Me cuesta entender las filias repentinas que asaltan a la población de este país. Por ejemplo: La Fórmula 1. Recuerdo que cuando iba al instituto tenía un compañero que estaba enganchado a los piques entre Senna y Prost, los domingos, lejos de curar las primeras resacas de su corta existencia, los pasaba madrugando para disfrutar en estado semicataléptico de aquellas carreras de coches que nadie entendía y que no significaban nada en términos de audiencias televisivas. De repente apareció Fernando Alonso en nuestras vidas y medio país se convirtió al credo de los monoplazas, las cadenas de televisión se enzarzaban en una guerra a cuchillo por los derechos del circo del motor, y un deporte que hasta hacía unos años había sido minoritario se revelaba como imprescindible en la vida de los españoles; conozco gente para la que el mundo se paraliza, literalmente, los días que hay carrera. Ejemplo número 2: Los musicales. Un espectáculo que asociábamos con los teatros norteamericanos, que parecen alérgicos a los clásicos y a la dramaturgia de calidad, se planta en España dispuesto a arrasar, eso sí, bajo el peculiar prisma de la idiosincrasia española y su personal visión comercial del espectáculo. Dicha visión distorsionada derivará en engendros como "Hoy no me puedo levantar" ó "40. El musical", que batirán todos los records de asistencia y de permanencia en cartel habidos y por haber. Ahora nos encantan los musicales, cuando hace unos años era impensable que un teatro español dedicase una semana de su programación a este tipo de espectáculos. Y no sólo eso, sino que hemos pervertido una expresión artística respetable, más allá de los gustos personales, convirtiéndola en una paparrucha infumable donde la falsa nostalgia, la moralina y la mediocridad campan a sus anchas; vamos que me diréis vosotros, queridos seguidores, que lo mismo es "Los Miserables" que "Hoy no me puedo levantar"... Pero que no cunda el pánico, hoy desde Rainy Day Music vamos a aportar un soplo de aire fresco, un halo de esperanza al panorama de los musicales actuales, por ello hemos elegido una de las últimas creaciones del gran Stuart Murdoch, "God Help The Girl".
Con guión del propio Murdoch, "God Help TheGirl" es una película donde la música tiene un papel predominante, y con la que el cerebro de Belle & Sebastian debutará como director de cine; su estreno está previsto para el 2012. Stuart Murdoch ha trabajado intermitentemente en este poyecto desde la grabación de "Dear Catastrophe Waitress" en 2004, dando forma a un disco que plasma a la perfección la pasión de Murdoch por los girl groups de los 50's y 60's. En "God Help The Girl" encontramos fundamentalmente voces femeninas, ellas son las que llevan el peso de las canciones, acompañadas de invitados de lujo como el mismísimo Neil Hannon, y con unos omnipresentes y brillantes arreglos de cuerda. Murdoch apuesta por voces desconocidas, cobrando especial protagonismo la cantante irlandesa Catherine Ireton, que interpreta la mayor parte de los temas. El disco suena a los Belle & Sebastian más embrionarios, es cierto, pero dejando una ranurita para que entre un ligero soplo de jazz, de clásica e incluso del sofisticado soul que irrumpe en alguno de los discos de la banda, como el citado "Dear Catastrophe Waitress" o "The Life Pursuit", del cual se incluyen dos canciones. En cuanto a la temática de "God Help The Girl", las canciones giran en torno al personaje de Eve, interpretado,vocalmente hablando, por Catherine Ireton. Eve ha abandonado sus estudios y ha comenzado a trabajar, es una joven con multitud de sueños, pero uno destaca sobre los demás: convertirse en cantante. Las canciones del disco repasan sus avatares, sus relaciones amorosas y sus aventuras de todo tipo, incluso las más problemáticas. No obstante el disco nunca suena dramático ni amargo, más bien hace gala de un humor y de una ironía muy británica que sitúa a Stuart Murdoch entre los mejores compositores salidos de las Islas de todos los tiempos, le pese a quien le pese. Para reafirmar mi sentencia basta con escuchar canciones como la que da título al disco, las armonías vocales de "Pretty Eve in the Tub", la revisión de la enorme "Funny Little Frog", la sobrecogedora intervención de Neil Hannon en "Perfection as a Hipster", o un "Come Monday Night" que recuerda a los Belle & Sebastian que conmovieron al mundo con Isobel Campbell en sus filas. Sin duda, un disco más que notable con el que reencontrarse con el mejor Stuart Murdoch y con el que descubrir a una magnífica vocalista.
