Fionn Regan- The End of History (2006)

En estos tiempos que corren uno tiene que hacer verdaderos esfuerzos por no convertirse en un paranoico. La visión sesgada que se nos ofrece de la realidad, así como la manipulación a la que somos sometidos por parte de los medios de comunicación y por parte de quienes ostentan el poder (que en muchos casos acaban siendo las mismas personas), hacen que nos preguntemos hasta qué punto somos conscientes de lo que ocurre a nuestro alrededor, o, por decirlo de otra manera, si es verdad todo cuanto se nos muestra. Es inevitable sentirse como un títere indefenso, a merced de una oligarquía mundial que teje y desteje a su antojo. Hace poco más de un mes tuve la ocasión de ver un documental excepcional, que recomiendo encarecidamente a todo el mundo, titulado "Comprar, tirar, comprar" (podéis verlo aquí), en él se analizaba el fenómeno de la obsolescencia programada, es decir, cómo algunos objetos, fundamentalmente electrodomésticos, se conciben y manipulan para tener una duración notablemente inferior a la que podrían alcanzar. En aras del voraz sistema capitalista, que se nutre principalmente del consumo, productos como las bombillas son manipulados para que no sobrepasen las 1500 horas de vida, mientras que existen estudios que han demostrado que podrían alcanzar hasta las 100000 horas de duración. Ese concepto de realidad distorsionada y, lo peor de todo, condicionada, me resulta aterrador, ya que genera una absoluta desconfianza hacia todo aquello que nos rodea. El mundo de la música no escapa a esta mezquina estrategia de control de las masas, y si no decidme ¿qué otra cosa es la radiofórmula? Seguro que más de uno de vosotros ha tenido que aguantar que le llamen "rarito" por escuchar discos que no figuran en los diales más convencionales; como bien señala un buen amigo mío, todo ese tipo de sonidos son "música para gente a la que no le gusta la música". A través de las emisoras más populares se crea un criterio único de lo que debe ser la música y, lo que todavía es peor, de cómo deben sonar las canciones que merecen ser populares o gozar de cierto éxito. Con todo ello se configura un panorama sonoro estándar, un patrón con el que someter a la población, una música de valores planos y sin mensaje que acaba creando ciudadanos acríticos y sin interés alguno en aquello que se sale de la norma; ciudadanos fáciles de controlar. Ellos marcan la pauta, son pocos, en comparación con la cantidad de propuestas sonoras que nos brindan otras alternativas, pero en cambio se arrogan derechos de autor y tienen la poca vergüenza de llamar a lo que hacen "arte". A mí me la traen al pairo los derechos de autor de Alejandro Sanz, como si se quiere gastar todo su dinero en una dentadura de diamantes, sólo quiero que me dejen descargarme libremente la música que me interesa para luego decidir si quiero comprarla, porque sigo siendo uno de esos enfermos que destina parte de su sueldo a adquirir discos, y algunos en vinilo ¿cuánto hace que tiró usted su tocadiscos, señora ministra? Si algo tengo claro es que, como cantaba el viejo Dylan, los tiempos están cambiando, y que internet es la herramienta más poderosa de cuantas ha creado el hombre después de la imprenta. Internet es un grano en el culo para el poder establecido, por eso en países como Irán o Corea del Norte el acceso a la red está controlado y sometido a una férrea censura. El poder de la red en los últimos acontecimientos históricos no es ni mucho menos anecdótico, como ejemplo podemos citar las revueltas en el mundo árabe, y cada vez son más las personas que utilizan internet como medio para exponer una verdad desnuda, a veces descarnada, cruel e incómoda que debería sonrojar a aquellos que se empeñan en maquillar la realidad a su antojo. Internet está cambiando el mundo y la concepción que tenemos de asuntos como la información o el acceso a la cultura, luchar contra ello con la beligerancia que muestran algunas administraciones es negar una realidad, es un acto de cobardía y una muestra de incultura que equivaldría a vivir en los albores del siglo XIX y estar en contra de la máquina de vapor. También hubo quien dijo que el cinematógrafo era un invento condenado a fracasar, e incluso hasta hace poco más de veinte años había quien negaba a la fotografía su entidad artística, el tiempo es un juez verdaderamente cruel con aquellos que se empeñan en negar la realidad. Hoy visita Rainy Day Music un joven que apuesta en su música por la desnudez y la honestidad, valores que muchos asociados de la SGAE desconocen; podéis estar tranquilos, Fionn Regan no manipula absolutamente nada, todo es lo que parece, y a veces es tan bello que asusta.

Fionn Regan nace en Bray, Irlanda, en 1981, sólo un año antes que Naranjito. El pequeño Fionn crece en un ambiente bohemio, auspiciado por las inquietudes artísticas de su familia, parte de su infancia se desarrolla en un hotel junto a la costa, donde los Regan vivían y trabajaban. Su padre, músico, le familiarizará con los instrumentos, así, este jovencito irlandés ya tocaba el piano, el violín y la guitarra antes de los 10 años. Fionn Regan creció escuchando blues y folk, en múltiples entrevistas cita a Leadbelly o a Woody Guthrie como grandes influencias, pero también se acercó a grandes bandas como The Velvet Underground, e incluso disfrutó de formaciones como Nirvana, al igual que cualquier teenager de mediados de los 90. Fionn Regan no tardaría en subirse a un escenario y en recorrer el país siendo todavía un adolescente, por lo que se puede afirmar que desde muy joven tuvo clara su vocación. La primera grabación oficial de Fionn Regan tiene lugar bajo el nombre de Bilbo, se trata de un EP titulado "Slow Wall", corría el mes de octubre del año 2000. A principios del nuevo milenio Fionn Regan se muda a Brighton, donde acabará firmando con el pequeño sello independiente Anvil Records, con ellos grabará un single y tres EP's: "Little Miss Drunk" en 2002, "Reservoir" en 2003, "Hotel Room" en 2004 y "Campaign Button" en 2005. Regan se mostrará en estas grabaciones como un cantautor clásico, en la línea del folk de principios de los 70, un músico influenciado por Nick Drake, y por su contemporáneo, Damien Rice, con quienes será comparado en lo sucesivo. En poco tiempo, Fionn se convierte en un músico con un futuro muy prometedor, un pequeño genio al que no tardaría en echar sus redes el exquisito sello Bella Union, que le ofrece grabar su disco de debut, será en 2006 bajo el título de "The End of History".

Fionn Regan quería que su disco sonase cercano e íntimo, de modo que no dejó que ningún divo con tendencia a la sobreproducción pusiese las manos sobre su retoño, él mismo produciría el disco, con la única ayuda de Simon Raymonde, capo de Bella Union y antiguo componente de The Cocteau Twins, en las mezclas. La idea que tenía Regan consistía en realizar una grabación analógica, haciendo tomas en directo, de este modo, no en vano, parte del disco está grabada en un abandonado granero de piedra con una grabadora portátil, sin trampa ni cartón. El disco se abre con "Be Good or Be Gone", el tema del disco que más difusión ha tenido gracias, entre otras cosas, a su aparición en la banda sonora de la exitosa serie Anatomía de Grey. Pero no os dejéis engañar, "Be Good or Be Gone" no tiene nada que ver con el pop facilón que suele sonar en la citada serie, ni despide el aroma a almíbar que caracteriza a las historias de estos médicos de ciencia ficticia, muy al contrario, estamos ante una cosa muy seria, algo que se demuestra en frases como ésta: "I Have Become an Aerial View of a Coastal Town That You Once Knew", tome nota, doctora. La guitarra arpegiada se convertirá en el santo y seña de Regan a lo largo de todo el disco, el irlandés se muestra como un buen guitarrista, con una técnica muy depurada que recuerda la forma de tocar de Nick Drake o de Bert Jansch. Aparte de eso, unos escuetos coros dan una nota de color a la canción, eso es todo. "The Underwood Typewriter" sigue los mismos esquemas, aunque añade una percusión prácticamente imperceptible y unas notas de cello; en tan solo dos canciones Fionn Regan ha planteado toda una declaración de intenciones y ha creado dos monumentos con los que se ha erigido en pieza fundamental dentro del panorama del folk contemporáneo. Más de uno se habrá quedado ya pegado al sillón, sorprendido ante lo que ha escuchado, pero todavía falta mucho por descubrir en este enorme disco, "Hunters Map", nos adelanta alguno de los instantes más brillantes de "The End of History". El tercer tema del disco tiene un halo oscuro que lo aleja del folk amable que tanto se estila hoy en día y lo sitúa próximo a las latitudes de otro gran maestro, Mark Kozelek y sus Red House Painters. La guitarra subiendo y bajando, las cuerdas pellizcadas y rasgadas, el sutil cello, la tenue percusión y las voces de acompañamiento, todo en esta canción me parece conmovedor y brillante. Pero espera, ni se te ocurra levantarte para ir al baño, porque Fionn Regan contraataca con otro de los momentazos del disco, "Hey Rabbit". Basta con escuchar las primeras estrofas del disco de debut de Fionn Regan para darnos cuenta de la importancia que le concede a las letras, sin duda nos hallamos ante un fantástico contador de historias, algo que sorprende por la temprana edad de Regan. En ocasiones parece como si Regan hubiese escrito la letra antes de componer la música, ello hace que resulte complicado insertar el texto en el cuerpo de la canción, forzando en determinados momentos la dicción y el fraseo, lo que otorga un mérito extra a la hora de cantar y resolver los temas con la brillantez con que lo hace el joven irlandés. "Hey Rabbit" es buena muestra de ello, pero no es una excepción, como veremos en lo sucesivo. Musicalmente hablando, el tercer corte del disco se asemeja a un vals, un formato que se ajusta cómodamente al fraseo de Regan y que le permite cierta versatilidad a la hora de cantar. Fionn Regan ha encendido la locomotora y no piensa parar, de modo que vuelve a la carga con "Black Water Child"; canela en rama. Esta vez la percusión es más patente, en forma de batería con escobillas, y la voz de Regan aparece empastada con otra que le dota de mayor profundidad. El ritmo se acelera un poco con respecto a los temas precedentes y Regan se atreve incluso con un leve falsete en la parte final del tema; todo ello hace que el disco no resulte plano a la primera escucha, aportando matices diferentes. Casi sin tiempo para recuperarnos de tanta intensidad emocional, nos topamos de frente con "Put a Penny in The Slot", uno de los puntos álgidos del album; sí ya sé que he dicho esto en más de una ocasión, pero es que el disco raya a un nivel muy alto. El sexto tema del disco es, como señala Stewart Mason en su reseña para allmusic, un clásico instantáneo, una canción que nos atrapa desde el primer acorde y que nos remite al folk de los años sesenta y a la música tradicional del período entreguerras. Únicamente suprimiría el coro que aparece en la parte central, preferiría que el total de la canción quedase desnudo, tal y como lo concibe Regan en la mayor parte del tema. A pesar de ello "Put a Penny in The Slot" es un tema como la copa de un pino, con una letra compleja , que cabalga entre la ironía y la melancolía, y que hace alusión a dos grandes escritores, como son Paul Auster y Saul Bellow.

