Lucky Fonz III- Life Is Short (2007)

Lejos de pensar que la música sufre una de las mayores crisis de su historia, a mí me ha dado por pensar precisamente todo lo contrario. Considero que hay que ver más allá de la demagogia y del maniqueísmo que nos plantean habitualmente los medios al hablar de las descargas ilegales y de los supuestos daños que las nuevas tecnologías están causando a la música, tal vez el problema es que hay quienes confunden música con industria musical, dos conceptos éstos muy diferentes, ya que mientras que uno se ciñe meramente al acto creativo, el otro atiende a cuestiones de mercado, que poco tienen que ver con la originalidad, la calidad, ni por supuesto la honestidad. No quiero demonizar a la industria discográfica, estaría cayendo precisamente en la demagogia que estoy criticando, también soy consciente de que al paraguas de una supuesta libertad y del progreso tecnológico se amparan toda una serie de delincuentes y de mafias que están sacando su tajada, provocando daños irreparables en una importante estructura social. Pero pienso que si en el siglo XIX fue la fotografía la que liberó a la pintura, abriendo un nuevo campo expresivo, son ahora las nuevas tecnologías las que están liberando a la música de un yugo mercantil y comercial que ejercía un papel casi dictatorial en aspectos como la difusión de nuevos artistas. La primera prueba en la que fundamento mi postura es que ha resurgido con fuerza una de las máximas más auténticas desde el punto de vista musical, el célebre "hazlo tú mismo", en este caso aplicado a la promoción y difusión musical; la muestra palpable son las páginas web de las bandas y herramientas como myspace, recursos que abren una ventana al mundo a los nuevos artistas, cuya única forma de promoción hasta hace unos años era la venta de maquetas en bares o en conciertos (si es que conseguían alguno, claro está). Precisamente los conciertos son el segundo punto, y casi podríamos considerarlo el prioritario, de esta apreciación, la crisis del mercado discográfico ha obligado a sacar a la calle a sus mimados artistas, lo que ha provocado una verdadera proliferación de la música en directo ¿Es mi impresión, o realmente hay más conciertos que nunca? Ésa es la sensación que me invade, curiosamente en un momento en el que programar conciertos es cada vez más complicado, dada la persecución política a la que se ven sometidos algunos profesionales y algunos locales (echad un vistazo a éste link para que veáis como está la situación en Madrid), curiosamente, repito, es cuando más conciertos se pueden ver. Llevo asistiendo a conciertos en mi ciudad desde hace casi veinte años y nunca recuerdo enfrentarme a situaciones como las que me ha tocado vivir últimamente: hace unos meses tuve que decidir entre asistir al concierto de Mark Kozelek, o al de Mark Olson y Gary Louris, porque ambos coincidían en día y hora; del mismo modo me he enfrentado a situaciones como la de éste mismo fin de semana, en el que puedo elegir entre tres conciertos en tres días; figuras de primera línea como Paul Collins han visitado mi ciudad tres veces en un año... Nunca había vivido algo similar, y se supone que vivo en la quinta ciudad en tamaño e importancia de este país, una ciudad en la que cada vez son más escasos los locales donde programas conciertos, y aún así sigue habiendo opciones con cierta periodicidad ¿os ocurre a vosotros lo mismo?

Bajo mi punto de vista, valorando este fenómeno, deberíamos hablar de una pequeña (o gran, según se mire) revolución en el campo de la música, que ha revitalizado la verdadera forma de expresión musical por excelencia, el directo, el contacto con el público, un contexto en el que resulta fácil desenmascarar a los impostores, quizás por eso las multinacionales y las fábricas de ídolos juveniles estén tan rabiosas. Gracias al renacer de la música en directo, podemos disfrutar no sólo de nuestros músicos favoritos, sino de toda una avalancha de artistas inéditos en nuestras tierras que de otra forma nos pasarían desapercibidos, es así como me he acercado a músicos como el que os traigo hoy, el simpar Lucky Fonz III, a quien pude ver en directo hace tan sólo tres meses. Otto Wichers es un cantautor holandés nacido en 1981, y desde su más tierna infancia se muestra interesado en el lenguaje musical, tendrán que pasar varios años para que su transformación en Lucky Fonz III tenga lugar, y para ello será clave su estancia en Escocia. Durante su período escocés, Otto vive principalmente en Edimburgo, donde trabajará como pianista, DJ y músico callejero, será entonces cuando empiece a mostrarse atraído por la música folk, así como por la música norteamericana de raíces; figuras como Bob Dylan, Neil Young, Johnny Cash o Hank Williams, siempre aparecen citadas como sus principales referencias. Tras su regreso a Amsterdam, donde se establecerá definitivamente, y ya bajo el seudónimo de Lucky Fonz III, Otto se consolida como cantautor solista y comienza a dar conciertos de una forma periódica, hasta el punto de que no tardará en adquirir un cierto renombre en los circuitos underground del folk holandés.