Os dejo unos enlaces por si queréis profundizar en el asunto, en primer lugar el myspace y la web oficial de God Help The Girl, y en segundo lugar un link a Jenesaispop donde se analiza el proyecto de Murdoch; sí, es un poco austero y no tiene nada que ver con el festín de enlaces de entradas anteriores, pero qué le vamos a hacer, los cambios son así... Eso sí, no me olvido de los videos, he seleccionado el clip oficial de "Come Monday Night", una interpretación en directo del tema "God Help The Girl" y un tercer video en el que el propio Murdoch habla acerca del proyecto. Ahora está en vuestras manos, podéis darle una oportunidad al musical de Stuart Murdoch o dejaros engatusar por el talento de los hermanos Cano y los pecualiares musicales made in Spain. Espero que os guste.
Seguramente si un cinéfilo de los de pata negra y pedigrí me pregunta si me gusta el cine, y le contesto que sí pero que hace bastante más de un año que no veo una película en la gran pantalla, se me lanzará al cuello soltando blasfemias. Sinceramente me he vuelto un poco vago, reconozco que el "american way of life" me ha ganado en este sentido, y prefiero disfrutar de una película en buena compañía y en la intimidad del salón de mi casa, lejos de pataditas en la butaca, de toses inoportunas, risas impostadas o de una terrorífica combinación de ruidos alimenticios (¿cuándo se enterará la gente de que al cine no se va a comer?) y lúbricos. Me duele en lo más hondo de mi alma formar parte de esa legión de seres alienados que prefieren el home cinema a las dimensiones mastodónticas de una pantalla de cine, supongo que es una pequeña muestra de hacia dónde nos lleva esta maldita sociedad: a encerrarnos en nuestros hogares, a ser cada vez menos sociales y menos sociables, a no relacionarnos con nuestros semejantes, a cultivar la fobia social; lo cual degenera en el abandono progresivo de las calles, que es donde se gestan los verdaderos movimientos sociales, hecho que hace que seamos cada vez más inofensivos. Todo está al alcance de nuestra mano, no hace falta que abandonemos nuestros hogares para disfrutar de nuestros pasatiempos favoritos; es más, este demonio a través del cual me comunico con vosotros ha contribuido a ello en gran medida, apoyado en una industria cada vez más pujante, la de los videojuegos (ya factura más dinero al año que la industria musical), que ha conseguido incluso que se pueda hacer deporte sin salir de casa, o tocar rock'n'roll con tus amigos sin molestar a los vecinos ni tener que buscarte un local, ¿os acordáis de cuando teníamos que ir a los recreativos para disfrutar de los avances del ocio electrónico? Parece que lo importante hoy en día es que pasemos el mayor tiempo posible en casa, sin molestar. No quiero resultar huraño, ni enarbolar la tan manida bandera de aquellos que afirman que cualquier tiempo pasado fue mejor, pero sí que tengo claro que el ocio, entendido como un elemento social, ha vivido un descalabro absoluto en estos últimos años, sólo tenéis que observar lo que ha ocurrido con los cines en cualquiera de nuestras ciudades.
