The Ladybug Transistor- The Albermale Sound (1999)

¿Alguna vez os habéis preguntado quién decide el número de raciones que componen un plato precocinado? Sé que es un pregunta absurda, pero yo no puedo evitar formulármela cada vez que una de esas bombas de sal y colesterol cae en mi poder. Sostengo el sobre en mis manos y leo: "4 raciones", entonces me asalta la duda ¿preparo todo el plato o calculo la parte correspondiente? Finalmente acabo vertiendo todo el sobre, temeroso de haber cometido un exceso. Una vez se han cumplido los tiempos de cocción recomendados (que tampoco suelen ajustarse a la realidad, aunque esto nos llevaría a otro arduo debate) observo el resultado y pienso: "tampoco es para tanto, no creo que una familia de cuatro miembros (con perdón) se alimente con esta ración". En resumidas cuentas, acabo devorando todo el contenido del respectivo sobre de pasta o arroz (son los más socorridos; los solteros treintañeros sabéis de lo que hablo ¿verdad?), lo que me lleva a aseverar, según los criterios de la ciencia liofilizada, que yo solito consumo lo mismo que cuatro personas juntas. ¿Sería capaz yo, que no supero el metro setenta y poco y que peso unos 77 kilos, de comerme toda la manduca de una familia estándar? De ser así no es de extrañar que cada vez me inviten menos amigos a sus casas, pero antes de llegar a conclusiones precipitadas me gustaría hacer la prueba definitiva; sentar a cuatro personas a la mesa y servirles como primer plato el contenido íntegro de uno de esos sobres de inspiración italiana (sólo por el nombre, el resto deja bastante que desear). Me gustaría ver sus rostros al comprobar incrédulos la exigua ración que apenas mancha su inmaculado plato ¿quién demonios calcula estas porciones, Ferrán Adriá? se preguntaría alguno de ellos; sin duda este experimento sociológico arrojaría algo de luz sobre este oscuro asunto. Yo sigo pensando que las cifras son erróneas, y que los sobrecitos en cuestión están pensados para una sola persona, o como mucho para dos, pero en ningún caso creo que se pueda alimentar mínimamente al número de comensales indicado en el envase. Estos son los peligros de la vida moderna, que puede convertirte en un voraz tragaldabas por obra y gracia de unos caprichosos números, obviamente nada de esto ocurriría si confiásemos nuestras digestiones a la cocina tradicional, aquella que se hace con las justas dosis de tiempo y mucho mimo. Esos son los dos ingredientes que suelen garantizar el éxito en casi todas las cosas que hacemos, y el mundo musical, que es lo que ocupa a este blog (perdón por estas digresiones culinarias), no es una excepción. Hoy visita esta humilde bitácora una banda que nos ofrece un recetario basado en la tradición del pop más elegante, unos tipos que rechazan la comida rápida y se decantan por el refinado sabor de lo clásico, una formación que debería figurar entre lo más granado del pop de la última decada, la banda más británica de los USA; señoras y señores, pónganse en pie para recibir a The Ladybug Transistor. No hace falta que rebañen sus platos, les aseguro que el menú de hoy les dejará más que satisfechos.

The Ladybug Transistor comienza su andadura a mediados de los años 90's, como resultado de la unión de Gary Olson, Edward Powers y Javier Villegas. Sus ansias por publicar un disco son tales que no se sentarán a esperar la llamada de un cazatalentos, sino que se lanzarán a la piscina y se autoeditarán su primer trabajo, "Marlborough Farms", que toma su nombre del estudio casero de Olson, situado en esa zona de Brooklyn, Marlborough. Gary Olson es un muchacho unido a la música desde la mismísima cuna, ya que sus padres regentaban una fábrica de pianos, en la que el joven Gary trabajará revisando teclas y ajustando cuerdas; no es de extrañar por lo tanto que este joven de Brooklyn decidiese dedicarse en cuerpo y alma a la música. El primer trabajo de The Ladybug Transistor llamará enseguida la atención de un importante sello independiente, Merge Records, que no tardará en ofrecerles un contrato y la posibilidad de editar un nuevo album. Desde sus inicios, The Ladybug Transistor han estado vinculados a Elephant 6, colectivo del que hablamos en una reciente entrada dedicada a Neutral Milk Hotel (¿no te acuerdas? haz click AQUÍ), esta vinculación va a favorecer el intercambio de ideas y de músicos, tal y como persiguen los principios de este proyecto. Debido a este motivo, entre otra cosas, la formación sufrirá algún ajuste en lo personal, con la entrada de los hermanos Baron, Jennifer y Jeff, que se encargarán del bajo y de la guitarra respectivamente; por otro lado, Javier Villegas, miembro fundador de la banda, abandonará el barco. "Beverly Atonale" verá la luz en 1997 y tomará el testigo sonoro de su predecesor, se trata de un disco heterogéneo que todavía vive a la sombra del pop independiente americano de los primeros 90's, de hecho es fácil encontrar ecos de formaciones como Pavement o Mercury Rev en alguna de las canciones del disco. No obstante, alguno de los temas de "Beverly Atonale" (es el caso de la espléndida "Rushes of Pure Srping") preludia el sonido que hará de The Ladybug Transistor una banda inscrita en la vertiente del pop elegante, de arreglos exquisitos y barrocos, sin hacer ningún asco a la herencia psicodélica de raíz sesentera; en resumen, música atemporal, amable y proclive a un refinado sentido del humor en sus letras. El segundo disco de The Ladybug Transistor coloca a la banda en el escaparate internacional, supondrá un cierto reconocimiento por parte de la prensa especializada y el comienzo de importantes giras de promoción. Pero Gary Olson sigue buscando el sonido perfecto dentro de su cabeza, la canción redonda con la que sueñan todos los músicos, él todavía no es consciente, pero está a punto de conseguirlo, una pequeña joya verá la luz en 1999, su nombre "The Albermale Sound". Al poco tiempo de editarse "Beverly Atonale", Edward Powers abandona la banda y es sustituído por San Fadyl en sus tareas de percusionista, a esta novedad en la formación se unirá un alta más, la de Sasha Bell a los teclados y a las voces. Esta formación será la responsable de dar forma al tercer trabajo de la banda, un album delicioso que, si bien no oculta sus fuentes de inspiración, no se conforma con ser un mero ejercicio de estilo, sino que acaba convirtiéndose en referente dentro del pop barroco y orquestado de los últimos veinte años. "The Albermale Sound" es un disco en el que conviven las sombras de Brian Wilson, Scott Walker o Burt Bacharach, pero lo hacen sin eclipsar la personalidad de una banda auténtica, que no busca convertirse en un burdo remedo del pasado, sino un grupo de músicos que hacen gala de una amplia cultura musical y que demuestran una intuición formidable a la hora de crear melodías de una belleza sobrecogedora.

