida le llueven encargos y ofertas, muchas de ellas de la mano de Norman Granz. Para muchos críticos, el saxo de Lester ya no volverá a sonar del mismo modo que lo hacía antes de ser reclutado, ésa será la idea más extendida durante el final de los 40's y los primeros 50's; como suele ocurrir, una vez desaparecido Lester y analizada su producción hasta la saciedad, los expertos se han dado cuenta de que precisamente en estos años es cuando el mítico saxo tenor construye un monumento a la sensibilidad, a la emoción. Lester Young construye un muro que le separa del mundo exterior, ese mundo que no conoce ni comprende el sufrimiento que acompaña al músico desde que regresó de la guerra, Lester crea su propia realidad, su vocabulario personal compuesto por notas de un color único, un estilo a medio camino entre el bebop (sin caer en la profunda intelectualidad de la que hacen gala algunos intérpretes de este estilo) y el cool (sin rozar siquiera la frivolidad de algunos músicos de la época). A pesar de ello, el muro levantado por Lester Young resultaba frágil, y se rompía con gran facilidad, fruto, sobre todo, de su feroz adicción al alcohol. Lester se lamentaba de que los músicos blancos que le imitaban cobraban más dinero que él y gozaban de mayor reconocimiento, la frustración y la impotencia le llevaban a ingerir enormes cantidades de alcohol, su enfermedad se agudizaba conforme transcurría el tiempo, hasta que finalmente decidió dejar de comer, las consecuencias eran más que predecibles. Finalmente "Pres" falleció el 15 de marzo de 1959 en Nueva York, hoy en día se le reconoce como uno de los saxos tenores más influyentes de la historia del jazz, formando una santísima trinidad en compañía de Coleman Hawkins y John Coltrane.

Si Lester Young es considerado uno de los mejores saxofonistas de todos los tiempos, a Oscar Peterson se le venera como uno de los mejores pianistas. Este monstruo canadiense es un ejemplo de precocidad, comenzó a recibir clases de piano a los 6 años, y a los 14 ya había ganado un premio para jóvenes talentos; no tardó en demostrar la clase y los sonidos que era capaz de extraer a un teclado. Su primera experiencia en una banda tuvo lugar con la Johnny Holmes' Orchestra, siendo todavía un adolescente. Con tan sólo 20 años firma un contrato con Victor, entre 1945 y 1949 grabará 32 selecciones para este sello, en las cuales muestra una cierta querencia por el boggie-woogie y por el estilo y el swing Teddy Wilson y Nat King Cole. Un año más tarde Norman Granz descubre a Oscar Peterson y lo presenta como invitado sorpresa en el concierto Jazz at the Philharmonic; con apenas 25 años había llegado donde muchos ni siquiera eran capaces de imaginar, había tocado el cielo con la yema de los dedos.

En 1952 Oscar Peterson forma un trío junto al guitarrista Barney Kessel y el contrabajista Ray Brown, será una formación muy efímera, ya que tan sólo una año más tarde Kessel abandona el trío, según declarará cansado de tanta carretera, y será reemplazado por Herb Ellis. A pesar de la fugaz existencia de la primera formación de este trío, serán capaces de realizar algunas grabaciones memorables, entre las que destaca el maridaje del Trío de Oscar Peterson con el saxo tenor de Lester Young, es aquí donde se cruzan los caminos de nuestros invitados de hoy. Entre 1953 y 1958, el Trío de Oscar Peterson se convierte en uno de los mejores combos de la escena del jazz mundial, sus interpretaciones son complejas y algunos críticos le reprocharán al pianista canadiense el uso de demasiadas notas, "donde cualquier pianista utiliza 10 notas, Oscar Peterson utiliza 100" escribirán algunos. A pesar de ello, son años de gloria, hasta que en 1958 Herb Ellis abandona el Trío, el vacío que deja es tal que Oscar Peterson sentencia que ningún guitarrista será capaz de llenarlo, por ello para completar el Trío, contrata a un batería en lugar de un guitarra, se trata de Ed Thigpen. La formación Peterson-Brown-Thigpen se mantendrá en activo hasta 1965, la ausencia de guitarra dará lugar a un mayor protagonismo del piano de Peterson, su talento como solista emerge y sorprende, una vez más, al mundo del jazz. En 1968 Oscar Peterson grabará sus primeros discos como solista, sin otra compañía que la de su piano, lo hace para el sello MPS, más tarde, en 1972, grabará para el sello Pablo de la mano de Norman Granz, acompañado del guitarrista Joe Pass y de Niels Pedersen al bajo. Para entonces, Oscar Peterson ya es considerado una leyenda viva del jazz, un músico que ha grabado duetos con los más grandes y que ha colaborado en infinidad de discos (ése es otro de los argumentos que esgrimen en su contra los críticos, el hecho de haber grabado demasiados discos), tanto en solitario, como con su Trío, prestando su piano al servicio de monstruos como los trompetistas Dizzy Gillespie y Roy Eldridge, el pianista Count Basie, o, como bien sabéis, el legendario saxo tenor Lester Young. En 1993, un grave accidente cardiovascular dañaba seriamente su salud, debilitando considerablemente su mano izquierda. A pesar de las dificultades, Oscar Peterson fue capaz de volver a pisar las tablas del escenario, donde demostró que, sin estar al 100% de su capacidad, era un músico con unas dotes de improvosación fuera de lo común. Tras arrastrar durante más de una decada esta grave dolencia, Oscar Peterson fallecía el 23 de diciembre de 2007 en Mississauga, Ontario.