La popularidad de Lucky Fonz III irá en aumento, y no tardará en convertirse en un icono del nuevo folk holandés, al mismo tiempo que sus fans se multiplican seducidos por la cadencia de sus canciones y por su peculiar carisma, que le convierten en una especie de Jonathan Richman del folk. En 2006 decide sacar al mercado su primer trabajo, un disco autoproducido y que llevará por título "Lucky Fonz III", el cual será muy bien recibido por la crítica. A partir de entonces Otto se lanza a la carretera, incrementando notablemente sus conciertos, de este modo recorrerá los Países Bajos, e incluso realizará una gira por Australia; durante este período actuará en solitario o prestando sus servicios como telonero a músicos como Jason Molina o Curtis Eller. Será en la primavera de 2007 cuando Lucky Fonz III decida grabar su segundo disco, "Life Is Short", un trabajo más ecléctico, en el que, según la prensa especializada, Otto se abre a nuevos sonidos como la chanson francesa o las melodías gitanas del jazz manouche (a mí me cuesta encontrar alguna de estas influencias...), pero sin perder de vista el folk, el country y el blues, sonidos en los que ha cimentado su personal lengaje musical. Cuando vi a Lucky Fonz III me sorprendió su ambigüedad, su aspecto andrógino, su aire de rubio pillo atrapado para siempre en una eterna adolescencia. Recuerdo el instante en que cesó la música del local como preludio de su actuación, y cómo él se levantó de una banqueta que ocupaba en la barra y pidió, sorprendido, cinco minutos más para ir al baño; el comienzo de su concierto fue, cuando menos, entrañable. Esa sensación se incrementó cuando comenzó a tocar acompañado únicamente de su guitarra y una eterna sonrisa, su voz frágil y los sonidos cálidos que extraía al rasgar las seis cuerdas consiguieron crear un ambiente realmente confortable, que se veía reforzado con el agudo sentido del humor del que este joven de Amsterdan hacía gala. Poco a poco fue repasando los temas de sus dos discos, dando muestras de una verdadera vocación de músico de directo que no paraba de pedirle al público (lamentablemente escaso) que se acercara e interactuara, y así transcurrió más de una hora que consiguió dejarnos a todos con una sonrisa en los labios ¿se puede pedir más? Todo éso es lo que vais a encontrar en "Life Is Short", un artista cercano, un meticuloso creador de canciones que emanan sentimiento y sentido del humor a partes iguales, melodías a medio camino entre las canciones infantiles, como es el caso de "Drops of Water", y baladas monumentales, como la que abre el disco, "Draw Me A River"; un trabajo en el que lo dramático y lo cómico se dan la mano, al fin y al cabo así es la vida. Entre los momentos estelares del disco hay que señalar "Once I Was A Lady", "All My Days", "The Island" y la ya mencionada "Draw Me A River".

Un año depués de sacar al mercado "Life Is Short", Lucky Fonz III se embarcó en una gira por Sudáfrica, pocos meses más tarde recalaría en Europa, donde comenzaría un periplo que le traería por primera vez a nuestro país. En la actualidad, este Peter Pan del folk sigue trabajando en nuevos temas, también escribe canciones para otros artistas y además mantiene activa su faceta como pianista, formando parte del trío de free-jazz Aemstellarcreek. Cuando le preguntan acerca de sus obejetivos como artista, Lucky Fonz III dice lo siguiente (extraído de su página web): "to make many beautiful songs and albums, to give many beautiful performances, to have many beautiful fans, and to be an artist worthy of existence", creo que no necesita traducción. Quiero despedirme, agradeciéndoos que hayáis aguantado el tipo ante una nueva muestra de incontinencia verbal (o gráfica, según como se mire), espero que las reflexiones con las que he comenzado esta entrada sirvan para abrir un pequeño debate en el que cada uno expongamos nuestras impresiones acerca de este tema que tanto nos afecta, la música y las nuevas tecnologías. Tal vez sea un idealista, pero pienso que las discográficas (sobre todo las grandes) no tienen más remedio que asumir que las reglas del juego han cambiado y que el terreno en el que ahora se mueven es totalmente diferente al de hace 10 años; malgastando esfuerzos en luchar contra una lógica fruto de la evolución humana, sólo van a conseguir hacer daño a los artistas, que en muchas ocasiones son los grandes perjudicados. La solución reside en la adaptación al nuevo medio y sobre todo en la honestidad, vuelvo a preguntar, como en su día hice a los responsables de blogger, a todo aquel que quiera responder ¿de verdad pensáis que yo estoy haciendo algo ilegal? En fin, el camino es largo y no nos queda más remedio que recorrerlo todos de la mano: industria, políticos, artistas y ciudadanos.

Y por último los enlaces, no es fácil encontrar información de Lucky Fonz III en la red, a menos de que leas perfectamente el holandés, así que esta vez hay pocos links, tan sólo dos y pocas sorpresas; el enlace a su página web y el enlace a su myspace. También podéis disfrutar de un maravilloso vídeo en el que el artista holandés Dirk Verdult pone imágenes a uno de los temas incluídos en "Life Is Short", se trata de "Seven Years Of Observation". Espero que os guste.


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LUCKY FONZ III- LIFE IS SHORT

Jan & Dean- Save For A Rainy Day (1966)

Los comienzos son siempre complicados, así lo atestiguan la primera cita con la chica que te gusta o el primer día en un nuevo puesto de trabajo. En este caso lo que nos toca comenzar es un nuevo año, y me veo en la obligación (siempre gratificante, por supuesto) de hacerlo con una nueva entrada. Creedme si os digo que le he dado bastantes vueltas al asunto, en primer lugar me debatí sobre la conveniencia de abrir el telón de esta nueva temporada simplemente con un texto cargado de buenos deseos y mejores intenciones, o de hacerlo con un nuevo disco. Finalmente me decidí por lo segundo, al fin y al cabo éste es un blog sobre música, pero ahora surgía la duda más grande ¿qué disco debía elegir? Tras pasar varios días de frustración, días en blanco en los que he sido incapaz de decidirme por un disco, tras devanarme los sesos y desechar opciones, una tras otra, he dado con la solución a este problema existencial. A veces la respuesta a nuestros conflictos está tan cerca de nosotros que somos incapaces de verla, éso es lo que me ha pasado, ¿qué mejor disco para empezar una nueva temporada en este blog lluvioso que "Save for a Rainy Day" de Jan & Dean?

