Zumpano- Look What The Rookie Did (1995)

Conforme uno va peinando canas (que ya es de lo poco que nos queda para poder peinar) se da cuenta de lo importante que es dar las gracias, una acción que en este mundo de prisas voraces y de egos superlativos olvidamos con bastante frecuencia. Cuando éramos niños, nuestros padres insistían en que dijésemos la palabra mágica a todo desconocido que nos diese un caramelo (otro día hablaremos de los caramelos con droga a la salida del colegio, qué fuerte...), nosotros asentíamos resignados y con un finísimo hilo de voz deslizándose entre nuestros labios susurrábamos unas "gracias" prácticamente inaudibles; el proceso de aprendizaje era costoso y se nos antojaba realmente complicado articular esas dos sílabas. "Es de bien nacido ser agradecido", me repetía mi padre, frase que con el tiempo he hecho mía en una clara muestra de la "carcamalización" a la que me estoy sometiendo; extraño animal el humano, al que hay que enseñarle a ser agradecido. Yo procuro comportarme como un bien nacido e intento dar las gracias siempre que puedo, hay tantos motivos por los que hacerlo que obviarlo sería de una arrogancia imperdonable. No quiero caer en la cursilería más almibarada, por lo que voy a omitir un millón de motivos por los que estoy agradecido a esta vida, los cuales prefiero reservar para sus principales destinatarios, pero sí que quiero agradecer de nuevo a todos los visitantes de Rainy Day Music su fidelidad, su complicidad y su compañía en esta singladura que va camino de cumplir tres años; gracias por todo lo bueno que me dais, que es mucho. Cuando uno emprende cualquier tipo de aventura personal ha de ser agradecido con todo aquel que le ha servido de apoyo, incluso con los adversarios (en caso de que los haya) que le han servido de estimulo para hacer mejor las cosas. Me encanta cuando un escritore dedica su libro a alguien, porque me hace fantasear con los motivos de tanta gratitud, pero sobre todo me gusta bucear entre los diminutos caracteres de los créditos de los discos en busca de los agradecimientos; dejad que os cuente algo acerca de una sorpresa que me esperaba escondida entre esas liliputienses letras.

Hace mucho tiempo el país estaba conmocionado por la olvidada crisis del fletán, aquel extraño incidente diplomático con Canadá que a punto de estuvo de convertirse en algo más serio. Yo no sabía qué era un fletán, la globalización piscícola no había llegado a la cocina de mi madre y a mí aún me quedaban unos cuantos años para descubrir especies como la Panga o la Perca del Nilo (¿qué demonios estaremos comiendo? Mejor no pensarlo). A mí todo aquello me daba igual, lo que verdaderamente me cabreaba de la crisis del fletán era que a consecuencia de la misma los visados a ciudadanos canadienses se habían denegado ¿Y qué me importaría eso a mí? os preguntaréis, pues muy fácil, una de mis bandas favoritas por aquel entonces, Bum, tenía programada una gira por España, la cual recalaba en mi ciudad, y tuvo que suspenderla por culpa de los dichosos fletanes y los besugos diplomáticos de turno. Bum era una banda canadiense diminuta para muchos pero enorme para mí, junto a otro buen puñado de melódicos airados se convirtieron en santo y seña de mis veinte años. Fue precisamente en el último disco de Bum (el último en el año 1 después del fletán, se entiende) donde me encontré por primera vez con nuestros lluviosos huéspedes de hoy. En los agradecimientos, mis añorados canadienses citaban a un sin fin de bandas, algunas de ellas eran conocidas para mí, otras me sonaban, pero mi atención recayó en una en concreto, "lookout for Zumpano" decían Bum. ¿Qué enigmático, verdad? Un agradecimiento y una encarecida recomendación al mismo tiempo; sin duda había que investigar. Los cachorros de la era digital serán incapaces de entender cómo un tipo podía gastarse 2500 pesetas (no saquéis las calculadoras, chavales, 15 eurazos) en un disco que nunca había escuchado, sólo porque lo recomendaba una banda a la que admiraba, internet estaba en pañales y Zumpano no sonaban en las emisoras de radio ni se dejaban caer por la MTV; había que jugársela, así es la droga (la de veces que hice este tipo de cosas, a veces salia bien, de otras mejor no hablar...). De modo que me puse en contacto con uno de mis camellos de aquel entonces y le pedí una buena dosis de Zumpano, pasaron los días y pronto cayó en mis manos un disco que me haría olvidar la crisis del fletán y se convertiría en parte muy importante de mi vida, así es como comenzó todo, con un simple agradecimiento.

Mientras Cobi y Curro andaban haciendo de las suyas, dos músicos canadienses, Jason Zumpano y Michael Ledwidge tomaban una decisión muy arriesgada para sus carreras, disolver su banda justo cuando estaban a punto de firmar con una importante multinacional; el motivo, considerar que la formación había degenerado en algo artísticamente impuro, aquella banda se llamaba Glee. Tras su alocada muestra de honestidad, aquellos dos jóvenes deciden embarcarse en un nuevo proyecto, para ello será clave otro músico, Carl Newman, amigo de la infancia de Michael Ledwidge. Superconductor era la banda en la que tocaba Carl Newman, una formación de Vancouver que se declaraba admiradora de Glee, de modo que cuando Newman, se enteró de la separación de estos, les propuso crear una nueva formación. Los tres músicos contarían con la ayuda del bajista Stefan Niemann, de este modo quedaría configurada la formación de Zumpano, con Michael Ledwidge a la guitarra y a los teclados, Carl Newman como cantante y guitarra rítmica y Jason Zumpano al mando de la percusión. Durante un breve período de tiempo la banda se llama The Wayward Boys, aunque finalmente deciden adoptar como nombre el apellido de su batería por su fuerte sonoridad, así es como nace Zumpano. Las coordenadas sonoras de Zumpano están muy claras desde el principio, formaciones como Love, The Beach Boys, The Left Banke, The 5th Dimension, y sobre todo The Zombies, figurarán en la hoja de ruta del cuarteto de Vancouver. La maquinaria de Zumpano se puso pronto en marcha y enseguida comenzaron los conciertos, varios de esos directos les llevaron a Seattle, donde la discográfica Sub Pop caería rendida a los pies de estos muchachos que facturaban un pop fresco y diferente a todo aquello que llevaba la firma del sello padrino del grunge. En 1994 Zumpano firma con Sub Pop, ese mismo año graban su primer tema, una versión de The Zombies, "Changes", para un disco homenaje editado por Popllama, titulado "The World of The Zombies". Un año más tarde sale a la calle su primer disco, "Look What The Rookie Did", una pequeña obra de arte que sería fundamental en el devenir de la discográfica de Seattle, ya que supondría su apertura a sonoridades diferentes de las que marcaron la transición entre la década de los 80 y la de los 90. Aquellas farragosas guitarras y aquella querencia por el ruido y la distorsión que dieron lugar al grunge, daban paso a las armonías vocales, las guitarras limpias y los arreglos cuidados característicos del pop artesano con sabor a años sesenta.