La lista de cines que han desaparecido en cualquiera de las urbes de este país en los últimos veinticinco años es escalofriante, hablo de CINES con mayúsculas, verdaderos templos del séptimo arte que han sido condenados a la piqueta del olvido y enterrados en una escombrera que se ha pasado por el arco del triunfo la liturgia, el misterio y el encanto que suponía para alguno de nosotros ir a ver una película en una de esas monumentales telas blancas que envolvían cuidadosamente todos y cada uno de nuestros sueños. No es que el cine como industria haya desaparecido, simplemente ya no quedan grandes cines, ya que éstos se han visto sustituídos por asépticas y deprimentes salas de proyección. De un cine-teatro se han sacado siete salas equipadas con todos los adelantos de imagen y sonido, capaces de convertir un bodrio insufrible en toda una experiencia estética. Señores responsables de la política cultural de las diferentes ciudades españolas, y más concretamente de ésta en la que yo vivo, la milenaria Caesaraugusta, ¿quieren saber por qué he dejado de ir al cine? Se lo diré gustosamente, mi postura no obedece únicamente al influjo del estilo de vida americano, ni siquiera tengo consola (no la tuve de niño, tampoco durante mi adolescencia, así que de qué me sirve ahora, entrado ya como estoy en la treintena...), no voy al cine porque ustedes se han encargado de destrozar parte del paisaje de mi infancia, aquel que contenía algunos de mis más preciados recuerdos, y eso es imperdonable. Desde el coqueto y funcional cine Pax, pasando por el Mola, Aragón, Iris y Actualidades, el monumental Fleta, el maravilloso Coliseo, el confortable Quijote, el cine Goya, que fue mutilado antes de darle la fatal puntilla, modestos cines de barrio como el Madrid, que se pierde entre mis primeros recuerdos frente a la pantalla, y muchos otros que ahora no consigo recordar, todos ellos han sido arrasados con nocturnidad y alevosía, con el beneplácito de aquellos que dicen servir al ciudadano y defender los intereses culturales de nuestra ciudad. Para mí sólo queda un cine en esta ciudad, el Elíseos, que aún conserva intacto el esplendor de antaño, cuando ir al cine era algo más que ir a ver una película; el resto son multicines y salas desprovistas de cualquier atisbo de humanidad, con oscuras y mullidas paredes y pantallas mucho más pequeñas que las de nuestra infancia, cines de todo a cien. Confío en que alguien me entienda, prefiero quedarme en mi casa antes que mostrar mi consentimiento y mi aprobación a semejante atrocidad.
A todos estos prejuicios, personales e intransferibles, se úne otro, y es mi más absoluto desinterés hacia la mayor parte del cine que se factura hoy en día, lo cual no ayuda demasiado a mover mis huesos hacia la sala de proyección más cercana; esto explica que vea la mayoría de las películas con varios años de retraso, como cuando teníamos que esperar a que nuestros filmes favoritos saliesen al mercado en formato VHS. A pesar de ello, la placidez de mi hogar me brinda en ocasiones gratas sorpresas, hasta el punto de llegar a lamentarme alguna vez por no haber visto determinadas películas recientes en la gran pantalla, eso es concretamente lo que me sucedió hace escasos meses con Once, de John Carney. Puedo aseguraros que si algo se me da mal en esta vida es hacer sinopsis de películas o resúmenes de libros, puedo liaros hasta extremos insospechados, consiguiendo que vuestra confusión vaya en aumento a medida que hago un esfuerzo titánico por intentar reconstruir la trama principal del film o de la novela en cuestión. Por todo ello os ahorraré mi sinopsis personal de Once, simplemente os diré que es una película que narra el encuentro de dos personas muy perdidas, dos seres humanos enamorados de la música y con una desafortunada vida personal, qué le voy a hacer, me encantan las películas tipo "perdedor conoce perdedora". Si bien el guión de Once es sólido, aunque quizás poco sorprendente, su fuerte reside en una impagable banda sonora, perfectamente estructurada y de un calado emocional sublime. La pareja protagonista de Once es además la encargada de poner música y voz a la banda sonora