Estoy convencido de que todos vosotros conocéis a Jan & Dean, o al menos seguro que alguna vez habéis oído hablar de ellos, lo que no tengo tan claro es que hayáis oído su música. No creo que me equivoque al afirmar que este dúo californiano es probablemente una de las formaciones más injustamente infravaloradas de la historia de la música. Es posible que la imagen sana, y un tanto frívola, de estos inofensivos adolescentes surferos, más próxima a la del yerno perfecto que a la de un rebelde rockero, sea la responsable del desapego que Jan & Dean han merecido por parte de algunos críticos e historiadores del pop y del rock'n'roll. Pero más allá de aquella fachada que se quería vender se escondía un verdadero talento musical capaz de alcanzar grandes momentos, tanto interpretativos como compositivos, y también una apasionante historia personal trufada de desatinos y desgracias. Todo comienza cuando Jan Berry y Dean Torrence coinciden en el instituto en West Los Angeles, allí serán compañeros de clase y del equipo de fútbol americano, su afición por la música les llevará pronto a cantar junto a otros compañeros, formando el grupo de doo wop The Barons. El grupo realiza versiones de los éxitos de la época, mostrándose como una de las formaciones más sólidas de la zona, fruto de este éxito local deciden presentarse a un concurso de jóvenes talentos, lo que requerirá un buen número de ensayos. Jan Berry se destapa como un joven músico ambicioso que había convertido el garage de sus padres en una especie de estudio de grabación amateur, allí se reunirá la banda, que contará con la ayuda de dos vecinos en sus ensayos, el futuro productor y miembro de The Beach Boys, Bruce Johnston, al piano, y un invitado muy especial a la batería, el mismísimo Sandy Nelson. Finalmente The Barons se disolvieron, aunque Jan Berry seguiría citándose con algunos de sus excomponentes en el garage de sus padres, con la ayuda de sus amigos Berry experimentaba con nuevos sonidos, consiguiendo efectos totalmente nuevos y abriendo un panorama desconocido en la música pop por el que luego transitarían un sinfín de bandas; ojo porque estamos hablando de finales de los años 50's.

Jan Berry no renunciaba a su pasión por la música, y no tardaría en aparecer su primer hit, se trata del tema "Jennie Lee", en el que Jan contará con la ayuda de Dean Torrence y de otro de los antiguos Barons, Arnie Ginsburg. Esta canción, inspirada en una stripper de Los Angeles, aparecería firmada como Jan & Ernie, ya que cuando el single vio la luz Dean Torrance se encontraba realizando el servicio militar; afortunadamente en otoño de 1958 Ernie abandona el barco y Dean finaliza su estancia en el ejército, será entonces cuando quede configurado definitivamente el dúo, habían nacido oficialmente Jan & Dean. Los dos californianos deciden realizar una serie de cambios, entre ellos, deciden buscarse dos nuevos productores, se trata de Lou Adler y, ni más ni menos que, Herb Alpert, los cuatro grabarán un buen número de temas hasta dar con "Baby Talk", con el que conseguirán un número 10 en el verano de 1959; comenzaban con ello los conciertos y las actuaciones en la televisión. Jan & Dean abandonarían el modesto sello Dore Records, que había editado sus primeros singles, y firmarían con una prometedora compañía, Liberty, pero lo que parecía una buena noticia quedaría empañada por la falta de miras de la nueva compañía, que frustró la evolución del dúo, haciendo que se estancaran en los sonidos doo wop. Todo esto haría que sus siguientes singles no alcanzasen puestos de relevancia en las listas, encontrándose el mejor situado de ellos en el puesto 69. Sin embargo este negativo panorama, fruto de los flojos temas que se veían obligados a interpretar, hizo que Jan & Dean comenzasen a escribir su propio material y a autoproducirse. El éxito no tardaría en volver a sonreír al dúo.

El destino puso a Jan & Dean en el mismo camino que el de una nueva y prometedora banda originaria de Hawthorne, California, unos jóvenes que se hacían llamar The Beach Boys, juntos compartirían escenario e inquietudes, lo que hizo que surgiese una profunda amistad entre ellos, sobre todo entre dos de sus miembros, Brian Wilson y Jan Berry, cuya forma de entender la música era muy similar. Precisamente Wilson tenía verdaderos problemas para terminar una canción, su título "Surf City", por lo que decidió regalársela a Jan & Dean para que probasen suerte y experimentasen con ella, el resultado sería el primer número uno del dúo y el comienzo de su etapa más exitosa. El éxito de "Surf City" supuso además una ruptura con sus anteriores singles y sembró el caldo de cultivo necesario para que la creatividad de Jan & Dean entrase en ebullición. No obstante, la popularidad de los singles de Jan & Dean eclipsó en cierta medida a alguna de sus composiciones más ambiciosas y complejas, que pasaban casi desapercibidas en sus LP's, el aire desenfadado y alegre de sus sencillos ocultaba un rico universo de arreglos vocales e instrumentales, un verdadero trabajo de artesanía pop, que pocos supieron valorar en su momento, ni siquiera su propia compañía, responsable de los lanzamientos de aquellos singles. Mientras tanto, la amistad entre Berry y Wilson se consolidaba, hasta el punto de que el papel que Jan Berry desempeñó para que discos como "Pet Sounds" viesen la luz fue importantísimo. Fue Berry quien sugirió a Brian Wilson un cambio en su manera de concebir el trabajo en estudio, y le recomendó, entre otras cosas, que contase con los músicos de estudio que grababan con Jan & Dean, comenzaba una etapa de oro para el pop norteamericano de la mano de The Beach Boys con "Today!"(1965), el citado "Pet Sounds" (1966) y el polémico Smile (que vería la luz definitivamente en 2004); era la contundente respuesta de los USA a la British Invasion.