"Look What The Rookie Did" puede parecer una afirmación arrogante, pero en el fondo el título del primer disco de Zumpano nace de una broma entre los integrantes de la banda, de hecho es una frase de una película porno gay. Michael Ledwidge trabajó durante un tiempo duplicando cintas de video, muchas de ellas porno, y para matar el tiempo y entretenerse editaba sus propias cintas con extractos de diferentes películas, cintas que luego visionaba con sus amigos. "Look What The Rookie Did" fue una frase muy celebrada entre los jóvenes Zumpano, y que acabaría convirtiéndose en el título de ni más ni menos que su debut discográfico, pero con el paso del tiempo se ha convertido en una afirmación que ha cobrado más sentido conforme pasaban los años: "Mira lo que hizo el novato". Y es que estos novatos se encierran en un estudio en 1995 para dar forma a un disco soberbio, y lo hacen de manera inocente, con una naturalidad pasmosa, sin atisbo alguno de pretenciosidad; ahí reside, quizás, la grandeza de este disco, en su falta de pretenciones, en su espontaneidad, características que acabarán convirtiéndolo en un disco atemporal, un trabajo fundamental en la historia de la música de los últimos 20 años. El album comienza con "The Party Rages On", una canción luminosa, que en principio parece una muestra más de power pop, pero que se va complicando conforme transcurren los segundos. El trabajo de guitarras en el primer corte del disco es brillante, siendo ésta una tónica que dominará el album de principio a fin; los diálogos entre la guitarra principal y la rítmica, los punteos, algún riff lleno de energía, pinceladas de lap steel, constantes cambios de ritmo, todo ello nos dará una idea del nivel compositivo que desprende este LP. "The Party Rages On" es una declaración de intenciones, un compendio de lo que nos espera a lo largo de "Look What The Rookie Did", una canción capaz de sorprendernos, que huye de la monotonía y de las estructuras típicas del pop. A todo ello hay que sumarle una compleja letra, me refiero a la hora de insertarla vocalmente en el cuerpo de la melodía (intentad cantarla a modo de karaoke con el vídeo que encontraréis más abajo), la dicción es enrevesada y descubre a un Carl Newman rotundo, que se bautiza como pequeño genio en este disco para subir más tarde a los altares de la música independiente de la mano de The New Pornographers. "Oh That Atkinson Girl" es una deliciosa canción que se abre con un toque de flauta que da paso a unos Zumpano un poquito más acelerados que en la primera pista, una vez más, hay que destacar el papel de las guitarras, tarea en la que Michael Ledwidge es el principal responsable. El fraseo de la flauta es el distintivo de esta canción, que además se encarga de separar y estructurar las diferentes partes de la misma. El tercer tema de "Look What The Rookie Did" es una versión, la única de todo el disco, se trata de "Rosecrans Boulevard", de Jimmy Webb. Comienza con teclado y voz únicamente, para más tarde dar paso al resto de instrumentos, que poco a poco irán contribuyendo a complicar la melodía y a introducir los cambios de ritmo que tanto gustan a la banda. Sin duda, "Rosecrans Boulevard" es una canción que parece escrita para Zumpano, un tema que se ajusta perfectamente a los postulados de la banda y que enlaza perfectamente con el soft rock y con el pop barroco más elegante, por algo siempre reconocieron a Jimmy Webb como uno de sus principales referentes. "Platinum Is Best Served Cold" es, según mi opinión, el tema que menos encaja en "Look What The Rookie Did". No quiero decir que no esté a la altura del conjunto del disco, sino que suena diferente, como si se hubiese producido en otro estudio y por otras manos. A pesar de su arrollador comienzo, con ese punteo de guitarra que llevará el peso de la melodía, es la canción más plana del disco, y aquella en la que los cambios resultan menos sorprendentes, aún con todo, nos encontramos ante un gran tema. La quinta pista del disco es "Evil Black Magic", no os dejéis engañar por el título, lejos de encontrarnos ante un pelotazo de blues pantanoso fabricado en New Orleans, nos hallamos ante una monumental canción de pop con mayúsculas, la primera del disco en introducir metales. Zumpano vuelven a la senda del pop trabajado, pulido con maestría hasta la saciedad, y lo hacen con un tema que desprende elegancia desde el primer segundo. "Evil Black Magic" es una canción más convencional en su estructura, aunque sin renunciar a los cambios de ritmo, y con una sección de metales fantástica en el estribillo, que se acompaña de unas voces perfectamente empastadas. Y a partir de aquí agarraos bien fuerte porque se avecinan emociones fuertes, llegamos al cogollo del disco y tenemos por delante cinco canciones que deberían figurar por méritos propios entre lo mejorcito del pop de las últimas décadas. ¿No me creéis? Probemos con "Temptation Summary".