"The Albermale Sound" abre el telón de las maravillas con un tema que funciona como una cortinilla radiofónica, casi como un jingle publicitario que enlaza directamente con el segundo corte del disco, me refiero a "Oriental Boulevard", una canción de apenas 20 segundos en la que el oyente más perspicaz ya puede intuir lo que nos va a deparar este disco: elegancia, melancolía y altas dosis de calidad. Sin darnos respiro alguno, el primer corte del disco se funde con el segundo, "Six Times", una canción que abre con unos metales que recuerdan a otra banda del colectivo Elephant 6, Neutral Milk Hotel, enseguida entra el piano, que limpia, fija y da esplendor a una canción redonda. En torno al minuto irrumpe la cálida voz de barítono de Gary Olson, a quien replica un coro perfectamente empastado, un redoble de aire marcial capitanea al ejército de metales omnipresente en "Six Times", y que contribuye a dar una pincelada psicodélica a este auténtico temazo pop. "Meadowport Arch" toma el relevo y lo hace volviendo la vista atrás, contagiándose del espíritu de Ray Davies, es una canción muy británica en la que se puede respirar la ironía y la flema características del pop inglés de los años 60's. El estribillo se desgarra con una guitarra eléctrica distorsionada que funciona como contrapunto de esta elegante canción, que gana intensidad conforme se acerca al ecuador fruto de un cambio de ritmo de aires circenses que desemboca en una mayor riqueza instrumental, que tiene de nuevo como protagonistas a los metales, y en unas magníficas voces. El cuarto tema del disco es "Today Knows", uno de mis favoritos. "Today Knows" es un aviso para navegantes: este es un disco de alto voltaje emocional, un trabajo instrumental y de voces realmente exquisito. Los ásperos metales dejan lugar a unas cuerdas melancólicas y a un teclado soberbio, sobre los que destaca la inspiradísima voz de Olson acompañada puntualmente de la dulce Sasha Bell. Ambos conducen la canción a un estribillo sublime tras el cual hace entrada una acertadísima y bucólica flauta; ha transcurrido poco más de un minuto de canción y resulta difícil no emocionarse. El resto es sencillamente maravilloso, con unos arreglos que consiguen que la canción y su intensidad vayan in crescendo. Lejos de convertirse en una balada o un simple medio tiempo, "Today Knows" se remata con unos metales que contribuyen a redondear una canción perfecta que acaba transformada en un vals. Tras este mágico momento, The Ladybug Transistor vuelven a echar la vista atrás para mirarse en el espejo de The Kinks, eso sí, pasado por un túrmix actual que les acerca, de nuevo, a algunas de las bandas del colectivo Elephant 6; todo ello, y mucho más, lo podemos advertir en "The Great British Spring", el quinto corte del LP. La canción empieza elegante, con un piano acompañado de unos metales a los que poco a poco se van sumando más elementos: guitarras eléctricas, una flauta o una batería, entre otros, componiendo así una pieza en la que se respira un maravilloso caos instrumental, en el que todo se encuentra en el lugar y en la medida exactos. "The Great British Spring" marca el ecuador del disco es el preludio de otro de los mejores momentos de "The Albermale Sound", me refiero a la enorme versión que la banda hace de "Like a Summer Rain". Los más veteranos seguidores de Rainy Day Music recordarán perfectamente esta canción, de la que ya disfrutamos en su día gracias a la entrada dedicada a Jan & Dean (desmemoriados y recién llegados, haced click AQUÍ), pues bien, la lectura que The Ladybug Transistor hace de este clásico no tiene nada que envidiar a la anteriormente señalada. Unas maravillosas guitarras abren fuego y dan paso a un espléndido arreglo de cuerda, sobre ellos unas voces celestiales que pondrán a prueba vuestra capacidad para emocionaros y os harán desear que todos los días del verano llueva para poder escuchar esta canción, que acaba con un coro que haría temblar de emoción al mismísimo Brian Wilson. "The Swimmer" recupera la inspiración británica de The Ladybug Transistor y le da un agradable barniz de psicodelia. Se trata del séptimo corte del disco, una canción que muestra el talento compositivo de la banda, un tema que cuenta con elegantes cambios de ritmo y con arreglos que tan pronto acercan la canción a la psicodelia, como al pop barroco o incluso a la música clásica; una verdadera lección de estilo, sin duda otro de los momentazos de "The Albermale Sound". Casi sin darnos cuenta llegamos al octavo tema del LP, estamos a punto de encarar la recta final del disco, y lo hacemos con "Cienfuegos", un nuevo instrumental que consigue descolocarnos en sus primeros compases, que evocan las áridas tierras del Far West merced a una temblorosa armónica, acto seguido unos punteos de guitarra se entremezclan con una percusión trotona que nos lleva a cabalgar por las polvorientas llanuras americanas. Una acertada trompeta nos sitúa cerca de la frontera, no se puede ser más gráfico componiendo una canción, el crepitar del fuego marca la muerte lenta de este fantástico tema. Pero Olson y los suyos guardan todavía alguna que otra sorpresa en su chistera y, tras habernos roto la cintura con este paisaje desértico, deciden dar una nueva vuelta de tuerca a "The Albermale Sound" con una oda al humor absurdo: "The Automobile Song". Pop de inspiración sesentera y psicodelia es lo que destila este noveno corte del disco, una canción en la que el protagonismo se reparte entre una flauta, un teclado y las maravillosas voces de Olson y Sasha Bell; una delicia de poco más de minuto y medio de duración. Toca abrocharse los cinturones, ya que estamos a punto de aterrizar y abadonar el mágico universo de "The Albermale Sound", pero antes de tocar tierra podremos disfrutar de otro de los momentazos de este disco, me refiero a "Oceans in The Hall", un verdadero himno. "Oceans in The Hall" lo tiene todo para quien aporrea el teclado en estos momentos, el tiempo exacto, las voces, los arreglos... todo. El encanto del décimo corte del disco se destapa con unas guitarras acústicas replicadas por unas cuerdas y unos metales de auténtico lujo, es difícil empezar mejor una canción, pero si a éso le añadimos la impecable voz de Gary Olson, nadie podrá negar que nos encontramos ante un auténtico temazo, y si no me crees, prueba a sacarla de tu cabeza durante las próximas semanas. Cualquier detalle, cualquier cambio introducido en "Oceans in The Hall" es perfecto y muestra la capacidad compositiva y la cultura musical de sus responsables, que rozan el límite del talento creando un himno que nada entre el mejor pop orquestado de los 60's y las producciones spectorianas, todo ello visto desde la peculiar e ingeniosa retina de The Ladybug Transistor; diez sobre diez. Un último instrumental sirve de antesala al final del disco, se trata de "Vale of Cashmere", una delicada pieza que insiste en los originales cambios de tiempo y en los acertados arreglos, otorgando todo el protagonismo a las flautas y a los teclados. Y lamentablemente llegamos al final del viaje, y lo hacemos con "Aleida's Theme", una canción que concede el papel principal a Sasha Bell. "Aleida's Theme" se mueve entre la elegancia británica de las composiciones de The Ladybug Transistor y el vals, presente en el estribillo, el resultado es la canción de más desarrollo del LP, un soberbio exceso que acaba únicamente con un cello y un violín, y que funciona perfectamente como traca final, dejándonos con una amplia sonrisa en la boca. Esa misma sonrisa es la que le asomó a la mayor parte de la crítica, que no tardaría en rconocer la grandeza de "The Albermale Sound", un disco con el que The Ladybug Transistor habían encontrado el camino definitivo a seguir, una verdadera joya con la que Gary Olson y sus amigos esculpieron, con la precisión de un cirujano, un monumento al pop orquestado y atemporal.

También en 1999, Jeff Baron, Sasha Bell y Mike Barrett (este último también participó en la grabación de "The Albermale Sound", e incluso es el responsable del trabajo artístico del album) editarán su primer trabajo como Essex Green, una banda que también se mueve en los parámetros del pop de cámara y del folk; una formación muy recomendable con tres trabajos en su haber. En 2001 The Ladybug Transistor se encierra en el estudio para grabar su tercer LP, "Argyle Heir", al mismo tiempo, el promiscuo trío formado por Baron, Bell y Barrett se embarca en otra aventura musical, en este caso una formación más cercana al folk y al country llamada The Sixth Great Lake. Pero volviendo a nuestros muchachos, "Argyle Heir" supondrá la continuación del camino iniciado con "The Albermale Sound", hasta el punto de que se habla de una trilogía compuesta por los dos discos señalados y el cuarto, y homónimo, LP de la banda. Una vez más, las trompetas, los pianos, los violines y las voces cuidadas echan a andar en un disco precioso y preciosista que se engalana con unas trabajadas letras próximas al surrealismo y al humor absurdo. No obstante, la crítica no opina lo mismo, de hecho tacharán de autocomplaciente y previsible al tercer largo de la banda de Brooklyn, etiquetándolo como un disco en cierta manera decepcionante. Yo disiento, me parece que es un disco que gana con las escuchas y que, si bien no arriesga, continúa con una línea inmaculada, la que se abría con "The Albermale Sound", así que como reza el dicho: "Si algo funciona, no lo toques", qué le vamos a hacer, soy así de conformado. 2001 es un año agitado, en lo musical, para la banda, que edita además un disco en directo bajo el título de "Live at The Amigo". El cuarto album de The Ladybug Transistor verá la luz en 2003, y lo hará sin Jennifer Baron, que dejará su sitio a Julia Rydholm, se trata de un trabajo homónimo, el primer disco de la banda grabado fuera de Marlborough Farms, el estudio de Olson. "The Ladybug Transistor" contará con la producción de Craig Schumacher, célebre por sus trabajos para Calexico, a pesar de su fama, la mano de Schumacher no será muy evidente en este disco, aunque tal vez esas slide guitars que asoman de vez en cuando lleven su sello. Este disco en cambio encantará a la crítica, que se deshace en elogios hacia la banda, personalmente opino que ni el anterior era tan malo ni éste es tan bueno, ambos son dos grandes trabajos que surgen a la sombra de "The Albermale Sound", santo y seña del sonido de The Ladybug Transistor. Tras este cuarto disco de la banda de Gary Olson más cambios acechan a la formación, Sasha Bell deja el grupo para centrarse en Essex Green y Jeff Baron se convierte en una especie de miembro satélite involucrado en sus múltiples proyectos personales y colectivos. Todos estos sobresaltos propician un período de calma en el que Olson se dedicará a producir a otros artistas, hasta que en 2006 The Ladybug Transistor regresa con fuerza. Lo hará apoyando a Kevin Ayers en la grabación de su disco "Unfairground" y editando un EP titulado "Here Comes The Rain"; será el preludio de su quinto trabajo de estudio, "Can't Wait Another Day", de 2007. "Can't Wait Another day" supone el regreso de The Ladybug Transistor a Marlborough Farms, la fábrica de sueños de Gary Olson, donde se cocinará un disco apto para los paladares más exquisitos. Dentro de los ya clásicos movimientos en la formación de la banda, este nuevo trabajo supondrá la incorporación del teclista Kyle Forester y del guitarrista Ben Crum, ambos miembros de Great Lakes, banda inscrita en el colectivo Elephant 6. El resultado es, una vez más, un disco soberbio, un compendio de canciones que reúne lo mejor del pop de los 60's pasado por un tamiz actual (que no moderno) y que vuelve a demostrar el acierto de Gary Olson a la hora de reunirse con buenos amigos, poco importan los cambios en la formación, el sonido de The Ladybug Transistor permanece, e incluso gana enteros, porque Gary Olson sigue ahí, siendo el alma de este proyecto con vocación de clásico de culto. En "Can't Wait Another Day" Olson contará con colaboraciones especiales, como la de Jens Lekman o la de miembros de otras bandas como The Clientele, Vetiver o Architecture in Helsinki, entre otros; está claro que cuando alguien recibe la invitación de Gary Olson no duda en aceptar ni un solo instante. The Ladybug Transistor lleva a la práctica la filosofía del colectivo Elephant 6 en el que se integra la banda, un intercambio enriquecedor de músicos y de ideas que convierte al proyecto de Olson en un lugar de encuentro de amigos, creando un ambiente de trabajo ajeno a las tensiones de una banda convencional y contribuyendo al crecimiento de los responsables de cada grabación así como de la propia banda. Lamentablemente, poco después de la grabación del album, San Fadyl, uno de los más fieles compañeros de viaje de Gary Olson, fallecería víctima de sus severos ataques de asma. Por nuestra parte, sólo nos queda esperar a que Olson nos llame una vez más para disfrutar de una nueva entrega de su elegante recetario, un menú en el que no se falsean ni los ingredientes ni las cantidades; aprenda señora Gallina Blanca.

