C.W. Stoneking- Jungle Blues (2008)

Siempre me fascinaron las películas de Tarzán, su inocente y maravillosa combinación de aventuras, comedia y romance se ha convertido en santo y seña de mis primeros recuerdos cinematográficos. Seguro que más de uno de vosotros también recuerda aquellas tardes de sábado frente al televisor disfrutando de las andanzas del hombre mono, sus eternas luchas contra cocodrilos de cartón piedra y sus acrobáticos saltos de liana en liana. Sé que tiendo a ponerme melancólico y plasta con estas cosas, y que caigo fácilmente en la agridulce trampa generacional que nos lleva a pensar que cualquier tiempo pasado fue mejor, pero es que en este caso lo creo así, y además con una fe inquebrantable. ¿Qué hacíamos nosotros, hijos de la Transición, disfrutando con películas de hacía más de 40 años? ¿Os imagináis a un niño de hoy en día viendo una película en blanco y negro en la que los efectos especiales no estén hechos con ordenador? Con todos mis respetos, a mí me cuesta mucho imaginarlo. A veces pienso que hemos sido una generación privilegiada, que aquellos que hoy tenemos entre 30 y 40 años hemos disfrutado de la mejor televisión que ha tenido este país, una tele que distaba mucho de lo que hoy denominamos "caja tonta". Aquella tele nos invitaba a soñar, como niños que éramos, pero al mismo tiempo se empeñaba en hacer de nosotros futuros adultos responsables, comprometidos con unos valores que hoy en día son ninguneados al ser considerados como algo caduco e incluso reaccionario; sin duda una relectura más que interesada por parte de aquellos a los que les interesa que la ciudadanía sea una masa iletrada y apática, dos cualidades que garantizan el inmovilismo y la desidia que tanto gusta a nuestros actuales dirigentes. Pero volviendo a las películas de Tarzán (que resultan mucho más estimulantes que la actualidad mundial), lo que más me ha llamado la atención con el paso de los años es comprobar como nuestro entrañable héroe de la jungla sobrevivía con un más que exiguo vocabulario. Apenas media docena de términos bastaban al hombre mono para comunicarse con la población local, animales incluídos, ríase usted del inglés en 1000 palabras. Entre aquellos vocablos sobresalían tres: Ungawa (léase "angagua"), Juju (pronúnciese "yuyu") y Chita (ésta, amigos, no necesita interpretación fonética); ahí prácticamente terminaba el vocabulario de Tarzán, fascinante. Como cualquier niño de mi generación, yo quería parecerme a Tarzán (a pesar de que me inquietaba aquel insignificante taparrabos y la posibilidad de dejar mis vergüenzas al descubierto), vivir un sin fín de aventuras, saltar de liana en liana con una guapa chica abrazada a mi hercúleo torso y someter a nativos y animales con cuatro ridículas palabras. Mis padres en cambio insistían en que estudiase, no acababan de ver claro lo de convertirme en hombre mono, sobre todo porque para ello se necesitaba una gran pericia como nadador, y mi familia ha sido víctima durante siglos de una terrible maldición que le impide desplazarse por el agua con la más mínima dignidad; pero ése es otro tema del que prometo hablaros otro día. Han pasado muchos años desde aquellas entrañables películas, cintas que ya no se pasan por la tele, y yo he ido fabricando mis propias junglas en las que poder sentirme como mi admirado Tarzán. Algunas de esas junglas son tortuosas y siniestras, por lo que procuro alejarme de ellas, otras en cambio son amables y están llenas de inofensivos animales y de simpáticos indígenas, es a ésas a las que me aferro desesperadamente. Y por supuesto también me adentro en multitud de junglas sonoras, todas ellas reconfortantes y estimulantes, por ello he querido dedicar esta entrada tan selvática a un disco con un título alusivo a la jungla, y con un repertorio musical plagado de ecos que nos hacen viajar a la época en que se filmaron todas aquellas películas de Tarzán; niños y niñas, con todos vosotros C.W. Stoneking y su Jungle Blues, preparaos para una increíble aventura.

Christopher William Stoneking nace en 1974 en la lejana y exótica Australia, más o menos cuando pasaban las películas de Tarzán por TVE. Hijo de estadounidenses, su infancia fue un tanto atípica, ya que sus padres se separaron poco después de que él naciera y el niño Stoneking pasó esta decisiva etapa en la vida de cualquier ser humano con su padre, el escritor y profesor Billy Marshall Stoneking, quien decidió criar al niño en una comunidad aborigen, concretamente la de Papunya. A los 9 años se mudaría con su padre a Sidney, donde tardaría poco en descubrir la música, allí comenzará a tocar la guitarra con 11 años, pasando a formar parte de algunas bandas locales con tan sólo 13. Recién empezado el instituto, C.W. Stoneking descubre las grabaciones de su padre, viejos discos y cassettes de blues y country, muchos de ellos de artistas de los años 20's y 30's que le descubren un universo totalmente nuevo. En 1997 decide mudarse a Melbourne, donde comienza a tocar como solista de blues y se autoproduciría un disco homónimo con versiones del género que vería la luz en 1998. Ese mismo año consigue formar una banda, a la que llamará C.W. Stoneking & the Blue Tits, y que tendrá una cortísima vida, ya que se desintegró debido a la muerte de uno de sus miembros, concretamente el mandolinista Charlie Bostock. De aquella época queda como testimonio una grabación no oficial, que ha estado en circulación desde 1999, titulada C.W. Stoneking & the Blue Tits y que recoge una actuación de la banda en una radio de Melbourne. Al igual que Tarzán, C.W. Stoneking también se verá envuelto en numerosas aventuras, fruto de sus viajes por medio mundo, en esos viajes vivirá insólitas experiencias, como cuando trabajó como asistente de un peculiar doctor vudú en Nueva Orleans. Pero sus frecuentes éxodos también le servirán para ir dando forma a su personal estilo, muestra de ello será su estancia en Trinidad, donde aprenderá las bases del calypso. Nuestro hombre de la selva particular estaba dispuesto a pelear contra cocodrilos, leones y cuantas fechorías le tuviese preparadas el temible hombre blanco, todo con tal de encarrilar su carrera como músico. Así es como decide volver al formato de solista para grabar un disco que recoge grabaciones originales inspiradas en su colección de discos de calypso, ragtime, blues, country, hillbilly y jazz. Tendrán que pasar unos años para que el primer disco oficial de C.W. Stoneking se convierta en una realidad, será concretamente en 2005 bajo el título de "King Hokum", editándose por primera vez en Australia en 2006 con el sello Low Transit Industries Recordings. Poco después el sello suizo Voodoo Rhythm editaría "King Hokum" en Europa, descubriendo a los melómanos del viejo continente a un músico fascinante, capaz de tocar y cantar blues como si hubiera nacido a principios del difunto siglo XX. La crítica se rendiría ante el disco de C.W. Stoneking, su personal voz, que recuerda inevitablemente a Tom Waits, su añejo recetario musical e incluso su excéntrica indumentaria, lo convertirán en un personaje difícil de clasificar y "King Hokum" aparecerá entre los favoritos del año en Australia, al mismo tiempo que irá sonando cada vez con más fuerza en Europa y América. Finalmente C.W. Stoneking dará forma a su banda, un asunto que parecía obsesionarle desde hacía años, a la que aglutinará bajo el nombre de The Primitive Horn Orchestra, y que incluirá a Ros Jones a la tuba, Ed Farlie como trompetista, Kynan Robinson al trombón y Kirsty Fraser, esposa de Stoneking, haciendo voces; esta es la formación que le acompañará en su segundo disco, "Jungle Blues".