Unos timbales abren fuego en el séptimo tema de "The End of History", dando paso a una guitarra rasgada y a la voz de Fionn Regan, se trata de "The Cowshed", una canción más convencional pero que no por ello baja el listón. La intensidad emocional se recupera rápidamente merced a otro gran tema, "Snowy Atlas Mountains", que recupera al Regan oscuro de "Hunters Map". Es curioso, pero oyendo temas como éste, y más leyendo atentamente la letra, uno tiene la extraña sensación de que algo está a punto de ocurrir, que algo va a explotar delante de nuestras narices, tal y como ocurre con alguna de las disputas conyugales de Raymond Carver; hay que reincidir en el talento literario de Fionn Regan, capaz de recrear escenas de una fuerza poética arrolladora. "Noah (Ghost in a Sheet)" es el noveno corte de "The End of History", una canción que sigue indagando en la faceta menos amable del folk, un tema que transmite una tristeza conmovedora. Personalmente, es la canción del disco que más me recuerda a Nick Drake, una canción mucho más compleja de lo que a simple vista puede parecer, una canción en la que las pausas y los silencios juegan un importante papel. La décima canción del LP es la que le da nombre, "The End of History", un tema con una letra ambigua y una base musical que deja pasar algún rayo de sol después de la oscuridad de los dos temas anteriores. Las voces están especialmente cuidadas y el trabajo de guitarras oscila entre los arpegios y las notas repetitivas a modo de mantra, una muestra de minimalismo bien entendido y enriquecido. "Abacus" es el penúltimo tema del disco, y muestra a un Regan desnudo que se enfrenta con la única ayuda de su voz y una guitarra a la titánica tarea de atrapar al oyente durante dos minutos y medio, un examen que el irlandés supera con nota. Y así llegamos al final de la mano de "Bunker or Basement", el duodécimo corte del LP, una maravilla en la que se introduce un tenue piano que acompaña a la voz y a la guitarra de Fionn Regan, que hace un trabajo sobresaliente con las seis cuerdas. En torno a los 3 minutos y 20 segundos, la canción da un giro, se oscurece y se vuelve instrumental, alcanzando un desarrollo que la llevará hasta los 6 minutos y medio de duración, y en los que piano y guitarra se reparten el protagonismo (acompañados de un escueto cello), creando entre ambos una bellísima atmósfera; imaginaos a Erik Satie haciendo folk a principios de los 70. Tras unos inquietantes instantes de silencio, Regan regresa para interpretar una canción sorpresa que permanece oculta en el minutaje de la última pista, se trata de "Campaign Button". En este caso merece la pena esperar, ya que nos encontramos a un Regan menos comedido en su fraseo y con más matices en su forma de cantar, un cantante como la copa de un pino que interpreta de manera soberbia una melodía con aroma a folk añejo; una bonita forma de cerrar un disco soberbio, uno de los mejores debuts de los últimos años.

La crítica sucumbió al encanto de "The End of History", a la frágil voz de Fionn Regan y a la sutil poesía de sus letras, el primer disco del irlandés apareció en un buen número de listas junto a lo mejor de 2006. El éxito del disco en el Reino Unido, haría que el sello estadounidense Lost Highway Recordings se hiciese con la distribución del album en los USA, abriendo las puertas de un enorme mercado al joven irlandés. Más tarde llegarían las giras, los festivales de verano y las nominaciones a importantes premios, como los Meteor Music Awards, que premian a los mejores artistas irlandeses, y en los que Regan estaría nominado como mejor intérprete masculino y como artista revelación, los Choice Music Prize, donde competiría para hacerse con el título de mejor album del año, o los prestigiosos Mercury Prize, a los que también optaría. No cabía la menor duda de que Fionn Regan había triunfado con su primer trabajo, ahora tocaba esperar la reválida con su segundo LP. Muchos eran los que se frotaban las manos pensando en el segundo disco del irlandés, los más mezquinos ya tenían escrita la crítica desde hacía tiempo, las plumas afiladas estaban listas para hablar de continuismo y de autocomplacencia, pero hete aquí que el joven genio les haría esperar cuatro años, los que han transcurrido hasta que "The Shadow of an Empire" viese la luz en febrero de 2010. Y justo cuando las críticas simplonas estaban a punto de enviarse a imprenta, los críticos descubrieron que el segundo disco de Regan se abría a la electricidad; justo como hiciese en su día Bob Dylan con "Bringing it All Back Home"; lo siento chicos, os han roto la cintura. Fionn Regan sorprende y se reinventa en su segundo largo, huye del camino fácil y del cliché y entrega un soberbio disco en el que explora registros diferentes del intimismo y de la melancolía de "The End of History", creando así una obra que se complementa con su antecesora ejerciendo de perfecto contrapunto y trazando una evolución coherente, que le lleva de lo acústico a lo eléctrico sin dejar de ser el magnífico contador de historias que es.

Como broche a esta entrada os dejo con los enlaces y los vídeos. Entre los enlaces encontraréis los ya habituales, que os conducirán al myspace y a la web oficial de Fionn Regan, además he seleccionado un link que os llevará al espacio que la discográfica Lost Highway Records tiene dedicado al músico irlandés, y que está bastante completo. Más adelante os daréis de bruces con dos reseñas de "The End of History", la primera en lengua culta, en Zona Musical, y la segunda en la lengua del Imperio, en la web de la BBC. Por si esto os parece poco, he recogido una entrevista a Fionn Regan realizada para la web Music Snobbery, y no sólo eso, sino que también podréis disfrutar de nuestro hombre en una de esas maravillosas sesiones a las que nos tienen acostumbrados los chicos de The Black Cab Sessions, y como colofón, he querido enlazar la web Lyricskeeper, donde podréis encontrar las letras de "The End of History". En cuanto a los videos, he escogido dos, el primero de ellos es el videoclip oficial de "Put a Penny in The Slot", mientras que el segundo muestra a Fionn Regan interpretando en directo, y al aire libre, el tema "Hey Rabbitt" para Electric Picnic TV; ambas canciones están incluídas en "The End of History" . Espero que os guste.

WEB OFICIAL DE FIONN REGAN

MYSPACE DE FIONN REGAN

FIONN REGAN EN LA WEB DE LOST HIGWAY RECORDS

RESEÑA DE THE END OF HISTORY EN ZONA MUSICAL

RESEÑA DE THE END OF HISTORY EN LA WEB DE LA BBC

ENTREVISTA A FIONN REGAN EN THE MUSIC SNOBBERY

FIONN REGAN EN THE BLACK CAB SESSIONS

LETRAS DE THE END OF HISTORY EN LYRICSKEEPER

FIONN REGAN- THE END OF HISTORY

Zumpano- Look What The Rookie Did (1995)

Conforme uno va peinando canas (que ya es de lo poco que nos queda para poder peinar) se da cuenta de lo importante que es dar las gracias, una acción que en este mundo de prisas voraces y de egos superlativos olvidamos con bastante frecuencia. Cuando éramos niños, nuestros padres insistían en que dijésemos la palabra mágica a todo desconocido que nos diese un caramelo (otro día hablaremos de los caramelos con droga a la salida del colegio, qué fuerte...), nosotros asentíamos resignados y con un finísimo hilo de voz deslizándose entre nuestros labios susurrábamos unas "gracias" prácticamente inaudibles; el proceso de aprendizaje era costoso y se nos antojaba realmente complicado articular esas dos sílabas. "Es de bien nacido ser agradecido", me repetía mi padre, frase que con el tiempo he hecho mía en una clara muestra de la "carcamalización" a la que me estoy sometiendo; extraño animal el humano, al que hay que enseñarle a ser agradecido. Yo procuro comportarme como un bien nacido e intento dar las gracias siempre que puedo, hay tantos motivos por los que hacerlo que obviarlo sería de una arrogancia imperdonable. No quiero caer en la cursilería más almibarada, por lo que voy a omitir un millón de motivos por los que estoy agradecido a esta vida, los cuales prefiero reservar para sus principales destinatarios, pero sí que quiero agradecer de nuevo a todos los visitantes de Rainy Day Music su fidelidad, su complicidad y su compañía en esta singladura que va camino de cumplir tres años; gracias por todo lo bueno que me dais, que es mucho. Cuando uno emprende cualquier tipo de aventura personal ha de ser agradecido con todo aquel que le ha servido de apoyo, incluso con los adversarios (en caso de que los haya) que le han servido de estimulo para hacer mejor las cosas. Me encanta cuando un escritore dedica su libro a alguien, porque me hace fantasear con los motivos de tanta gratitud, pero sobre todo me gusta bucear entre los diminutos caracteres de los créditos de los discos en busca de los agradecimientos; dejad que os cuente algo acerca de una sorpresa que me esperaba escondida entre esas liliputienses letras.

Hace mucho tiempo el país estaba conmocionado por la olvidada crisis del fletán, aquel extraño incidente diplomático con Canadá que a punto de estuvo de convertirse en algo más serio. Yo no sabía qué era un fletán, la globalización piscícola no había llegado a la cocina de mi madre y a mí aún me quedaban unos cuantos años para descubrir especies como la Panga o la Perca del Nilo (¿qué demonios estaremos comiendo? Mejor no pensarlo). A mí todo aquello me daba igual, lo que verdaderamente me cabreaba de la crisis del fletán era que a consecuencia de la misma los visados a ciudadanos canadienses se habían denegado ¿Y qué me importaría eso a mí? os preguntaréis, pues muy fácil, una de mis bandas favoritas por aquel entonces, Bum, tenía programada una gira por España, la cual recalaba en mi ciudad, y tuvo que suspenderla por culpa de los dichosos fletanes y los besugos diplomáticos de turno. Bum era una banda canadiense diminuta para muchos pero enorme para mí, junto a otro buen puñado de melódicos airados se convirtieron en santo y seña de mis veinte años. Fue precisamente en el último disco de Bum (el último en el año 1 después del fletán, se entiende) donde me encontré por primera vez con nuestros lluviosos huéspedes de hoy. En los agradecimientos, mis añorados canadienses citaban a un sin fin de bandas, algunas de ellas eran conocidas para mí, otras me sonaban, pero mi atención recayó en una en concreto, "lookout for Zumpano" decían Bum. ¿Qué enigmático, verdad? Un agradecimiento y una encarecida recomendación al mismo tiempo; sin duda había que investigar. Los cachorros de la era digital serán incapaces de entender cómo un tipo podía gastarse 2500 pesetas (no saquéis las calculadoras, chavales, 15 eurazos) en un disco que nunca había escuchado, sólo porque lo recomendaba una banda a la que admiraba, internet estaba en pañales y Zumpano no sonaban en las emisoras de radio ni se dejaban caer por la MTV; había que jugársela, así es la droga (la de veces que hice este tipo de cosas, a veces salia bien, de otras mejor no hablar...). De modo que me puse en contacto con uno de mis camellos de aquel entonces y le pedí una buena dosis de Zumpano, pasaron los días y pronto cayó en mis manos un disco que me haría olvidar la crisis del fletán y se convertiría en parte muy importante de mi vida, así es como comenzó todo, con un simple agradecimiento.