de la película, se trata del irlandés Glen Hansard, integrante de la banda The Frames, y de la checa Markéta Irglová, que con sólo 19 años debutó en esta película, ambos muestran una compenetración y una frescura únicas tanto en su trabajo como actores como en sus interpretaciones musicales. Glen Hansard abandonó el colegio con tan sólo 13 años y se lanzó a la calle a buscarse la vida como músico, tal y como hace el personaje que interpreta en Once, más tarde formaría la banda The Frames con quienes ha grabado un buen número de discos entre 1991 y 2006. Una de sus primeras apariciones públicas, o al menos la primera que le supuso cierta fama, fue en la película de Alan Parker The Commitments, donde interpretaba al guitarrista Outspan Foster, para ello se formó en la New York Film Academy School of Acting, algo que más tarde lamentaría, ya que consideraba que aquel período le había restado concentración y esfuerzo a su carrera como músico. Tras su fugaz experiencia como actor, Hansard retomó su trabajo con The Frames, y visitando Praga conoció a una joven llamada Markéta Irglová, una multiinstrumentista autodidacta y con un enorme talento, así surgiría una relación muy especial entre ambos que daría sus frutos en forma de maravillosas canciones, de este modo, en 2006 vería la luz el disco "The Swell Season". Ese mismo año ambos serían reclutados por el director irlandés John Carney (quien a su vez también fue músico profesional, tocando el bajo precisamente en The Frames entre 1991 y 1993) para interpretar a los dos protagonistas de su última película, "Once", Glen y Markéta se encargarían además de la banda sonora, cuya canción principal, "Falling Slowly", obtendría el Oscar de su categoría durante la entrega de premios de 2007. Tras el éxito cosechado, la pareja intervendría también en otra banda sonora, concretamente en el film de Todd Haynes I'm Not There, inspirada en la vida de Bob Dylan, y lo harían interpretando una de las canciones del gran Dylan, "You Ain't Goin' Nowhere", el mítico cantautor se declaró admirador del trabajo del dúo, al cual reclutaría como telonero para su gira mundial. Actualmente la pareja ha reconocido haber puesto punto y final a su relación sentimental, aunque se espera que en octubre vea la luz un nuevo disco fruto del trabajo de ambos titulado "Strict Joy", esperemos que la separación sentimental no signifique el fin de su inspirada carrera conjunta. Como curiosidad hay que citar que Glen Hansard ha tenido el honor de figurar dentro del elenco de celebridades que han aparecido en un episodio de los Simpsons, y lo ha hecho, como no podría ser de otra manera, como músico callejero en Irlanda.
Desde que comenzamos a escuchar la banda sonora de Once nos sentimos irremediablemente atrapados, sobre todo si antes hemos visto la película, ya que resulta muy complicado no dejarse arrastrar por dos personajes tan auténticos como los interpretados por Glen Hansard y Markéta Irglová, tan naturales, sin aditivos, colorantes ni conservantes. Es difícil distinguir entre los actores, los músicos y los personajes reales, hasta el punto de acabar creyendo que todos forman un único ser indisoluble, un ente que pone toda la carne en el asador cada vez que se enfrenta a una canción, que interpreta cada tema desde lo más profundo de su alma, que es capaz de cantar con el corazón, algo que muchos cantantes no conseguirán en toda su vida; no hay más que escuchar a Glen Hansard interpretando "Say It To Me Now" para comprobarlo, al mismo tiempo que el vello de todo nuestro cuerpo se eriza sin que podamos remediarlo. Hansard y su joven partenaire empastan sus voces con una precisión propia de cirujanos, es algo que nos queda claro desde que se abre el disco con la oscarizada "Falling Slowly", donde además el irlandés muestra un amplio registro vocal con unos falsetes muy efectivos y muy bien medidos. Aunque quien lleva la batuta es Glen Hansard, Markéta Irglová tiene sus instantes de lucimiento como sucede con "If You Want Me", una solvente canción de pop donde la checa demuestra poseer una deliciosa voz. La banda sonora de Once hace gala de un elegante eclecticismo que le acerca