Cuando uno se adentra en el universo de C.W. Stoneking e intenta descifrar sus letras (tarea siempre compleja para los que no somos angloparlantes) enseguida se da cuenta de que el australiano es un magnífico contador de historias. No tengo muy claro si es una muestra más de su imaginación y su talento como escritor y letrista, pero C.W. Stoneking afirma que "Jungle Blues" nació inspirado, en parte, por una rocambolesca historia (que él mismo relata en la contraportada del disco), concretamente un naufragio en la costa occidental de África del que nuestro hombre consiguió sobrevivir. Sea como fuere, es innegable que "Jungle Blues" es un disco único, una verdadera rara avis en los tiempos que corren, fruto del talento y de la cultura musical de su autor. El disco se abre con la canción que le da título, "Jungle Blues", con sólo escuchar las primeras notas ya nos hemos embarcado en un maravilloso viaje, una aventura terpidante que nos llevará a lugares que nunca habíamos soñado visitar. Los metales y el banjo abren fuego y enseguida hay un lugar que nos viene a la mente: Nueva Orleans, es entonces cuando irrumpe una voz masculina haciendo las veces de maestro de ceremonias advirtiéndonos de los peligros de este viaje, acto seguido la tuba se hace dueña y señora de la canción y C.W. Stoneking comienza a relatar la aventura de su naufragio en las costas africanas; apenas ha paado un minuto y estoy seguro de que ya estás enganchado. La voz de C.W. Stoneking se compara a menudo con la de Tom Waits, no se puede negar que hay un cierto parecido en la manera en que arrastran las sílabas y en el tono cavernoso que sale de la garganta de ambos, pero sin duda el australiano tiene personalidad propia, y es que C.W. Stoneking no tiene nada que ver con la figura del crooner que tanto inspira a Tom Waits, sobre todo en sus celebrados primeros trabajos. Sea como fuere, el hecho es que "Jungle Blues" acaba de empezar y nosotros queremos más; la réplica llegará con "Talkin' Lion Blues". El segundo corte del disco es un blues que nos retrotrae a la música tradicional del período Entreguerras, canciones que sonaban con frecuencia en el sur de los Estados Unidos y que emanan un aroma a algodón recién recogido, un tiempo visitado a menudo por otro enorme genio, Robert Crumb, un defensor a ultranza de esta tradición musical. "Talkin' Lion Blues" es una hilarante historia acerca del encuentro del protagonista con un león parlanchín, que consigue embaucarle para finalmente acabar preso y sentenciado por un mono; muestra a un Stoneking más contenido, alejado de sus registros más oscuros. El tercer tema del disco lleva por título "Jungle Lullaby" y es uno de los momentos fuertes de "Jungle Blues". La historia sigue ambientada en África, como sus predecesoras, y nos transporta a los últimos estertores del colonialismo, dibujando un paisaje exótico y siniestro al mismo tiempo, un escenario en el que el protagonista sale a pasear con una bella muchacha y acaba embarcado en una nueva aventura repleta de peligros y sobresaltos. La melodía me recuerda a "Quiero ser como tú" de "El Libro de la Selva", sé que hay quien creerá que estoy loco, pero me suena como una versión ralentizada del célebre tema de la factoría Disney. Comparaciones al margen, "Jungle Lullaby" es una canción inquietantemente bella, con unos metales y un violín sencillamente maravillosos. La cuarta canción del disco es una de mis favoritas, "Brave Son of America", un tema en el que C.W. Stoneking abandona momentáneamente el continente negro para centrarse en la figura del general MacArthur, ahí es nada. Ferviente anticomunista, MacArthur es un verdadero héroe militar, un tipo que fue nombrado general con tan sólo 32 años y que participó en tres guerras (Las dos Grandes y la de Corea), venerado por unos y odiado por otros, el viejo general es el icono perfecto del belicismo y de la épica militar estadounidense, alguien a quien muy poca gente hoy en día le dedicaría una canción, aunque claro, C.W. Stoneking no tiene nada de convencional. "Brave Son of America" es un calypso en el que los metales tienen un enorme protagonismo, un tema que da rienda suelta al Stoneking más cavernoso y visceral y que nos regala un solo de trompeta magistral, una canción que nos traslada al Pacífico Sur y que casi nos permite ver al general fumando una de sus características pipas de mazorca.

Tras glosar las hazañas de MacArthur, C.W. Stoneking regresa al sur de los USA con "Jailhouse Blues", un blues de corte clásico en el que el australiano se acompaña únicamente de su guitarra. Se trata de una historia de ambientación presidiaria y de amores fatales: "Some would murder with a gun or a knife, Some would lock a man away the rest of his life, Lord, lord, lord, I got the Jailhouse Blues", se lamenta Stoneking. "Housebound Blues" marca el ecuador del disco y es la única canción en que la voz cantante la lleva Kirsty Fraser. Es un tema que cabalga entre el ragtime y los ambientes más cabareteros, donde sobresale, de nuevo, la magnífica trompeta de Ed Farlie. La letra ironiza sobre la desigualdad entre sexos, y con un delicioso aire añejo (que no retro) muestra las quejas de una mujer harta de las continuas salidas de su esposo y cansada de estar encerrada en casa al cargo de las tareas domésticas, una situación insostenible que llevará a nuestra protagonista a abandonar a su holgazán compañero. "I Heard the Marching of the Drum" es el séptimo tema de "Jungle Blues", un tema que, a pesar de no seguir los patrones del calypso, nos remite a "Brave Son of America" por su brillante sección de metales: tuba, clarinete, trompeta y trombón, que suenan como un cañón y con una sincronía que recuerda a las fanfarrias de la Europa oriental. La fórmula sigue siendo la misma, y además tiene más de setenta años de existencia, pero si a estas alturas todavía no te has enganchado a "Jungle Blues" posiblemente tengas un problema. Por si acaso, C.W. Stoneking te lo va a poner fácil con otro de los momentazos del disco, un nuevo calypso titulado "The Love Me or Die". Stoneking se descuelga con otro tema que enlaza con su peculiar biografía, el vudú, en este caso la historia relata las penurias de un enamorado no correspondido que recurre a sus conocimientos sobre magia negra para fabricar una poción llamada "The Love Me or Die". Ante la reticente postura de su amada el protagonista decide hacer uso de la fórmula mágica obteniendo un resultado no deseado, así es como termina este octavo tema de "Jungle Blues", una verdadera maravilla que cuenta con un fraseo de trompeta que no podréis sacaros de la cabeza en meses. Superado el desparrame de "The Love Me or Die", Stoneking vuelve a encarar un blues clásico, se trata de "Early in the Mornin". En esta ocasión, nuestro Tarzán austral se hace acompañar de un contrabajo que dota de más cuerpo a la canción, un tema que alude a un lugar inhóspito al que Stoneking asegura no querer regresar jamás. Y llegamos al final de la mano de "The Greatest Liar", el corte que cierra "Jungle Blues". Una voz masculina se encarga de presentar a una estrella llegada de Nueva Orleans, King Hokum (recordad que éste era el título del primer album de C.W. Stoneking), que nos cuenta una rocambolesca historia acerca de un tipo al que considera el mayor embustero del mundo, un discurso de unos tres minutos tras el cual irrumpe la banda de Stoneking atacando, de manera fugaz, un tema de jazz con regusto añejo y ragtime, puro New Orleans para cerrar un disco enorme.