No es difícil imaginar que cuando se unen dos genios como los anteriormente mencionados, el resultado no puede ser sino explosivo. La primera formación del Trío de Oscar Peterson se da cita con Lester Young en esta grabación producida por Norman Granz, con el acompañamiento del batería J.C. Heard. Es el saxo tenor de "Pres" quien cobra un mayor protagonismo, interpretando un repertorio trufado por una serie de baladas memorables como "On the Sunny Side of the Street", "Almost Like Being in Love", "I Can't Give You Anything but Love", "There Will Never Be Another You", y "I'm Confessin'", donde el sonido etéreo y característico de Lester Young se hace omnipresente y confiere a esta peculiar reunión un ambiente especial, propio de una cita única e irrepetible. También Oscar Peterson goza de sus instantes de gloria, demostrando su compleja técnica y su personal swing, el acompañamiento perfecto para el metal de Lester Young. Esta edición de 1997 recoge todas las grabaciones que realizaron juntos estos dos genios, "Lester Young with The Oscar Peterson Trio" y "The President plays with The Oscar Peterson Trio", incluyendo el único tema en que Lester Young se atrevió a demostrar sus dotes como vocalista, "It Takes Two to Tango". Todas ellas son razones más que suficientes para hacer de éste un disco de necesaria escucha, un clásico de la historia del jazz; puede que muchos de vosotros no os fiéis del criterio de all music guide , pero simplemente os diré que a este disco se le conceden cinco estrellas sobre cinco, sobran las palabras.

De regalo os dejo, no un video, sino dos, para que podáis ver a los dos maestros en acción; en el primero encontraréis a Lester Young en una actuación televisiva del año 1958, en el otro video disfrutaréis de una actuación del Oscar Peterson Trio en su segunda formación, interpretando el tema "A Gal in Gallico", curiosamente también en 1958. Si queréis profundizar más en la figura de estos dos músicos, os dejo dos enlaces a la peculiar página Apolo y Baco donde encontraréis una biografía de ambos más completa. En otro orden de cosas, ¿recordáis a Alberto Montero? seguro que sí, pues bien, me enorgullece anunciaros que este prometedor y talentoso músico ha dejado un enlace directo para que os podáis descargar su disco completo desde Rainy Day Music, sólo tenéis que entrar en los comentarios del post que se le dedicó en este blog para encontrar la dirección de dicho enlace. Me gustaría que se lo agradecieseis como se merece, ya que no conzco muchos músicos que, teniendo un disco en el mercado, dejen un enlace en un blog de alguien a quien no conocen de nada para que todos aquellos que lo deseen puedan disfrutar de su música. Es un detalle increíble que espero sepáis apreciar, un millón de gracias Alberto. Ahora sí, os dejo con este maravilloso disco de Lester Young con el Trío de Oscar Peterson, perfecto para empezar el otoño. Espero que os guste.