en ocasiones al pop comercial sin resultar por ello vulgar ni frívola, más bien al contrario, el cuerpo de la banda sonora se muestra realmente compacto, sin fisuras y con grandes momentos interpretativos a cargo de los dos músicos, tal es el caso de "The Hill" o "Leave", donde Markéta y Glen, respectivamente, se confirman como dos magníficos cantantes. También hay hueco para pasajes más relajados como la simpática "Fallen From The Sky", una pegadiza canción de ritmo repetitivo, o "Trying To Put Myself Away", un medio tiempo con un magnífico arreglo de cuerda. Todo ello hace que los trece temas que componen este disco sean de cómoda digestión, algo poco común en las bandas sonoras, perdidas generalmente en pasajes sinfónicos que pierden efectividad fuera del contexto de la gran pantalla, Once nos gana por su sencillez, por su humildad, por su falta de pretensiones, y lo mismo que sucede con la película ocurre con su banda sonora, que se convierte en una deliciosa sorpresa que uno no se cansa de disfrutar.
Llegados a este extremo, sólo me queda felicitar a los valientes que sigan manteniendo los ojos pegados a la pantalla para descifrar y asimilar todo este rollo, y por supuesto ir terminando antes de que me convierta en el primer usuario al que le cierran el blog por plasta. De modo que si tenéis ganas de completar esta entrada con más información, os dejo con un puñado de enlaces: muchos de ellos os conducirán a páginas donde se habla de la película, que por supuesto os recomiendo encarecidamente, es el caso de la página web oficial de Once, o del apartado que la película tiene en wikipedia (completísimo por cierto), o en Internet Movie Data Base, también conocido como IMDB, para aquellos que no sintonizáis con el idioma de la Pérfida Albión, podréis disfrutar de la magnífica reseña que en la página web de filmaffinity aparece en lengua culta. Por otro lado he querido recoger los enlaces al myspace y a la página web oficial de The Swell Season, el proyecto musical de Glen Hansard y Markéya Irglová, así como una videoentrevista hecha a la pareja con motivo del lanzamiento de la película Once. Y de premio dos vídeos, uno de ellos muestra una escena de la película, en la que se interpreta el tema "Lies", y el otro recoge a los dos músicos en el festival de Sundance 2007, interpretando el tema principal de Once, "Falling Slowly", en plena promoción de la película. Espero que os guste.
Hoy vamos al cine, y lo hacemos de la mano de dos monstruos: Louis Malle y Miles Davis. "Ascensor para el cadalso" es la película que consagró a Malle como director, la historia que provocó el nacimiento de un mito de la pantalla como Jeanne Moureau y la música que abrió las puertas de Europa de par en par a otra leyenda: Miles Davis. La relación entre Miles Davis y esta película comienza en 1957 y nos la cuenta perfectamente Jesús Villalba en la página web de Jazz Granada, os dejo con sus palabras:
"Miles Davis en Paris. Diciembre de 1957.
En invierno de 1957 Miles Davis había sido contratado por Marcel Romano, promotor del Club Saint-Germain , para una gira europea de tres semanas que no tuvo el éxito esperado y de la que solamente se concretaron tres actuaciones en Bruselas, Amsterdam y Stutgart, además de las tres anunciadas en Paris. Gracias a esta circunstancia Miles pudo tener suficiente tiempo para conocer a los intelectuales y estrellas francesas de moda, como Jean-Paul Sartre y Simone de Beauvoir o Boris Vian y su mujer, Juliette Greco -con la que mantuvo un tórrido romance-, y de vivir, de forma intensa, las noches parisinas. El trompetista norteamericano llegó solo a Paris, sin sus músicos habituales: el maravilloso quinteto integrado por John Coltrane, Red Garland, Paul Chambers y Philly Jones. Por lo que Miles seleccionó músicos jóvenes sin gran experiencia en los clubes de jazz de la ciudad – aparte de Kenny Clarke, baterista obligado para todos los músicos americanos que pasaban por Paris -, el pianista René Urtreger, el contrabajista Pierre Michelot y el saxofonista Barney Wilen, conformando un grupo que, en tan sólo tres semanas, habría de encontrar un lugar destacado en la historia del jazz.