"Jungle Blues" vio la luz en 2008 y lo hizo bajo el propio sello de Stoneking, King Hokum, el disco refrendaría las buenas críticas de su antecesor y supondría el despegue definitivo de su autor, coronado como una de las mayores figuras del blues moderno, además de un verdadero arqueólogo musical, capaz de rescatar tradiciones que amenazan con caer en el olvido en éstos nuestros días en los que todo se vive demasiado deprisa. A pesar de ello hay quien considera a Stoneking un impostor, e incluso quien critica su marcada pronunciación y su forma de cantar; en mi humilde opinión, Stoneking está en las antípodas (nunca mejor dicho) de resultar un farsante. Es evidente que no es un anciano negro y ciego (puestos a exagerar tópicos) que canta blues después de una dura jornada de trabajo en el campo, pero también es innegable que lo que hace no es una parodia ni una simple revisión, Stoneking muestra una pasión desenfrenada por aquello que hace, y alguien que se apasiona con su trabajo nunca puede ser un embaucador. Sigo sin entender a quienes critican a aquellos que encuentran en épocas pasadas su fuente de inspiración, a nadie se le ocurre censurar a un cantante de jota, y lo que está haciendo es continuar con una antigua tradición musical, inspirarse en ella y dotarla de dignidad y vigencia, ¿por qué no ocurre lo mismo con el rock'n'roll y con el pop, que es la música popular del siglo XX? Uno ya se cansa de escuchar aquello de "no crean nada nuevo, es más de lo mismo", creo que existe un culto mal entendido hacia la originalidad, que es precisamente el que se encarga de crear pastiches infumables y que genera artistas y estilos que acaban sumidos en el olvido con el paso de los años. Dudar de la integridad de músicos como Stoneking es propio de necios, lo que deberían hacer estas personas, por muy puristas y entendidos que sean, es agradecerle al australiano que haya dado a conocer una riquísima tradición musical a varias generaciones que hasta ahora la ignoraban. Los pobres iletrados, que nos emocionamos y conformamos con muy poquito, esperaremos a la tercera entrega de nuestro particular Tarzán, quien mientras tanto se dedica a disfrutar de una plácida existencia junto a su esposa y sus dos hijos, al margen de absurdas polémicas sobre certificados de autenticidad.

Ya va siendo hora de poner el punto y final a esta entrada, y lo haremos, como siempre, con unos cuantos enlaces. Como no podía ser de otra manera, comenzamos con los enlaces a la web oficial y al myspace de C.W. Stoneking, no os perdáis su web oficial, entre otras cosas porque allí encontraréis las letras de todas las canciones de "Jungle Blues", algo más que necesario si no eres angloparlante y quieres desentrañar su contenido. Continuamos con un enlace a la web de la BBC, donde aparece una crítica de "Jungle Blues", y otro link a Soulshine, una web australiana dedicada a la música independiente, en el que podréis leer una entrevista realizada a Stoneking el pasado 2010; ambos enlaces en la lengua de Shakespeare. Como último enlace he seleccionado una videoentrevista realizada al músico australiano y emitida por la canadiense Falls TV, de nuevo tendréis que poner a prueba vuestras meninges y hacer uso de esos cursos de inglés de CCC. Y finalmente los consabidos videos, el primero de ellos, el videoclip oficial del tema que da título al disco, "Jungle Blues", y el segundo, una actuación en directo en el Barbican de Londres, donde C.W. Stoneking y su banda interpretan dos temas: "Don't Go Dancin' ", incluído en su primer disco, y el tremendo "The Love Me or Die". Por mi parte, no tengo nada más que decir, bueno sí, Juju Ungawa Chita, o lo que es lo mismo, espero que os guste.

PÁGINA WEB OFICIAL DE C.W. STONEKING

MYSPACE DE C.W. STONEKING



RESEÑA DE JUNGLE BLUES EN LA WEB DE LA BBC

ENTREVISTA A C.W. STONEKING EN SOULSHINE

VIDEOENTREVISTA A C.W. STONEKING EN FALLS TV




C.W. STONEKING- JUNGLE BLUES

Morphine- Cure For Pain (1993)

Tenía 16 años cuando decidí que quería formar una banda de rock'n'roll, para ello sólo debía superar un pequeño obstáculo: debía aprender a tocar un instrumento. No tardé en elegir la guitarra, siempre me había gustado su sonido, sus formas, e incluso tenía estudiadas las poses de aquellos guitarristas que más me gustaban. Un verano tomé prestada la guitarra de una buena amiga y empecé a rasgar sus cuerdas con verdadera vehemencia, era capaz de pasar tardes enteras intentando extraer algún sonido de aquel complejo instrumento, además descubrí que el hecho de sentarme a intentar desentrañar los profundos misterios de la guitarra española me relajaba, hecho que no debemos pasar por alto en un momento tan complejo y agitado de la vida como es la adolescencia. Pasaban los meses y mi carrera como guitarrista apenas experimentaba mejorías, seguía sin saber cómo debía colocar los dedos, desconocía si el instrumento estaba afinado o no, y lo peor de todo, me había cargado dos cuerdas; eso sí, mis poses ante el espejo de la habitación de mis padres habían mejorado notablemente, no es lo mismo posar con una vieja raqueta de tenis que hacerlo con una guitarra auténtica, por muy desvencijada que esté. A pesar de que todos esos contratiempos me remitían a mi frustrante relación con la música, que comenzó a los ocho años cuando fui incapaz de aprender solfeo, estaba muy contento de tener un instrumento, yo me consideraba un guitarrista en ciernes, y vivía convencido de que en poco tiempo la guitarra no tendría secretos para mí. Un buen día una nueva cuerda se desgarró, quedando sólo tres cuerdas de las seis que componen este noble instrumento, entonces, como por arte de magia aquella guitarra empezó a sonar bien, quiero decir que a mí me sonaba bien. Era capaz de interpretar, a mi manera, canciones de otros desplazando mis dedos adolescentes por las tres cuerdas, e incluso empecé a crear mis propias canciones, burlándome de los acordes tradicionales, de la métrica y de la armonía, entonces me hice una pregunta: ¿por qué no se podía tocar la guitarra sólo con tres cuerdas? Unos días más tarde, estaba escuchando la radio y la voz del locutor captó mi atención, hablaba de una banda formada por tres tipos en la que no había guitarras, sólo batería, bajo y saxo, aquel melómano visionario pregonaba las grandezas de esta nueva formación y entre sus peculiaridades citaba que su bajista le había extirpado dos cuerdas a su instrumento, aquella banda era Morphine y aquel heterodoxo bajista era Mark Sandman; sin duda me había encontrado con mi alma gemela.

Decir Morphine es decir Mark Sandman, es un ejemplo típico de cantante o "frontman", como dicen los anglosajones, que fagocita al resto de la banda. La personalidad de Sandman, su azarosa existencia, y sobre todo su trágico final, han dado forma a una de las principales figuras de culto de la música en los últimos 25 años. Poco se sabe de los primeros años de vida de Mark Sandman, salvo que nace en 1952 y que tras finalizar sus estudios universitarios comienza a trabajar en un barco pesquero. Será a mediados de los años ochenta cuando comience la documentada relación de Sandman con el mundo de la música, durante esa etapa se afinca en Boston y entra a formar parte de una banda denominada Treat Her Right, una formación de raíces blues y con regusto punk, Sandman tocará la guitarra y coincidirá con un futuro miembro de Morphine, el batería Billy Conway. A lo largo de sus cinco años de existencia la banda consigue alumbrar tres discos de estudio y cosechar algún que otro éxito de repercusión local, al mismo tiempo, Sandman actúa de manera anárquica e independiente, colaborando con numerosos músicos, además de liderar nuevos proyectos, como Treat Her Orange, Supergroup, y sobre todo Hypnosonics; uno de esos proyectos tomará forma en 1990 bajo el nombre de Morphine. Sandman contará con los saxos de Dana Colley, que procedía de otra banda llamada Three Colors, y con las baquetas de Jerome Dupree en la primera formación de Morphine, desde el principio se muestran como una banda diferente, con una propuesta musical arriesgada y valiente: una batería, un saxo y un bajo, personalizado por Sandman y tocado con slide, nada más. El resultado de este experimento será un sonido áspero, grave, pero tremendamente seductor, una mezcla de jazz, con graves líneas de bajo que recuerdan al funk, y blues pantanoso, con unas letras cercanas a la literatura beatnik, cargadas de poesía sucia, que aluden a experiencias con psicotrópicos y a situaciones tormentosas, interpretadas por la voz cavernosa de un Mark Sandman en estado de gracia; el eslabón perdido entre Iggy Pop y Nick Cave. De este modo, Morphine debuta en 1991 con un disco titulado "Good", como curiosidad hay que señalar que a mitad de la grabación del primer álbum de la banda se produce un cambio de batería, y Billy Conway, con quien Sandman había coincidido en Treat Her Right, pasará a hacerse cargo de las baquetas. "Good" ve la luz en el sello independiente Accurate / Distortion (más tarde sería reeditado en Rykodisc, en 1992) y sorprende a propios y a extraños, nadie había oído algo parecido, su refrescante originalidad le allana el terreno y le hace un hueco en casi todas las emisoras de radio, las críticas de la prensa especializada se deshacen en elogios hacia el debut de Morphine y pronto llegará el contrato con Rykodisc.