Mientras Cobi y Curro andaban haciendo de las suyas, dos músicos canadienses, Jason Zumpano y Michael Ledwidge tomaban una decisión muy arriesgada para sus carreras, disolver su banda justo cuando estaban a punto de firmar con una importante multinacional; el motivo, considerar que la formación había degenerado en algo artísticamente impuro, aquella banda se llamaba Glee. Tras su alocada muestra de honestidad, aquellos dos jóvenes deciden embarcarse en un nuevo proyecto, para ello será clave otro músico, Carl Newman, amigo de la infancia de Michael Ledwidge. Superconductor era la banda en la que tocaba Carl Newman, una formación de Vancouver que se declaraba admiradora de Glee, de modo que cuando Newman, se enteró de la separación de estos, les propuso crear una nueva formación. Los tres músicos contarían con la ayuda del bajista Stefan Niemann, de este modo quedaría configurada la formación de Zumpano, con Michael Ledwidge a la guitarra y a los teclados, Carl Newman como cantante y guitarra rítmica y Jason Zumpano al mando de la percusión. Durante un breve período de tiempo la banda se llama The Wayward Boys, aunque finalmente deciden adoptar como nombre el apellido de su batería por su fuerte sonoridad, así es como nace Zumpano. Las coordenadas sonoras de Zumpano están muy claras desde el principio, formaciones como Love, The Beach Boys, The Left Banke, The 5th Dimension, y sobre todo The Zombies, figurarán en la hoja de ruta del cuarteto de Vancouver. La maquinaria de Zumpano se puso pronto en marcha y enseguida comenzaron los conciertos, varios de esos directos les llevaron a Seattle, donde la discográfica Sub Pop caería rendida a los pies de estos muchachos que facturaban un pop fresco y diferente a todo aquello que llevaba la firma del sello padrino del grunge. En 1994 Zumpano firma con Sub Pop, ese mismo año graban su primer tema, una versión de The Zombies, "Changes", para un disco homenaje editado por Popllama, titulado "The World of The Zombies". Un año más tarde sale a la calle su primer disco, "Look What The Rookie Did", una pequeña obra de arte que sería fundamental en el devenir de la discográfica de Seattle, ya que supondría su apertura a sonoridades diferentes de las que marcaron la transición entre la década de los 80 y la de los 90. Aquellas farragosas guitarras y aquella querencia por el ruido y la distorsión que dieron lugar al grunge, daban paso a las armonías vocales, las guitarras limpias y los arreglos cuidados característicos del pop artesano con sabor a años sesenta.

"Look What The Rookie Did" puede parecer una afirmación arrogante, pero en el fondo el título del primer disco de Zumpano nace de una broma entre los integrantes de la banda, de hecho es una frase de una película porno gay. Michael Ledwidge trabajó durante un tiempo duplicando cintas de video, muchas de ellas porno, y para matar el tiempo y entretenerse editaba sus propias cintas con extractos de diferentes películas, cintas que luego visionaba con sus amigos. "Look What The Rookie Did" fue una frase muy celebrada entre los jóvenes Zumpano, y que acabaría convirtiéndose en el título de ni más ni menos que su debut discográfico, pero con el paso del tiempo se ha convertido en una afirmación que ha cobrado más sentido conforme pasaban los años: "Mira lo que hizo el novato". Y es que estos novatos se encierran en un estudio en 1995 para dar forma a un disco soberbio, y lo hacen de manera inocente, con una naturalidad pasmosa, sin atisbo alguno de pretenciosidad; ahí reside, quizás, la grandeza de este disco, en su falta de pretenciones, en su espontaneidad, características que acabarán convirtiéndolo en un disco atemporal, un trabajo fundamental en la historia de la música de los últimos 20 años. El album comienza con "The Party Rages On", una canción luminosa, que en principio parece una muestra más de power pop, pero que se va complicando conforme transcurren los segundos. El trabajo de guitarras en el primer corte del disco es brillante, siendo ésta una tónica que dominará el album de principio a fin; los diálogos entre la guitarra principal y la rítmica, los punteos, algún riff lleno de energía, pinceladas de lap steel, constantes cambios de ritmo, todo ello nos dará una idea del nivel compositivo que desprende este LP. "The Party Rages On" es una declaración de intenciones, un compendio de lo que nos espera a lo largo de "Look What The Rookie Did", una canción capaz de sorprendernos, que huye de la monotonía y de las estructuras típicas del pop. A todo ello hay que sumarle una compleja letra, me refiero a la hora de insertarla vocalmente en el cuerpo de la melodía (intentad cantarla a modo de karaoke con el vídeo que encontraréis más abajo), la dicción es enrevesada y descubre a un Carl Newman rotundo, que se bautiza como pequeño genio en este disco para subir más tarde a los altares de la música independiente de la mano de The New Pornographers. "Oh That Atkinson Girl" es una deliciosa canción que se abre con un toque de flauta que da paso a unos Zumpano un poquito más acelerados que en la primera pista, una vez más, hay que destacar el papel de las guitarras, tarea en la que Michael Ledwidge es el principal responsable. El fraseo de la flauta es el distintivo de esta canción, que además se encarga de separar y estructurar las diferentes partes de la misma. El tercer tema de "Look What The Rookie Did" es una versión, la única de todo el disco, se trata de "Rosecrans Boulevard", de Jimmy Webb. Comienza con teclado y voz únicamente, para más tarde dar paso al resto de instrumentos, que poco a poco irán contribuyendo a complicar la melodía y a introducir los cambios de ritmo que tanto gustan a la banda. Sin duda, "Rosecrans Boulevard" es una canción que parece escrita para Zumpano, un tema que se ajusta perfectamente a los postulados de la banda y que enlaza perfectamente con el soft rock y con el pop barroco más elegante, por algo siempre reconocieron a Jimmy Webb como uno de sus principales referentes. "Platinum Is Best Served Cold" es, según mi opinión, el tema que menos encaja en "Look What The Rookie Did". No quiero decir que no esté a la altura del conjunto del disco, sino que suena diferente, como si se hubiese producido en otro estudio y por otras manos. A pesar de su arrollador comienzo, con ese punteo de guitarra que llevará el peso de la melodía, es la canción más plana del disco, y aquella en la que los cambios resultan menos sorprendentes, aún con todo, nos encontramos ante un gran tema. La quinta pista del disco es "Evil Black Magic", no os dejéis engañar por el título, lejos de encontrarnos ante un pelotazo de blues pantanoso fabricado en New Orleans, nos hallamos ante una monumental canción de pop con mayúsculas, la primera del disco en introducir metales. Zumpano vuelven a la senda del pop trabajado, pulido con maestría hasta la saciedad, y lo hacen con un tema que desprende elegancia desde el primer segundo. "Evil Black Magic" es una canción más convencional en su estructura, aunque sin renunciar a los cambios de ritmo, y con una sección de metales fantástica en el estribillo, que se acompaña de unas voces perfectamente empastadas. Y a partir de aquí agarraos bien fuerte porque se avecinan emociones fuertes, llegamos al cogollo del disco y tenemos por delante cinco canciones que deberían figurar por méritos propios entre lo mejorcito del pop de las últimas décadas. ¿No me creéis? Probemos con "Temptation Summary".

El sexto tema de "Look What The Rookie Did" comienza con un suave e insinuante punteo de guitarra, que en apenas unos segundos da paso a una cascada de instrumentos que se dejan llevar por una trepidante batería y que acaban rematados por una ráfaga de metales. El conjunto funciona como un caos perfectamente ordenado en el que destacan los punteos de guitarra y la magnífica voz de un inspiradísimo Carl Newman, que consigue una matricula de honor en otra complicada prueba en lo que a dicción se refiere. "Temptation Summary" es Zumpano en estado puro, con constantes cambios y con una instrumentación elegante y compacta. Si a estas alturas aún no te has enamorado de Zumpano no insistas, será mejor que te dediques a hacer otras cosas, aunque dudo que puedan ser más hermosas que esta canción. Casi sin dejarnos recobrar el aliento, el cuarteto canadiense contraataca con "I Dig You", un tema que parte de una estructura básica, en cuanto al cuerpo y al estribillo se refiere, y que cuenta con un trepidante in crescendo en su recta final que muestra a los Zumpano más guitarreros acompañados de un fantástico teclado. El octavo tema del LP es "Wraparound Shades", que de nuevo se abre con el teclado, en este caso las guitarras permanecen agazapadas otorgando protagonismo a la sección rítmica, en especial al bajo. Un cambio de ritmo saca de su letargo a las seis cuerdas, que abren la ráfaga del estribillo para luego devolver la batuta al bajo, entre medio se abre un pequeño agujero a través del cual penetra la luz de la mejor tradición vocal de los 60; un nuevo cambio de ritmo que conduce a la canción a derroteros muy diferentes de aquellos que al principio se sugerían. Y llegamos a mis dos momentos favoritos del disco, el primero se titula "Snowflakes and Heartache". Esta novena pista de "Look What The Rookie Did" está emparentada con "Temptation Summary", aunque en este caso la banda va directa al grano, sin concesiones. Nos encontramos de nuevo ante una compleja estructura, de apariencia caótica pero de resultado armonioso, una canción que hace un brillante uso de los metales y que cuenta con unos punteos de guitarra flamencados que sitúan a Zumpano en la mejor tradición del pop elegante y atemporal, pasando a formar parte de una genealogía que les emparenta directamente con monstruos de la talla de Love, The Zombies o The Beach Boys. "Snowflakes and Heartache" es sencillamente sublime, y lo es en la medida que lo son "Alone Again Or" o "The Time of The Season", no creo que una sola banda de pop en la primera mitad de los años 90 haya sido capaz de igualar el nivel que alcanzan Zumpano con esta canción. La canción funciona como un todo colectivo en el que cada instrumento tiene su función e incluso ritmos diferentes, no se trata de seguir la pauta que marca la sección rítmica sino de crear una melodía utilizando diferentes tonalidades, como si se tratase de una composición polifónica. Y lo mejor de todo es que lo que muchos habían logrado en casi diez minutos de canción, Zumpano lo condensan en apenas tres minutos y medio; ese es el caos controlado y armonioso que tan bien dominan Zumpano, y "Snowflakes and Heartaches" es su mejor expresión. Pero cuando estéis a punto de desfallecer de la emoción y del gozo, no se os ocurra bajar la guardia, porque los cuatro geniecillos canadienses nos van a dar la puntilla con "Jeez Louise". Zumpano saca a relucir su lado más punk en la décima canción del disco, un tema para escuchar a todo volumen y no parar de dar saltos. La canción se abre con una guitarra con wha wha que acaba dando paso a una verdadera explosión de energía, una fiesta a la que también están invitados los metales, protagonistas de los cambios de ritmo y encargados de insuflar swing a un tema redondo de principio a fin. Y después del ritmo frenético de "Jeez Louise" llega la calma de "(She's A) Full Blodded Sicilian", el tema que cierra los créditos de "Look What The Rookie Did". Esta canción cierra perfectamente el disco, se trata de un medio tiempo en el que aparece como invitado especial un banjo, curiosamente es la canción más larga del LP, un tema marca de la casa con ecos de The Zombies y Brian Wilson y con unas guitarras que van del swing al surf pasando por el folk sin apenas despeinarse. "Look What The Rookie Did" guarda una sorpresa a modo de canción oculta, un tema que no aparece en los créditos y que supone la pista número doce. Se trata de una canción que recoge el ambiente de lo que bien pudiera ser un local de ensayo, en el que escuchamos una batería y una guitarra distorsionada en constante diálogo; es una pista que no aporta nada y que bien se podrían haber ahorrado el cuarteto de Vancouver. Ésta es una opinión personal, pero nunca he entendido por qué se hacen este tipo de cosas en algunos discos, si nos fijamos, en los años 90 era bastante frecuente, ahora, afortunadamente, esta tendencia parece haber desaparecido.