El sexto tema de "Look What The Rookie Did" comienza con un suave e insinuante punteo de guitarra, que en apenas unos segundos da paso a una cascada de instrumentos que se dejan llevar por una trepidante batería y que acaban rematados por una ráfaga de metales. El conjunto funciona como un caos perfectamente ordenado en el que destacan los punteos de guitarra y la magnífica voz de un inspiradísimo Carl Newman, que consigue una matricula de honor en otra complicada prueba en lo que a dicción se refiere. "Temptation Summary" es Zumpano en estado puro, con constantes cambios y con una instrumentación elegante y compacta. Si a estas alturas aún no te has enamorado de Zumpano no insistas, será mejor que te dediques a hacer otras cosas, aunque dudo que puedan ser más hermosas que esta canción. Casi sin dejarnos recobrar el aliento, el cuarteto canadiense contraataca con "I Dig You", un tema que parte de una estructura básica, en cuanto al cuerpo y al estribillo se refiere, y que cuenta con un trepidante in crescendo en su recta final que muestra a los Zumpano más guitarreros acompañados de un fantástico teclado. El octavo tema del LP es "Wraparound Shades", que de nuevo se abre con el teclado, en este caso las guitarras permanecen agazapadas otorgando protagonismo a la sección rítmica, en especial al bajo. Un cambio de ritmo saca de su letargo a las seis cuerdas, que abren la ráfaga del estribillo para luego devolver la batuta al bajo, entre medio se abre un pequeño agujero a través del cual penetra la luz de la mejor tradición vocal de los 60; un nuevo cambio de ritmo que conduce a la canción a derroteros muy diferentes de aquellos que al principio se sugerían. Y llegamos a mis dos momentos favoritos del disco, el primero se titula "Snowflakes and Heartache". Esta novena pista de "Look What The Rookie Did" está emparentada con "Temptation Summary", aunque en este caso la banda va directa al grano, sin concesiones. Nos encontramos de nuevo ante una compleja estructura, de apariencia caótica pero de resultado armonioso, una canción que hace un brillante uso de los metales y que cuenta con unos punteos de guitarra flamencados que sitúan a Zumpano en la mejor tradición del pop elegante y atemporal, pasando a formar parte de una genealogía que les emparenta directamente con monstruos de la talla de Love, The Zombies o The Beach Boys. "Snowflakes and Heartache" es sencillamente sublime, y lo es en la medida que lo son "Alone Again Or" o "The Time of The Season", no creo que una sola banda de pop en la primera mitad de los años 90 haya sido capaz de igualar el nivel que alcanzan Zumpano con esta canción. La canción funciona como un todo colectivo en el que cada instrumento tiene su función e incluso ritmos diferentes, no se trata de seguir la pauta que marca la sección rítmica sino de crear una melodía utilizando diferentes tonalidades, como si se tratase de una composición polifónica. Y lo mejor de todo es que lo que muchos habían logrado en casi diez minutos de canción, Zumpano lo condensan en apenas tres minutos y medio; ese es el caos controlado y armonioso que tan bien dominan Zumpano, y "Snowflakes and Heartaches" es su mejor expresión. Pero cuando estéis a punto de desfallecer de la emoción y del gozo, no se os ocurra bajar la guardia, porque los cuatro geniecillos canadienses nos van a dar la puntilla con "Jeez Louise". Zumpano saca a relucir su lado más punk en la décima canción del disco, un tema para escuchar a todo volumen y no parar de dar saltos. La canción se abre con una guitarra con wha wha que acaba dando paso a una verdadera explosión de energía, una fiesta a la que también están invitados los metales, protagonistas de los cambios de ritmo y encargados de insuflar swing a un tema redondo de principio a fin. Y después del ritmo frenético de "Jeez Louise" llega la calma de "(She's A) Full Blodded Sicilian", el tema que cierra los créditos de "Look What The Rookie Did". Esta canción cierra perfectamente el disco, se trata de un medio tiempo en el que aparece como invitado especial un banjo, curiosamente es la canción más larga del LP, un tema marca de la casa con ecos de The Zombies y Brian Wilson y con unas guitarras que van del swing al surf pasando por el folk sin apenas despeinarse. "Look What The Rookie Did" guarda una sorpresa a modo de canción oculta, un tema que no aparece en los créditos y que supone la pista número doce. Se trata de una canción que recoge el ambiente de lo que bien pudiera ser un local de ensayo, en el que escuchamos una batería y una guitarra distorsionada en constante diálogo; es una pista que no aporta nada y que bien se podrían haber ahorrado el cuarteto de Vancouver. Ésta es una opinión personal, pero nunca he entendido por qué se hacen este tipo de cosas en algunos discos, si nos fijamos, en los años 90 era bastante frecuente, ahora, afortunadamente, esta tendencia parece haber desaparecido.

El debut de Zumpano fue muy bien recibido por la crítica, aunque tuvo unas ventas discretas, algo llamativo en un momento en el que se vendían muchos más discos que en la actualidad (que curioso que ahora, que es cuando más música se escucha, sea cuando menos se vende), los periodistas especializados se vieron sorprendidos por el sonido de Zumpano, una propuesta sin grandes pretensiones que ofrecía una pincelada diferente en un panorama dominado por los monolíticos sonidos del grunge y por la estrechez de miras del pop más comercial. En 1996 Zumpano remataría su carrera con su segundo disco, "Goin' Through Changes", un trabajo en el que las melodías dan un pasito más allá y apuestan por una mayor complejidad, emparentándose directamente con las composiciones de Burt Bacharach. "Goin' Through Changes" fue unánimemente aclamado por la crítica, que sigue considerándolo el mejor disco de Zumpano, para este humilde escribiente es un magnífico disco, aunque más blandito que su antecesor, con menos garra y frescura que "Look What The Rookie Did"; digan lo que digan, no hay amor como el primero. Y pasaron los años sin que hubiese noticia alguna sobre Zumpano, nadie había anunciado su disolución pero tampoco se había presentado material nuevo por parte de la banda, su situación era un misterio. Hasta que en el año 2000 Carl Newman reaparece de manera fulgurante con su nueva banda, The New Pornographers, con la que conocerá las mieles del éxito que se le habían negado a Zumpano. The New Pornographers es un antiguo proyecto que Carl Newman decide retomar en los albores del nuevo milenio, esta formación cuenta con la presencia de la mismísima Neko Case, niña mimada de la crítica independiente. Será en una entrevista, ya al frente de su nueva banda, cuando el propio Newman reconozca la separación de Zumpano, la cual se produjo poco después de que "Goin' Through Changes" viese la luz. También en el año 2000, Michael Ledwidge vuelve a la escena como Near Castlegar, convertido en hombre orquesta, Jason Zumpano haría lo propio en 2003 al frente de Sparrow, y más tarde, en 2007, con Attics and Cellars. Jason Zumpano y Carl Newman (que también firma sus discos como A.C. Newman) han grabado material en solitario, y el primero de ellos se ha destapado como un magnífico pianista, así lo plasma en sus propias grabaciones y en las distintas colaboraciones en las que se ha involucrado. Para la historia quedan dos sobresalientes LP's y tres singles, uno de ellos compartido con otras tres bandas, además de varias participaciones en recopilatorios y discos de homenaje; ese es el pequeño, pero exquisito, legado que nos deja Zumpano.