BIOGRAFÍA DE LESTER YOUNG

BIOGRAFÍA DE OSCAR PETERSON


LESTER YOUNG WITH THE OSCR PETERSON TRIO

Etta James- At Last! (1961)

Hay que tener la cara más dura que el cemento para hacer creer a la gente que los gorgoritos que hacen algunas cantantes de éxito en la actualidad se asemejan, siquiera remotamente, al R&B, al soul, al blues o a cualquiera de los estilos más característicos de la música negra. Hay que tener muy poca cultura musical para intentar vender al personal como artistas representativas de esos estilos a Beyoncé, Duffy, Anastacia, y un largo etcétera de cantantes de las que sólo se puede salvar, y con un aprobado muy justito, a Amy Winehouse. La industria discográfica, consciente de la paupérrima calidad de algunos de sus lanzamientos, ha intentado lavar su imagen recurriendo a sonidos y a estilos que han marcado un hito y que han creado escuela en la historia de la música. De este modo se catalogan en la actualidad grupos de neo-psicodelia, artistas de soul y crooners con una frivolidad pasmosa. La diferencia entre estos supuestos revivals y su fuente de inspiración es muy simple, podremos oir una y mil veces el famoso "Rehab" de la Winehouse en la radio, nos bombardearán en la tele con sus actuaciones, los críticos que lamen la mano que les da de comer calificarán con 5 estrellas a su disco, pero en 5 años todos nos habremos olvidado de ella (eso espero); en cambio basta con escuchar a Etta James cantando "Anything To Say You're Mine" una sola vez para no olvidarla en toda nuestra vida. Es la diferencia existente entre la música que sale del corazón y la que sale de las mentes de algunos productores ávidos de dólares.

Hecha esta declaración de principios y este análisis (personal, que conste) de la impostora música soul y R&B que se nos vende hoy en día, no me queda más que presentar a la artista que hoy nos ocupa, que no es otra que la grandísima Etta James. Jamesetta Hawkins nace el 25 de enero de 1938 en Los Ángeles y desde prácticamente la cuna demuestra un sentido innato para la música, hasta el punto de que muchos expertos la tachan de niña prodigio, lo cierto es que con tan sólo 5 años esta futura leyenda del R&B y del soul (del de verdad, ojo) ya forma parte de un coro de Gospel. En 1950 Jamesetta se traslada a San Francisco donde formará parte de un grupo junto a otras dos adolescentes, dos años más tarde el pionero del R&B Johnny Otis hace una audición al grupo; Otis se convertirá en un figura clave en la vida de Jamesetta, ya que será el responsable del nuevo nombre de esta joven, él le sugirió invertir el orden de su nombre real y separarlo, de este modo Jamesetta se convirtió en Etta James. En contra de la voluntad de su madre, la renovada Etta regresa a Los Angeles para grabar un tema junto a la banda de Otis y el vocalista Richard Berry (no confundir con Chuck Berry, Richard Berry es el responsable del célebre "Louie Louie"), "Roll with me Henry" será uno de sus primeros éxitos, aunque la moral de la época forzó a cambiar el título de la canción por sus supuestas connotaciones sexuales, de este modo la canción se escucharía a través de las ondas hertzianas de todo el país con el título de "The Wallflower"; corría el año 1955.

El trío vocal The Peaches (nombre que aludía a uno de los apodos de Etta), del que formaba parte Etta James, no tardaría en disolverse, aunque ella seguiría en Los Angeles colaborando como solista en algún tema para Modern Records. Será con la llegada de la nueva década cuando comiencen a escribirse las páginas más brillantes en la carrera musical de Etta James, cuando en 1960 se desplace a Chicago para firmar con Argo, subsidiaria de la célebre Chess Records. Etta James se destapa como la gran intérprete que es, perfecciona un estilo personal que había comenzado a moldear desde muy joven y se convierte en una cantante única, capaz del desgarro, del grito, poseedora de una naturalidad pasmosa y tremendamente transgresora para una sociedad como era la de los USA en los 60's. En ocasiones el histrionismo de sus actuaciones en directo era considerado obsceno por las mentalidades más conservadoras de la época, lo cual le acarreó algún que otro problema con las autoridades, que siempre estaban atentas a sus shows. Leonard Chess, "capo" de Chess Records, vio en Etta James a la perfecta intérprete de baladas, que edulcorada con un poquito del pop americano de la época podría dar un gran resultado de ventas, por ello inundó sus primeras grabaciones de violines, buscando ese toque dulce y pícaro al mismo tiempo. Pero la voz de Etta no se podía edulcorar con secciones de cuerda, mostraba un timbre áspero y desgarrado, y su forma dramática de interpretar le acercaba más a su idolatrada Billie Holiday que a las clásicas cantantes de los 60's cuyos temas sonaban en imberbes bailes de graduación. Precisamente de esta primera época en Chess es "At Last!", para muchos su mejor trabajo.