El debut de Zumpano fue muy bien recibido por la crítica, aunque tuvo unas ventas discretas, algo llamativo en un momento en el que se vendían muchos más discos que en la actualidad (que curioso que ahora, que es cuando más música se escucha, sea cuando menos se vende), los periodistas especializados se vieron sorprendidos por el sonido de Zumpano, una propuesta sin grandes pretensiones que ofrecía una pincelada diferente en un panorama dominado por los monolíticos sonidos del grunge y por la estrechez de miras del pop más comercial. En 1996 Zumpano remataría su carrera con su segundo disco, "Goin' Through Changes", un trabajo en el que las melodías dan un pasito más allá y apuestan por una mayor complejidad, emparentándose directamente con las composiciones de Burt Bacharach. "Goin' Through Changes" fue unánimemente aclamado por la crítica, que sigue considerándolo el mejor disco de Zumpano, para este humilde escribiente es un magnífico disco, aunque más blandito que su antecesor, con menos garra y frescura que "Look What The Rookie Did"; digan lo que digan, no hay amor como el primero. Y pasaron los años sin que hubiese noticia alguna sobre Zumpano, nadie había anunciado su disolución pero tampoco se había presentado material nuevo por parte de la banda, su situación era un misterio. Hasta que en el año 2000 Carl Newman reaparece de manera fulgurante con su nueva banda, The New Pornographers, con la que conocerá las mieles del éxito que se le habían negado a Zumpano. The New Pornographers es un antiguo proyecto que Carl Newman decide retomar en los albores del nuevo milenio, esta formación cuenta con la presencia de la mismísima Neko Case, niña mimada de la crítica independiente. Será en una entrevista, ya al frente de su nueva banda, cuando el propio Newman reconozca la separación de Zumpano, la cual se produjo poco después de que "Goin' Through Changes" viese la luz. También en el año 2000, Michael Ledwidge vuelve a la escena como Near Castlegar, convertido en hombre orquesta, Jason Zumpano haría lo propio en 2003 al frente de Sparrow, y más tarde, en 2007, con Attics and Cellars. Jason Zumpano y Carl Newman (que también firma sus discos como A.C. Newman) han grabado material en solitario, y el primero de ellos se ha destapado como un magnífico pianista, así lo plasma en sus propias grabaciones y en las distintas colaboraciones en las que se ha involucrado. Para la historia quedan dos sobresalientes LP's y tres singles, uno de ellos compartido con otras tres bandas, además de varias participaciones en recopilatorios y discos de homenaje; ese es el pequeño, pero exquisito, legado que nos deja Zumpano.

Llega la hora de echar el cierre a esta extensa entrada y lo vamos a hacer, como es costumbre, con los enlaces y los videos. Cuando Zumpano estaban en activo, queridos niños, ese invento del demonio llamado internet apenas se conocía, es por eso que me ha resultado complicado encontrar enlaces de enjundia para recomendaros. No obstante, no soy de los que se rinde fácilmente, de modo que finalmente he seleccionado cuatro enlaces que podrán proporcionaros una visión más amplia de la carrera del cuarteto de Vancouver; vamos allá: El primer link os conducirá a la web de Sub Pop, donde hay un pequeño espacio dedicado a Zumpano, ahí podréis encontrar una breve historia de la banda (extraída de Wikipedia, por cierto, ya les vale...), además de fotos y las grabaciones del cuarteto, las cuales podéis adquirir a precios asequibles. El segundo enlace os situará en la web personal de Jason Zumpano, en la que el músico canadiense muestra detalles de sus trabajos más recientes. Pero el enlace más jugoso es el tercero, el de la web Behind The Beehive, una página diseñada por un fan de la banda (no en vano, "Behind The Beehive" es el título de uno de los temas incluídos en el segundo disco de Zumpano) y en la que ponen a nuestra disposición todas las rarezas y caras B's de la banda, además de entrevistas, directos y vídeos; no os la perdáis, aunque el diseño deja mucho que desear. Y por último, como no he encontrado una entrevista decente realizada a Zumpano en ninguna web (aunque podéis disfrutar de una en Behind The Beehive), he elegido un link que os llevará a una entrevista realizada a Jason Zumpano en mayo de 2010 en The Line of Best Fit. En cuanto a los videos, tampoco había mucho donde elegir, así que he optado por lo fácil, los dos clips que se rodaron de "Look What The Rookie Did": "Party Rages On" y "I Dig You". No hace falta que me deis las gracias, más bien soy yo quien os agradece que aún estéis leyendo este testamento, aunque si queréis hacerlo no os lo impediré; ser agradecidos saca lo mejor que llevamos dentro, y eso siempre resulta sorprendente y reconfortante. Espero que os guste.

ZUMPANO EN LA PÁGINA WEB DE SUB-POP

PÁGINA WEB DE JASON ZUMPANO



BEHIND THE BEEHIVE

ENTREVISTA A JASON ZUMPANO EN THE LINE OF BEST FIT




ZUMPANO- LOOK WHAT THE ROOKIE DID

C.W. Stoneking- Jungle Blues (2008)

Siempre me fascinaron las películas de Tarzán, su inocente y maravillosa combinación de aventuras, comedia y romance se ha convertido en santo y seña de mis primeros recuerdos cinematográficos. Seguro que más de uno de vosotros también recuerda aquellas tardes de sábado frente al televisor disfrutando de las andanzas del hombre mono, sus eternas luchas contra cocodrilos de cartón piedra y sus acrobáticos saltos de liana en liana. Sé que tiendo a ponerme melancólico y plasta con estas cosas, y que caigo fácilmente en la agridulce trampa generacional que nos lleva a pensar que cualquier tiempo pasado fue mejor, pero es que en este caso lo creo así, y además con una fe inquebrantable. ¿Qué hacíamos nosotros, hijos de la Transición, disfrutando con películas de hacía más de 40 años? ¿Os imagináis a un niño de hoy en día viendo una película en blanco y negro en la que los efectos especiales no estén hechos con ordenador? Con todos mis respetos, a mí me cuesta mucho imaginarlo. A veces pienso que hemos sido una generación privilegiada, que aquellos que hoy tenemos entre 30 y 40 años hemos disfrutado de la mejor televisión que ha tenido este país, una tele que distaba mucho de lo que hoy denominamos "caja tonta". Aquella tele nos invitaba a soñar, como niños que éramos, pero al mismo tiempo se empeñaba en hacer de nosotros futuros adultos responsables, comprometidos con unos valores que hoy en día son ninguneados al ser considerados como algo caduco e incluso reaccionario; sin duda una relectura más que interesada por parte de aquellos a los que les interesa que la ciudadanía sea una masa iletrada y apática, dos cualidades que garantizan el inmovilismo y la desidia que tanto gusta a nuestros actuales dirigentes. Pero volviendo a las películas de Tarzán (que resultan mucho más estimulantes que la actualidad mundial), lo que más me ha llamado la atención con el paso de los años es comprobar como nuestro entrañable héroe de la jungla sobrevivía con un más que exiguo vocabulario. Apenas media docena de términos bastaban al hombre mono para comunicarse con la población local, animales incluídos, ríase usted del inglés en 1000 palabras. Entre aquellos vocablos sobresalían tres: Ungawa (léase "angagua"), Juju (pronúnciese "yuyu") y Chita (ésta, amigos, no necesita interpretación fonética); ahí prácticamente terminaba el vocabulario de Tarzán, fascinante. Como cualquier niño de mi generación, yo quería parecerme a Tarzán (a pesar de que me inquietaba aquel insignificante taparrabos y la posibilidad de dejar mis vergüenzas al descubierto), vivir un sin fín de aventuras, saltar de liana en liana con una guapa chica abrazada a mi hercúleo torso y someter a nativos y animales con cuatro ridículas palabras. Mis padres en cambio insistían en que estudiase, no acababan de ver claro lo de convertirme en hombre mono, sobre todo porque para ello se necesitaba una gran pericia como nadador, y mi familia ha sido víctima durante siglos de una terrible maldición que le impide desplazarse por el agua con la más mínima dignidad; pero ése es otro tema del que prometo hablaros otro día. Han pasado muchos años desde aquellas entrañables películas, cintas que ya no se pasan por la tele, y yo he ido fabricando mis propias junglas en las que poder sentirme como mi admirado Tarzán. Algunas de esas junglas son tortuosas y siniestras, por lo que procuro alejarme de ellas, otras en cambio son amables y están llenas de inofensivos animales y de simpáticos indígenas, es a ésas a las que me aferro desesperadamente. Y por supuesto también me adentro en multitud de junglas sonoras, todas ellas reconfortantes y estimulantes, por ello he querido dedicar esta entrada tan selvática a un disco con un título alusivo a la jungla, y con un repertorio musical plagado de ecos que nos hacen viajar a la época en que se filmaron todas aquellas películas de Tarzán; niños y niñas, con todos vosotros C.W. Stoneking y su Jungle Blues, preparaos para una increíble aventura.

Christopher William Stoneking nace en 1974 en la lejana y exótica Australia, más o menos cuando pasaban las películas de Tarzán por TVE. Hijo de estadounidenses, su infancia fue un tanto atípica, ya que sus padres se separaron poco después de que él naciera y el niño Stoneking pasó esta decisiva etapa en la vida de cualquier ser humano con su padre, el escritor y profesor Billy Marshall Stoneking, quien decidió criar al niño en una comunidad aborigen, concretamente la de Papunya. A los 9 años se mudaría con su padre a Sidney, donde tardaría poco en descubrir la música, allí comenzará a tocar la guitarra con 11 años, pasando a formar parte de algunas bandas locales con tan sólo 13. Recién empezado el instituto, C.W. Stoneking descubre las grabaciones de su padre, viejos discos y cassettes de blues y country, muchos de ellos de artistas de los años 20's y 30's que le descubren un universo totalmente nuevo. En 1997 decide mudarse a Melbourne, donde comienza a tocar como solista de blues y se autoproduciría un disco homónimo con versiones del género que vería la luz en 1998. Ese mismo año consigue formar una banda, a la que llamará C.W. Stoneking & the Blue Tits, y que tendrá una cortísima vida, ya que se desintegró debido a la muerte de uno de sus miembros, concretamente el mandolinista Charlie Bostock. De aquella época queda como testimonio una grabación no oficial, que ha estado en circulación desde 1999, titulada C.W. Stoneking & the Blue Tits y que recoge una actuación de la banda en una radio de Melbourne. Al igual que Tarzán, C.W. Stoneking también se verá envuelto en numerosas aventuras, fruto de sus viajes por medio mundo, en esos viajes vivirá insólitas experiencias, como cuando trabajó como asistente de un peculiar doctor vudú en Nueva Orleans. Pero sus frecuentes éxodos también le servirán para ir dando forma a su personal estilo, muestra de ello será su estancia en Trinidad, donde aprenderá las bases del calypso. Nuestro hombre de la selva particular estaba dispuesto a pelear contra cocodrilos, leones y cuantas fechorías le tuviese preparadas el temible hombre blanco, todo con tal de encarrilar su carrera como músico. Así es como decide volver al formato de solista para grabar un disco que recoge grabaciones originales inspiradas en su colección de discos de calypso, ragtime, blues, country, hillbilly y jazz. Tendrán que pasar unos años para que el primer disco oficial de C.W. Stoneking se convierta en una realidad, será concretamente en 2005 bajo el título de "King Hokum", editándose por primera vez en Australia en 2006 con el sello Low Transit Industries Recordings. Poco después el sello suizo Voodoo Rhythm editaría "King Hokum" en Europa, descubriendo a los melómanos del viejo continente a un músico fascinante, capaz de tocar y cantar blues como si hubiera nacido a principios del difunto siglo XX. La crítica se rendiría ante el disco de C.W. Stoneking, su personal voz, que recuerda inevitablemente a Tom Waits, su añejo recetario musical e incluso su excéntrica indumentaria, lo convertirán en un personaje difícil de clasificar y "King Hokum" aparecerá entre los favoritos del año en Australia, al mismo tiempo que irá sonando cada vez con más fuerza en Europa y América. Finalmente C.W. Stoneking dará forma a su banda, un asunto que parecía obsesionarle desde hacía años, a la que aglutinará bajo el nombre de The Primitive Horn Orchestra, y que incluirá a Ros Jones a la tuba, Ed Farlie como trompetista, Kynan Robinson al trombón y Kirsty Fraser, esposa de Stoneking, haciendo voces; esta es la formación que le acompañará en su segundo disco, "Jungle Blues".