Llega la hora de echar el cierre a esta extensa entrada y lo vamos a hacer, como es costumbre, con los enlaces y los videos. Cuando Zumpano estaban en activo, queridos niños, ese invento del demonio llamado internet apenas se conocía, es por eso que me ha resultado complicado encontrar enlaces de enjundia para recomendaros. No obstante, no soy de los que se rinde fácilmente, de modo que finalmente he seleccionado cuatro enlaces que podrán proporcionaros una visión más amplia de la carrera del cuarteto de Vancouver; vamos allá: El primer link os conducirá a la web de Sub Pop, donde hay un pequeño espacio dedicado a Zumpano, ahí podréis encontrar una breve historia de la banda (extraída de Wikipedia, por cierto, ya les vale...), además de fotos y las grabaciones del cuarteto, las cuales podéis adquirir a precios asequibles. El segundo enlace os situará en la web personal de Jason Zumpano, en la que el músico canadiense muestra detalles de sus trabajos más recientes. Pero el enlace más jugoso es el tercero, el de la web Behind The Beehive, una página diseñada por un fan de la banda (no en vano, "Behind The Beehive" es el título de uno de los temas incluídos en el segundo disco de Zumpano) y en la que ponen a nuestra disposición todas las rarezas y caras B's de la banda, además de entrevistas, directos y vídeos; no os la perdáis, aunque el diseño deja mucho que desear. Y por último, como no he encontrado una entrevista decente realizada a Zumpano en ninguna web (aunque podéis disfrutar de una en Behind The Beehive), he elegido un link que os llevará a una entrevista realizada a Jason Zumpano en mayo de 2010 en The Line of Best Fit. En cuanto a los videos, tampoco había mucho donde elegir, así que he optado por lo fácil, los dos clips que se rodaron de "Look What The Rookie Did": "Party Rages On" y "I Dig You". No hace falta que me deis las gracias, más bien soy yo quien os agradece que aún estéis leyendo este testamento, aunque si queréis hacerlo no os lo impediré; ser agradecidos saca lo mejor que llevamos dentro, y eso siempre resulta sorprendente y reconfortante. Espero que os guste.

ZUMPANO EN LA PÁGINA WEB DE SUB-POP

PÁGINA WEB DE JASON ZUMPANO



BEHIND THE BEEHIVE

ENTREVISTA A JASON ZUMPANO EN THE LINE OF BEST FIT




ZUMPANO- LOOK WHAT THE ROOKIE DID

(Algo más que) Una recomendación: Mittens y Wild Honey

Retomamos un clasicazo de este blog, las recomendaciones, y lo hacemos con dos bandas de las que llevaba mucho tiempo queriendo hablar en Rainy Day Music: Mittens y Wild Honey. Conocí a Mittens por medio del fotolog de uno de sus componentes, vueltas que da la vida; de repente caí en la cuenta de que uno de esos fotologueros que visitaba con cierta asiduidad tenía una banda, esa banda acababa de editar un LP y yo, como buen curioso que soy, me dispuse a escucharlo; a la media hora ya estaba encargando el disco. Me gustan mucho Mittens porque considero que son una banda con estilo, con mucha clase, y ejecutar un pop tan anclado a la tradición aglosajona habiendo nacido en la Piel de Toro, y hacerlo además con la solvencia con que lo hacen estos madrileños, es de matrícula de honor. Los chicos de Mittens han sabido ser pacientes, algo poco usual en el mundo de la música, un negocio lleno de urgencias donde todo el mundo está dispuesto a editar su primer disco cuanto antes y al precio que sea, el quinteto madrileño en cambio ha ido experimentando en forma de EP's; la manera idónea de construir un sonido propio, una personalidad sin fisuras. De este modo, tras sus dos primeras referencias, los citados EP's, "Fix of Sun" (2007) y "Mingering Mike" (2008), deciden en este 2010 vestirse de gala y regalarnos una magnífica colección de canciones, su disco de debut, que se ha convertido en uno de los mejores trabajos del año, y no me refiero únicamente al mercado español. "Deer Park Mirage" es el título del primer LP de Mittens, y es el resultado de años de trabajo, de colaboraciones, de multitud de influencias que saben complementarse perfectamente y que se muestran totalmente permeables para formar así parte de un todo que exhala personalidad y honestidad por todos sus poros. Mittens no eran unos desconocidos antes del lanzamiento de su primer disco, por lo que tuvieron ofertas por parte de varias discográficas para poner en el mercado su debut, pero finalmente, haciendo gala de una integridad moral y de una sensatez poco habitual en el negocio, deciden autoeditarse, aprovechando el sello que crearon para el lanzamiento de su primer EP, Lazy Recordings. Pero no sólo eso, los muchachos de Mittens, lejos de ignorar la realidad discográfica y el papel que las nuevas tecnologías desempeñan en la actualidad, deciden colgar el disco en la red, desde donde te puedes descargar toda su discografía. No sé qué pensará la señora Ministra de Cultura, y sí, me puedo imaginar lo que pensarán los integrantes de la Santa Inquisición, pero esto funciona, y cada vez más y mejor, de hecho yo me he comprado el disco, y espero que mucha más gente lo haga, sólo así se puede premiar a quienes de verdad difunden cultura y demuestran ser honestos.