Como colofón, os dejo los inevitables enlaces, que incluyen la página web oficial de la banda, su myspace y su apartado en la web de Merge Records, además he querido añadir una entrevista a la banda aparecida en la web de Recoil Magazine (lo siento pero está en el idioma de la Pérfida Albión) y un set de canciones grabadas para Daytrotter en 2007. Más complicado lo he tenido con los vídeos, me ha resultado casi imposible encontrar un vídeo decente de The Ladybug Transistor, cuando no fallaba el sonido lo hacía la imagen, y cuando no las dos cosas. Finalmente he seleccionado uno, se trata de una actuación de la banda en los directos de Radio 3 allá por 2001, la imagen debe estar ripeada de VHS por lo que la calidad no es muy buena, pero el sonido es fantástico, lo que os permitirá disfrutar de una canción preciosa como es "Like a Summer Rain". Como sorpresa he insertado una grabación de audio, se trata de una entrevista hecha a la banda en Radio 3, dentro de la serie de "Entrevistas Acústicas" que se realizan en el programa "Hoy empieza todo" de la citada emisora; escuchadla, merece la pena. Como siempre, gracias por estar al otro lado, y sobre todo gracias por llegar hasta aquí porque ¿te has leído lo de antes, no? Espero que os guste.


PÁGINA WEB OFICIAL DE THE LADYBUG TRANSISTOR

MYSPACE DE THE LADYBUG TRANSISTOR

THE LADYBUG TRANSISTOR EN MERGE RECORDS



ENTREVISTA A THE LADYBUG TRANSISTOR EN RECOIL MAG

THE LADYBUG TRANSISTOR EN DAYTROTTER SESSIONS

Hoy empieza todo - Entrevistas Acústicas: The Ladybug Transistor - 10/12/09

THE LADYBUG TRANSISTOR- THE ALBERMALE SOUND

(Algo más que) Una recomendación: Mittens y Wild Honey

Retomamos un clasicazo de este blog, las recomendaciones, y lo hacemos con dos bandas de las que llevaba mucho tiempo queriendo hablar en Rainy Day Music: Mittens y Wild Honey. Conocí a Mittens por medio del fotolog de uno de sus componentes, vueltas que da la vida; de repente caí en la cuenta de que uno de esos fotologueros que visitaba con cierta asiduidad tenía una banda, esa banda acababa de editar un LP y yo, como buen curioso que soy, me dispuse a escucharlo; a la media hora ya estaba encargando el disco. Me gustan mucho Mittens porque considero que son una banda con estilo, con mucha clase, y ejecutar un pop tan anclado a la tradición aglosajona habiendo nacido en la Piel de Toro, y hacerlo además con la solvencia con que lo hacen estos madrileños, es de matrícula de honor. Los chicos de Mittens han sabido ser pacientes, algo poco usual en el mundo de la música, un negocio lleno de urgencias donde todo el mundo está dispuesto a editar su primer disco cuanto antes y al precio que sea, el quinteto madrileño en cambio ha ido experimentando en forma de EP's; la manera idónea de construir un sonido propio, una personalidad sin fisuras. De este modo, tras sus dos primeras referencias, los citados EP's, "Fix of Sun" (2007) y "Mingering Mike" (2008), deciden en este 2010 vestirse de gala y regalarnos una magnífica colección de canciones, su disco de debut, que se ha convertido en uno de los mejores trabajos del año, y no me refiero únicamente al mercado español. "Deer Park Mirage" es el título del primer LP de Mittens, y es el resultado de años de trabajo, de colaboraciones, de multitud de influencias que saben complementarse perfectamente y que se muestran totalmente permeables para formar así parte de un todo que exhala personalidad y honestidad por todos sus poros. Mittens no eran unos desconocidos antes del lanzamiento de su primer disco, por lo que tuvieron ofertas por parte de varias discográficas para poner en el mercado su debut, pero finalmente, haciendo gala de una integridad moral y de una sensatez poco habitual en el negocio, deciden autoeditarse, aprovechando el sello que crearon para el lanzamiento de su primer EP, Lazy Recordings. Pero no sólo eso, los muchachos de Mittens, lejos de ignorar la realidad discográfica y el papel que las nuevas tecnologías desempeñan en la actualidad, deciden colgar el disco en la red, desde donde te puedes descargar toda su discografía. No sé qué pensará la señora Ministra de Cultura, y sí, me puedo imaginar lo que pensarán los integrantes de la Santa Inquisición, pero esto funciona, y cada vez más y mejor, de hecho yo me he comprado el disco, y espero que mucha más gente lo haga, sólo así se puede premiar a quienes de verdad difunden cultura y demuestran ser honestos.

Pero, derechos de autor al margen, vamos a centrarnos en la banda y en su debut. Mittens son Anita Steinberg, voz y guitarra acústica, Javichu, encargado de la percusión, Jose, guitarrista, Javi, guitarras, teclado y melódica, y finalmente, Guillermo, a los mandos del bajo y secundando a Anita a las voces. ¿A qué suena el primer LP de Mittens? pues a gloria bendita, a esas bandas de pop cristalino y melancólico que tanto nos gustan, a aquellos grupos que saben cantarle al lado más emotivo de la vida sin caer en sobados manierismos ni en ñoñerías propias de una mente preescolar; Mittens suena a POP, así con mayúsculas, pop brillantemente ejecutado. Es inevitable encontrar referentes en el sonido de Mittens, obviamente toda formación los tiene, de hecho me parece algo lógico y coherente en un mundo, como el musical, en el que la originalidad está sobrevalorada y mal entendida. El pop de los 60's está muy presente en la propuesta musical de Mittens, pero también lo están grandes bandas de los 90's como BMX Bandits (grandes, sigo reivindicándolos) o The Ladybug Transistor, e incluso los ecos del country más melancólico e íntimo; todo ello, fruto de las diversas influencias y apetencias de los integrantes de la banda, contribuye a crear un mosaico sonoro con múltiples matices, en el que las teselas están perfectamente integradas, sin dejar una sola grieta por la que pueda entrar ni el más mínimo ápice de mediocridad. Sean cuales fueren las influencias de la banda, cuestión que no vamos a intentar adivinar, lo que está claro es que demuestran tener un gusto infinito. "Deer Park Mirage" da la sensación de haber sido cocinado a fuego lento, como se hacen lo grandes guisos, ya desde el inicio, con esa diminuta joya que es "Marblehead", uno tiene la sensación de estar penetrando en algo muy íntimo y muy mimado. Pero cuando llega el segundo corte del disco, aquel que da nombre al LP, ya tomamos conciencia de estar ante algo grande de verdad; no me sonrojo si afirmo que "Deer Park Mirage" es una de las mejores canciones que ha dado el pop en nuestro país y, de largo, mi candidata principal a ser el tema del año. "Deer Park Mirage" es una obra de arte, una canción perfectamente medida, con unas voces y unos arreglos maravillosos, que no se pierde en desarrollos superfluos, que proporciona al oyente aquello que precisamente anda buscando, si es que éste anda detrás de la canción pop perfecta. El disco podría terminar aquí, en el segundo tema, y a mí me parecería fantástico, pero es que continúa con otra joyita, "I Shot The Skier", un tema inspirado en la rocambolesca historia de Claudine Longet (otra de mis debilidades, si queréis recordar más, pinchad AQUÍ). Me encantan las guitarras de "I Shot The Skier", pero es que además creo que es el tema en el que mejor suena la voz de Anita, limpia y seductora; es un tema que me recuerda algún pasaje de Zumpano (otro vicio confesable), aunque obviamente es sólo una apreciación personal. El festín continúa con "Jaffa Cakes", que abre con unas palmas muy adictivas, reconozco que soy un estómago agradecido, unas palmas, unos silbidos y unos buenos coros y a mí ya se me han ganado. En "Wrecage and Dust" es donde más me recuerdan a los primeros Belle & Sebastian, aquellos que construyeron monumentos como "If You're Feeling Sinister", disco de cabecera de quien aporrea estas teclas, aunque también se acercan a las armonías vocales de alguna que otra banda escandinava, de ésas que saben interpretar perfectamente el concepto de pop cristalino de raíces sesenteras. "Our Last Party" es otro tema que me gusta especialmente, personalmente me parece una acertada aproximación a los sonidos country en clave de pop, de nuevo con una Anita muy inspirada y con unos teclados que engalanan perfectamente otra canción redonda de Mittens.