En 1993 Morphine graba su segundo trabajo, "Cure For Pain", el disco que contribuirá a consagrar al trío de Boston, una de las obras maestras de la música en estos últimos años. El éxito de "Cure For Pain" será tremendo, Morphine se convierte en la banda de moda, constantes apariciones en la televisión, vídeos en la MTV, y en plena efervescencia de los festivales de verano, serán objeto de deseo de todos los promotores de conciertos. La salida del disco lleva aparejada una intensa promoción y una interminable gira por Europa, finalmente se venden 300.000 copias del "Cure For Pain", unas cifras apabullantes para un sello como Rykodisc y para una banda tan personal e inclasificable como la de Boston. "Yes" será el sucesor de "Cure For Pain", un disco esperadísimo por la crítica internacional que había quedado atrapada por la hechizo hipnotizador del segundo disco de Morphine, corre el año 1995 y la banda ya se encuentra plenamente afianzada en la escena mundial. Con su tercer álbum la banda de Boston busca un sonido más accesible, pero sin perder la marcada personalidad de la que hacían gala sus predecesores, la propuesta sigue siendo la misma, aunque con matices que contribuyen a suavizarla para hacerla menos indigesta ante la maquinaria del mainstream; se trata de un disco lleno de instantes brillantes, aunque un peldaño por debajo de "Cure For Pain". Dreamworks (sello que más tarde sería comprado por Universal) echa sus redes sobre Morphine y en el año 1997 edita su cuarto disco de estudio, "Like Swimming", Sandman y los suyos no parecen sentirse del todo a gusto trabajando para una potente discográfica y firman su disco más flojo, no se trata de un disco malo, pero evidentemente pierde enteros si lo comparamos con trabajos de la talla de "Cure For Pain" o "Yes". Los temas del cuarto disco de Morphine han perdido la intensidad de la que hacían gala los mejores temas de sus anteriores discos, la fórmula, aunque sigue convenciendo, ha dejado de resultar original e incluso parece generar cierto hastío en sus creadores. Sandman es consciente de que la banda necesita dar un paso más allá, que necesitan dar forma a un disco que esté, como mínimo, a la altura de "Cure For Pain" y que suponga un punto de inflexión en la carrera de Morphine, de modo que se embarca en un proceso creativo de enorme intensidad que hará mella en la salud del bajista y cantante. También en 1997, Rykodisc aprovecha para apurar las migajas del pastel de Morphine, sacando al mercado un disco que recoge las caras B's y rarezas que la banda creó bajo su auspicio, su título "B-Sides & Otherwise". A comienzos de 1999 Morphine se encierra en el estudio para grabar su quinto disco, Jerome Dupree regresa a la banda, pero no lo hace para suplir a nadie, sino para enriquecer a la formación, que pasará así a contar con cuatro miembros. Sandman sigue perfeccionando los temas del último disco, al que deciden llamar "The Night", al mismo tiempo que comienza una intensa gira para la banda que les llevará, entre otros países, a Italia. El 3 de julio de 1999, Morphine toca en directo en los "Giardini del Príncipe" en Palestrina, a escasos kilómetros de Roma, en el festival Nel Nome del Rock, en medio de la actuación, y ante el estupor de todos los presentes, Mark Sandman se desploma, instantes más tarde fallece de ataque al corazón, tenía 47 años.

Aquella noche todo cambió, el pasado, el presente y el futuro de Morphine se fueron al traste como un castillo de naipes. La conmoción en la escena musical internacional fue absoluta, Sandman, azote de los críticos y periodistas por su difícil carácter en las entrevistas, había fallecido en lo más álgido de su carrera, justo cuando había colocado a Morphine entre los grandes de finales de los años noventa y cuando había dado forma a un nuevo disco, del que se sentía muy orgulloso. En ese momento Morphine se disuelve, ya no tenía sentido continuar sin la persona que había liderado este proyecto desde su nacimiento, aquel que era responsable de la práctica totalidad de los temas de la banda, un artista diferente y carismático con una personalidad única. Con la llegada de la nueva centuria, Dreamworks decide editar el disco póstumo de Morphine, el testamento sonoro de Mark Sandman, de este modo "The Night" verá la luz en 2000, al mismo tiempo que Rykodisc pone en el mercado un directo oficial de la banda, titulado "Bootleg Detroit", ¿casualidad u oportunismo? Sea como fuere, Colley y Conway se embarcan en nuevos proyectos, el primero de ellos será Orchestra Morphine, con el que junto a varios amigos de Sandman contribuyen a mantener vivo el espíritu del desaparecido músico, y sobre todo a sentar las bases del Mark Sandman Music Education Fund, creado en apoyo al sistema público de enseñanza musical de Cambridge, Massachussets. Otro proyecto que ha intentado retomar la propuesta de Morphine ha sido Twinemen, que cuenta con Colley, Conway y Laurie Sargent, además los dos componentes de Morphine han creado un sello llamado Hi-n-Dry, en el que han editado una caja bajo el título "Sandbox", que contiene material grabado por Mark Sandman, entrevistas, actuaciones en directo, etc. En 2006 Dana Colley formó la banda A.K.A.C.O.D., con quienes ha grabado un disco en 2008 titulado "Happiness".

"Cure For Pain" es la piedra angular de la propuesta musical de Morphine, su disco más brillante. Es un álbum que te atrapa desde el primer tema, un disco que te engulle sin que puedas remediarlo y te sumerge en un mundo desconocido, donde los instrumentos han mutado y no suenan como solían hacerlo, y los cantantes tienen una extraña e hipnótica voz, a medio camino entre un crooner y un actor de doblaje. ¿A qué demonios suena Morphine? es complicado describirlo, en cierta ocasión un crítico musical le preguntó a Sandman qué tipo de música hacía la banda, el enigmático cantante afirmó: "low rock". Objetivamente podríamos afirmar que el ideario musical de Mark Sandman bebe del jazz y del blues fundamentalmente, aunque sin desdeñar aspectos del rock'n'roll más clásico, el rock independiente americano de los años ochenta, la psicodelia e incluso el funk. Lo que hace verdaderamente único el sonido de Morphine es su bajo, instrumento omnipresente en todos los temas de la banda, el bajo de Sandman es un instrumento de fabricación casera, se trata de un bajo eléctrico despojado de dos de sus cuerdas, las dos existentes están tensadas de manera que emiten la misma nota, y la mayoría de las notas están ejecutadas con un slide, el resultado es lo que el propio Sandman define como "two-string slide bass". Uno de los momentos más brillantes del "two-string slide bass" es el comienzo del tema "Buena", incluido en "Cure For Pain", una de las mejores composiciones de Sandman. Pero el segundo disco de Morphine cuenta con otros grandes momentos, con temas como "I'm Free Now", "All Wrong", "Candy", "Let's Take A Trip Together", o "Sheila", por citar alguno de los clasicos que componen este disco. Las atmósferas que son capaces de crear Sandman con su bajo y Colley con su saxo son sorprendentes, caminan constantemente por el filo de la navaja, nos sugieren ambientes ácidos donde se desatan las más bajas pasiones, y al mismo tiempo nos transmiten una melancolía encubierta, fruto del placer que en ocasiones obtenemos cuando lamemos nuestras propias heridas. Siempre se ha establecido una evidente analogía entre las letras que Sandman escribe para Morphine y la literatura de la generación beat, este hecho se hace patente cuando escuchamos las canciones de la banda, en las que el sexo, las drogas y el rechazo a un modo de vida convencional, entroncado con el "american way of life", es más que evidente; las letras de Sandman son poéticas y sucias al mismo tiempo, evocadoras y oscuras, seductoras y crueles, son, en suma, el complemento perfecto a la música de Morphine. "Cure For Pain" es el gran disco de Morphine, el trabajo en el que encontramos a un trío que funciona como una maquinaria perfectamente engrasada, hasta el punto de que en ocasiones nos cuesta creer que en algunas canciones sólo intervengan tres músicos, es un album en el que se percibe perfectamente la libertad creativa de unos músicos que se encuentran en su mejor momento, un disco con pasajes innovadores que permanecerá para siempre entre las grandes grabaciones del siglo XX.