"At Last!" no es sólo un disco de R&B, es un trabajo muy variado en el que Etta James se mueve como pez en el agua por terrenos tan diversos como los standards de jazz, ejemplo de ello son "Stormy Weather" y "A Sunday Kind of Love", o clásicos del blues como el archiconocido "I Just Wanna Make Love To You" de Willie Dixon (¿os imagináis en la España de los 60's a una mujer cantando "Yo sólo quiero hacerte el amor"?). En todos los temas del disco nos encontramos con una intérprete en estado de gracia con una cantante diferente, que pasa cómodamente de registros frágiles y sutiles a otros en los que se exige energía y pasión, una artista completa que consigue dar vida a una de las mejores sesiones de Soul y R&B de la historia de la música. Etta James seguiría vinculada a Chess Records y grabaría éxitos de la talla de "Tell Mama" o la escalofriante "I'd Rather Go Blind", ya hacia el final de su carrera en este sello, en 1975, intentó aproximar su estilo a los sonidos cercanos al rock, que poco a poco condenaban irremisiblemente al olvido a toda una generación de artistas que habían situado la música negra en las cotas más altas de popularidad y de calidad de toda su historia. Llegarían años complicados en lo profesional y en lo personal para Etta James hasta que regresase con un nuevo trabajo en 1988, desde entonces ha grabado varios discos con desiguales resultados, muy alejada de aquella mujer que causó un tremendo impacto en la mojigata América de los años 60's con su voz desgarrada y su provocativa actitud.

La complicada vida de Etta James la cuenta ella misma en el libro "Rage To Survive", en el que describe con todo lujo de detalles sus adicciones, sus problemas personales y sus éxitos. En el año 2001 entró en el Blues Hall of Fame y en 2003 recibió un Premio Grammy en reconocimiento a toda una carrera. Lo último que he oído es que se va a hacer una película (no sé si ya se ha estrenado, la verdad es que el cine actual americano me interesa más bien poco, salvo honrosas excepciones) titulada "Cadillac Records", que narra la historia de Chess Records y en la que Etta James estará interpretada por... sí, acertasteis, Beyoncé Knowles, en fin, más de lo mismo. De regalo os dejo un vídeo que no tiene desperdicio, Etta James interpretando en directo "Something's Got A Hold On Me" en un programa de la tele estadounidense en 1966, no os lo perdáis. Espero que os guste.




ETTA JAMES- AT LAST!

Alex Chilton- Clichés / Loose Shoes Tight Pussy (2005)

Alex Chilton es toda una referencia en la música de los últimos cuarenta años, algo de lo que muy pocos pueden presumir. Desde niño, Alex Chilton sintió inclinación por la música y enseguida pasó a formar parte de varias bandas en su Memphis natal durante su adolescencia, bandas de instituto sin más trascendencia pero que acabarían inoculando al joven Alex el veneno del rock'n'roll y la música pop de los 60's. La primera banda de Alex Chilton fueron The DeVilles, quienes tras adquirir cierto renombre en la zona contrataron a un manager que tenía muy buenos contactos, es en ese momento cuando deciden entregarse en cuerpo y alma a la música y cambian su nombre por el de The Box Tops. No tardarían en grabar un single titulado "The Letter", con el que alcanzarían el número uno, The Box Tops facturaban un pop con influencias del R&B, los críticos los englobaron en el movimiento denominado Blue Eyed Soul, melodías inspiradas en el soul pero interpretadas por chicos blancos de clase media. La ascensión de la banda fue meteórica y facturaron numerosos temas que les mantuvieron en los primeros puestos de las listas de éxitos, a pesar de ello Alex Chilton no se sentía realizado, su personalidad caótica y anárquica no se veía satisfecha con figurar entre los grupos favoritos de los adolescentes, además el hecho de tener un contrato discográfico con una compañía potente le hacía contraer una serie de obligaciones que no veía con buenos ojos.

Después de dar algunos tumbos, Alex Chilton funda junto a Chris Bell la banda por la que será recordado eternamente, Big Star. La perfecta mezcla de las melodías de reminiscencia beatle con elementos de la psicodelia y la garra de las guitarras eléctricas, darían forma al personal sonido de Big Star y definirían a la perfección el paradigma de un estilo que contaría con numerosos adeptos en el futuro: el power pop. La vida de Big Star fue corta y tan sólo llegaron a grabar tres discos, suficiente para calar hondo en generaciones venideras y convertirse en un icono del rock independiente norteamericano. La carrera de la banda no estuvo exenta de conflictos motivados por la fuerte, y complicada, personalidad de sus dos cerebros; discusiones, rupturas, reconciliaciones y desencantos se sucedían al no verse cumplidas las expectativas comerciales de Big Star, sobre todo las de Chris Bell ya que Alex Chilton siempre ha demostrado estar muy por encima de las cifras relativas a las ventas. Tal vez la diferente manera de entender el negocio de la música de ambos genios fue la que motivó la separación definitiva de Big Star, corría el año 1974, tendría que transcurrir otra década para que se apreciase en su justa medida la importancia de Big Star, quienes han sido considerados clave en la transición del pop de guitarras de los 60's y los nuevos sonidos de los 80's, como la new wave o el tan cacareado rock alternativo.