La cara B del LP se abre con "Toxic Black Mold", un tema que exhibe, de nuevo, un maravilloso trabajo de guitarras y que demuestra que las voces de Anita y Guillermo se entienden perfectamente en un estribillo precioso. "Swimmers" me parece otro dardo clavado en el centro de la diana del pop redondo y sin pretensiones grandilocuentes, auténtica artesanía al servicio del oyente, pequeñas píldoras capaces de dar una pincelada de color a nuestra existencia en este valle de lágrimas (que no lo digo yo, que lo dice la Biblia. Amén). En este octavo corte del disco, la banda funciona como una máquina perfectamente engrasada, con unos engranajes bien sincronizados y que se suceden en sus labores con una precisión germánica; voces, guitarras, batería, bajo, todo está en su sitio, nada falta y nada sobra. "Insane" vuelve a dejarnos ese amable regusto del country en su melodía y, sobre todo, en la voz de Anita, que se mueve a lo largo del disco entre las susurrantes divas de los 60's, las voces negras de los girl groups más spectorianos y los registros más dulces de algunas figuras femeninas del country. "Stuck In Champagne Jelly" es otra de mis favoritas, me gusta mucho cómo empieza, y creo que los comienzos son muy importantes, a veces son los que deciden si continúas con un libro o si apagas la tele y dejas de ver una película, en el caso que nos ocupa, lo que queremos es más, y así es como llegamos a una nueva muestra de guitarras con gancho, teclados infecciosos, baterías perfectamente medidas y, sobre todo, voces tan bellas que a veces asustan. "In Foresight Of An Injured Knee" airea el lado más folk de la banda y los vuelve a aproximar al country más íntimo, todo ello perfectamente arropado por unos músicos que hacen pop como pocos saben hacerlo y por una trompeta maravillosa que hace entrada en el tramo final de la canción; pura ambrosía. Y lamentablemente todo tiene su final, de modo que "A Tale of Summer Daybreaks" se encarga de cerrar el debut de Mittens, una nueva joya de pop con querencia folkie, un nuevo ejercicio de guitarras cristalinas y precisas como el bisturí de un cirujano, una nueva demostración de cómo empastar dos voces sin resultar empalagoso, y por si todo ello fuera poco, además silban, ¿que más se le puede pedir a una canción? "Deer Park Mirage" fue grabado en El Lado Izquierdo, en Madrid, a las órdenes de Dany Richter (otro "recomendado", ¿os acodais? AQUÍ), posteriormente fue retocado en el estudio casero de Guillermo Farré, el bajista y cantante de la banda, y más tarde fue masterizado en los estudios Yes Master de Jim DeMain, en Nashville; así es como, con la paciencia de un orfebre, Mittens fue construyendo esta auténtica maravilla que les eleva a los altares del pop patrio.

Pero he dicho que iba a hablar de dos bandas (aviso que la entrada de hoy es sólo para valientes, y me refiero a su extensión), una es Mittens, y la otra, como ya había adelantado es Wild Honey. ¿Qué tienen en común estas dos bandas? Pues un pilar básico en ambas formaciones, Guillermo Farré, bajista en Mittens y cerebro al frente de Wild Honey. El proyecto personal de Guillermo Farré, que toma su nombre del infravalorado disco de The Beach Boys, ve la luz en 2008 con su primera grabación oficial, el EP "Wild Honey", básicamente, Guillermo se acompaña de Anita Steinberg y de Cristina Gómez, que además de darle la réplica a las voces, se encargan de xilófonos, melódicas y otros cachivaches sonoros. Pero además de estas dos féminas, Guillermo también se ha sabido rodear de amigos que han contribuído de manera notable al nacimiento de este interesantísimo proyecto, que fue aclamado por la crítica nacional como uno de los mejores tabajos del pasado año. Una vez más, Guillermo ha tirado de casta y se ha lanzado a la autoedición, abriendo el camino por el que más tarde transitaría con Mittens: autoedición, descargas gratuitas y contacto directo con el seguidor. Así es como vio la luz "Epic Handshakes and a Bear Hug", un título grandilocuente bajo el que se esconde una nueva colección de gemas pop que no esconde sus influencias, lo que contribuye a enriquecer el repertorio y dota al conjunto de una gran personalidad, además de dejar bien palpable que el conocimiento musical de su autor es enciclopédico. El disco se abre con "Whistling Rivalry", una canción capitaneada por un magnífico ukelele que la emparenta directamente con "Marblehead" el tema con el que abren fuego Mittens en "Deer Park Mirage". "Whistling Rivalry" se resume en unas voces aterciopeladas, una curiosa percusión y una evocadora trompeta; magia pop desde el minuto uno. El segundo corte se titula "1918-1920" y confirma los presagios que nos asaltan tras exponernos al primer tema, sí, ésto es pop del de verdad, con una producción cuidada, sin llegar a resultar recargada, y con unas voces limpias y perfectamente empastadas, la música que lleva volviéndonos locos más de cuarenta años; sin duda, "1918-1920" es uno de los mejores momentos del disco. "To Steal A Piece Of Art" es el tema que más denota la mano del productor del disco, ni más ni menos que Brad Jones, y es que es una canción que recuerda alguna de las composiciones que Josh Rouse ha cocinado en estos estudios, un pop semiacústico y muy bien arreglado que al de Nebraska se le da de maravilla, y que nuestro Guillermo Farré también parece dominar a la perfección. "The Big Parade" es un vals de juguete, una coqueta canción que no debe pasar desapercibida, una de esas joyas que se esconden tras una engañosa sencillez. "Gold Leaf" se acerca a los compases de la bossa nova, consiguiendo un maravilloso resultado apoyándose en unas magníficas melodías vocales y en uno precisos punteos de guitarra y unos susurros de trompeta que acercan la canción a coordenadas más psicodélicas; otro gran momento del disco. "Hal Blaine's Beat" se encarga de afianzar el rumbo del disco, acercándonos al Rouse más juguetón envuelto en el caramelo pop que tan bien sabe cocinar Guillermo Farré.

Pero las dos grandes joyitas del disco vienen de la mano, se trata de "Brand New Hairdo" y de "Isabella", dos ejercicios de psicodelia minimalista y de pop cristalino. La primera es un vals compuesto con lo mínimo y cimentado en un trabajo vocal más que notable, mientras que la segunda es una contagiosa melodía pop llena de matices escondidos tras un contagioso ukelele; creedme, he escuchado esta canción cientos de veces y cada vez me gusta más, simplemente dejaos llevar, me lo agradeceréis. "My Bride In Black Gloves" continúa la línea marcada por sus antecesoras, pero lo hace complicando un poco más la madeja, introduciendo cambios de ritmo y abandonando ese aire amateur que tanto engancha en "Brand New Hairdo " e "Isabella". "Kings of Tomorrow" es una de las canciones más serias del disco, y digo esto no porque resulte aburrida, sino porque está muy bien planteada y podría sonar en cualquier emisora de radio sin que nadie se sonrojase, aunque bueno, a la mayoría de emisoras de radio no les interesa este tipo de propuestas, basta con darse una vuelta por el dial para comprobarlo, yo sigo sin entender cómo discos como éste continúan siendo minoritarios, en fin, vil negocio el de la música, amigos. "One Word Prayer" retoma el ritmo de vals que tan buenos resultados le da a Guillermo Farré y lo hace para adornar una canción que abre con un teclado y con una atmósfera totalmente beatle que más tarde se encamina hacia latitudes californianas de la mano de los hermanos Wilson, todo ello con una instrumentación y unas voces de matrícula de honor. Y por último "Done It Forever", que abre con un piano trotón que recuerda al standard "My Baby Just cares For Me" para acercarse más tarde al peculiar universo de Guillermo Farré, aquel en el que los ukeleles y los instrmentos de juguete campan a sus anchas y suenan como la mejor de las filarmónicas; una pildorita de poco más de un minuto que sirve para despedir el disco, en fin, al menos nos queda el consuelo de volver a pulsar el play y disfrutar de nuevo de esta maravilla.

En la actualidad, Mittens se encuentra presentando "Deer Park Mirage", mientras que Wild Honey acaba de publicar una nueva referencia, en este caso en el sello Jabalina, dentro de la serie Jabalina Love Songs, se trata de un 7" compuesto por tres canciones nuevas. Dicho todo esto, espero que os aproximéis a estos dos notabilísimos trabajos, que los descarguéis, tal y como las bandas desean, y que los disfrutéis, pero sobre todo que los compréis, porque además del contenido, el continente también es una pequeña joya en ambos casos; vinilo (rojo en el caso de Wild Honey) más CD, todo ello realizado con un mimo impecable y con dos maravillosas portadas. Por último os dejo con unos interesantísimos enlaces, que, continuando con esta entrada llena de excesos, son un buen puñado. Os dejo los enlaces a las respectivas webs de las bandas, además de sus correspondientes páginas en myspace, pero no sólo eso, completando estos cuatro enlaces, podréis hallar el atajo electrónico a Bandcamp, sitio donde ambas formaciones, tanto Mittens como Wild Honey, tienen alojada su discografía completa para que os la podáis descargar de manera totalmente gratuita. Por si esto fuera poco, os dejo dos reseñas de, una de "Deer Park Mirage" en Jenesaispop, y otra de "Epic Handshakes and a Bear Hug" en el blog Los Mundos de Fede, y como guinda del pastel, he añadido un enlace a los conciertos de Radio 3, donde podréis disfrutar integramente de la actuación de Wild Honey en este, lamentablemente maltratado, programa de nuestra televisión pública, la única que parece medianamente interesada en la música de calidad. Y además, para rubricar esta descomunal entrada, una buena dosis de videos, el clip oficial del tema "Deer Park Mirage" (atención a la puesta en escena y a la ejecución de este vídeo que es una pasada) de Mittens y una entrañable interpretación de "Isabella" de Wild Honey que hará enternecerse hasta al más duro de la muchachada, y no se vayan todavía, porque además he agregado dos videoentrevistas de cada una de las bandas; ¿de verdad alguien os da algo más por menos? No contestéis a esta estúpida pregunta y simplemente hacedme un favor, disfrutad de la música de Mittens y de Wild Honey, eso es lo verdaderamente importante. Espero que os guste.