Es evidente que "Cure For Pain" es un disco que no guarda muchas similitudes sonoras con los álbumes que suelen asomarse por este blog, es una grabación dura, densa, áspera, pero tampoco todos los días de lluvia son iguales, de modo que he querido ver en Morphine el vigor de la tormenta y la inquietud provocada por sus poderosos rayos y truenos; quizás me equivoque, pero pienso que "Cure For Pain" es un disco perfecto para disfrutar de las repentinas tormentas de verano. En cuanto a los extras, he seleccionado cuatro enlaces, el primero de ellos a una completa biografía de Mark Sandman aparecida en The Boston Phoenix, en cuanto al segundo link, os conducirá a una página web dedicada a Morphine llamada The Other Side (que toma su nombre de un tema de la banda incluído en su primer disco, "Good"), he querido completar los enlaces con una entrevista realizada a la banda en Mondosonoro, y por último con un fantástico, y recomendadísimo, especia que Ruta 66 dedicó al trío de Boston en octubre de 1999. En cuanto al vídeo, me he decantado por una actuación en directo de Morphine para la televisión francesa, en la que interpretan dos temas, "All Wrong", incluido en "Cure For Pain", y "Whisper", de su tercer disco, "Yes". Espero que os guste.



BIOGRAFÍA DE MARK SANDMAN EN THE BOSTON PHOENIX

THE OTHER SIDE

ENTREVISTA A MORPHINE EN MONDOSONORO

ESPECIAL MORPHINE EN RUTA 66




MORPHINE- CURE FOR PAIN

Etta James- At Last! (1961)

Hay que tener la cara más dura que el cemento para hacer creer a la gente que los gorgoritos que hacen algunas cantantes de éxito en la actualidad se asemejan, siquiera remotamente, al R&B, al soul, al blues o a cualquiera de los estilos más característicos de la música negra. Hay que tener muy poca cultura musical para intentar vender al personal como artistas representativas de esos estilos a Beyoncé, Duffy, Anastacia, y un largo etcétera de cantantes de las que sólo se puede salvar, y con un aprobado muy justito, a Amy Winehouse. La industria discográfica, consciente de la paupérrima calidad de algunos de sus lanzamientos, ha intentado lavar su imagen recurriendo a sonidos y a estilos que han marcado un hito y que han creado escuela en la historia de la música. De este modo se catalogan en la actualidad grupos de neo-psicodelia, artistas de soul y crooners con una frivolidad pasmosa. La diferencia entre estos supuestos revivals y su fuente de inspiración es muy simple, podremos oir una y mil veces el famoso "Rehab" de la Winehouse en la radio, nos bombardearán en la tele con sus actuaciones, los críticos que lamen la mano que les da de comer calificarán con 5 estrellas a su disco, pero en 5 años todos nos habremos olvidado de ella (eso espero); en cambio basta con escuchar a Etta James cantando "Anything To Say You're Mine" una sola vez para no olvidarla en toda nuestra vida. Es la diferencia existente entre la música que sale del corazón y la que sale de las mentes de algunos productores ávidos de dólares.

Hecha esta declaración de principios y este análisis (personal, que conste) de la impostora música soul y R&B que se nos vende hoy en día, no me queda más que presentar a la artista que hoy nos ocupa, que no es otra que la grandísima Etta James. Jamesetta Hawkins nace el 25 de enero de 1938 en Los Ángeles y desde prácticamente la cuna demuestra un sentido innato para la música, hasta el punto de que muchos expertos la tachan de niña prodigio, lo cierto es que con tan sólo 5 años esta futura leyenda del R&B y del soul (del de verdad, ojo) ya forma parte de un coro de Gospel. En 1950 Jamesetta se traslada a San Francisco donde formará parte de un grupo junto a otras dos adolescentes, dos años más tarde el pionero del R&B Johnny Otis hace una audición al grupo; Otis se convertirá en un figura clave en la vida de Jamesetta, ya que será el responsable del nuevo nombre de esta joven, él le sugirió invertir el orden de su nombre real y separarlo, de este modo Jamesetta se convirtió en Etta James. En contra de la voluntad de su madre, la renovada Etta regresa a Los Angeles para grabar un tema junto a la banda de Otis y el vocalista Richard Berry (no confundir con Chuck Berry, Richard Berry es el responsable del célebre "Louie Louie"), "Roll with me Henry" será uno de sus primeros éxitos, aunque la moral de la época forzó a cambiar el título de la canción por sus supuestas connotaciones sexuales, de este modo la canción se escucharía a través de las ondas hertzianas de todo el país con el título de "The Wallflower"; corría el año 1955.

El trío vocal The Peaches (nombre que aludía a uno de los apodos de Etta), del que formaba parte Etta James, no tardaría en disolverse, aunque ella seguiría en Los Angeles colaborando como solista en algún tema para Modern Records. Será con la llegada de la nueva década cuando comiencen a escribirse las páginas más brillantes en la carrera musical de Etta James, cuando en 1960 se desplace a Chicago para firmar con Argo, subsidiaria de la célebre Chess Records. Etta James se destapa como la gran intérprete que es, perfecciona un estilo personal que había comenzado a moldear desde muy joven y se convierte en una cantante única, capaz del desgarro, del grito, poseedora de una naturalidad pasmosa y tremendamente transgresora para una sociedad como era la de los USA en los 60's. En ocasiones el histrionismo de sus actuaciones en directo era considerado obsceno por las mentalidades más conservadoras de la época, lo cual le acarreó algún que otro problema con las autoridades, que siempre estaban atentas a sus shows. Leonard Chess, "capo" de Chess Records, vio en Etta James a la perfecta intérprete de baladas, que edulcorada con un poquito del pop americano de la época podría dar un gran resultado de ventas, por ello inundó sus primeras grabaciones de violines, buscando ese toque dulce y pícaro al mismo tiempo. Pero la voz de Etta no se podía edulcorar con secciones de cuerda, mostraba un timbre áspero y desgarrado, y su forma dramática de interpretar le acercaba más a su idolatrada Billie Holiday que a las clásicas cantantes de los 60's cuyos temas sonaban en imberbes bailes de graduación. Precisamente de esta primera época en Chess es "At Last!", para muchos su mejor trabajo.

"At Last!" no es sólo un disco de R&B, es un trabajo muy variado en el que Etta James se mueve como pez en el agua por terrenos tan diversos como los standards de jazz, ejemplo de ello son "Stormy Weather" y "A Sunday Kind of Love", o clásicos del blues como el archiconocido "I Just Wanna Make Love To You" de Willie Dixon (¿os imagináis en la España de los 60's a una mujer cantando "Yo sólo quiero hacerte el amor"?). En todos los temas del disco nos encontramos con una intérprete en estado de gracia con una cantante diferente, que pasa cómodamente de registros frágiles y sutiles a otros en los que se exige energía y pasión, una artista completa que consigue dar vida a una de las mejores sesiones de Soul y R&B de la historia de la música. Etta James seguiría vinculada a Chess Records y grabaría éxitos de la talla de "Tell Mama" o la escalofriante "I'd Rather Go Blind", ya hacia el final de su carrera en este sello, en 1975, intentó aproximar su estilo a los sonidos cercanos al rock, que poco a poco condenaban irremisiblemente al olvido a toda una generación de artistas que habían situado la música negra en las cotas más altas de popularidad y de calidad de toda su historia. Llegarían años complicados en lo profesional y en lo personal para Etta James hasta que regresase con un nuevo trabajo en 1988, desde entonces ha grabado varios discos con desiguales resultados, muy alejada de aquella mujer que causó un tremendo impacto en la mojigata América de los años 60's con su voz desgarrada y su provocativa actitud.