René Urtreger recuerda su primer encuentro con Davis: << Yo tenía un póster de Miles en mi habitación. La primera vez que nos vimos, estaba tocando con un trío en algún club de Montparnasse. Recuerdo que era un lugar frío y con poca luz. Miles apareció en la penumbra del local. Hacía tanto frío que se quedó con su abrigo puesto junto a la barra, daban escalofríos. Un poco más tarde sacó su trompeta y comenzó a tocar con nosotros >>. Jean-Claude Rappeneau, jefe del equipo técnico de Romano, trabajaba también con un joven director aficionado al jazz, Louis Malle, que acababa de terminar el rodaje de su primera película: Ascenseur pour l´échafaud, y tuvo la feliz idea de poner a ambos en contacto para que estudiaran la posibilidad de que Davis compusiera la banda sonora de la película. A Miles le gustó la idea de componer una banda sonora y aceptó el proyecto con la condición de tener un piano y un proyector de cine para visionar la película en la habitación de su hotel. Trabajó durante dos semanas de una manera relajada ante las imágenes, en condiciones próximas al cine mudo, cuando los pianistas de la salas de cine tenían la ocasión de acompañar e improvisar varias veces la misma película.
Louis Malle era perfectamente consciente del riesgo de esta tentativa, sin precedentes en la historia del cine hablado: << La música contribuyó al éxito de la película. Le dio su tono, una atmósfera, una especie de ambiente que la música de Davis mantiene hasta el final y que le da su unidad >>. La banda sonora se caracteriza por no tener un leit-motiv concreto, un tema estelar; un concepto totalmente revolucionario en la época, y por ser una de las partituras más densas y sugerentes de la historia del cine. Se graba en tan solo dos sesiones en los estudios de La Poste Parisien, las noches del 4 y 5 de diciembre de 1957. Unos días inolvidables para Jeanne Moureau, la joven y atractiva protagonista del filme que ameniza las grabaciones con su simpática presencia, y para un testigo de excepción: Boris Vian.
Nunca una música se había asociado a un largometraje de esta manera. Jamás la leyenda de un filme se había construido tanto alrededor de su banda sonora. La fuerza del filme, su originalidad, plagada de novedosas imágenes, su modernidad, su trascendencia por la música de Miles Davis, su asociación a la explosión de la Nouvelle Vague, hacen que Ascenseur pour l´échafaud sea un ejemplo raro, único, de un filme que nos descubre también, un universo poético que es la identidad fundamental de la película. La contemplación de las imágenes de un Paris en blanco y negro, donde Jeanne Moureau busca un amor perdido, ha cambiado, tal vez... un poco, la historia del cine y del jazz.
Jesús Villalba"
Poco más se puede decir, os dejo con un pequeño extracto de "Ascensor para el cadalso", donde se puede apreciar el perfecto maridaje entre la banda sonora y la atmósfera construída por Louis Malle para narrar esta historia, cine negro en estado puro. En cuanto a Miles Davis, creo que es de sobras conocido como para esbozar una reseña biográfica en este post, no obstante si alguien quiere un poquito de información extra os dejo un enlace muy interesante. Espero que os guste.
sus filas. Sin duda, un disco más que notable con el que reencontrarse con el mejor Stuart Murdoch y con el que descubrir a una magnífica vocalista.