PÁGINA WEB DE MITTENS

MYSPACE DE MITTENS

MITTENS EN BANDCAMP

RESEÑA DE DEER PARK MIRAGE EN JENESAISPOP



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MYSPACE DE WILD HONEY

WILD HONEY EN BANDCAMP

RESEÑA DE EPIC HANDSHAKES AND A BEAR HUG EN LOS MUNDOS DE FEDE

WILD HONEY EN LOS CONCIERTOS DE RADIO 3

VV. AA.- Rainy Day Music presenta: Raindrops

He vuelto. Supongo que algunos me habrán echado de menos, al igual que otros me echarán de más, sea como fuere, después de un mes ajetreadísimo al fin consigo tomarme un respiro para cumplir con el compromiso que me une a vosotros a través de este blog. Dado que esta ausencia ha supuesto un punto y aparte (nunca un punto y final) retomaré mi discurso justo donde lo había dejado, que era ni más ni menos que en plenos fastos por el primer aniversario de Rainy Day Music. Como os comenté en la anterior entrada, cuando pensé en celebrar de una manera especial este primer año del blog, se me ocurrieron dos ideas, la primera: postear el disco que da nombre a esta bitácora, y la segunda: dar forma a un recopilatorio que sirviese de banda sonora para la ocasión. Pues bien, satisfecha la primera parte del plan, sólo me quedaba dar forma a la segunda, asunto que nos ocupa en este feliz regreso. Siempre me ha gustado grabar recopilatorios, recuerdo las cassettes grabadas para amigos con motivo de fiestas, cumpleaños, o simplemente por el mero placer de regalar, sin razón aparente; entendía la grabación de esos recopilatorios personalizados como un verdadero arte, tal y como le ocurre a Rob Gordon (John Cusack) en la película de Stephen Frears "Alta Fidelidad". De modo que vi un signo inequívoco de romanticismo en el hecho de dedicar a través de Rainy Day Music una de esas recopilaciones a todo aquel que estuviese interesado, al mismo tiempo me puse trascendente y me invadió la clásica trinidad metafísica: ¿Quién soy? ¿Adónde voy? ¿De dónde vengo? No sé muy bien que relación existe entre la filosofía de todo a cien y los recopilatorios personalizados, pero ambos conceptos se presentaron de la mano en el salón de mi casa, y sin darme derecho a réplica. Analizado el percal, y tras noches de insomnio y de vagas cavilaciones, tuve una visión: dedicaría el recopilatorio a los blogs que me habían inspirado a crear Rainy Day Music, sin duda alguna ellos son la razón de que yo esté aquí escribiendo estas plabras, si nunca me hubiese topado con ellos ahora no estaría aquí. Así que me puse manos a la obra y empecé a reunir canciones de diferentes blogs, de los cuales soy asiduo visitante desde hace tiempo; ésta me pareció una manera honesta y sincera de agradecerles todo cuanto me habían proporcionado a lo largo de estos años. Dicho y hecho.

De este modo he echado mano (sin permiso, así que espero que sepan perdonarme) de discos y canciones que he bajado de mis sitios favoritos, componiendo un disco doble al que he titulado "Raindrops" en un alarde falta de creatividad y de originalidad. Me siento en deuda con todos estos blogs y quiero que este homenaje sirva, no sólo para festejar el primer año de Rany Day Music, sino también la existencia de todas estas magníficas bitácoras que luchan contra viento y marea por difundir libremente la cultura musical, un trabajo que llevan a cabo de manera gratuita, sin obtener nada cambio, una tarea que deberían hacer los políticos y las plataformas oficiales, ante cuya pasividad es inevitable que surjan iniciativas, desde mi punto de vista, tan loables, como las que voy a enumerar. Cuando me senté a trabajar en el recopilatorio enseguida me vino a la cabeza un nombre: 1PocodMusica. Para mí, esta web, con su administrador, Emerad, al frente, supuso el principio de todo, me descubrió todo un mundo, me puso en contacto con gente maravillosa y me regaló, sin pedirme nada a cambio, horas y horas de diversión. Sin duda 1PocodMusica es un ejemplo de dedicación y de altruismo, puro amor por la música, ojalá cumpla muchos años. Acto seguido me acordé de un blog ya desaparecido, el Blue Music de Pep Sonic, auténtico caviar de beluga para los amantes del universo 60's en todas sus vertientes: garage, folk, psych, beat... Qué os voy a decir de Pep, pues que es uno de los mejores tipos que he conocido a través de la web, y que en materia musical le debo muchísimo, creo que he saqueado su colección de discos hasta un punto que roza la indecendia, Pep, amigo, jamás podré agradecerte toda tu generosidad, sigue currando a través de Trashsistors, eres un crack. Lo mismo puedo decir del señor Johnny Trashe, a quien conocí a través del difunto, nunca mejor dicho, Cementerio del Rock'n'Roll, una bitácora que me descubrió a un tipo excelente, un verdadero compañero de fatigas que me brindó la oportunidad de colaborar por primera vez en un blog, fue a través de Trashsistors y jamás podré agradecerle como se merece aquella complicidad y aquella confianza, keep on rockin', Johnny!. Un cuarto visitante ocupó mi mente, el señor Meurglys, otro verdadero erudito del ramo sesentero y setentero, quien a través del desaparecido Hippidetrippi nos obsequió con una cantidad ingente de discos y con una apasionada forma de ver el mundo, tan brillante como mordaz. Sin duda Hippidetrippi siempre estará en nuestra memoria, ahora In Slow Time le ha tomado el relevo, reconozco que estoy descolgado, pero desde aquí aprovecho para desear lo mejor para Meurglys y su blog. Otro blog por el que siento total devoción es PHROCK, cuya nómina de colaboradores recoge a verdaderos especialistas de la música de los 60's y 70's, una delicia para los sentidos en la que se da forma a un trabajo esmeradísimo donde la calidad prima sobre todas las cosas, gracias muchachos de PHROCK. Poco a poco los nombres de mis blogs favoritos se fueron agolpando en mi cabeza: Bienvenidos a la Monga! (qué grandes sois, compañeros), Días de Garage (un saludo, Pablo, siempre me dio envidia vuestro banner... ¡eres un monstruo del garage!), Las Galletas de María (un blog confortable lleno de amigos y buenas vibraciones, seguid así), Nosotros Somos los Muertos (auténticos estajanovistas sin prejuicios que hacen que sea casi imposible descargar todo lo que suben, si no los conocéis no dejéis pasar esta oportunidad), One Ray (exquisito y selecto, un saludo, Ray), P&C (recientemente tocados, pero no hundidos, esperamos ansiosamente vuestro regreso, un abrazo y ánimo, Paola y Charly), The Lake Band (un blog con el que me siento especilmen hermanado porque tiene una filosofía muy similar a la de Rainy Day Music, y gestionado por una gente verdaderamente encantadora, gracias por vuestro esfuerzo), todos estos y muchos más son los responsables de que sigan naciendo nuevos blogs, espacios de encuentro, lugares donde compartir inquietudes, creo que es justo darles las gracias por su trabajo y dedicarles un pequeño homenaje, no sé si estaré a la altura, pero creedme que lo hago de todo corazón.