Cuando uno se adentra en el universo de C.W. Stoneking e intenta descifrar sus letras (tarea siempre compleja para los que no somos angloparlantes) enseguida se da cuenta de que el australiano es un magnífico contador de historias. No tengo muy claro si es una muestra más de su imaginación y su talento como escritor y letrista, pero C.W. Stoneking afirma que "Jungle Blues" nació inspirado, en parte, por una rocambolesca historia (que él mismo relata en la contraportada del disco), concretamente un naufragio en la costa occidental de África del que nuestro hombre consiguió sobrevivir. Sea como fuere, es innegable que "Jungle Blues" es un disco único, una verdadera rara avis en los tiempos que corren, fruto del talento y de la cultura musical de su autor. El disco se abre con la canción que le da título, "Jungle Blues", con sólo escuchar las primeras notas ya nos hemos embarcado en un maravilloso viaje, una aventura terpidante que nos llevará a lugares que nunca habíamos soñado visitar. Los metales y el banjo abren fuego y enseguida hay un lugar que nos viene a la mente: Nueva Orleans, es entonces cuando irrumpe una voz masculina haciendo las veces de maestro de ceremonias advirtiéndonos de los peligros de este viaje, acto seguido la tuba se hace dueña y señora de la canción y C.W. Stoneking comienza a relatar la aventura de su naufragio en las costas africanas; apenas ha paado un minuto y estoy seguro de que ya estás enganchado. La voz de C.W. Stoneking se compara a menudo con la de Tom Waits, no se puede negar que hay un cierto parecido en la manera en que arrastran las sílabas y en el tono cavernoso que sale de la garganta de ambos, pero sin duda el australiano tiene personalidad propia, y es que C.W. Stoneking no tiene nada que ver con la figura del crooner que tanto inspira a Tom Waits, sobre todo en sus celebrados primeros trabajos. Sea como fuere, el hecho es que "Jungle Blues" acaba de empezar y nosotros queremos más; la réplica llegará con "Talkin' Lion Blues". El segundo corte del disco es un blues que nos retrotrae a la música tradicional del período Entreguerras, canciones que sonaban con frecuencia en el sur de los Estados Unidos y que emanan un aroma a algodón recién recogido, un tiempo visitado a menudo por otro enorme genio, Robert Crumb, un defensor a ultranza de esta tradición musical. "Talkin' Lion Blues" es una hilarante historia acerca del encuentro del protagonista con un león parlanchín, que consigue embaucarle para finalmente acabar preso y sentenciado por un mono; muestra a un Stoneking más contenido, alejado de sus registros más oscuros. El tercer tema del disco lleva por título "Jungle Lullaby" y es uno de los momentos fuertes de "Jungle Blues". La historia sigue ambientada en África, como sus predecesoras, y nos transporta a los últimos estertores del colonialismo, dibujando un paisaje exótico y siniestro al mismo tiempo, un escenario en el que el protagonista sale a pasear con una bella muchacha y acaba embarcado en una nueva aventura repleta de peligros y sobresaltos. La melodía me recuerda a "Quiero ser como tú" de "El Libro de la Selva", sé que hay quien creerá que estoy loco, pero me suena como una versión ralentizada del célebre tema de la factoría Disney. Comparaciones al margen, "Jungle Lullaby" es una canción inquietantemente bella, con unos metales y un violín sencillamente maravillosos. La cuarta canción del disco es una de mis favoritas, "Brave Son of America", un tema en el que C.W. Stoneking abandona momentáneamente el continente negro para centrarse en la figura del general MacArthur, ahí es nada. Ferviente anticomunista, MacArthur es un verdadero héroe militar, un tipo que fue nombrado general con tan sólo 32 años y que participó en tres guerras (Las dos Grandes y la de Corea), venerado por unos y odiado por otros, el viejo general es el icono perfecto del belicismo y de la épica militar estadounidense, alguien a quien muy poca gente hoy en día le dedicaría una canción, aunque claro, C.W. Stoneking no tiene nada de convencional. "Brave Son of America" es un calypso en el que los metales tienen un enorme protagonismo, un tema que da rienda suelta al Stoneking más cavernoso y visceral y que nos regala un solo de trompeta magistral, una canción que nos traslada al Pacífico Sur y que casi nos permite ver al general fumando una de sus características pipas de mazorca.

Tras glosar las hazañas de MacArthur, C.W. Stoneking regresa al sur de los USA con "Jailhouse Blues", un blues de corte clásico en el que el australiano se acompaña únicamente de su guitarra. Se trata de una historia de ambientación presidiaria y de amores fatales: "Some would murder with a gun or a knife, Some would lock a man away the rest of his life, Lord, lord, lord, I got the Jailhouse Blues", se lamenta Stoneking. "Housebound Blues" marca el ecuador del disco y es la única canción en que la voz cantante la lleva Kirsty Fraser. Es un tema que cabalga entre el ragtime y los ambientes más cabareteros, donde sobresale, de nuevo, la magnífica trompeta de Ed Farlie. La letra ironiza sobre la desigualdad entre sexos, y con un delicioso aire añejo (que no retro) muestra las quejas de una mujer harta de las continuas salidas de su esposo y cansada de estar encerrada en casa al cargo de las tareas domésticas, una situación insostenible que llevará a nuestra protagonista a abandonar a su holgazán compañero. "I Heard the Marching of the Drum" es el séptimo tema de "Jungle Blues", un tema que, a pesar de no seguir los patrones del calypso, nos remite a "Brave Son of America" por su brillante sección de metales: tuba, clarinete, trompeta y trombón, que suenan como un cañón y con una sincronía que recuerda a las fanfarrias de la Europa oriental. La fórmula sigue siendo la misma, y además tiene más de setenta años de existencia, pero si a estas alturas todavía no te has enganchado a "Jungle Blues" posiblemente tengas un problema. Por si acaso, C.W. Stoneking te lo va a poner fácil con otro de los momentazos del disco, un nuevo calypso titulado "The Love Me or Die". Stoneking se descuelga con otro tema que enlaza con su peculiar biografía, el vudú, en este caso la historia relata las penurias de un enamorado no correspondido que recurre a sus conocimientos sobre magia negra para fabricar una poción llamada "The Love Me or Die". Ante la reticente postura de su amada el protagonista decide hacer uso de la fórmula mágica obteniendo un resultado no deseado, así es como termina este octavo tema de "Jungle Blues", una verdadera maravilla que cuenta con un fraseo de trompeta que no podréis sacaros de la cabeza en meses. Superado el desparrame de "The Love Me or Die", Stoneking vuelve a encarar un blues clásico, se trata de "Early in the Mornin". En esta ocasión, nuestro Tarzán austral se hace acompañar de un contrabajo que dota de más cuerpo a la canción, un tema que alude a un lugar inhóspito al que Stoneking asegura no querer regresar jamás. Y llegamos al final de la mano de "The Greatest Liar", el corte que cierra "Jungle Blues". Una voz masculina se encarga de presentar a una estrella llegada de Nueva Orleans, King Hokum (recordad que éste era el título del primer album de C.W. Stoneking), que nos cuenta una rocambolesca historia acerca de un tipo al que considera el mayor embustero del mundo, un discurso de unos tres minutos tras el cual irrumpe la banda de Stoneking atacando, de manera fugaz, un tema de jazz con regusto añejo y ragtime, puro New Orleans para cerrar un disco enorme.

"Jungle Blues" vio la luz en 2008 y lo hizo bajo el propio sello de Stoneking, King Hokum, el disco refrendaría las buenas críticas de su antecesor y supondría el despegue definitivo de su autor, coronado como una de las mayores figuras del blues moderno, además de un verdadero arqueólogo musical, capaz de rescatar tradiciones que amenazan con caer en el olvido en éstos nuestros días en los que todo se vive demasiado deprisa. A pesar de ello hay quien considera a Stoneking un impostor, e incluso quien critica su marcada pronunciación y su forma de cantar; en mi humilde opinión, Stoneking está en las antípodas (nunca mejor dicho) de resultar un farsante. Es evidente que no es un anciano negro y ciego (puestos a exagerar tópicos) que canta blues después de una dura jornada de trabajo en el campo, pero también es innegable que lo que hace no es una parodia ni una simple revisión, Stoneking muestra una pasión desenfrenada por aquello que hace, y alguien que se apasiona con su trabajo nunca puede ser un embaucador. Sigo sin entender a quienes critican a aquellos que encuentran en épocas pasadas su fuente de inspiración, a nadie se le ocurre censurar a un cantante de jota, y lo que está haciendo es continuar con una antigua tradición musical, inspirarse en ella y dotarla de dignidad y vigencia, ¿por qué no ocurre lo mismo con el rock'n'roll y con el pop, que es la música popular del siglo XX? Uno ya se cansa de escuchar aquello de "no crean nada nuevo, es más de lo mismo", creo que existe un culto mal entendido hacia la originalidad, que es precisamente el que se encarga de crear pastiches infumables y que genera artistas y estilos que acaban sumidos en el olvido con el paso de los años. Dudar de la integridad de músicos como Stoneking es propio de necios, lo que deberían hacer estas personas, por muy puristas y entendidos que sean, es agradecerle al australiano que haya dado a conocer una riquísima tradición musical a varias generaciones que hasta ahora la ignoraban. Los pobres iletrados, que nos emocionamos y conformamos con muy poquito, esperaremos a la tercera entrega de nuestro particular Tarzán, quien mientras tanto se dedica a disfrutar de una plácida existencia junto a su esposa y sus dos hijos, al margen de absurdas polémicas sobre certificados de autenticidad.

Ya va siendo hora de poner el punto y final a esta entrada, y lo haremos, como siempre, con unos cuantos enlaces. Como no podía ser de otra manera, comenzamos con los enlaces a la web oficial y al myspace de C.W. Stoneking, no os perdáis su web oficial, entre otras cosas porque allí encontraréis las letras de todas las canciones de "Jungle Blues", algo más que necesario si no eres angloparlante y quieres desentrañar su contenido. Continuamos con un enlace a la web de la BBC, donde aparece una crítica de "Jungle Blues", y otro link a Soulshine, una web australiana dedicada a la música independiente, en el que podréis leer una entrevista realizada a Stoneking el pasado 2010; ambos enlaces en la lengua de Shakespeare. Como último enlace he seleccionado una videoentrevista realizada al músico australiano y emitida por la canadiense Falls TV, de nuevo tendréis que poner a prueba vuestras meninges y hacer uso de esos cursos de inglés de CCC. Y finalmente los consabidos videos, el primero de ellos, el videoclip oficial del tema que da título al disco, "Jungle Blues", y el segundo, una actuación en directo en el Barbican de Londres, donde C.W. Stoneking y su banda interpretan dos temas: "Don't Go Dancin' ", incluído en su primer disco, y el tremendo "The Love Me or Die". Por mi parte, no tengo nada más que decir, bueno sí, Juju Ungawa Chita, o lo que es lo mismo, espero que os guste.