Volviendo con Jan & Dean, su carrera de éxitos menores continuaba hacia 1965, el dúo seguía colocando sus sencillos entre el top 30, aceptaron aparecer en un telefilm (después de declinar un sinfín de ofertas) y todavía les quedaba tiempo para los experimentos sonoros de Jan Berry, que se encargó de la producción y de los arreglos de "Pop Symphony No.1", un disco que revisaba en clave orquestal los éxitos del dúo. Lamentablemente este idílico panorama se vería súbitamente alterado, en abril de 1966 Jan sufre un terrible accidente de tráfico. Las consecuencias del siniestro fueron terribles, hasta el punto de que Jan sufrió graves daños cerebrales y tuvo que volver a aprender a andar y a hablar, su carrera musical se había desintegrado junto con los fragmentos de su Corvette Stingray. Por su parte, Dean Torrence comenzó una existosa carrera como diseñador gráfico, pero antes grabaría este disco que nos ocupa, "Save For A Rainy Day". A pesar de las secuelas sufridas, Jan se recompuso y tras una larguísima rehabilitación pudo reunirse en alguna ocasión con Dean, de este modo reaparecieron esporádicamente durante los 80's y los 90's, e incluso grabó un disco en solitario en 1997 titulado "Second Wave". En 2004 fallecía Jan Berry a la edad de 62 años.

"Save For A Rainy Day" ve la luz en 1966 y se puede catalogar como un album conceptual, ya que tiene la lluvia como leitmotiv, se trata de un disco que se articula en torno a la lluvia y que utiliza incluso efectos de sonido para encadenar un tema con otro. Como señalábamos, Dean Torrence grabó este disco en ausencia de Jan, aunque utilice el nombre artístico de ambos para firmarlo, fue como una especie de reivindicación del dúo en un momento muy difícil, unos instantes en que Jan Berry se encontraba postrado en la cama de un hospital. Las intenciones de Dean eran por lo tanto nobles, en ningún momento buscaba aprovecharse del nombre de Jan & Dean, sino que más bien estaba abonando el terreno para una reaparición de la pareja confiado, como estaba, de que la recuperación de su compañero sería inminente. Lamentablemente no fue así, si bien es cierto que Jan consiguió salir adelante y evolucionar favorablemente, no lo hizo con la rapidez que esperaba Dean, sin duda ese accidente de tráfico sesgó una de las carreras musicales más prometedoras de los 60's ¿qué habría sido de Jan & Dean si ese siniestro no hubiese tenido lugar? En cuanto a Dean se encontró en una difícil situación, puesto que quien se encargaba de las tareas compositivas en el dúo era Jan, por eso en este "Save For A Rainy Day" se ve obligado a realizar versiones. Dean contará con la ayuda de varios amigos a la hora de escribir y realizar los arreglos del disco, entre ellos, Joe Osborne, Larry Knetchel y James Burton, pero de todos los nombres propios de este disco sobresale uno, se trata de Gary Zekley, santo y seña del sunshine pop. La mano de Zekley está presente en los dos mejores temas del disco, "Yellow Balloon" y "Like A Summer Rain", que anticipan el trabajo que este compositor y productor llevaría a cabo más tade con su propia banda, también llamada Yellow Balloon; las malas lenguas dicen que Zekley creó esta banda con el objetivo de volver a grabar otra versión de "Yellow Balloon", ya que no había quedado contento con el resultado de la grabación de Jan & Dean, sea como fuere, el resultado fue la grabación de uno de los mejores singles de sunshine pop de la historia. Es evidente que "Save For A Rainy Day" no es el mejor disco de Jan & Dean, tal vez no lo sea por la calidad que se le exige a un dúo que estaba mostrando una evolución fuera de lo común en la música pop de los primeros 60's, y evidentemente no lo es dada la ausencia de Jan Berry. A pesar de ello, este disco lluvioso tiene algo especial, el trabajo que se hace de las voces sigue siendo cuidadoso y artesanal, y en ocasiones destila un espíritu casero que lo hace particularmente entrañable. En su momento este disco no tuvo una gran repercusión, ya que se hizo una reducida tirada del mismo, con el tiempo se convirtió en algo así como "el disco perdido de Jan & Dean", hasta que la crítica, y la tecnología, consiguió rescatarlo del olvido gracias, entre otras cosas, a la reedición llevada a cabo por el sello Sundazed en 1996.