¿Qué vais a encontrar en este recopilatorio? Pues pocas sorpresas, siento no ser muy original. Los dos discos están en la línea habitual de Rainy Day Music: música tranquila, donde prima la emoción y la emotividad, canciones que emanan nostalgia y melancolía. La mayoría de los temas pertenecen a discos que están disponibles en otros blogs, lamento no haber citado la procedencia de cada uno de ellos, pero en ocasiones me ha resultado imposible recordar el origen de algunas canciones. Otros temas en cambio son de cosecha propia, canciones que me gustan, que me parecen especialmente "lluviosas" y que he creído que estaría bien compartir con vosotros en este doble CD. A lo largo de "Raindrops" vais a encontraros con pinceladas de country, con dosis elevadas de folk, incluso de acid folk, con trazos de psicodelia, con brochazos de pop, con un aliño de chanson y con gotitas de powerpop; el eclecticismo marca de la casa. Por estos dos discos desfilan algunos viejos conocidos de Rainy Day Music, como M. Ward, con su magnífico tema "Chinese Translation", Josh Rouse, reinterpretando en formato acústico un tema de The Smiths incluído en los extras de la reedición de "Dressed Up Like Nebraska", Melingo o Pelle Carlberg, de quien he querido incluir un tema que pertenece a los extras de su último trabajo, "The Lilac Time", y en el que este sueco sin par relata una rocambolesca historia en la que se vio envuelto durante su gira por Malasia, donde los promotores del evento se negaron a colocar su apellido en el cartel al considerar que podía molestar a los patrocinadores, una marca de cervezas llamada Tiger Beer que no estaba muy de acuerdo en poner dinero para promocionar a alguien apellidado "Carlsberg". Como curiosidad podéis encontrar en el primer CD el grupo del gran dibujante de cómics Peter Bagge, The Action Suits, donde Peter toca la batería, en el CD 2 he incluído un temazo de Van Morrison, se trata de una versión de "Beside You" diferente, yo diría que incluso mejor, que la que figura en "Astral Weeks", desconozco de dónde ha salido este tema, que lleva años buceando en mi PC, así que si alguien está puesto en la vida y milagros del "León de Belfast" y me saca de esta duda le estaré eternamente agradecido. En "Raindrops" se dan cita además verdaderas rarezas musicales, obtenidas gracias a los blogs anteriormente citados, sobre todo tengo que agradecer a este respecto el material proporcionado por Meurglys, Pep y los integrantes de PHROCK, que surten a sus visitantes de verdaderos tesoros. Lamentablemente no tengo los conocimientos suficientes como para hablar de la mayoría de estos músicos, pero sólo tenéis que escuchar joyas como "Essex Queen" de A to Austr, "Patrice" de Simon Finn o "Forge Your Own Chains" de D.R. Hooker, para saber de lo que os hablo. Y en cuanto a mi toque personal, sin duda el más discutible de todos, he querido seguir la tónica general de este blog, dando cabida también a músicos de habla no inglesa, es el caso de Caetano Veloso o Michael Polnareff (no os perdáis "Petite Petite"), junto a músicos españoles como Santi Campos o Deluxe; también he querido recordar al tristemente desaparecido Sergio Algora, de cuya muerte pronto se cumplirá un año, incluyendo mi canción favorita de El Niño Gusano, "Pon tu Mente al Sol". Y en cuanto a los músicos en lengua bárbara, he seleccionado algunos temas muy conocidos, puede que a alguno le sorprendan, que me parecen tremendamente "lluviosos", es el caso de "I'll Be Your Mirror" de Nico con The Velvet Underground, o de "Everybody's Talking At Me" de Harry Nilson. Junto a ellos podréis disfrutar de bandas como The Essex Green y su temazo "Rabbit", o Andrew Bird, con el que es uno de los mejores temas del recopilatorio según mi opinión, "Plasticities", el pop marciano de Mercury Rev en el momento más psicótico de "Raindrops" con "Car Wash Hair (The Bee's Chasing Me)", los inspirados Herman Düne con su "Blinded", el singular Devendra Banhart con "Santa Maria da Feira", otro de los hits dementes y friquis del recopilatorio, o los geniales Teenage Fanclub interpretando "Norman 3". Todo ello da forma a este humilde homenaje con el quiero dar, una vez más, las gracias a los visitantes del blog, y en esta ocasión muy especialmente a todos los administradores, creadores y cerebros de esos blogs que tanto me han inspirado e influído, y sin los cuales jamás me habría decidido a crear Rainy Day Music; que nadie os llame piratas ni delincuentes, podéis estar orgullosos de vuestro trabajo, vosotros, más que nadie, demostráis día a día un amor desinteresado por la música, y eso nunca podrá ser un delito.

Os dejo, esta vez sin información extra, ni enlaces ni vídeos, pero con el deseo de que "Raindrops" pase a formar parte de vuestras vidas y se convierta en la digna banda sonora con la que celebrar este primer año de vida, así como muchas cosas más, porque este es un año en el que tenemos mucho que celebrar, y quienes me conocéis ya sabéis a que me refiero. Perdonadme, pero en cuanto al diseño gráfico ya veis que no soy un genio, de todas formas espero que os guste.


RAINDROPS CD 1

RAINDROPS CD 2

Claudine Longet- Cuddle Up With... The Complete Barnaby Records Sessions 1970 / 1974 (2003)

La primera vez que fui consciente de la existencia de los años sesenta tuvo lugar cuando vi, a la tierna edad de 10 años, "El Guateque" ("The Party" para los no hispanohablantes). Recuerdo aquella tarde de sábado frente al televisor siguiendo las desventuras de Hrundi V. Bakshi, hipnotizado por los colores de la película de Blake Edwards, sorprendido ante las ropas y los peinados, tan diferentes a los de la década en que me había tocado vivir, unos años ochenta crueles y despiadados que hicieron del exceso y del mal gusto su santo y seña. Ese día descubrí lo que para mucha gente significaba aquella década, para mí remota, casi perdida en el tiempo, y sobre todo descubrí que te podía doler el estómago de tanto reír. Con el tiempo "El Guateque" se convirtió en una de mis películas favoritas, pero curiosamente me resistía a volver a verla, me daba miedo enfrentarme a un recuerdo tan bueno, por otro lado, mi interés por los años sesenta comenzó a aflorar desde el punto de vista musical, gracias a la colección de singles de mi padre; fue así como conocí a The Kinks, The Monkees, The Music Explosion, The Left Banke o a Los Salvajes, todos ellos se convertirían en eternos compañeros de viaje. Inevitablemente llegó el día en que me enfrenté de nuevo a mi recuerdo de "El Guateque", para entonces ya era un adolescente en plena crisis emocional y existencial, y allí me encontré con ella. En mi recuerdo infantil de la película de Blake Edwards el protagonista absoluto era Peter Sellers, pero de repente mis desatadas hormonas de quinceañero sólo tenían ojos para Claudine Longet, pura inocencia sensual al servicio del séptimo arte. Así fue como me enamoré de Claudine Longet, o más bien de Michele Monet, que era como se llamaba el personaje que protagonizaba en la mencionada película, de hecho la escena que hizo aflorar mi líbido adolescente mostraba a Claudine, o Michele como se prefiera, guitarra en mano, interpretando para los invitados de la fiesta una canción con aires de bossa nova, al mismo tiempo que el pobre Hrundi, en segundo plano, se esforzaba por aguantarse unas terribles ganas de descargar su vejiga.

Claudine Longet nace el 29 de enero de 1942 en París, enseguida pronuncia esa frase que toda madre tiene pavor a escuchar: "mamá, quiero ser artista", y con tan sólo 18 años decide mudarse a los Estados Unidos de América en busca de fortuna. Poseedora de una belleza delicada y sofisticada, la joven Claudine encuentra trabajo como bailarina principal en el show del Folies Bergere en Las Vegas, donde conocerá al que se convertirá en su esposo, el crooner Andy Williams. En 1961 suenan campanas de boda para Claudine Longet, su prometido se encuentra en la cima de su popularidad, y los 14 años de diferencia existentes entre ambos provocan más de un recelo entre los seguidores de Andy, la joven bailarina decide aparcar su carrera y dedicarse a formar una familia. Tras un período en el que Claudine ejerce de perfecta madre y ama de casa, entre 1963 y 1964 llegarán las primeras oportunidades para que la bella parisina se asome a la pequeña pantalla, y lo hará apareciendo como estrella invitada en varias series, entre ellas: "Combat!", "Hogan's Heroes", "Run For Your Life" y "The Rat Patrol", al mismo tiempo, y como era de esperar, Claudine aparecerá de manera intermitente en el programa de su marido, "The Andy Williams Show". En 1966 se le abre la puerta de la música y se le ofrece un contrato con A&M Records, a pesar de sus evidentes limitaciones vocales Claudine no lo desaprovecha y graba su primer single, "Meditation", que se convertirá en un pequeño éxito. Un año más tarde verá la luz su primer larga duración, titulado "Claudine", un disco íntegro de versiones en el que con su sensual y susurrante voz reinventa alguno de los temas originales, dotándoles de unos matices inexistentes en las interpretaciones de sus creadores. El acento francés y la estética de Claudine se convierten en su peculiar seña de identidad, tiene el exotismo de algunas estrellas del pop francófono, pero sin el transgresor componente erótico que tanto asusta a la mojigata sociedad yanqui. A lo largo del primer LP de Claudine Longet suenan versiones de The Beatles, "Here, There and Everywhere", o de Vinicius de Moraes y Tom Jobim, "A Felicidade", aparecen hits como "My Guy", que fue compuesta en 1964 por Smokey Robinson para Mary Wells, o incluso el tema principal de la banda sonora de "Un Hombre y Una mujer" ("Un Homme et Une Femme"); ese será el estilo de Claudine Longet, eclecticismo pop con muy buen gusto. También en 1967 verá la luz su segundo LP, que tomará su título de un célebre tema de Burt Bacharach, "The Look Of Love", de nuevo esa amalgama de pop sofisticado, jazz suave y bossa nova dará sus frutos gracias a unos buenos arreglos y a una magnífica producción. La popularidad de Claudine Longet crece como la espuma gracias a sus apariciones en la poderosísima televisión y a sus dos primeros discos, y en 1968 alcanzará su cima gracias a la grabación del que es posiblemente su mejor disco, "Colours", y a su papel en la película de Blake Edwards, "El Guateque".