Pero, derechos de autor al margen, vamos a centrarnos en la banda y en su debut. Mittens son Anita Steinberg, voz y guitarra acústica, Javichu, encargado de la percusión, Jose, guitarrista, Javi, guitarras, teclado y melódica, y finalmente, Guillermo, a los mandos del bajo y secundando a Anita a las voces. ¿A qué suena el primer LP de Mittens? pues a gloria bendita, a esas bandas de pop cristalino y melancólico que tanto nos gustan, a aquellos grupos que saben cantarle al lado más emotivo de la vida sin caer en sobados manierismos ni en ñoñerías propias de una mente preescolar; Mittens suena a POP, así con mayúsculas, pop brillantemente ejecutado. Es inevitable encontrar referentes en el sonido de Mittens, obviamente toda formación los tiene, de hecho me parece algo lógico y coherente en un mundo, como el musical, en el que la originalidad está sobrevalorada y mal entendida. El pop de los 60's está muy presente en la propuesta musical de Mittens, pero también lo están grandes bandas de los 90's como BMX Bandits (grandes, sigo reivindicándolos) o The Ladybug Transistor, e incluso los ecos del country más melancólico e íntimo; todo ello, fruto de las diversas influencias y apetencias de los integrantes de la banda, contribuye a crear un mosaico sonoro con múltiples matices, en el que las teselas están perfectamente integradas, sin dejar una sola grieta por la que pueda entrar ni el más mínimo ápice de mediocridad. Sean cuales fueren las influencias de la banda, cuestión que no vamos a intentar adivinar, lo que está claro es que demuestran tener un gusto infinito. "Deer Park Mirage" da la sensación de haber sido cocinado a fuego lento, como se hacen lo grandes guisos, ya desde el inicio, con esa diminuta joya que es "Marblehead", uno tiene la sensación de estar penetrando en algo muy íntimo y muy mimado. Pero cuando llega el segundo corte del disco, aquel que da nombre al LP, ya tomamos conciencia de estar ante algo grande de verdad; no me sonrojo si afirmo que "Deer Park Mirage" es una de las mejores canciones que ha dado el pop en nuestro país y, de largo, mi candidata principal a ser el tema del año. "Deer Park Mirage" es una obra de arte, una canción perfectamente medida, con unas voces y unos arreglos maravillosos, que no se pierde en desarrollos superfluos, que proporciona al oyente aquello que precisamente anda buscando, si es que éste anda detrás de la canción pop perfecta. El disco podría terminar aquí, en el segundo tema, y a mí me parecería fantástico, pero es que continúa con otra joyita, "I Shot The Skier", un tema inspirado en la rocambolesca historia de Claudine Longet (otra de mis debilidades, si queréis recordar más, pinchad AQUÍ). Me encantan las guitarras de "I Shot The Skier", pero es que además creo que es el tema en el que mejor suena la voz de Anita, limpia y seductora; es un tema que me recuerda algún pasaje de Zumpano (otro vicio confesable), aunque obviamente es sólo una apreciación personal. El festín continúa con "Jaffa Cakes", que abre con unas palmas muy adictivas, reconozco que soy un estómago agradecido, unas palmas, unos silbidos y unos buenos coros y a mí ya se me han ganado. En "Wrecage and Dust" es donde más me recuerdan a los primeros Belle & Sebastian, aquellos que construyeron monumentos como "If You're Feeling Sinister", disco de cabecera de quien aporrea estas teclas, aunque también se acercan a las armonías vocales de alguna que otra banda escandinava, de ésas que saben interpretar perfectamente el concepto de pop cristalino de raíces sesenteras. "Our Last Party" es otro tema que me gusta especialmente, personalmente me parece una acertada aproximación a los sonidos country en clave de pop, de nuevo con una Anita muy inspirada y con unos teclados que engalanan perfectamente otra canción redonda de Mittens.

La cara B del LP se abre con "Toxic Black Mold", un tema que exhibe, de nuevo, un maravilloso trabajo de guitarras y que demuestra que las voces de Anita y Guillermo se entienden perfectamente en un estribillo precioso. "Swimmers" me parece otro dardo clavado en el centro de la diana del pop redondo y sin pretensiones grandilocuentes, auténtica artesanía al servicio del oyente, pequeñas píldoras capaces de dar una pincelada de color a nuestra existencia en este valle de lágrimas (que no lo digo yo, que lo dice la Biblia. Amén). En este octavo corte del disco, la banda funciona como una máquina perfectamente engrasada, con unos engranajes bien sincronizados y que se suceden en sus labores con una precisión germánica; voces, guitarras, batería, bajo, todo está en su sitio, nada falta y nada sobra. "Insane" vuelve a dejarnos ese amable regusto del country en su melodía y, sobre todo, en la voz de Anita, que se mueve a lo largo del disco entre las susurrantes divas de los 60's, las voces negras de los girl groups más spectorianos y los registros más dulces de algunas figuras femeninas del country. "Stuck In Champagne Jelly" es otra de mis favoritas, me gusta mucho cómo empieza, y creo que los comienzos son muy importantes, a veces son los que deciden si continúas con un libro o si apagas la tele y dejas de ver una película, en el caso que nos ocupa, lo que queremos es más, y así es como llegamos a una nueva muestra de guitarras con gancho, teclados infecciosos, baterías perfectamente medidas y, sobre todo, voces tan bellas que a veces asustan. "In Foresight Of An Injured Knee" airea el lado más folk de la banda y los vuelve a aproximar al country más íntimo, todo ello perfectamente arropado por unos músicos que hacen pop como pocos saben hacerlo y por una trompeta maravillosa que hace entrada en el tramo final de la canción; pura ambrosía. Y lamentablemente todo tiene su final, de modo que "A Tale of Summer Daybreaks" se encarga de cerrar el debut de Mittens, una nueva joya de pop con querencia folkie, un nuevo ejercicio de guitarras cristalinas y precisas como el bisturí de un cirujano, una nueva demostración de cómo empastar dos voces sin resultar empalagoso, y por si todo ello fuera poco, además silban, ¿que más se le puede pedir a una canción? "Deer Park Mirage" fue grabado en El Lado Izquierdo, en Madrid, a las órdenes de Dany Richter (otro "recomendado", ¿os acodais? AQUÍ), posteriormente fue retocado en el estudio casero de Guillermo Farré, el bajista y cantante de la banda, y más tarde fue masterizado en los estudios Yes Master de Jim DeMain, en Nashville; así es como, con la paciencia de un orfebre, Mittens fue construyendo esta auténtica maravilla que les eleva a los altares del pop patrio.