La complicada vida de Etta James la cuenta ella misma en el libro "Rage To Survive", en el que describe con todo lujo de detalles sus adicciones, sus problemas personales y sus éxitos. En el año 2001 entró en el Blues Hall of Fame y en 2003 recibió un Premio Grammy en reconocimiento a toda una carrera. Lo último que he oído es que se va a hacer una película (no sé si ya se ha estrenado, la verdad es que el cine actual americano me interesa más bien poco, salvo honrosas excepciones) titulada "Cadillac Records", que narra la historia de Chess Records y en la que Etta James estará interpretada por... sí, acertasteis, Beyoncé Knowles, en fin, más de lo mismo. De regalo os dejo un vídeo que no tiene desperdicio, Etta James interpretando en directo "Something's Got A Hold On Me" en un programa de la tele estadounidense en 1966, no os lo perdáis. Espero que os guste.




ETTA JAMES- AT LAST!

Dayna Kurtz- Another Black Feather... (2006)

Realmente ya no sé que me queda por decir de esta increíble mujer. He dado todos los datos que he sido capaz de encontrar sobre ella, he dejado enlaces a vídeos, a entrevistas, prácticamente me he entregado en cada uno de los post que le he dedicado, hasta el punto de sentirme como si le hubiera brindado una declaración de amor incondicional. Todo esto hace que sea difícil, muy difícil, escribir un nuevo post sobre Dayna Kurtz, lo fácil sería caer otra vez en la repetición, esbozar una nueva oda a su incombustible voz, a su eclecticismo musical y deshacerme en halagos hacia una artista que está llamada a ser una referencia eterna en la música de nuestro tiempo. Tengo por lo tanto dos problemas: el primero es que no me gusta resultar aburrido y el segundo que no me gustan las cosas fáciles, por lo tanto este post es un verdadero desafío, espero estar inspirado.

En primer lugar parto con una ventaja, si sois lectores asiduos de este blog, no creo que tenga que presentaros a Dayna Kurtz, por ello me ahorraré la cortesía habitual de las presentaciones. Tampoco creo que sea necesario hablar de sus anteriores trabajos, creo que los dos primeros discos de Dayna Kurtz están entre los posts con más comentarios de este blog, lo que indica que han sido muy bien acogidos y que han tenido un enorme éxito de crítica y público. Por ello me veo obligado a hablaros directamente de éste, que es el último trabajo hasta la fecha de Dayna Kurtz, "Another Black Feather...". Tras el éxito de sus dos primeros trabajos, Dayna Kurtz se enfrentó hace un par de años a la responsabilidad de poner en la calle un nuevo disco. Ella sabía que la crítica iba a ser muy exigente con ella, dos discos bien trabajados e inspirados ya no son una mera casualidad, por lo que este tercer disco de estudio generaba una gran expectación entre los críticos musicales y una gran presión en la cantante neoyorquina. Dayna Kurtz resolvió que la manera de salvar esa presión era la honestidad y la sinceridad, quizás lo más fácil (o al menos el camino que habrían tomado otros músicos) hubiera sido hacer un corta-pega de sus dos primeros trabajos, pero ella decidió buscar el aislamiento y la inspiración para extraer todos y cada uno de los sentimientos que se esconden en su interior, y lo hizo abandonando su querida Nueva York y marchándose al desierto de Arizona. Alejada de la multitud y de la vida ociosa de la Gran Manzana, a Dayna no le quedaba más remedio que tocar y componer, disfrutar, y a veces sufrir, el silencio y la soledad que la rodeaban y que le ayudaban, de una forma casi chamánica, a dar forma a su nuevo disco. Si somos capaces de agarrarnos de la mano de Dayna Kurtz mientras escuchamos este disco, podremos respirar el desierto de Arizona en algunas composiciones, un aroma que no encontrábamos en sus anteriores trabajos y que se destapa en composiciones como "Showdown"; una novedad que convive a la perfección con los paisajes cotidianos que acostumbra a dibujar Dayna Kurtz en sus discos. Del country al blues, de la melancolía de la chanson a la fuerza del rock, del descaro cabaretero al intimismo acústico; pocos artistas son capaces de ofrecer más en menos de 45 minutos, pocas cantantes se sienten cómodas en todos estos registros, y lo más importante, nadie, absolutamente nadie, en el panorama musical de la actualidad tiene un tesoro en la garganta como el de Dayna Kurtz, todas éstas son razones más que suficientes para escuchar "Another Black Feather...". El disco está producido, una vez más, por Randy Crafton y cuenta con la colaboración de los siguientes músicos: el bajista Dave Richards, Peter Vitalone a los teclados y acordeón, el cantautor Malcolm Holcombe, Matt Darriau y Frank London, de los Klezmatics; Jorge Alfano al charango, Rob Curto al acordeón, y por último con los miembros de la banda Tarantula AD, Danny Bensi, Saunder Jurriaans y Gregory Rogove. En cuanto a las composiciones, son, de nuevo, soberbias, con un toque de sobriedad allí donde es necesario y con una pizca de desgarro cuando la situación lo requiere; Dayna Kurtz se desnuda de tal manera que en ocasiones nos hace sentir como meros voyeurs, incapaces de hacer nada ante la contemplación de tanta belleza, en ocasiones descarnada y en otros momentos frágil y huidiza.

En definitiva el tercer disco de estudio de Dayna Kurtz, el cuarto de su carrera, es de nuevo una demostración de fuerza y talento, tal vez sea la consagración, como indican muchos críticos, de esta diva de la canción americana; para mí en cambio Dayna Kurtz está en las antípodas de un término como el de diva, su talento la aleja enormemente de la frivolidad y de la lejanía de las que suelen hacer galas las divas, ella es cercana y muestra una sinceridad insusual en los tiempos que corren, y más si cabe en el negocio de la música. Dayna Kurtz es como esa amiga que está tocada por un ángel especial y que siente cierto pudor a reconocerlo, Dayna Kurtz sigue siendo esa artista que todavía se sonroja al escuchar los aplausos de un público entregado y enamorado de su voz y de su talento. Que así sea por muchos años. Dicho esto, os dejo con un video en el que Dayna Kurtz interpreta en un directo acústico uno de los mejores temas de este disco (tenéis que verla en directo, de verdad, hacedme caso), "Nola", su particular homenaje a una ciudad que cuando salió este disco a la calle se enfrentaba a una de las peores pesadillas de su historia, Nueva Orleans; gracias Mr.Bush. Espero que os guste y que lo disfrutéis, es un verdadero regalo para los sentidos. ¿Qué tal lo he hecho?.




DAYNA KURTZ- ANOTHER BLACK FEATHER...

Dayna Kurtz- Postcards From Downtown (2003)

Hola a todos de nuevo. Una vez acabado este primer período vacacional, en el que por cierto ha llovido y mucho, retomo la nave donde la dejé, agradeciéndoos una vez más vuestras visitas y vuestros comentarios. Los blogs no tienen sentido sin visitantes (en caso contrario nos encontraríamos ante una extraña mezcla de onanismo dialéctico al servicio de una conducta cybernarcisista, ¿existe eso, doctor?) y hay que estar muy pendiente de vuestras opiniones, quejas, impresiones y pareceres; es por ello que hoy vuelvo al ruedo con este disco, ya que el anterior trabajo de Dayna Kurtz que apareció por este blog es el post con más comentarios hasta la fecha y, afortunadamente, todos son muy positivos.