En 1970 Claudine Longet edita su cuarto disco, "Run Wild, Run Free", que será su último trabajo para A&M, ya que no tardará en firmar por un nuevo sello, Barnaby Records, una discográfica que había fundado su marido en 1963. Son momentos de cambio para Claudine, no sólo en el aspecto profesional, sino también en el plano personal, ya que su matrimonio comienza a hacer aguas, las diferencias con su marido son irreconciliables y finalmente la pareja opta por separarse en 1971, curiosamente en ese mismo año aparece un nuevo album de Claudine bajo el irónico y premonitorio título de "We've Only Just Begun". Con Barnaby Records, Claudine grabará varios singles y dos LP's, el ya mencionado y un segundo trabajo editado en 1972 que lleva el título de una célebre canción de los Stones, "Let's Spend The Night Together", además también dejó material grabado para un tercer disco que permanecería inédito, aunque muchos de los temas de ese disco frustrado aparecerían en 1993 en un album titulado "Sugar Me", lamentablemente los masters de alguna de aquellas grabaciones no incluídas en este disco han desaparecido. "Cuddle Up With Claudine Longet" es un disco editado en 2003 por el sello Vampisoul, subsidiario de Munster Records, y que recoge gran parte de las grabaciones que la cantante y actriz realizó para el sello Barnaby, canciones que mantienen la línea de los dos primeros discos de Claudine y que siguen apostando por la combinación de pop exquisito, jazz reposado y comercial, y bossa nova, todo ello susurrado por este ángel que se escapó de París para vivir un sueño que acabaría convirtiéndose en su peor pesadilla.

Y es que a partir de 1974 la carrera de Claudine Longet entra en un importante declive, hasta el punto de que no se puede citar ningún trabajo de relevancia en el que intervenga la musa del susurro, parecía que el destino le estaba preparando para lo que se le avecinaba. Al mismo tiempo que su fama y su carrera como actriz y cantante son engullidas por el implacable olvido, Claudine Longet se enamora perdidamente del campeón olímpico de esquí Spider Sabich, con quien decide mudarse en 1974 a Aspen, Colorado, allí residirán de forma habitual y llevarán una convivencia con muchos altibajos, Sabich es un apuesto atleta acostumbrado a flirtear con numerosas jóvenes, y la presencia de Claudine y sus tres hijos trastoca radicalmente su estilo de vida. El 21 de marzo de 1976, suena un disparo y el cuerpo del deportista cae sin vida al suelo, el arma se encontraba en las manos de Claudine Longet, que comenzaba de este modo su calvario personal. Mucha gente se dedicó a inculpar a Claudine, señalando que se trataba de un crimen a sangre fría, motivado por las continuas desavenencias de la pareja, pero ella se empeña en demostrar su inocencia y señala que el arma se disparó accidentalmente cuando la víctima le estaba enseñando a manipularla. El caso se convierte súbitamente en carnaza para los tabloides más amarillos y para la despiadada televisión, Claudine Longet, una actriz y cantante de éxito en la década de los sesenta, amiga personal de Bob Kennedy, se convierte ahora en un monstruo capaz de asesinar a su pareja sentimental; ciertamente la cantante de la respiración entrecortada protagoniza el papel principal de una película que desearía que no se hubiese estrenado jamás. Tras un doloroso, polémico y largo juicio, en el que siempre contó con el apoyo de su ex marido, a Claudine se le encuentra culpable de negligencia criminal y se le condena a una multa y a cumplir treinta días en prisión, un mal menor si tenemos en cuenta la gravedad de los hechos ocurridos. Todo cuanto envuelve este turbio episodio de la vida de Claudine Longet es realmente oscuro y escabroso, el tiempo ha demostrado que durante el proceso judicial y en la investigación del crimen se cometieron sorprendentes errores que evitaron la incriminación de la actriz y cantante; muestras de sangre de la imputada que contenían cocaína, las páginas de un diario en las que Claudine escribía sobre su amarga relación con Sabich, todo ello no se pudo utilizar como prueba en el juicio por no haberse obtenido siguiendo los cauces que marca la legislación. La familia de Sabich no se dio por satisfecha con el fallo judicial e intentó reabrir el caso, que finalmente se cerró gracias a un acuerdo económico que además incluía la condición de que Claudine Longet nunca escribiría ni hablaría sobre los hechos ocurridos, punto este último que contribuye a dotar de más misterio si cabe a esta historia. Toda esta enrevesada trama inspiró a sus satánicas majestades, concretamente a Mick Jagger, que compuso un tema titulado "Claudine" que finalmente quedó fuera del disco "Emotional Rescue" de 1980, en algunos bootlegs de la banda se puede encontrar la citada canción.

Tras cumplir con la justicia, Claudine Longet retomó su vida y lo hizo al lado del abogado que le había defendido durante el juicio, Ron Austin, quien abandonó a su familia para enrolarse en una historia de amor que permanece viva. Claudine Longet abandonó el mundo de la música y de la interpretación y se recluyó en su casa de Aspen junto a su nueva pareja, con la que esperaba encontrar una nueva oportunidad para ser feliz tras la amarga experiencia por la que había pasado. Ya en los años noventa, la figura de Claudine Longet como cantante empezó a reivindicarse, su voz y su estética se convirtieron en signo de sofisticación y elegancia y sedujeron a bandas como Stereolab o Ivy, al mismo tiempo que aparecían recopilatorios con lo mejor de su carrera y reediciones de sus trabajos con A&M. Finalmente la fama y el reconocimiento que se le habían negado a Claudine durante los últimos veinte años hacía acto de presencia y contribuía a limpiar la imagen de esta artista, que tan deteriorada y vilipendiada se había visto desde mediados de los años setenta. A mí poco me importa si Claudine apretó o no el gatillo de ese revólver, para mí siempre será la chica de "El Guateque", aquella que nos hizo perder el sentido a Hrundi V. Bakshi y a mí. He querido completar esta entrada con unos enlaces y un vídeo, como viene siendo habitual; entre los links, que esta vez están todos en el idioma de la Pérfida Albión, encontraréis la entrada que Wikipedia le dedica a la cantante, en segundo lugar, la página web del club de fans de Claudine Longet, en tercer lugar, un blog dedicado en cuerpo y alma a Claudine , y por último un enlace a un maravilloso especial dedicado a la cantante parisina y que aparece en una página llamada Confessions of a Pop Culture Addict. En cuanto al vídeo, no podría ser de otra manera, os dejo con la impagable escena de "El Guateque" en la que Claudine interpreta la canción "Nothing To Lose", un tema escrito por Henry Mancini y con letra de Don Black. Espero que os guste.


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Jan & Dean- Save For A Rainy Day (1966)

Los comienzos son siempre complicados, así lo atestiguan la primera cita con la chica que te gusta o el primer día en un nuevo puesto de trabajo. En este caso lo que nos toca comenzar es un nuevo año, y me veo en la obligación (siempre gratificante, por supuesto) de hacerlo con una nueva entrada. Creedme si os digo que le he dado bastantes vueltas al asunto, en primer lugar me debatí sobre la conveniencia de abrir el telón de esta nueva temporada simplemente con un texto cargado de buenos deseos y mejores intenciones, o de hacerlo con un nuevo disco. Finalmente me decidí por lo segundo, al fin y al cabo éste es un blog sobre música, pero ahora surgía la duda más grande ¿qué disco debía elegir? Tras pasar varios días de frustración, días en blanco en los que he sido incapaz de decidirme por un disco, tras devanarme los sesos y desechar opciones, una tras otra, he dado con la solución a este problema existencial. A veces la respuesta a nuestros conflictos está tan cerca de nosotros que somos incapaces de verla, éso es lo que me ha pasado, ¿qué mejor disco para empezar una nueva temporada en este blog lluvioso que "Save for a Rainy Day" de Jan & Dean?

Estoy convencido de que todos vosotros conocéis a Jan & Dean, o al menos seguro que alguna vez habéis oído hablar de ellos, lo que no tengo tan claro es que hayáis oído su música. No creo que me equivoque al afirmar que este dúo californiano es probablemente una de las formaciones más injustamente infravaloradas de la historia de la música. Es posible que la imagen sana, y un tanto frívola, de estos inofensivos adolescentes surferos, más próxima a la del yerno perfecto que a la de un rebelde rockero, sea la responsable del desapego que Jan & Dean han merecido por parte de algunos críticos e historiadores del pop y del rock'n'roll. Pero más allá de aquella fachada que se quería vender se escondía un verdadero talento musical capaz de alcanzar grandes momentos, tanto interpretativos como compositivos, y también una apasionante historia personal trufada de desatinos y desgracias. Todo comienza cuando Jan Berry y Dean Torrence coinciden en el instituto en West Los Angeles, allí serán compañeros de clase y del equipo de fútbol americano, su afición por la música les llevará pronto a cantar junto a otros compañeros, formando el grupo de doo wop The Barons. El grupo realiza versiones de los éxitos de la época, mostrándose como una de las formaciones más sólidas de la zona, fruto de este éxito local deciden presentarse a un concurso de jóvenes talentos, lo que requerirá un buen número de ensayos. Jan Berry se destapa como un joven músico ambicioso que había convertido el garage de sus padres en una especie de estudio de grabación amateur, allí se reunirá la banda, que contará con la ayuda de dos vecinos en sus ensayos, el futuro productor y miembro de The Beach Boys, Bruce Johnston, al piano, y un invitado muy especial a la batería, el mismísimo Sandy Nelson. Finalmente The Barons se disolvieron, aunque Jan Berry seguiría citándose con algunos de sus excomponentes en el garage de sus padres, con la ayuda de sus amigos Berry experimentaba con nuevos sonidos, consiguiendo efectos totalmente nuevos y abriendo un panorama desconocido en la música pop por el que luego transitarían un sinfín de bandas; ojo porque estamos hablando de finales de los años 50's.