En fin, sólo puedo deciros que si habéis llegado hasta aquí sois unos verdaderos campeones, la verdad es que esta vez me he extendido más de la cuenta, pero creo que la historia de Jan & Dean bien lo merecía. Ahora no me queda más que dejaros con unos enlaces y un vídeo; entre los enlaces encontraréis la página web oficial de Jan & Dean y la biografía del dúo californiano en Wikipedia, ambos enlaces en lengua bárbara, para quienes sólo entendéis la lengua culta os dejo dos enlaces más, uno de ellos os conducirá a la página web Aloha Criticón, donde podréis disfrutar de una biografía de Jan & Dean en perfecto castellano del Siglo de Oro, y el otro link os brindará la oportunidad de disfrutar de una breve reseña de "Save For A Rainy Day" aparecida en un blog llamado Pepsounds. Y por último el vídeo, no ha sido fácil encontrar un vídeo convincente de Jan & Dean, de hecho el que he elegido no me convence pero me hace bastante gracia, aunque no sea su mejor tema ni ejemplifique la faceta de Jan & Dean que queremos mostrar, os dejo con una actuación de los rubísimos californianos vestidos de marinerito e intentando seducir a una ingenua sirena al ritmo de "There's A Girl", cuidado, el exceso de almíbar de este vídeo puede dañar la salud, quedáis advertidos. Por mi parte, os doy las gracias por aguantar este tostón. Espero que os guste.


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JAN & DEAN EN WIKIPEDIA

BIOGRAFÍA DE JAN & DEAN EN ALOHACRITICON

RESEÑA DE "SAVE FOR A RAINY DAY" EN PEPSOUNDS




JAN & DEAN- SAVE FOR A RAINY DAY

Jesse Sykes & The Sweet Hereafter- Oh, My Girl (2004)

Da gusto ejercer de anfitrión cuando se recibe a un viejo conocido, una de esas amistades que, de antemano, sabes que te van a hacer pasar un buen rato. Eso es lo que me ocurre con Jesse Sykes, que visita por segunda vez Rainy Day Music. En su anterior aparición, Jesse dejó muy buen sabor de boca entre los asiduos a este lluvioso blog, así que estoy seguro de que en esta ocasión va a ser recibida por todos vosotros con los brazos abiertos; de hecho me consta que hay quien esperaba ansiosamente la reaparición de esta señorita de infinita e impoluta cabellera y de personal voz. A mí me encanta reencontrarme con gente tan especial como Jesse Sykes en mi blog, pero por otro lado me complica, en cierta manera, la redacción de entradas, ya que lo he dicho prácticamente todo sobre ella. Así que ahora me enfrento a una complicada situación: hablaros de Jesse y de su música sin resultar reiterativo, ni caer en los clichés o comparaciones que ya he utilizado con anterioridad. Como considero que la artista en cuestión no necesita presentación (al menos en esta bitácora) pasaré directamente a hablaros de éste, su segundo disco, "Oh, My Girl".

En líneas generales, Jesse Sykes continúa el camino que había trazado en su primer trabajo, ¿para qué cambiar algo tan personal, algo que funciona y que es capaz de transmitir tantas emociones? Los ritmos lentos y los ambientes desérticos y fronterizos siguen teniendo un protagonismo absoluto en "Oh, My Girl", un disco que nos obliga a destacar, de nuevo, el trabajo de las guitarras, como ya lo hiciéramos con "Reckless Burning". En muchas ocasiones se cumple con Jesse Sykes y su "Dulce Porvernir" la máxima de "menos es más", las composiciones de este disco son engañosamente sencillas, bases rítmicas muy elementales que se enriquecen con un trabajo instrumental mayúsculo en el que descubrimos un sinfín de matices a cada escucha, a la vez que nos rendimos ante un guitarrista sobresaliente como es Phil Wandscher. La voz de Jesse sigue sonando tan ambigua y agridulce como en su primer trabajo y, aunque en algunos temas dibuje paisajes más luminosos que los de su primer disco, sigue siendo en los temas más oscuros y desesperanzadores, en los que mejor se mueve. Todo ello da forma a una cantante única, que apoyada en una banda maravillosa, se ha convertido en una referencia obligada (y difícilmente catalogable) en el panorama musical actual. La producción de este disco corre a cargo de Tucker Martine, un multiinstrumentista sobrado de talento y que ha trabajado con gente como Mudhoney, Sufjan Stevens, Laura Veirs o The Decemberists, entre otros, y que sabe sacar el mejor partido posible a las infinitas virtudes musicales e interpretativas de esta banda. "Oh, My Girl" es, en resumidas cuentas, un segundo disco fantástico, un trabajo que mantiene perfectamente el tono de "Reckless Burning", que aprovecha todas y cada una de las virtudes de su antecesor y que satisfizo, con creces, a quienes esperaban la secuela del sorprendente debut de Jesse Sykes & The Sweet Hereafter . Entre los momentos álgidos del disco se encuentran las magníficas guitarras de "Your Eyes" (para mí, el mejor tema del disco), el violín de "You are not Gotten Here", la voz de Jesse en temas como "Tell The Boys", la exquisita orquestación de "Birds Over Water", y la personalidad de canciones como la que da título al disco, un tema que inconfundiblemente relacionamos con Jesse Sykes, aún sin saber que es suyo; eso sólo pasa con los grandes.