PÁGINA WEB OFICIAL DE C.W. STONEKING

MYSPACE DE C.W. STONEKING



RESEÑA DE JUNGLE BLUES EN LA WEB DE LA BBC

ENTREVISTA A C.W. STONEKING EN SOULSHINE

VIDEOENTREVISTA A C.W. STONEKING EN FALLS TV




C.W. STONEKING- JUNGLE BLUES

Una recomendación: Dotore

Hubo un tiempo en el que me gustaban los veranos. Para encontrarlo hay que iniciar la cuenta atrás, ceñirnos la escafandra y viajar a décadas pasadas, repletas de tiempo libre y de tardes con olor a mortadela. ¿Recordáis las emociones del final de curso? las fiestas escolares, la última mirada tímida a aquella chica, a la que venerabas en el más riguroso de los anonimatos, algún que otro adiós, que el tiempo se encargaría de convertir en definitivo, y el dolor de tripa, fruto de la osadía al combinar refrescos, ganchitos y patatas fritas sin orden ni concierto alguno (para que luego hablen de los peligros del alcohol). El verano quedó malherido cuando me hice un adolescente y se abrieron las puertas para que entrasen los demonios propios del acné y de la inseguridad, más tarde recibiría un tiro de gracia cuando entré de lleno en la supuesta vida adulta. Con el tiempo acabaría descubriendo los encantos del otoño y sucumbiría a los días de lluvia, pero aquellos veranos ya nunca regresarían, se perdieron por el camino, con la inocencia y con los sueños de aquellas mentes sin adulterar. El verano hace ya tiempo que dejó de significar ociosidad y diversión para mí, incluso reconozco que la mayoría de los años se me hace largo y pesado, una estación incómoda a la que he acabado cogiendo manía, como a las fiestas populares. Pero de repente te encuentras con alguien que sabe sacarte el verano que llevas dentro, una persona que pone letra y música a tu apatía estival, que huye de los tópicos propios de la estación más popular para dotar de una nueva dimensión melancólica a los soleados días de agosto. Eso es lo que me ha pasado a mí y quiero compartirlo con todos vosotros, os presento a Pablo Martínez Sanromá, alias Dotore, la persona que me ha hecho creer de nuevo en los veranos con su último disco: "Los veranos y los días".

Pablo Martínez Sanromá nace en San Sebastián (ciudad a la que adoro), aunque pronto se convertirá en un trotamundos que dará con sus huesos en diversas partes del planeta, una experiencia que sin duda le enriquecerá en todos los aspectos. A mediados de la pasada década decide tomarse en serio su afición por la música y embarcarse en la complicada tarea de grabar un disco, para ello contará con unos excepcionales compañeros de viaje, los muchachos de Primo, un sello con un gusto exquisito a la hora de elegir artistas y de editar sus trabajos, arte en su máxima expresión. Así es como en septiembre de 2006 comienza el proceso de grabación de "Demonios del otro lado del océano", su impecable tarjeta de presentación musical, un LP en el que queda patente su inclinación hacia el pop intimista, canciones que zozobran entre la melancolía y el optimismo, y que apuestan por un minimalismo preciosista en cuanto a la instrumentación se refiere. Sólo se lanzaron 120 copias de este trabajo, así que si tienes una de ellas en tu poder puedes considerarte un afortunado. La limitadísima tirada de "Demonios del otro lado del océano", unida a las buenas crítica cosechadas, hace que el debut de Dotore pronto se convierta en objeto de culto, lo que supone el espaldarazo definitivo para Pablo Martínez, que se reafirma en su condición de compositor. En 2008 Pablo se muda a Barcelona, las canciones siguen bullendo en su interior y no tardará en toparse con la persona adecuada para dar forma a su segundo trabajo, se trata del chelista y pianista noruego Hävard Enstad, quien aportará la pincelada necesaria para transformar los crepusculares paisajes estivales de Pablo en verdaderas obras maestras. A ellos se sumará otro donostiarra, Iñaki Irisarri, que se encargará de la batería, y como invitado especial figurará en alguno de los temas del disco Pep Arimont, que colaborará con su elegante trompeta.

Lo primero que tuve que hacer al escuchar "Los veranos y los días" fue abrir la página principal de Google y teclear Nanjing, necesitaba saber dónde se encontraba esa ciudad capaz de inspirar una canción tan bonita. "Nadie llora en Nanjing" es el tema que abre el disco, y personalmente creo que es difícil encontrar un mejor comienzo, sin duda esta canción figura entre mis favoritas del año. Las notas sostenidas del chelo y de la guitarra, unidas al tenue redoble con escobillas de la batería, son capaces de crear un clima único, un martilleante sosiego capaz de transportarnos a un espacio atemporal en el que se arremolinan los recuerdos del pasado verano. Los ecos de dos grandes bandas como son Red House Painters y Kings of Convenience, así como la crudeza melancólica de José González, acuden a nuestra cabeza desde la primera escucha, pero sin dejarnos una impronta de copia fácil y ramplona. Creo que ya he hablado en alguna ocasión acerca de la equivocada importancia que, según mi opinión, se concede a la originalidad en nuestra sociedad, ¿o acaso Platón ha pasado a la historia por imitar a Sócrates?. No se puede negar que hay evidentes referencias en la música de Dotore, pero ello no resta ni un ápice de personalidad ni de valor a su propuesta. "La Conversación" tiene un arranque que recuerda a alguna de las composiciones de Mark Kozelek, pero enseguida se desmarca de los tópicos, gracias a la luminosidad que brinda el magnífico chelo de Hävard Enstad y a la magia acústica que es capaz de crear Pablo Martínez Sanromá, que además hace gala de una voz que, aunque sin alardes, es capaz de transmitir honestidad y sosiego, incluso cuando dice cosas como: "Tan guapa que dueles, y así te pienso recordar, yo estaba enamorado de ti y ahora de pronto todo esto se ha ido". Este segundo tema de "Los veranos y los días" es una de esas canciones que van creciendo conforme se escuchan, una composición aparentemente sencilla pero llena de matices y con una enorme capacidad narrativa. "La mañana" es la canción más pegadiza del disco, y no porque tenga vocación de hit pop, sino porque su letra y su melodía son de una cercanía rotunda, si a eso unimos un falsete comedido y elegante, obtenemos como resultado una canción de una inmediatez y de un encanto irresistible. Piano, guitarra y voz, esos son los elementos que Pablo necesita para crear una canción perfecta en apenas dos minutos. "Las dudas" es un tema que guarda cierto encanto mediterráneo, una canción pícara en la que aflora el lado más cálido de Dotore, a ello contribuyen las trompetas de Pep Arimont, que se mezclan acertadamente con la guitarra acústica, dejando un agradable poso de indolencia. Tras ella llega el turno de "Ríes", una de mis favoritas. De nuevo, Pablo Martínez Sanromá, es capaz de crear un temazo con lo mínimo, incluso con una letra que apenas sería capaz de llenar cuatro líneas en una cuartilla; poco más de dos minutos y medio de trance estival en los que uno desea volver a besar los labios de aquel antiguo amor de verano. Otro falsete de diez. "Suenan sonrisas en la playa, suspiros despiertan a la chica y mientras, en la orilla, las olas se olvidan de mí", así empieza "Septiembre", otra canción monumental. Pablo Martínez aparece armado únicamente con su guitarra, hasta que entra el estribillo, con la percusión y el impagable chelo, que irrumpe como los primeros rayos de sol de la mañana en la playa, apenas unos segundos de arrebatadora pasión.

Cuando escuché por primera vez "Los veranos y los días" no le dí mucha importancia a "Isla de Fiesta", estaba demasiado enganchado a "Nadie llora en Nanjing", pero con el tiempo no tardaría en darme cuenta de que esta canción es una de las mejores del segundo disco de Dotore. Me encanta como suena la guitarra acústica en "Isla de Fiesta", y decididamente me encanta el falsete de Pablo, más incluso que cuando canta con su voz limpia, y me parece además que la percusión hace un papel impecable en esta canción, sin eclipsar al conjunto, casi sin notarse, así debería ser la percusión perfecta. La letra juega con el desenfado y el patetismo, algo que me gusta mucho, presentándonos a unos personajes que resultan graciosos muy a su pesar, como ocurre en alguna de las mejores películas de Woody Allen. "Isla de Fiesta" es un tema que esconde mucho más de lo que muestra a simple vista, un caramelo relleno de lirismo estival envuelto en desafecto pop. "Las Ilusiones" nos devuelve al punto de partida, concretamente a "La conversación", es la canción más sombría del disco, con una guitarra de evocación sureña y un inquietante redoble de aire marcial. Regresa el chelo de Hävard Enstad, que cobra un gran protagonismo en "Las ilusiones", y que contribuye a incrementar el desasosiego. En "Cuento de junio" vuelve el atardecer crepuscular que tan bien sabe dibujar Pablo Martínez Sanromá, y con él el contenido falsete que tan buenos resultados le proporciona a lo largo de este LP. "Cuento de junio" es una oda al amor de verano, aquella pasión fugaz que se aparta violentamente de nuestro lado con los últimos calores de septiembre, una pasión que todavía está viva en junio siendo capaz de engendrar sueños e ilusiones; "l'amour fou". Y todo eso Dotore lo consigue con su voz y la única ayuda de una guitarra acústica; conmovedora y preciosa. El décimo corte del disco se titula "El verano", auténtica declaración de intenciones y leitmotiv del segundo disco de Dotore. La sombra de Mark Kozelek es alargada, siendo puntillosos aludiríamos a "Ocean Beach", ese tremendo disco de Red House Painters en el que la tristeza se convierte en arte, pero la súbita aparición del chelo echa por tierra cualquier comparación y dota de entidad propia a esta canción; "El verano ya ha llegado y sabes que te sienta bien". Del mismo modo que el final del verano nos atrapa desprevenidos, nos aproximamos al final del disco, y lo hacemos con dos canciones, la primera de ellas la mántrica "Mejor que antes". Este undécimo corte de "Los veranos y los días" es, para quien esto escribe, otro de los grandes momentos del disco, verdadero minimalismo pop con arreglos exquisitos, una sola frase que funciona como un microrrelato capaz de desencadenar múltiples tramas en nuestras mentes. No hay mejor manera de plasmar aquella vieja máxima que reza que menos es más. "Agosto, Lorea" cierra el disco, se trata de un pasaje instrumental de una delizadeza y una ternura absolutas, no en vano lorea en euskera significa flor, una imagen que recoge perfectamente la fragilidad de esta composición. Pablo Martínez Sanromá huye de artificios y apuesta por la desnudez de una guitarra acústica, haciéndonos volver la mirada al mencionado "Ocean Beach" o a alguno de los temas más estivales de Mojave 3; una forma deliciosa de terminar un disco tan bello como "Los veranos y los días".

Casi sin hacer ruido y con una promoción prácticamente nula, el segundo largo de Dotore se ha situado entre lo mejor del pasado 2010 en la listas nacionales de la prensa especializada. Si bien no siempre hay que fiarse de estas dichosas listas, en esta ocasión no nos queda más que reconocer el acierto de quienes incluyen en dicha selección a "Los veranos y los días"; a mí, desde luego, me parece uno de los mejores trabajos del pasado año, junto con el "Deer Park Mirage" de Mittens y "This is the Beginning of a Beautiful Friendship" de Bigott. Habrá que seguir de cerca a Dotore y ver cómo Pablo Martínez Sanromá vuelve a la carga después de un trabajo tan acertado, un disco que rezuma saudade y melancolía, que hace gala de un comedido optimismo, un album que se mueve entre el folk, la psicodelia y el pop de cámara, sin estridencias, con cierta timidez, como si su creador no quisiera darse cuenta de que ha parido un disco que acabará convirtiéndose en un clásico de nuestro pop; tiempo al tiempo.