Pero he dicho que iba a hablar de dos bandas (aviso que la entrada de hoy es sólo para valientes, y me refiero a su extensión), una es Mittens, y la otra, como ya había adelantado es Wild Honey. ¿Qué tienen en común estas dos bandas? Pues un pilar básico en ambas formaciones, Guillermo Farré, bajista en Mittens y cerebro al frente de Wild Honey. El proyecto personal de Guillermo Farré, que toma su nombre del infravalorado disco de The Beach Boys, ve la luz en 2008 con su primera grabación oficial, el EP "Wild Honey", básicamente, Guillermo se acompaña de Anita Steinberg y de Cristina Gómez, que además de darle la réplica a las voces, se encargan de xilófonos, melódicas y otros cachivaches sonoros. Pero además de estas dos féminas, Guillermo también se ha sabido rodear de amigos que han contribuído de manera notable al nacimiento de este interesantísimo proyecto, que fue aclamado por la crítica nacional como uno de los mejores tabajos del pasado año. Una vez más, Guillermo ha tirado de casta y se ha lanzado a la autoedición, abriendo el camino por el que más tarde transitaría con Mittens: autoedición, descargas gratuitas y contacto directo con el seguidor. Así es como vio la luz "Epic Handshakes and a Bear Hug", un título grandilocuente bajo el que se esconde una nueva colección de gemas pop que no esconde sus influencias, lo que contribuye a enriquecer el repertorio y dota al conjunto de una gran personalidad, además de dejar bien palpable que el conocimiento musical de su autor es enciclopédico. El disco se abre con "Whistling Rivalry", una canción capitaneada por un magnífico ukelele que la emparenta directamente con "Marblehead" el tema con el que abren fuego Mittens en "Deer Park Mirage". "Whistling Rivalry" se resume en unas voces aterciopeladas, una curiosa percusión y una evocadora trompeta; magia pop desde el minuto uno. El segundo corte se titula "1918-1920" y confirma los presagios que nos asaltan tras exponernos al primer tema, sí, ésto es pop del de verdad, con una producción cuidada, sin llegar a resultar recargada, y con unas voces limpias y perfectamente empastadas, la música que lleva volviéndonos locos más de cuarenta años; sin duda, "1918-1920" es uno de los mejores momentos del disco. "To Steal A Piece Of Art" es el tema que más denota la mano del productor del disco, ni más ni menos que Brad Jones, y es que es una canción que recuerda alguna de las composiciones que Josh Rouse ha cocinado en estos estudios, un pop semiacústico y muy bien arreglado que al de Nebraska se le da de maravilla, y que nuestro Guillermo Farré también parece dominar a la perfección. "The Big Parade" es un vals de juguete, una coqueta canción que no debe pasar desapercibida, una de esas joyas que se esconden tras una engañosa sencillez. "Gold Leaf" se acerca a los compases de la bossa nova, consiguiendo un maravilloso resultado apoyándose en unas magníficas melodías vocales y en uno precisos punteos de guitarra y unos susurros de trompeta que acercan la canción a coordenadas más psicodélicas; otro gran momento del disco. "Hal Blaine's Beat" se encarga de afianzar el rumbo del disco, acercándonos al Rouse más juguetón envuelto en el caramelo pop que tan bien sabe cocinar Guillermo Farré.

Pero las dos grandes joyitas del disco vienen de la mano, se trata de "Brand New Hairdo" y de "Isabella", dos ejercicios de psicodelia minimalista y de pop cristalino. La primera es un vals compuesto con lo mínimo y cimentado en un trabajo vocal más que notable, mientras que la segunda es una contagiosa melodía pop llena de matices escondidos tras un contagioso ukelele; creedme, he escuchado esta canción cientos de veces y cada vez me gusta más, simplemente dejaos llevar, me lo agradeceréis. "My Bride In Black Gloves" continúa la línea marcada por sus antecesoras, pero lo hace complicando un poco más la madeja, introduciendo cambios de ritmo y abandonando ese aire amateur que tanto engancha en "Brand New Hairdo " e "Isabella". "Kings of Tomorrow" es una de las canciones más serias del disco, y digo esto no porque resulte aburrida, sino porque está muy bien planteada y podría sonar en cualquier emisora de radio sin que nadie se sonrojase, aunque bueno, a la mayoría de emisoras de radio no les interesa este tipo de propuestas, basta con darse una vuelta por el dial para comprobarlo, yo sigo sin entender cómo discos como éste continúan siendo minoritarios, en fin, vil negocio el de la música, amigos. "One Word Prayer" retoma el ritmo de vals que tan buenos resultados le da a Guillermo Farré y lo hace para adornar una canción que abre con un teclado y con una atmósfera totalmente beatle que más tarde se encamina hacia latitudes californianas de la mano de los hermanos Wilson, todo ello con una instrumentación y unas voces de matrícula de honor. Y por último "Done It Forever", que abre con un piano trotón que recuerda al standard "My Baby Just cares For Me" para acercarse más tarde al peculiar universo de Guillermo Farré, aquel en el que los ukeleles y los instrmentos de juguete campan a sus anchas y suenan como la mejor de las filarmónicas; una pildorita de poco más de un minuto que sirve para despedir el disco, en fin, al menos nos queda el consuelo de volver a pulsar el play y disfrutar de nuevo de esta maravilla.

En la actualidad, Mittens se encuentra presentando "Deer Park Mirage", mientras que Wild Honey acaba de publicar una nueva referencia, en este caso en el sello Jabalina, dentro de la serie Jabalina Love Songs, se trata de un 7" compuesto por tres canciones nuevas. Dicho todo esto, espero que os aproximéis a estos dos notabilísimos trabajos, que los descarguéis, tal y como las bandas desean, y que los disfrutéis, pero sobre todo que los compréis, porque además del contenido, el continente también es una pequeña joya en ambos casos; vinilo (rojo en el caso de Wild Honey) más CD, todo ello realizado con un mimo impecable y con dos maravillosas portadas. Por último os dejo con unos interesantísimos enlaces, que, continuando con esta entrada llena de excesos, son un buen puñado. Os dejo los enlaces a las respectivas webs de las bandas, además de sus correspondientes páginas en myspace, pero no sólo eso, completando estos cuatro enlaces, podréis hallar el atajo electrónico a Bandcamp, sitio donde ambas formaciones, tanto Mittens como Wild Honey, tienen alojada su discografía completa para que os la podáis descargar de manera totalmente gratuita. Por si esto fuera poco, os dejo dos reseñas de, una de "Deer Park Mirage" en Jenesaispop, y otra de "Epic Handshakes and a Bear Hug" en el blog Los Mundos de Fede, y como guinda del pastel, he añadido un enlace a los conciertos de Radio 3, donde podréis disfrutar integramente de la actuación de Wild Honey en este, lamentablemente maltratado, programa de nuestra televisión pública, la única que parece medianamente interesada en la música de calidad. Y además, para rubricar esta descomunal entrada, una buena dosis de videos, el clip oficial del tema "Deer Park Mirage" (atención a la puesta en escena y a la ejecución de este vídeo que es una pasada) de Mittens y una entrañable interpretación de "Isabella" de Wild Honey que hará enternecerse hasta al más duro de la muchachada, y no se vayan todavía, porque además he agregado dos videoentrevistas de cada una de las bandas; ¿de verdad alguien os da algo más por menos? No contestéis a esta estúpida pregunta y simplemente hacedme un favor, disfrutad de la música de Mittens y de Wild Honey, eso es lo verdaderamente importante. Espero que os guste.