A "Oh, My Girl" le seguirá, tres años más tarde, otro trabajo sobresaliente titulado "Like, Love, Lust & The Open Halls Of The Soul", que completará la que es, hasta el momento, una soberbia trilogía acerca del sufrimiento y la soledad que debería enseñarse en las escuelas de todo el mundo. Pero ésa es otra historia que seguramente no tardará en asomarse por este blog, siempre y cuando vosotros lo deseéis, claro está. En cuanto a los extras de esta entrada, en esta ocasión lo tengo difícil, ya que en la anterior entrega de Jesse Sykes enlacé todo aquello que me pareció interesante tras una intensa búsqueda. No obstante os dejo el myspace de la banda, que en la anterior entrada no aparecía y repito link, eso sí, con la página web oficial de estos cowboys melancólicos. Pero el enlace más interesante es el tercero, que os conducirá a una página llamada Le Cargo!, una página francesa que, entre otras cosas, ha grabado a un buen numero de músicos realizando actuaciones en directo. En el caso de Jesse Sykes, fue ella misma quien estando en París pidió tocar en directo en un sitio lúgubre, aunque muy conocido y querido de la capital francesa, el cementerio Père-Lachaise. He colgado uno de los vídeos del original y tétrico acústico de Jesse Sykes en el célebre camposanto parisino, pero si hacéis click sobre el enlace de Le Cargo!, podréis ver dos actuaciones más. Hacedle un hueco a esta vieja conocida y dejaos estremecer por su magnífico segundo trabajo. Espero que os guste.


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ESPECIAL EN LE CARGO! SOBRE JESSE SYKES & THE SWEET HEREAFTER




JESSE SYKES & THE SWEET HEREAFTER- OH, MY GIRL

Fleet Foxes- Fleet Foxes (2008)

Cada invierno, cuando el año toca a su fin, los expertos musicales del planeta Tierra se reúnen para decidir cuáles son los mejores discos de la temporada. En su lista aparecen todos: los más marchosos, aquellos que abanderan la modernidad, los mejores del extranjero, los mejores del país, los más guapos, los más arriesgados (ay perdón, éstos no están...), los que más venden; si no estás en esa lista es que no existes. No hay crítico o especialista que pueda resistirse a esta práctica, lo que provoca que las listas de favoritos se multipliquen cuando cae el telón de la temporada musical. Esas listas, generalmente, no arriesgan, bendicen a las viejas glorias y la mayoría de las veces suelen encumbrar a bandas debutantes de apabullante "efecto gaseosa", cuya repentina subida y sobrevaloración se traduce en decepciones postreras de futuros discos más que prescindibles, legiones de lo que los entendidos califican como "one hit wonders" que pasan a engrosar instantáneamente el baúl de los recuerdos. Por todo ello extraña, y mucho, que una banda sea capaz de poner de acuerdo a casi todos los críticos y expertos, hasta el punto de que su disco aparezca, de manera casi unánime, en los primeros lugares de gran parte de las listas de lo mejor del año. Este 2008 ha tenido lugar este insual suceso, y la banda responsable del mismo no es otra que Fleet Foxes.

Fleet Foxes son unos tipos de Seattle con una pinta de hippies que, por anacrónica, resulta cómica, un grupo de barbudos y desaliñados melenudos con cara de buenas personas que han sido capaces de sorprender a crítica y público con su disco de debut. El secreto del éxito de esta banda lo resumen muy bien la página web jenesaispop, donde se alude a la belleza de las composiciones y, sobre todo, de las voces como la clave del éxito de este magnífico disco. La historia de Fleet Foxes comienza cuando Robin Pecknold y Skyler Skjelset coinciden en el instituto, pronto desarrollan una íntima amistad sólidamente cimentada en la pasión de ambos por la música, lo que les llevará a componer sus primeras canciones juntos inspirándose en los que eran sus héroes, Bob Dylan y Neil Young. El adolescente Pecknold demostraba ya por entonces una ambición poco frecuente en los chicos de su edad, y decidió tomarse muy en serio su carrera musical, inspirándose en la trayectoria de otro de sus grandes ídolos, Brian Wilson; él funcionaría como compositor y cantante, mientras que Skjelset ejercería de guitarra principal. Tras una primera etapa en la que adoptaron el nombre de Pineapple, se decidieron finalmente por Fleet Foxes, un extraño nombre cuya sonoridad atraía a Pecknold, a quien le sugería algo tan victoriano como la caza del zorro. El talento de Pecknold como compositor sorprendió a uno de los productores más influyentes de la escena de Seattle, Phil Ek, quien les ayudaría en su primera grabación, el EP "Fleet Foxes", realizado en 2006. La banda quedaba configurada de forma definitiva con Pecknold y Skjelset a las guitarras, acompañados del bajista Bryn Lumsden, Nicholas Peterson como encargado de la percusión, y Casey Wescott que se ocuparía de los teclados. El éxito de esta grabación, a nivel local, fue casi inmediato, y pronto la prensa de Seattle glosó las excelencias de la banda, haciendo hincapié en la madurez de las composiciones y de las letras.