Jan Berry no renunciaba a su pasión por la música, y no tardaría en aparecer su primer hit, se trata del tema "Jennie Lee", en el que Jan contará con la ayuda de Dean Torrence y de otro de los antiguos Barons, Arnie Ginsburg. Esta canción, inspirada en una stripper de Los Angeles, aparecería firmada como Jan & Ernie, ya que cuando el single vio la luz Dean Torrance se encontraba realizando el servicio militar; afortunadamente en otoño de 1958 Ernie abandona el barco y Dean finaliza su estancia en el ejército, será entonces cuando quede configurado definitivamente el dúo, habían nacido oficialmente Jan & Dean. Los dos californianos deciden realizar una serie de cambios, entre ellos, deciden buscarse dos nuevos productores, se trata de Lou Adler y, ni más ni menos que, Herb Alpert, los cuatro grabarán un buen número de temas hasta dar con "Baby Talk", con el que conseguirán un número 10 en el verano de 1959; comenzaban con ello los conciertos y las actuaciones en la televisión. Jan & Dean abandonarían el modesto sello Dore Records, que había editado sus primeros singles, y firmarían con una prometedora compañía, Liberty, pero lo que parecía una buena noticia quedaría empañada por la falta de miras de la nueva compañía, que frustró la evolución del dúo, haciendo que se estancaran en los sonidos doo wop. Todo esto haría que sus siguientes singles no alcanzasen puestos de relevancia en las listas, encontrándose el mejor situado de ellos en el puesto 69. Sin embargo este negativo panorama, fruto de los flojos temas que se veían obligados a interpretar, hizo que Jan & Dean comenzasen a escribir su propio material y a autoproducirse. El éxito no tardaría en volver a sonreír al dúo.

El destino puso a Jan & Dean en el mismo camino que el de una nueva y prometedora banda originaria de Hawthorne, California, unos jóvenes que se hacían llamar The Beach Boys, juntos compartirían escenario e inquietudes, lo que hizo que surgiese una profunda amistad entre ellos, sobre todo entre dos de sus miembros, Brian Wilson y Jan Berry, cuya forma de entender la música era muy similar. Precisamente Wilson tenía verdaderos problemas para terminar una canción, su título "Surf City", por lo que decidió regalársela a Jan & Dean para que probasen suerte y experimentasen con ella, el resultado sería el primer número uno del dúo y el comienzo de su etapa más exitosa. El éxito de "Surf City" supuso además una ruptura con sus anteriores singles y sembró el caldo de cultivo necesario para que la creatividad de Jan & Dean entrase en ebullición. No obstante, la popularidad de los singles de Jan & Dean eclipsó en cierta medida a alguna de sus composiciones más ambiciosas y complejas, que pasaban casi desapercibidas en sus LP's, el aire desenfadado y alegre de sus sencillos ocultaba un rico universo de arreglos vocales e instrumentales, un verdadero trabajo de artesanía pop, que pocos supieron valorar en su momento, ni siquiera su propia compañía, responsable de los lanzamientos de aquellos singles. Mientras tanto, la amistad entre Berry y Wilson se consolidaba, hasta el punto de que el papel que Jan Berry desempeñó para que discos como "Pet Sounds" viesen la luz fue importantísimo. Fue Berry quien sugirió a Brian Wilson un cambio en su manera de concebir el trabajo en estudio, y le recomendó, entre otras cosas, que contase con los músicos de estudio que grababan con Jan & Dean, comenzaba una etapa de oro para el pop norteamericano de la mano de The Beach Boys con "Today!"(1965), el citado "Pet Sounds" (1966) y el polémico Smile (que vería la luz definitivamente en 2004); era la contundente respuesta de los USA a la British Invasion.

Volviendo con Jan & Dean, su carrera de éxitos menores continuaba hacia 1965, el dúo seguía colocando sus sencillos entre el top 30, aceptaron aparecer en un telefilm (después de declinar un sinfín de ofertas) y todavía les quedaba tiempo para los experimentos sonoros de Jan Berry, que se encargó de la producción y de los arreglos de "Pop Symphony No.1", un disco que revisaba en clave orquestal los éxitos del dúo. Lamentablemente este idílico panorama se vería súbitamente alterado, en abril de 1966 Jan sufre un terrible accidente de tráfico. Las consecuencias del siniestro fueron terribles, hasta el punto de que Jan sufrió graves daños cerebrales y tuvo que volver a aprender a andar y a hablar, su carrera musical se había desintegrado junto con los fragmentos de su Corvette Stingray. Por su parte, Dean Torrence comenzó una existosa carrera como diseñador gráfico, pero antes grabaría este disco que nos ocupa, "Save For A Rainy Day". A pesar de las secuelas sufridas, Jan se recompuso y tras una larguísima rehabilitación pudo reunirse en alguna ocasión con Dean, de este modo reaparecieron esporádicamente durante los 80's y los 90's, e incluso grabó un disco en solitario en 1997 titulado "Second Wave". En 2004 fallecía Jan Berry a la edad de 62 años.

"Save For A Rainy Day" ve la luz en 1966 y se puede catalogar como un album conceptual, ya que tiene la lluvia como leitmotiv, se trata de un disco que se articula en torno a la lluvia y que utiliza incluso efectos de sonido para encadenar un tema con otro. Como señalábamos, Dean Torrence grabó este disco en ausencia de Jan, aunque utilice el nombre artístico de ambos para firmarlo, fue como una especie de reivindicación del dúo en un momento muy difícil, unos instantes en que Jan Berry se encontraba postrado en la cama de un hospital. Las intenciones de Dean eran por lo tanto nobles, en ningún momento buscaba aprovecharse del nombre de Jan & Dean, sino que más bien estaba abonando el terreno para una reaparición de la pareja confiado, como estaba, de que la recuperación de su compañero sería inminente. Lamentablemente no fue así, si bien es cierto que Jan consiguió salir adelante y evolucionar favorablemente, no lo hizo con la rapidez que esperaba Dean, sin duda ese accidente de tráfico sesgó una de las carreras musicales más prometedoras de los 60's ¿qué habría sido de Jan & Dean si ese siniestro no hubiese tenido lugar? En cuanto a Dean se encontró en una difícil situación, puesto que quien se encargaba de las tareas compositivas en el dúo era Jan, por eso en este "Save For A Rainy Day" se ve obligado a realizar versiones. Dean contará con la ayuda de varios amigos a la hora de escribir y realizar los arreglos del disco, entre ellos, Joe Osborne, Larry Knetchel y James Burton, pero de todos los nombres propios de este disco sobresale uno, se trata de Gary Zekley, santo y seña del sunshine pop. La mano de Zekley está presente en los dos mejores temas del disco, "Yellow Balloon" y "Like A Summer Rain", que anticipan el trabajo que este compositor y productor llevaría a cabo más tade con su propia banda, también llamada Yellow Balloon; las malas lenguas dicen que Zekley creó esta banda con el objetivo de volver a grabar otra versión de "Yellow Balloon", ya que no había quedado contento con el resultado de la grabación de Jan & Dean, sea como fuere, el resultado fue la grabación de uno de los mejores singles de sunshine pop de la historia. Es evidente que "Save For A Rainy Day" no es el mejor disco de Jan & Dean, tal vez no lo sea por la calidad que se le exige a un dúo que estaba mostrando una evolución fuera de lo común en la música pop de los primeros 60's, y evidentemente no lo es dada la ausencia de Jan Berry. A pesar de ello, este disco lluvioso tiene algo especial, el trabajo que se hace de las voces sigue siendo cuidadoso y artesanal, y en ocasiones destila un espíritu casero que lo hace particularmente entrañable. En su momento este disco no tuvo una gran repercusión, ya que se hizo una reducida tirada del mismo, con el tiempo se convirtió en algo así como "el disco perdido de Jan & Dean", hasta que la crítica, y la tecnología, consiguió rescatarlo del olvido gracias, entre otras cosas, a la reedición llevada a cabo por el sello Sundazed en 1996.

En fin, sólo puedo deciros que si habéis llegado hasta aquí sois unos verdaderos campeones, la verdad es que esta vez me he extendido más de la cuenta, pero creo que la historia de Jan & Dean bien lo merecía. Ahora no me queda más que dejaros con unos enlaces y un vídeo; entre los enlaces encontraréis la página web oficial de Jan & Dean y la biografía del dúo californiano en Wikipedia, ambos enlaces en lengua bárbara, para quienes sólo entendéis la lengua culta os dejo dos enlaces más, uno de ellos os conducirá a la página web Aloha Criticón, donde podréis disfrutar de una biografía de Jan & Dean en perfecto castellano del Siglo de Oro, y el otro link os brindará la oportunidad de disfrutar de una breve reseña de "Save For A Rainy Day" aparecida en un blog llamado Pepsounds. Y por último el vídeo, no ha sido fácil encontrar un vídeo convincente de Jan & Dean, de hecho el que he elegido no me convence pero me hace bastante gracia, aunque no sea su mejor tema ni ejemplifique la faceta de Jan & Dean que queremos mostrar, os dejo con una actuación de los rubísimos californianos vestidos de marinerito e intentando seducir a una ingenua sirena al ritmo de "There's A Girl", cuidado, el exceso de almíbar de este vídeo puede dañar la salud, quedáis advertidos. Por mi parte, os doy las gracias por aguantar este tostón. Espero que os guste.


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JAN & DEAN EN WIKIPEDIA

BIOGRAFÍA DE JAN & DEAN EN ALOHACRITICON

RESEÑA DE "SAVE FOR A RAINY DAY" EN PEPSOUNDS




JAN & DEAN- SAVE FOR A RAINY DAY