"Postcards from Downtown" es el primer trabajo de estudio de Dayna Kurtz, un disco que dejó boquiabiertos a muchos críticos y que fue valorado como uno de los mejores trabajos del año 2003. Es la tarjeta de presentación de esta mujer que está llamada a ser, si no lo es ya, uno de los grandes nombres de la música de nuestro tiempo, una gran dama que sabe combinar perfectamente los ingredientes necesarios para facturar discos de una belleza estremecedora. Diez temas propios, ni una sola versión, coronan un disco que roza la perfección y que, a pesar de algunas referencias, demuestran que esta mujer posee una personalidad extraordinaria y arrebatadora, aparte de una voz única que debería ser declarada Patrimonio de la Humanidad. Personalmente me resulta complicado hablar de Dayna Kurtz ya que enseguida me deshago en elogios hacia ella y pierdo cualquier resquicio de objetividad, por ello os voy a dejar con una reseña de Ophelia Management, en la que se repasa su trayectoria; es la típica información que se hace llegar a los promotores de conciertos con el fin de que contraten a los artistas que ellos representan, a mí desde luego me convencerían de inmediato.

" Sé cómo encajar toda clase de ofertas despiadadas... ("Postcards From Downtown")

Si alguien nos pidiese que citásemos un artista que abarcase en su obra todo lo mejor de la música del siglo pasado, no lo deberíamos dudar ni un segundo: Dayna Kurtz.
¿Cómo es posible? Ella diría que Postcards From Downtown es su primer álbum, aunque, si se indaga un poco más, podríamos discutirlo. Hay seguidores que guardan celosamente alguna grabación en directo; otras se pueden encontrar en páginas de subastas de Internet. Parece ser que existen, también, diversas casetes de sesiones registradas con distintos músicos y productores como Bob Power (D'Angelo, Me'shell N'degeOcello, Erykah Badu) o Craig Street (Cassandra Wilson, Joe Henry, kd Lang). Además, en la propia web de la cantante hay a la venta una grabación de un recital titulado Otherwise Luscious Life.
Todo esto quiere decir que Dayna Kurtz no es una recién llegada. Es más, lleva más de diez años dando conciertos y siguiendo la estela de los músicos de antes de que apareciera el registro sonoro: dar a conocer sus canciones y exponerlas al público. La edición de discos ha sido, hasta ahora, secundario, ni tan siquiera una meta.
Esta mujer, que se define a sí misma como un "animal de carretera" ha pasado esta última década conociendo las pequeñas salas de conciertos de su país y sus ciudades, recorriéndolo en coches de segunda mano y enfrentándose a audiencias ruidosas que no sabían quién era, pero a las que conseguía acallar desde la primera canción. Ha hecho giras sola y abriendo para otros artistas como Chris Whitley, Richie Havens, B.B. King o Ladysmith Black Mambazo.
Ya en 1997, sus compañeros, alertados por lo que se avecinaba, la eligieron mejor compositora del año y la compañía Bug Music (Johnny Cash, Ryan Adams, Buddy Guy, Los Lobos, Wilco) se hizo con los derechos de edición de sus canciones, aunque ella prefirió seguir con sus recitales o retirada en el molino en el que vive y encuentra inspiración, en una ciudad al norte del Estado de Jersey.
Si representa tan bien la música del último siglo, es porque su voz tiene el calor y el compás de las viejas divas del jazz, como Billie Holiday, Betty Carter o Nina Simone, del blues, como Bessie Smith, o del soul, como Aretha Franklin. A ello se le debe añadir el efecto dramático que sólo Tom Waits o Marianne Faithfull poseen, la belleza de los textos de Suzanne Vega, el ingenio poético de Leonard Cohen, la intensidad de Jeff Buckley y Van Morrison, ecos de Patti Smith, Laura Nyro, Joni Mitchell.
Pero, por mucho que evoque a otros, Dayna Kurtz no suena a nadie más. Además, es una excelente guitarrista, intercalando sus textos en unas melodías a ratos lánguidas, en otras ocasiones desgarradas. En los últimos tiempos le ha añadido a sus canciones el color de una guitarra slide, con lo que sus canciones se han reforzado.
En Postcards From Downtown, el álbum que la presentó en sociedad ya hace tiempo, despliega todo su arsenal. Desde el estribillo lleno de rabia de "Miss Liberty" al emocionante blues de "Last Good Taste", del contagioso vals "Fred Astaire" a la balada country "Just Like Jack", Dayna Kurtz utiliza su amplio registro vocal y su desbordante guitarra para mostrarse en todo su esplendor.
Hasta entonces Dayna Kurtz era el secreto mejor guardado de la música americana, pero con Postcards From Downtown el secreto se reveló en toda su magnitud a todo aquel que quiso descubrirlo. Lo que hace de este disco algo tan especial no es sólo su voz y su guitarra, sino su habilidad para contar historias y para escoger los instrumentos adecuados para que emitan los sonidos más adecuados en el momento justo. Lo que sitúa a Postcards From Downtown en una liga diferente es que, como las mejores novelas negras americanas, puede olerse, saborearse y sentirse.
Está impregnado de peligro, sexo voraz y personajes desquiciados que protagonizan cada una de sus postales dando vida a un paisaje de confusión doloroso. La tensión que se apodera de la atmósfera desde que suena el violonchelo de la canción que lo abre, "Fred Astaire", nunca decae. Los protagonistas de sus canciones se muestran desesperados, buscando alguien o algo a lo que agarrarse, aunque la mayor parte del tiempo sólo consiguen asirse al fino aire. Algunas veces, incluso acaban ahogándose con sus botas puestas, como en "Somebody Leave A Light On."
Postcards From Amsterdam, un DVD que incluye una actuación ofrecida en la Sala Paradiso de Ámsterdam, fue editado a continuación. El recital fue grabado por técnicos holandeses -conviene recordar que, hasta el momento, ése es el país en el que mejor respuesta encuentra- y, junto a sus habituales Dave Richards al bajo y Randy Crafton a la batería, aparece el músico holandés Roel Spanjers tocando teclado y acordeón.
Para su segundo disco oficial, Beautiful Yesterday, Dayna Kurtz acudió tanto a las canciones compuestas por ella, emocionantes una vez más, como a las versiones de gente tan distinta como Leonard Cohen, Prince o Billie Holiday. En todas, tanto las que mejor salen paradas del envite como aquellas que le quedan más lejanas, sorprende, y eso es algo de lo que pocos artistas pueden presumir. Por lo tanto, parece viva la llama de contar con amigos, conocidos y autores de verdad, lejos de los oropeles, y seguir siendo el secreto más estimulante de la música norteamericana actual sólo al alcance de quien va más allá.
Después llegó el turno de "Another Black Feather", su tercer y último disco, en el que la profundidad y el color de su voz emocionan con nuevos paisajes sonoros que van del drama a la lírica poética, pasando por los espacios abiertos y por claroscuros urbanos, en un abanico que va de la canción de autor a la balada de inspiración country. Una voz que supera todas las etiquetas. Sobrecogedor. " (OPHELIA MANAGEMENT)

Espero que disfrutéis con este disco, canciones como "Love Gets In The Way" (creo que nunca me cansaré de oír esta canción, simplemente es una de las cosas más bellas que he oído en mi vida), "Postcards from Downtown" o "Last Good Taste", están entre mis favoritas y forman parte del repertorio musical que me llevaría a una isla desierta. Ojalá os guste tanto como "Beautiful Yesterday".