Cada vez es más frecuente encontrarnos con bandas que deben gran parte de su éxito a internet, plataformas como Myspace han contribuído a una silenciosa revolución que ha cambiado nuestra forma de acercarnos a la música, y que ha alterado por completo los canales de promoción habituales para las bandas. Fleet Foxes, por su juventud, son uno de los paradigmas de ese cambio propiciado por las nuevas tecnologías, y sin duda alguna su página en myspace ha sido definitiva en el lanzamiento de su carrera. Los números hablan por sí solos; una de las canciones alojadas en myspace por la banda fue reproducida 250.000 veces, un dato que no tardaría en llamar la atención de los cazatalentos de las discográficas. De este modo, tras un período de reclusión en el que estuvieron preparando material para un frustrado disco de debut, Fleet Foxes ficha en enero de 2008 por la potente compañía independiente Sub Pop, quienes editarán su segundo EP "Sun Giant". La calidad de "Sun Giant" les confirmará como una de las más firmes promesas del rock estadounidense, y no sólo eso, sino que además atraerá por primera vez la atención de la crítica europea, que no tardará en rendirse a los pies de la banda. La apuesta de Fleet Foxes por el folk y el rock preciosista, su lacónica psicodelia y la belleza de sus voces, sorprenden en un panorama condenado a la vulgaridad musical y a los remedos facilones de otras épocas. A pesar de la efusividad con que la crítica recibió este segundo EP, la banda asegura que no colma todas sus ambiciones, algo que no hace sino acrecentar la expectación ante su disco de debut. Durante estas fechas la banda incorporaría además a un nuevo miembro, se trata de J. Tillman, un conocido músico de la escena de Seattle, que se encargaría de las baquetas en Fleet Foxes.

En junio de 2008 salía a la calle "Fleet Foxes", la puesta de largo de la banda, un disco que estaba obligado a confirmar la calidad demostrada en sus dos primeros EP's. El resultado, un disco atemporal plagado de folk y de rock clásico, que se deja querer al mismo tiempo por el pop barroco y por la psicodelia, un trabajo con evidentes influencias, pero que no cae en el error de copiar aquellas fuentes de las que bebe. Todo cuanto la banda hacía presagiar en el EP "Sun Giant" toma forma en este disco, en el que encontramos unas voces simplemente exquisitas, arropadas en inolvidables melodías que huyen del gancho fácil, pero que tienen la suficiente entidad como para grabarse en nuestra mente para siempre. Escuchar temas como "White Winter Hymnal" y no emocionarse es misión imposible, es una verdadera delicia dejarse llevar por la cálida voz de Robin Pecknold y la aparente simplicidad de esta canción. "Fleet Foxes" ha superado con creces el examen de la crítica, que aguardaba, entre emocionada y escéptica, el debut en larga duración de la banda; las comparaciones con luminarias como Beach Boys, Zombies o CSNY, no se han hecho esperar. Yo no sé si éste será el mejor disco del año, la verdad es que me importa más bien poco, pero sí tengo muy claro que escucharlo es un auténtico lujo, se trata de un trabajo sobresaliente de una joven banda que demuestra tener mimbres más que suficientes para hacer cosas muy importantes en un futuro no muy lejano. El disco está producido por Phil Ek, y se nota; en ocasiones las atmósferas que este productor ha sido capaz de crear en trabajos como los que ha hecho para The Shins (escuchad el maravilloso "Chutes Too Narrow") se manifiestan, impregnando las canciones de una extraña magia que las hace irresistibles. "Fleet Foxes" ha sido editado por Bella Union y Sub Pop, mención aparte merece la edición especial del disco que incluye el EP "Sun Giant" en un CD adicional.

La entrada de hoy viene cargadita de enlaces, en primer lugar encontraréis un link que os conducirá al myspace de Fleet Foxes, el segundo de estos links es un atajo para llegar al apartado que la web de Sub Pop dedica a la banda, el tercer enlace os llevará a la magnífica reseña que del homónimo debut de la banda se hace en la página web jenesaispop, también me parece interesante la entrevista que recoge la edición digital de Mondo Sonoro, y además está muy bien (aunque en lengua bárbara) la crítica que se hace en Pitchfork del primer disco de Fleet Foxes. No sólo eso, sino que como además me ha costado decidirme por un sólo vídeo, también hay un enlace que os conducirá a una página maravillosa, que es la blogotheque, y que hace unos vídeos en directo realmente originales, no os lo perdáis. Por supuesto todo ello está aderezado por el fantástico vídeoclip del temazo "White Winter Hymnal". En fin, ojalá no os abrume con tanta información, pero creedme, si lo hago es porque creo que merece la pena. Espero que os guste.


MYSPACE DE FLEET FOXES

FLEET FOXES EN LA WEB DE SUB POP

RESEÑA DE "FLEET FOXES" EN JENESAISPOP

ENTREVISTA A FLEET FOXES EN MONDO SONORO

CRÍTICA DE "FLEET FOXES" EN PITCHFORK (EN INGLÉS)

VÍDEOS DE FLEET FOXES EN LA BLOGOTHEQUE

FLEET FOXES- FLEET FOXES

Ora Cogan- Tatter (2007)

Hay voces que consiguen accionar alguna especie de interruptor que permanece escondido en lo más profundo de nuestras almas, cuerdas vocales perfectamente sincronizadas que ejecutan melodías capaces de emocionarnos, relajarnos, o simplemente hacernos reflexionar. El instrumento más antiguo de cuantos existen es tal vez el que más sensaciones puede sugerir, pero para ello debe ser tratado con un mimo especial. Dentro del vulgarizado y homogeneizado panorama que nos brinda en la actualidad la música comercial, las voces son uno de los elementos peor tratados y menos cuidados en las producciones discográficas. Generalmente se confunde potencia con técnica y hay quienes piensan que cuanto más chilla el artista en cuestión, mejor canta; para comprobarlo basta con sintonizar cualquier emisora que programe los impostores ritmos latinos o el adulterado R&B que tanto se llevan hoy en día. En este contexto es cada vez más complicado encontrar una de esas voces con personalidad capaz de instalarse para siempre en nuestras vidas, una voz que demuestra una sinceridad sorprendentemente cercana, a veces incluso familiar. Afortunadamente no todo está perdido, y más allá de las hostiles radiofórmulas existe otro mundo en el que voces como la de Ora Cogan campan a sus anchas, esperando a que pasemos cerca de ellas para agarrarnos de la mano y no soltarnos jamás.