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MITTENS EN BANDCAMP

RESEÑA DE DEER PARK MIRAGE EN JENESAISPOP



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RESEÑA DE EPIC HANDSHAKES AND A BEAR HUG EN LOS MUNDOS DE FEDE

WILD HONEY EN LOS CONCIERTOS DE RADIO 3

Gilberto Gil & Jorge Ben- Gil e Jorge. Ogum Xango (1975)

Muchas veces mantengo conversaciones como ésta con mi sentido común:

- Sentido Común: Otro disco de música brasileña ¿estás loco? Pero si el último que recomendaste tuvo dos o tres comentarios, entre ellos el de una persona que se interesaba por la inclusión de un tema de Celso Fonseca en la banda sonora de un culebrón televisivo…

- El pobre y terco Binguero: Pero éste no es un disco de samba, ni de bossa, ni siquiera tengo claro que se trate de música brasileña propiamente dicha, éste es un disco diferente, es pura magia.

-Sentido Común: ¿Pura magia? Luego no me vengas llorando, no quiero volver a escuchar aquello de –me he equivocado- La música brasileña no ha cuajado en este blog y punto, ya hay muchas otras bitácoras dedicadas a estos sonidos.

- El pobre y terco Binguero: Las hay, y muy buenas. Yo simplemente quiero abrir los horizontes sonoros de este blog, es lo que me propuse desde el principio y voy a ser fiel a esa filosofía.

- Sentido Común: Hablas como un cultureta, o peor aún, como un snob. Al final siempre te sales con la tuya, así que haz lo que te dé la gana, pero que conste que, como tantas otras veces, te lo advertí

Sí, lo he vuelto a hacer, he hecho oídos sordos a los dictados de mi sentido común y vuelvo a proponer un disco “made in Brazil”. En esta ocasión he elegido un disco único (¡te estoy oyendo Sentido Común!), una colaboración histórica entre dos gigantes de la música brasileña: Gilberto Gil y Jorge Ben. Dos hombres muy distintos que se encontraron en uno de los momentos más dulces de sus respectivas carreras, consiguiendo crear una atmósfera irrepetible que serviría para gestar una verdadera joya, un disco que sigue manteniendo el tipo ante el envite de los años, un trabajo de una calidad vocal que se encuentra al alcance de muy pocos artistas, y de una inspiración casi supraterrenal. “Gil e Jorge” es uno de mis discos favoritos, lo fue casi desde el mismo instante en que escuché los primeros compases de “Meu Glorioso Sao Cristovao” y fui consciente de que me encontraba ante algo totalmente diferente de cuanto había escuchado hasta ese momento. Pero antes de hablar de las canciones que componen este maravilloso disco, repasemos brevemente el currículum de sus responsables, dos músicos tan brillantes como dispares.

Gilberto Gil es hoy en día el brillante Ministro de Cultura del brasileño gobierno de Lula, una figura que goza de reconocimiento no sólo en su país, sino a nivel global, una figura respetada. Pero los comienzos de Gilberto Gil no fueron precisamente fáciles. Su relación con la música comienza cuando contaba tan sólo con ocho años, será cuando aprenda a tocar el acordeón seducido por los cantantes callejeros que hipnotizaban al niño Gilberto en los mercados y en las calles de su Salvador de Bahia natal. Con el paso del tiempo se fue acercando a la música de manera más profesional, hasta el punto de formar parte de un grupo, se trataba de Os Desafinados, en aquella época Gilberto Gil era tan sólo un estudiante. Pero de repente, escuchando la radio, se encontró con algo que iba a cambiar su vida, un nuevo sonido llamado Bossa Nova y que combinaba elementos de la música popular brasileña con el jazz provinente de los ingratos vecinos del Norte, su mayor representante, un cantante llamado Joao Gilberto (ahórrate las ironías Sentido Común…). El joven Gilberto no tardaría en comprarse una guitarra para dedicarse en cuerpo y alma a cantar y a tocar bossa nova. En los comienzos de los años sesenta Gil componía canciones para anuncios publicitarios para la incipiente televisión brasileña, hasta que en 1964 empezó a trabajar en un show llamado “Nos Por Exemplo”, un programa en el que tenían cabida la bossa nova y la música popular y que dirigía un joven talentoso llamado Caetano Veloso. En el año 1965 decide mudarse a Sao Paolo, allí grabará con la cantante Elis Regina el que será su primer éxito “Louvaçao”, esta canción tuvo una enorme repercusión y colocó a Gilberto Gil en la onda de los jóvenes músicos brasileños que practicaban una suerte de canción protesta en la que se reivindicaban los derechos del pueblo, especialmente los de la siempre denostada población indígena, y en la que se volvía a las raíces de la música popular brasileña pero sin cerrarse a influencias externas como el rock, el pop o la recién nacida psicodelia; un movimiento que se denominó Tropicalia (también Tropicalismo) y del que Gil se convertiría en uno de sus principales representantes.