Entretanto Alex Chilton seguía fiel a su manera de entender la música, un concepto presidido por una única idea: la libertad; esa libertad bipolar a la hora de crear que a veces le ha llevado a callejones oscuros y que en otras ocasiones ha parido momentos de una belleza inigualable. El carácter anárquico de Alex Chilton encajó perfectamente en la escena punk neoyorquina de los 80's y le llevó a convivir con todo tipo de aves nocturnas, embarcándose en un sinfín de proyectos, algunos de ellos cuajaron, otros se quedaron en sueños de borrachera que se desvanecieron con la resaca del día siguiente. También comenzó sus andanzas como productor, las cuales han dado resultados muy desiguales, merece la pena reseñar su trabajo con los primeros Cramps y, años más tarde, su confianza en un grupo de chalados que se empeñaban en sonar a chatarra, The Gories, referencia indispensable del garage y del rock'n'roll de los 90's. En cuanto a su carrera como compositor, Alex Chilton ha editado una docena de discos en solitario desde 1975 hasta el presente, entre ellos hay trabajos más que prescindibles, otros mediocres y algunos muy dignos. En cierta manera no ha sabido retomar el rumbo que señalaba aquella brújula mágica que manejó junto a Chris Bell en Big Star, por otra parte es difícil moverse en el negocio de la música cuando directamente reniegas de él y de todo lo que representa; todo ello ha hecho de Alex Chilton un artista difícil de catalogar y de entender, un "maldito" que es responsable directo de buena parte de los derroteros que ha tomado la música pop en los últimos treinta años.

El disco que encontráis en este post es una edición del año 2005 que reúne en una misma caja, en formato de doble CD, dos grabaciones de este período en solitario de Alex Chilton: "Clichés", originalmente grabado en 1994, y "Loose Shoes Tight Pussy", que data de 1999. Ambos discos no son del agrado de la crítica, pero a mí me gustan especialmente, sobre todo el primero de ellos, en el que Alex Chilton repasa, a su manera, algunos de los más conocidos standards de la música popular estadounidense, muchos de ellos popularizados por músicos de la talla de Chet Baker o Nina Simone, e incluso se atreve con una composición del mismísimo Bach. Una atmósfera romántica y algo depresiva invade este disco y nos muestra a un músico tan ecléctico como inspirado, sobre todo en su personal manera de enfrentarse a clásicos de la envergadura de "My baby Just Cares For Me" (deliciosa la guitarra de Chilton y su manera de pellizcar las cuerdas); un trabajo que muestra a un creador haciendo el disco que le apetece, un disco enteramente acústico, sin preocuparse por las facturas de la luz o por la cantidad de ceros de su cuenta corriente. El segundo disco, "Loose Shoes Tight Pussy", es también un disco de versiones, pero en este caso con una banda acompañándole y con la electricidad fluyendo a lo largo de todas las pistas. Esta grabación tiene una orientación más cercana al soul y al pop y cuenta con grandes momentos, como el tema que abre el disco "I've Never Found A Girl"; no obstante da la sensación de ir desinflándose a medida que van desgranándose los temas. En resumen, se trata de dos discos que muestran el trabajo de Alex Chilton en los últimos 10 años, dos discos exclusivamente de versiones que plasman el ideario y el repertorio de un músico ecléctico y versátil, un artista que no entiende de reglas ni de convenciones, una personalidad única en la historia de la música pop.

De regalo os dejo un interesante y completísimo artículo sobre la vida y milagros de Alex Chilton aparecido en la página web de Perfect Sound Forever, eso sí, está en lengua bárbara así que a desempolvar los diccionarios de inglés y a rememorar las clases del instituto que tan buenos resultados nos han dado y que tantas puertas nos han abierto, bueno, eso o a utilizar el Babel Fish de Yahoo que cuesta menos esfuerzo aunque no sea perfecto... Espero que os guste.

Artículo sobre Alex Chilton en Perfect Sound Forever


ALEX CHILTON- CLICHÉS + LOOSE SHOES TIGHT PUSSY