Ora Cogan nació y creció en una pequeña isla de la Costa Oeste de Canadá, desde pequeña vivió rodeada de un ambiente artístico privilegiado debido, en gran parte, a las ocupaciones liberales de sus progenitores, cantante y fotógrafo. El ambiente bohemio e intelectual que se respiraba en el hogar de los Cogan, hizo que la pequeña Ora empezase a componer sus primeras canciones con tan sólo 12 años, era el despertar de una prometedora carrera, la de una de las mejores voces del folk actual. El debut discográfico de Ora Cogan tendría lugar en el año 2004, cuando vería la luz el disco "Sparrow", un trabajo compuesto por 7 canciones que nadaban entre el jazz y el folk. En "Sparrow" podemos entrever el tesoro que Ora Cogan guarda en su garganta, pero será en su segundo disco, "Tatter", publicado en 2007, cuando esta magnífica vocalista se despoje de todos los adornos instrumentales que le habían acompañado en su primer viaje, dejando vía libre a una voz personal que exige únicamente la compañía de una guitarra acústica. El segundo disco de Ora Cogan se deshace de la batería, no hay percusión en "Tatter", y es que realmente hay muy pocos instrumentos en la grabación de este album; en la mayoría de los cortes sólo aparece la guitarra de Ora, y en ocasiones un discreto banjo que le da la réplica. Me gusta mucho la producción de "Tatter", me suena muy próxima, sin adulterar, a veces tengo la impresión de estar viendo delante de mí a Ora cantando y tocando su guitarra. Hace poco leí esto en jenesaipop acerca del debut discográfico de Fleet Foxes (atentos a esta banda, que muy pronto se dejará caer por Rainy Day Music): " [...]Y es que parece una bobada, pero estamos tan acostumbrados a voces masculinas vulgares y anodinas que no nos damos cuenta hasta que escuchamos cantar así de bien."; pues bien, creo que algo parecido podríamos decir de este disco de Ora Cogan, son tan vulgares y anodinas las voces de las cantantes con las que se nos asedia hoy en día a través de la televisión o la radio, que de repente nos encontramos con una voz tan frágil y sugerente como la de esta mujer y nos quedamos petrificados, paralizados como un ciervo ante los faros de un coche. Sin duda el gran secreto de este disco reside en el tratamiento que se le da a las voces, verdaderas protagonistas del album, en esta tarea la cantante canadiense ha sabido acompañarse además de dos buenas amigas, Trish Klein y Frazey Ford, componentes de The Be Good Tanyas, quienes ponen su granito de arena en "Tatter" haciendo voces en temas capaces de emocionarnos como la enorme "Take Me Home". Con todo ello "Tatter" es un disco que suena atemporal y que muestra huellas muy diferentes, aunque todas nos conducen a lo que hoy se denomima "música de raíces", un sonido que partiendo del blues, la canción tradicional americana y el country ha reivindicado una forma de entender la música que se creía olvidada, actualizando estilos que habán sido injustamente denostados. Ora Cogan puede inscribirse dentro de ese "movimiento", si así queremos llamarlo, de todas formas, lejos de buscarle etiquetas, lo que sí está muy claro es que esta canadiense tiene una de las voces más delicadas y melancólicas de la actualidad, ojalá no tarde en ser reconocida como se merece.

Tras "Tatter", Ora Cogan editó recientemente su tercer y último disco hasta la fecha, "Harbouring" (2008), también a las órdenes de John Raham, con quien había trabajado en su segundo album y junto a quien parece haber encontrado el sonido que le hace sentir verdaderamente cómoda. Hace un par de meses tuve la suerte de ver en directo a Ora Cogan, y sin duda es una experiencia que os recomiendo encarecidamente, desde aquí me gustaría dar las gracias a los responsables de un diminuto local zaragozano llamado La Lata de Bombillas, y que son los "culpables" de que podamos disfrutar en esta ciudad de conciertos como el de esta cantante canadiense, que además fue gratuíto; no hay dinero para pagar lo que gente como vosotros hace por la música, es un verdadero milagro que existáis. Os dejo ya con el disco de Ora Cogan para que lo escuchéis detenidamente y dejéis un millón de comentarios con vuestra opinión al respecto, pero antes podéis echar un vistazo a los enlaces que acompañan a esta entrada, el primero de ellos os transportará a la página web oficial de la cantante y el segundo a su myspace; sé que no es muy original, pero no os penséis que hay mucha información sobre Ora Cogan en la red... En cuanto al video, me ha costado decidirme porque los que he encontrado creo que no tienen la suficiente calidad, al final me he decantado por uno en el que veréis a Ora en directo en el Casino Antiguo de Castellón, dentro del "Cicle de músiques independents de Castelló", con motivo de su reciente tour por España. La calidad de imagen y sonido no es la mejor, y por si esto fuera poco, al principio se cuela el murmullo de unos "habladores", subespecie humana que abunda en los conciertos (sobre todo si son acústicos o especialmente íntimos) y que se dedica a molestar a los músicos y a los parroquianos que desean disfrutar del concierto. Aún así merece la pena que os dejéis seducir por la voz de Ora Cogan. Espero que os guste.

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ORA COGAN- TATTER