Y para que disfrutéis por partida doble os dejo unos suculentos enlaces. El primero de ellos, al myspace de Dotore, como veis una opción clásica en los links de Rainy Day Music, el segundo enlace os conducirá a la web de Primo, el pequeño sello que ha hecho posible este milagro y que ha puesto todo el mimo del mundo en la elaboración de este disco; hacedme caso, compraos este disco, merece la pena por el contenido y por el continente, afortunadamente sigue habiendo gente en este mundo de la música para la que el dinero no es lo más importante, gracias a los muchachos de Primo. En este link podréis leer el texto promocional del lanzamiento del disco y además podréis descargaros el LP de manera gratuita. He seleccionado un tercer enlace, concretamente al Bandcamp de Dotore, desde el que también podéis descargaros el disco por la cara (tranquila señora Ministra, no hiperventile). Si bien los grandes medios no han pasado siquiera de puntillas por el genial trabajo de Dotore, internet si que se ha hecho eco de "Los veranos y los días", algo que he querido plasmar en los enlaces, donde podéis disfrutar de críticas realmente buenas. De este modo, os he dejado enlaces a las páginas de La Fonoteca, Hipersónica, La Nadadora y Mondo Sonoro, donde se habla del segundo disco de Pablo Martínez Sanromá. Y como guinda del pastel, he enlazado una entrevista aparecida en Je ne Sais Pop y un link al programa de radio "La Jungla Sonora" de Eitb, en el que figura Dotore como invitado especial. Finalmente, la consabida sección de videos, donde he querido seguir la postura minimalista de Dotore, en este caso podréis disfrutar de un único video, el video clip oficial de "Nadie llora en Nanjing". Abrid vuestras puertas a un nuevo verano, un verano diferente, sin músicas gritonas y chabacanas, sin calores asfixiantes, sin chulos de playa, sin operación retorno; el verano de Dotore, nuestro verano. Espero que os guste.

MYSPACE DE DOTORE

BANDCAMP DE DOTORE (Descarga gratuita de su último disco)

DOTORE EN LA WEB DE PRIMO

DOTORE EN LA FONOTECA



RESEÑA DE LOS VERANOS Y LOS DÍAS EN MONDOSONORO

ENTREVISTA A DOTORE EN JENESAISPOP

DOTORE EN LA JUNGLA SONORA (La entrevista comienza en el minuto 23:24)

Go Sailor- Go Sailor (1996)

Te recuerdo perfectamente, si cierro los ojos puedo verte con total claridad. Los focos te nublan la vista y los nervios apenas te permiten respirar con normalidad, has llegado muy lejos, más de lo que cabría esperar de una chica tan joven, sientes que las piernas se te doblan. Atrás queda esa sobremesa tensa en la que tuviste que convencer a tu padre de que aquella era una buena oportunidad para ti, de que en Melilla no pintabas nada, de que todo se cocía en Madrid y Barcelona, de que aquel era tu billete a una nueva vida. Tres, dos, uno, la cuenta atrás del regidor inyecta una nueva dosis de adrenalina en tu organismo, cada vez quedáis menos y ahora toca repartirse el protagonismo, un verdadero minuto de oro para cada una. Llega tu turno, te sudan las manos. Miras al piloto rojo de la cámara, tal y como te dijeron en los ensayos, y acto seguido bajas la mirada para buscar a tu interlocutor, es un señor regordete, con gafas y una tremenda mata de pelo gris, nunca antes lo habías visto. De repente se detiene el tiempo y te formula la pregunta: "Dime en algunas ventisinco palabrrras qué sabes de mi pais; soy embajadorrr de Rusia". En ese momento quieres morirte, tenías preparada la respuesta de por qué te has presentado al concurso, podías argumentar acerca de cómo defenderías la corona, te habías aprendido tres virtudes y tres defectos, te habías inventado que querías estudiar periodismo y arte dramático, pero ¿Rusia? nadie te había advertido de algo así. Los segundos se hacen interminables, pesados como el plomo, "cuando no sepas que decir, sonríe" te había dicho tu abuela, pero tus labios trémulos son incapaces de dibujar una leve sonrisa. Tu mente se ha bloqueado, necesitas tiempo, "Perdón ¿puede repetirme la pregunta?" dices con voz temblorosa, acabas de ganar unos segundos. El embajador eleva su tono de voz, parece que no le ha gustado mucho tu propuesta, su acento se endurece y de repente te parece un villano de los de las películas de James Bond. Ya está, lo tienes, tomas aire, buscas a tu padre en las gradas y te arrancas: "Bueno, pues sé que es un país donde vive gente maravillosa, que ha habido en el tema de política algunos cambios y... no sé mucho más. Gracias". Sí señor, veinticinco palabras exactas, y dos más de regalo, que se entere ese estirado de que tú sabes contar.

Seguro que a ninguno de vosotros os gustaría estar en la piel de Miss Melilla 2001 ¿verdad? El rostro de aquella chica era la viva imagen del estupor. Eso es lo que pretendía yo hoy, descolocaros un poquito y que os preguntaséis qué hace una banda de la escudería Lookout!, un sello vinculado al punk rock, en un blog como éste. Como ya indiqué en el nacimiento de Rainy Day Music, mi intención era la de crear un blog que no estuviese sujeto a ningún estilo concreto, un sitio en el que tuviesen cabida múltiples maneras de entender la música. Pues bien, últimamente sentía que ese espíritu inicial se estaba diluyendo, así que pensé que había que elegir un disco diferente, alejado de los parámetros del folk y del pop orquestado que tanto se prodigaba por esta bitácora últimamente. Go Sailor me pareció el grupo perfecto, porque a pesar de su inmediatez punk y su sonido casi amateur tienen un halo de melancolía y de dulzura que me parece muy lluvioso. Pero quien se ha quedado desconcertado he sido yo, puesto que al acudir a la web para documentarme acerca de esta banda, y poderos contar así algún que otro chisme interesante, me he encontrado con que apenas hay información con algo de enjundia sobre Go Sailor. Entonces me he sentido como Elizabeth, la estupefacta miss, y he escuchado en mi interior una voz con acento caucásico que me preguntaba "¿qué puede desirrrme sobrre Go Sailorrr?". En ese preciso instante me ha asaltado un sudor frío y me he dado cuenta de que no podía decir más que "Go Sailor es un grupo maravilloso". Ahora que se han apagado los focos y que el plató ya no huele a champán y sudor, me dispongo a escribir unas líneas sobre esta banda californiana, espero que seáis indulgentes. Elizabeth, no sabes cuánto te entiendo.

En la Universidad me enseñaron que cuando se escribía acerca de un tema concreto lo primero que se debía hacer era situarlo en un contexto histórico, de modo que empezaré siguiendo ese sabio consejo. Nos encontramos a finales de los años 80's en la zona de la Bahía de San Francisco, donde Larry Livermore y David Hayes fundan un pequeño sello discográfico llamado Lookout! , ha echado a andar recientemente y se ha especializado en el punk rock más melódico, aquel que combina perfectamente la crudeza con la melodía. En poco tiempo este sello establecido en Berkeley va editando un buen número de referencias y acoje en su seno a buena parte de la parroquia hardcore y punk rocker de California. David Hayes abandonará Lookout! para crear otro sello, Very Small Records, poco más tarde, Livermore decide dar una oportunidad a unos adolescentes con buen gusto para las melodías y proclives a las guitarras con mordiente; esos muchachos con acné se hacen llamar Green Day. La fama del trío californiano comienza a subir como la espuma y en 1994 firman con una multinacional para grabar su tercer disco, es el momento de eclosión del punk rock y del hardcore melódico; Offspring, NOFX, Pennywise, todos ellos veteranos de la escena, se convierten en estrellas gracias al tirón mediático adquirido por este sonido en poco más de un año. Lookout! obtiene sus beneficios en este pingüe negocio y se lanza a la búsqueda de nuevos Green Day, comienza la época de esplendor del sello, que ve aumentadas sus ventas y sus referencias en el mercado. Una de las bandas que llega a Lookout! en esta época es Go Sailor, un trío formado por Rose Melberg, que venía de otra formación llamada Tiger Trap, Paul Curran, que tocaba el bajo en otra banda de Lookout! llamada Crimpshrine, y Amy Linton, que tocaba la batería en Henry's Dress. Go Sailor no eran unos recién llegados, ya contaban con dos EP's en el mercado, "Fine Day for Sailing", editado en 1994 por Yo Yo Recordings, y "Long Distance", que vería la luz en 1995 a través de Slumberland, además de un par de canciones en dos recopilatorios, una en un disco titulado "Periscope" editado por Yo Yo Recordings en 1994, y otra en "Slice of Lemon", un doble LP compartido por los sellos Lookout! y Kill Rock Stars en 1995. En 1995 grabarían para Lookout! el que sería su último EP, y a la postre su última grabación, "Don't Go", con el que cerrarían una corta pero intensa carrera que dejaría tras de sí catorce magníficas canciones. Un año más tarde, el sello de Berkeley reunía en un CD los tres EP's y las dos canciones incluídas en los recopilatorios anteriormente citados, ése es el disco que presentamos hoy en Rainy Day Music.

La sencillez, la melodía y la inmediatez son las señas de identidad de Go Sailor, y las podemos encontrar en absolutamente todas sus canciones. Estamos ante una banda que combina perfectamente la energía y la urgencia del punk con la ingenuidad del pop, una formación que rezuma un encanto que casi roza el amateurismo, y que es capaz de contagiar optimismo y melancolía a partes iguales con apenas tres acordes. Todo eso y mucho más es Go Sailor, que nadie busque ni el más mínimo rastro de virtuosismo en su repertorio, ellos hacen suya la máxima de menos es más, y con una filosofía próxima al "hazlo tú mismo" consiguen enarbolar la bandera de un estilo que hasta la irrupción de Go Sailor contaba con un publico minoritario, y lo mejor de todo es que todo esto lo consiguen sin proponérselo. Hay quien ha calificado el sonido de Go Sailor como Mid-Fi, que vendría a ser un punto intermedio entre el Lo-Fi y las grandes producciones sonoras, no es desacertada esta denominación, ya que las guitarras suenan limpias, no hay efectos que distorsionen las voces, ni tampoco hay rastro de instrumentos saturados, pero el fondo de la grabación destila un espíritu amateur, hasta el punto de que casi tenemos la impresión de encontrarnos ante un grupo de amigos tocando sus canciones sin ninguna pretensión más allá de la simple y pura diversión. La voz de Rose Melberg suena dulce, con un irresistible punto naïf, la guitarra se rasga permanentemente y una acentuada línea de bajo lleva la voz cantante en cuestiones rítmicas, como acompañamiento, la precisa batería de Amy Linton; así son todas las canciones de la banda, apenas hay sorpresas pero ¿quién las necesita? El disco de Lookout! se abre con "Last Year", que es la primera canción que grabó Go Sailor, y que figuraba en el recopilatorio editado en 1994 por Yo Yo Recordings bajo el título de "Periscope"; es decir, que el sello de Berkeley respeta el orden cronológico a la hora de maquetar la recopilación. "Last Year" es un magnífico adelanto de lo que nos depara este CD, una canción inspirada, con un bonito estribillo y unas voces perfectamente empastadas, todo ello con la instrumentación marca de la casa, esa especie de chatarra melodiosa que tan buenos resultados dio al trío; poco más de dos minutos y ya nos hemos enganchado a la voz de Rose Melberg y al omnipresente bajo de Paul Curran. En 1994 Go Sailor graba con Yo Yo Recordings su primer EP, al que titularán como una de las canciones en él incluídas: "Fine Day for Sailing". Precisamente ésos son los cuatro cortes que toman el relevo en este recopilatorio, cuatro temas que nos presentan a los Go Sailor más brillantes, probablemente sus mejores canciones. "Fine Day for Sailing" es por lo tanto el segundo corte del CD, y una de mis canciones favoritas de la banda, una canción sobre el desencanto amoroso y nuestra capacidad para reponernos de él. A qué le va a cantar Rose Melberg con esa voz sino al amor; la melancolía con la que arrastra la sílabas, su tono cristalino y esa ingenua naturalidad que tiene al cantar, hacen que cualquier canción de amor en sus labios sea perfectamente creíble. Me gusta especialmente el cambio que hacen en torno al minuto cuando sólo se escucha el bajo, el bombo y la caja de la batería, al tiempo que la voz de Rose se siente más cercana que nunca y su guitarra deja de rasgarse para dar notas sueltas; es un recurso simple, como el mecanismo de un chupete, pero no puede ser más efectivo. "I'm Still Crying" es otra de mis favoritas, me gusta como empieza, directa al grano, en diez segundos ya nos han presentado la canción. Una nueva oda al desamor, en este caso al llanto desesperado, a las lágrimas derramadas contra tu voluntad y tu orgullo por aquella persona a la que desearías no haber conocido jamás. Una triste temática que contrasta con la animada melodía de la canción, lo cual unido a un estribillo en el que Rose y Paul empastan sus voces, hace de "I'm Still Crying" una canción verdaderamente deliciosa. Go Sailor en un auténtico ataque de inspiración pop contraatacan con otra joya, "I Just Do" ¿podrás resistirte? Yo creo que no. La fórmula sigue siendo la misma, "I Dropped a Penny and you Picked it up, you Want to be Something when you Grow up, you Make me Laugh and you Don't Even Try, you Say that Sometimes you Just Like to Cry", canta Rose; no se puede ser más irresistiblemente agridulce. "Bigger Than an Ocean" es la última canción del EP "Fine Day for Sailing" y es la única que explora otras vías musicales, de hecho no apuesta por el rasca-rasca y se sitúa próxima a las coordenadas del pop independiente de la primera mitad de los 90's, recordándonos a bandas como Velocity Girl o Belly, y a cantantes como Juliana Hatfield. La letra apuesta por la temática naútica y acuática, seña de identidad de la banda, que hace así un guiño a su nombre, y vuelve a incidir en el amor como fuente de inspiración.