ENTREVISTA A DAYNA KURTZ EN MONDO SONORO



DAYNA KURTZ- POSTCARDS FROM DOWNTOWN

Dayna Kurtz- Beautiful Yesterday (2004)

A veces a uno le resulta complicado entender por qué hay ciertos músicos que triunfan mientras otros no pasan de ser figuras de culto, eternas promesas o genios desconocidos para el gran publico; el negocio de la música tiene esos misterios. Dayna Kurtz es, al menos para mí, uno de esos casos. ¿Por qué Norah Jones (por cierto, amiga de Dayna Kurtz) vende discos como rosquillas y Dayna Kurtz no? es difícil de comprender, ya que la música de Dayna Kurtz es, en cierta manera, accesible y universal, su voz es una de las mejores del panorama musical estadounidense, su directo es muy solvente (en ocasiones se podría decir que incluso brillante) y su carisma es cautivador. Pero todo ello no parece suficiente para interesar a los grandes medios, aquellos que encumbran o decapitan a ciertos artistas, lo merezcan o no. Puede que la explicación a todo ello recaiga en el carácter independiente de Dayna Kurtz, que seguramente no se plegaría a las exigencias de ningún monstruo mediático, ni de ningún productor avispado; esta mujer representa el lado áspero y crítico de los Estados Unidos de América, ése que no interesa que salga a la luz, ése que se oculta debajo de la alfombra.

Aunque esta cantante haya sido definida como la mejor de su generación, resulta tremendamente complicado encontrar información sobre ella, para hacernos una idea no tiene entrada en wikipedia, y en allmusicguide no se nos cuenta absolutamente nada de su biografía; incomprensible. Es difícil saber cuándo decidió Dayna Kurtz dedicarse al mundo de la música, esta neoyorquina, originaria de Brooklyn, parece haber surgido de la nada, un misterio que contribuye a hacerla más interesante si cabe. Todo parece indicar que esta mujer de aspecto impresionante comenzó a tocar en todo tipo de tugurios, su objetivo no era grabar un disco y hacerse famosa, sino el contacto con el público, disfrutar de la mejor escuela que un artista puede tener. Poco a poco Dayna Kurtz se fue haciendo un nombre, comenzó a colaborar con algunos músicos estadounidenses y emprendió una personal y peculiar carrera dicográfica. Es complicado saber cuál es el debut discográfico de Dayna, aunque parece que últimamente la prensa especializada se ha puesto de acuerdo y señalan "Otherwise Luscious Life" (2000) como su bautismo en la jungla discográfica. Este primer disco es un directo en el que se seleccionan varias actuaciones que muestran lo mejor de un repertorio que todavía se estaba cocinando y que la cantante plasmaría en su siguiente trabajo "Postcards From Downtown" (2002). Ese segundo disco cambió la carrera de Dayna Kurtz, ya que le permitió acceder a otro mercado y a otro público: el europeo. Las críticas que el disco recibió en Europa fueron excelentes, llegando a ser elegido como uno de los mejores trabajos del año; después de diez años trabajando, a Dayna le había llegado el reconocimiento, eso sí, a miles de kilómetros de su casa, en Europa Dayna Kurtz era una de las mejores intérpretes de la década, en Estados Unidos no pasaba de ser una figura de culto, conocida por ser amiga de Norah Jones. No obstante la neoyorquina, que siempre ha hecho gala de un fuerte carácter, ignoraba tal injusticia, dejando claro que nunca había perseguido el tan manido sueño americano. Quizás fuese ese carácter o su marcada independencia artística, la que le llevó en 2004 a poner en el mercado este disco, que es prácticamente un disco de versiones, además de lo más variopintas.

"Beautiful Yesterday", cuenta con tres composiciones propias: "Music Box", "Love Where Did You Go" y "Beautiful Yesterday"; el resto son versiones. Dayna Kurtz quiere hacernos partícipes de su particular banda sonora, compartiendo con nosotros todos aquellos temas que le conmueven, que le inspiran, que tienen un significado especial para ella, y la verdad es que se lanza al vacío y se atreve con todo tipo de estilos y artistas. Dayna Kurtz hace suyas las composiciones de otros en este "Beautiful Yesterday", hasta el punto de que llegamos a creer que es ella quien ha compuesto las canciones que versionea, su personal e inimitable voz dota a todas las canciones de este disco de una originalidad que sólo los genios son capaces de proporcionar cuando se enfrentan a una composición ajena. Algunos de los artistas y canciones que Dayna versionea en este disco son: entre otros, "Left Alone" de Billie Holiday, "I Got It Bad (And That Ain't Good)" de Duke Ellington, "Everybody Knows" de Leonard Cohen, "Joy In Repetition" de Prince, "Those Were The Days", un tema de raíces ucranianas popularizado en la década de los sesenta por Mary Hopkin, "Parlez Moi d'Amour", una canción francesa del período de entreguerras que hizo famosa Luciene Boyer; todo ello forma una extraña coctelera, de resultado impredecible a simple vista, pero que una vez comienza a sonar nos atrapa y nos convence de que todos los halagos que podamos verter sobre esta cantante se quedan cortos. La voz de Dayna Kurtz es única, llena de registros y de matices, es capaz de pasar de puntillas por el gospel para acercarse al country, al blues y al jazz, se atreve a susurrar, a explorar registros graves, agudos, a potenciar su vibrato, y todo en un mismo tema; es capaz de conmover como pocos artistas pueden hacerlo hoy en día, y la mejor prueba de ello es su directo. El escenario es el habitat por excelencia de esta fiera, capaz de llenar cualquier espacio con la única ayuda de su voz y su guitarra.

Tras este peculiar disco, Dayna Kurtz volvería al mercado discográfico con "Another Black Feather", un disco que quiso dedicar a la ciudad del mundo que más admira, Nueva Orleans. Este trabajo es, hasta la fecha, la última piedra en la carrera de una cantante que está llamada a ser un referente de la música de este siglo. Es un disco muy recomendable, como todos sus trabajos, y que ha cosechado unas críticas excelentes. Dayna Kurtz sigue haciendo lo que más le gusta y lo que mejor sabe hacer, tocar en directo, el 26 de junio tenéis la oportunidad de disfrutar de ella en la Expo de Zaragoza, no os la perdáis. Mientras en Europa es cada vez más conocida y cotizada, en su país esta neoyorquina sigue siendo una joya oculta, un tesoro por descubrir, algo totalmente incomprensible para alguien que fue galardonada por sus propios compañeros como cantautora del año en 1996, 1997 y 1998 (National Songwriters Association Awards). No hay peor sordo que el que no quiere oír. Espero que os guste.

Aquí os dejo algunas de las críticas realizadas al trabajo y a la carrera de Dayna Kurtz:

"La nueva diva de la música norteamericana independiente"
(Fernando Neira , EL PAIS)

"Una poeta de la cotidianidad"
(Javier Márquez, CAMBIO 16)

"La cantautora más apasionante de todos los tiempos"
(Miquel Botella, ROCKDELUX)

"Sublime. La gran revelación de la temporada"
(EL MUNDO)

"Lector educado en las excelencias de la tradicional música americana,
hágase un favor y descubra a mi buena amiga Dayna Kurtz"
(Ignacio Julia, RUTA 66)

"Tiñe el country-folk con una pátina de sensibilidad jazz permeable a la sequedad de la primera Tracy Chapman, el melodrama vocal de Billie Holliday y la exquisita melancolía de K.D. Lang. Inventa sus propios estándares y encaja comparaciones con Tom Waits sin amilanarse"
(Nando Cruz, EL PERIODICO DE CATALUNYA)

"Una voz que enamora, un cruce entre Nina Simone, Billie Holiday y Tom Waits"
(ATIZA.COM)

"Mete en la coctelera country, jazz, pop, cabaret y música orquestal, dando con un jugo de innegable valor que te deja noqueado y esa voz tan Faithfull. Extraordinaria"
(Tony Castarnado , MONDO SONORO)

"América nos sorprende de vez en cuando con francotiradoras como Kurtz, que saben hacer de las cuerdas de una acústica los barrotes donde se aferra la crudeza de la palabra precisa. La melancolía de Cohen, el carácter de Emmylou Harris y el poder evocador de Beth Orton"
(TENDENCIAS)

Y de regalo un vídeo, Dayna Kurtz interpretando en directo el tema "Love Gets In The Way", de su disco "Postcards from Downtown"; simplemente impresionante.



Entrevista a Dyana Kurtz en ArtesHoy
Página web oficial de Dayna Kurtz

DAYNA KURTZ- BEAUTIFUL YESTERDAY