En 1995 Lookout! edita, conjuntamente con Kill Rock Stars, un doble LP que incluye a bandas de ambos sellos, Go Sailor figura con el tema "Silly". Esta es la sexta canción del CD, un tema con más fuerza, más enérgico en su base instrumental, con un bajo que lo cubre todo, que redondea cada uno de los pasajes de la canción y envuelve perfectamente la voz de Rose. Un año más tarde, Go Sailor se dispone a grabar su segundo EP, y lo hará con el sello Slumberland, cuatro nuevas canciones que darán lugar a una de sus grabaciones más celebradas, y con una portada que es todo un monumento a la cultura pop. El título del EP será "Long Distance"; precisamente, y respetando el orden de las canciones, el siguiente corte del CD será "Long Distance". Go Sailor parecen haber madurado su estilo y son capaces de crear melodías con un gancho arrebatador, un buen ejemplo es este tema, en el que la guitarra suena más limpia que nunca y en el que el trío parece estar totalmente compenetrado, como si fuesen capaces de hacer canciones perfectas sin apenas despeinarse. "Windy" nos devuelve a los Go Sailor seminales, los más inmediatos, los de la guitarra rasgada y el bajo protagonista, los del desamor, los agridulces; "Windy" es sencillamente otra joya fruto del pop sencillo y sin pretensiones de Go Sailor. "Blue Sky" se articula en torno a una estrofa que se repite y un escueto estribillo, economía de medios marca de la casa. Es una animada canción que podría calificarse como la más blandita del EP, sobre todo porque tras ella viene uno de los grandes himnos de Go Sailor. Ese himno no es otro que "The Boy Who Sailed Around the World", un tema que recupera la inspiración naútica que tanto gusta a la banda, y la única canción en la que la voz principal es la de Paul Curran. Unos certeros golpes de guitarra abren la canción acompañando al bajo de Paul y dan comienzo a una de las mejores canciones del disco, con una letra entre surrealista y costumbrista que relata la aventura de un muchacho que se echa a la mar para recorrer el mundo, una canción que va in crescendo y que termina con el irresistibe "Would You Sail with me Around the World?" entonado por Paul y Rose y que estalla definitivamente con un grito de guerra: "Go Sailor!"; sublime punk pop. En 1995 Lookout! arroja definitivamente sus redes sobre Go Sailor y consigue que graben con ellos su tercer y último EP, "Don't Go", cuatro nuevas canciones que ponían el punto y final a su carrera y cerraban el repertorio de la banda. "Don't Go" es la primera de esas canciones, un nuevo ejercicio de contradicciones entre la melodía y la letra, más pop agridulce con la misma calidad de siempre; oyendo la música cuesta creer que Rose diga cosas como estas: "Don't You Know this Kind of Heartache Never Mends? Should I Tell Myself it Was an Accident Again? Please Don't Leave me, Don't Go, I'm Not Ready Yet", ¿alguna vez se está preparado para que te abandonen? Otra joya que añadir a la colección. "Ray of Sunshine" comienza sin concesión alguna, con la voz de Rose abriendo fuego, una canción dedicada, de nuevo, al amor perdido, en la que la voz de Paul y Rose se entienden a la perfección en un pegadizo estribillo. El siguiente corte del CD y del EP es "Together Forever in Love", una de las canciones más contagiosas de Go Sailor, un tema que podría haber tenido mucha salida comercial. El inicio recuerda a "The Boy who Sailed Around the World", con esa guitarra que señala el inicio y que parece buscar al bajo, es una canción que rebosa rebeldía adolescente, pero lo hace sin rabia ni odio, con toneladas de amor, como muestra un botón: "What Do They Know When They Say I'm Too Young, As I Get Older and Until my Life is Done, I'll Be the One who Had Love that Was True, They All Had Nothing, and I have You". Una vez más, Go Sailor aciertan en la diana de la melodía con gancho, la voz perfecta y el estribillo pegadizo; ¡bingo! "Everyday" cierra el disco, y casi se podría decir que la carrera de Go Sailor, es una canción que no abre ninguna vía nueva, que no experimenta con nuevos sonidos, que en definitiva no introduce ningún cambio en la sencilla ecuación de la banda, pero que, una vez más, consigue atraparnos con su honestidad y su naturalidad. Los responsables de Lookout! fueron perspicaces y rápidos y se hicieron con los derechos para recopilar en un CD todas las grabaciones de Go Sailor, haciendo así justicia y reivindicando, de manera temprana, a una banda que supuso una bocanada de aire fresco en el adocenado panorama musical de principios de los 90's. En los últimos años parece que se quiere recuperar la figura de Go Sailor y con el tiempo se está reconociendo la influencia que su legado ha tenido en otras bandas. Go Sailor facturaron una música que sigue vigente, un pop descarado y fresco, que unido a la inmediatez y la urgencia del punk formaba un cóctel explosivo e irresistible, esperemos que no tarden en ocupar el lugar que la historia de la música pop debería reservar a este irrepetible trío.

La integrante más activa y relevante de Go Sailor es Rose Melberg, que acabaría en The Softies, un nuevo proyecto consistente en un dúo, aventura en la que le acompañaría Jen Sbragia. The Softies apuesta por el minimalismo pop, con unas canciones casi desnudas y de sencilla instrumentación y arreglos que se apoyan en las dulces voces de Rose y Jen; juntas grabarían un buen puñado de singles y tres LP's entre 1994 y 2000. En 1998 Rose Melberg contrae matrimonio con Bill Baker, capo del sello canadiense Mint, por lo que se trasladará a British Columbia. Será entonces cuando empiece a colaborar con otra banda, los canadienses Gaze, para quienes tocará la batería y compondrá algún tema entre 1998 y 1999. Alrededor de esa época Rose empieza a trabajar en su propio material, planteándose seriamente editar algún trabajo en solitario, así es como ve la luz "Portola", su primer largo en solitario, editado por Double Agent Records en 1998, y que recopila canciones escritas por Rose entre 1994 y 1997. Tras la disolución de The Softies, Rose Melberg se dedica en cuerpo y alma a cuidar de su hijo, serán cinco años de silencio discográfico que se romperán en 2005 con una breve gira y con la grabación de algunos temas, antesala de lo que será su segundo trabajo en solitario, titulado "Cast Away The Clouds", un brillante LP que le llevará a telonear a Belle & Sebastian. Tras tres años de sequía, Rose volvió a complacer a sus fervientes seguidores con un nuevo trabajo que vio la luz en 2009, "Homemade Ship", su último largo hasta la fecha, en el que vuelve a ahondar en ese pop tan personal y taciturno que lleva facturando en la última década, lejos de la electricidad e inmediatez de Go Sailor. Cuando Paul Curran se une a Go Sailor no es un novato en la escena californiana, de hecho había tocado el bajo en formaciones como Crimpshrine y Monsula, tras su corto romance musical con Rose Melberg y Amy Linton, prueba suerte en diferentes proyectos, llegando a ser cordinador de la mítica publicación punk Maximum Rock'n'Roll. Finalmente se afianza como músico con una nueva aventura, en una banda llamada Onion Flavored Sound, en la que tocará el bajo y hará voces, y con la que sigue en activo hoy en día. Y en cuanto a Amy Linton, que era batería de la banda Henry's Dress cuando se sumó al proyecto de Melberg y Curran, formaría en 1997 The Aislers Set. El nuevo proyecto de Amy se mantendría en activo hasta 2003 y dejaría tras de sí unos cuantos EP's y cuatro LP's, entre los que destaca "The Last Match", un trabajo en el que Amy se destapa como compositora, productora y cantante, y que sería aclamado por la crítica. En cuanto a Go Sailor, parece que en los últimos años se ha reivindicado como una banda de culto, sus sencillas, y a veces ingenuas, canciones van ganando adeptos con el paso del tiempo, y dos de sus canciones (concretamente "Ray of Sunshine" y "Together Forever in Love" fueron incluídas en la banda sonora de la película "But I'm a Cheerleader". Esta revisión del repertorio de Go Sailor llevaría a una pequeña gira de reunión de la banda a principios de este 2010, con motivo del vigésimo aniversario de Slumberland Records, que les llevaría a tocar en San Francisco y en Los Angeles, y tras la cual cada uno de los integrantes regresaría a sus propios proyectos personales.

En cuanto a los enlaces de hoy, creedme que me ha resultado dificilísimo encontrar links interesantes relativos a Go Sailor, la mayoría mostraba textos que apenas superaban la media docena de líneas, y en muchos casos el contenido se repetía; exasperante. La banda, al estar inactiva, no dispone de web ni de myspace, dos recursos bastante socorridos a la hora de aportar enlaces, de modo que, después de sopesar diferentes opciones, he decidido agregar seis enlaces a esta entrada, a saber: una escueta reseña del disco que nos ocupa aparecida en Rawkblog, la discografía de la banda aparecida en la página Pette Discographies, una interesante entrevista realizada a Rose Melberg en la web Cokemachineglow con motivo de su reaparición musical con el LP "Cast Away the Clouds", de 2006, y los tres myspace de los actuales (o al menos los más recientes) proyectos de los respectivos integrantes de Go Sailor. Con los vídeos he corrido mejor suerte, eso sí, no hay material de la época, o al menos yo no lo he encontrado. Gracias a la reciente reunión del grupo, circulan por Youtube numerosos vídeos de sus actuaciones en San Francisco y en Los Angeles, me he decantado por dos extractos del concierto de Frisco, que aunque están grabados en blanco y negro tienen mejor calidad de sonido que los de L.A. ; la actuación data concretamente del 23 de marzo de 2010 y está rodada en el Rickshaw Stop. He elegido dos de mis canciones favoritas del repertorio de Go Sailor: "Fine Day for Sailing" y "The Boy Who Sailed Around the World", dos pequeñas gemas pop que nunca me canso de escuchar. Parece que la voz del embajador de Rusia va abandonando mi interior, como un eco lejano. Espero que os guste.

RESEÑA DE GO SAILOR EN RAWKBLOG

DISCOGRAFÍA DE GO SAILOR EN PETTE DISCOGRAPHIES

ENTREVISTA A ROSE MELBERG EN COKEMACHINEGLOW

MYSPACE DE ROSE MELBERG

MYSPACE DE ONION FLAVORED RINGS

MYSPACE DE THE AISLERS SET

GO SAILOR- GO SAILOR