La controvertida propuesta musical de Gilberto Gil, así como su comprometida postura política, le acarreó más de un problema con el dictatorial régimen brasileño de la época, llegando a estar detenido en más de una ocasión, finalmente el músico se exilió a Gran Bretaña, huyendo de un entorno político e intelectual asfixiante para recalar en un país que, por aquel entonces, rebosaba libertad creativa. Los tres años que Gil pasó en Gran Bretaña fueron realmente enriquecedores, llegó a tocar con estrellas del momento como Pink Floyd o The Incredible String Band, se empapó de lo mejor de la cultura pop del momento y estuvo en contacto con la vanguardia intelectual y artística a nivel internacional. En 1972 regresó a Brasil y grabó uno de sus mejores trabajos “Expresso 2222”, durante los siguientes cinco años verán la luz sus discos más importantes y se embarcará en una inolvidable gira con tres monstruos: Maria Bethania, Caetano Veloso y Gal Costa; Gilberto Gil se encontraba en su mejor momento. A finales de los años setenta, Gil ya era una figura a nivel mundial y había firmado por una multinacional de conocido prestigio internacional, había realizado una exitosa gira por los USA y había tocado en los mejores festivales de jazz del planeta. Durante una de sus giras Gil formó equipo con el músico jamaicano Jimmy Cliff, ambos recorrieron juntos Brasil, corría 1980 y comenzaba el idilio de Gilberto Gil con el reggae; la versión que el músico brasileño hizo de “No Woman, No Cry” vendió 700.000 copias. La pasión de Gil hacia la música jamaicana le llevó a grabar un disco con los Wailers, “Raça Humana” (1984) e incluso a realizar un disco de versiones de Bob Marley, “Kaya N’Gan Daya” (2002). Durante los años ochenta la calidad de la producción musical de Gilberto Gil decreció de manera importante al tiempo que aumentaba su compromiso político, Gil se había convertido en una figura consagrada pero se mostraba incapaz de repetir la frescura de discos como “Gilberto Gil” (1971), “Expresso 2222” (1972), “Gil e Jorge” (1975) o “Refazenda” (1975). Con el tiempo nacería un político activo, que comenzaría su carrera en su natal Salvador de Bahia y que acabaría siendo Ministro de Cultura de Brasil; a pesar de su militancia, Gil ha intentado mantener viva su carrera como músico, de hecho no hace mucho que se le pudo ver girando por España, a pesar de no contar con la energía ni con el talento de antaño.

Jorge Ben tiene un perfil muy diferente al de Gilberto Gil, él no tuvo los problemas políticos que atenazaron a los tropicalistas, y aunque sí gozó de gran popularidad en su país, no tuvo el reconocimiento que artistas como Caetano o el propio Gil tuvieron más allá de sus fronteras. A pesar de las diferencias, Gil y Jorge Ben tienen un nexo común en su despertar artístico, y ese nexo tiene nombre y apellidos: Joao Gilberto. Nacido en Rio de Janeiro, Jorge Ben decide dedicarse a la música tras escuchar las populares tonadas del maestro Joao Gilberto, pero se encuentra con un problema, la tremenda complejidad que esconde la aparente sencillez de la técnica de la bossa nova. Lejos de desesperarse ante las dificultades, Jorge Ben decide crear su propia técnica, y lo hará tocando la guitarra como si se tratase de un bajo; así es como consigue el particular sonido de sus primeros éxitos, entre ellos el célebre “Mas Que Nada”, uno de los hits brasileños más reinterpretados y que este joven carioca escribió con tan sólo 23 años. Durante la dictadura militar que se estableció en el país en los años sesenta, Jorge Ben no tuvo excesivos problemas para actuar o para grabar sus discos, y eso que la suya era una propuesta novedosa que realizaba una relectura de la bossa y que introducía pinceladas de estilos negros como el soul, pero evidentemente el compromiso político de Ben no era equiparable al de Caetano o al de Gilberto Gil, por lo que el régimen no lo interpretaba como una amenaza. Entre 1963 y 1976 Jorge Ben graba ocho discos de una enorme calidad, ocho magníficos trabajos en los que el swing, el soul y la música brasileña conviven en perfecta armonía, ocho grabaciones en las que se pueden encontrar trallazos bailables, maravillosas baladas y composiciones de una inspiración y una frescura inigualable en la bossa de su tiempo; títulos como “Samba Esquema Novo” (1963), “O Bidú” (1964), Jorge Ben (1969), “Força Bruta” (1970) o “Africa Brasil” (1976) son de escucha obligatoria. Jorge Ben se convierte en una figura muy popular en Brasil, un músico apreciado y reconocido, al mismo tiempo su música evoluciona y se muestra cada vez más influída por los sonidos africanos y por el funk. En 1989 verá la luz su disco “Benjor” a la vez que anuncia que va a cambiar su apellido, alargándolo y convirtiéndolo precisamente en Benjor, Jorge Benjor; su acercamiento a la música africana es ya evidente y empieza a colaborar con músicos del continente negro como el nigeriano King Sunny Ade. Durante los últimos años la figura de Jorge Ben ha sido objeto de una reivindicación, pudiendo hablar casi de un redescubrimiento por parte de países como los USA, donde durante los años sesenta y setenta fue casi ignorado, parte de la responsabilidad de esta nueva visión de Jorge Ben la tiene David Byrne, declarado admirador del carioca.

Nuestros dos hombres se encuentran en 1975, cuando se les encarga la grabación de un disco conjunto. Ambos se hallan en la cima de su creatividad y rebosan talento a raudales, de hecho mantienen una cierta rivalidad debido a su éxito, lo cual no hace sino aumentar las expectativas ante la que será la primera y la única grabación que realizarán juntos. La idea no puede ser más simple, se trata de realizar un disco donde prime la improvisación, que cuente únicamente con las guitarras de Gilberto Gil y Jorge Ben, un bajo, el de Wagner, y la correspondiente percusión, que correría a cargo de Djalma Correa. Los temas irán fluyendo como si de una jam session se tratara, para ello se elegirán varios éxitos de ambos músicos: cuatro de Jorge Ben, tres de Gilberto Gil y un tema de autoría compartida. El disco se grabará en una sola noche, intentando recoger la magia y el carácter irrepetible de las sesiones improvisadas en lo que es un verdadero homenaje a la música popular, a su forma de desarrollarse y de interpretarse, con una sola toma y sin ningún tipo de mezclas. La estructura de las canciones funciona a modo de diálogo entre ambos músicos, y la intensidad de las interpretaciones va en aumento, en función de la capacidad de improvisación del momento. Gilberto Gil muestra una valentía inédita en cualquiera de sus grabaciones posteriores, y se lanza a la improvisación más absoluta sin reprimir ningún tipo de sonido salido de su garganta y demostrando que es un verdadero maestro del falsete y un conocedor de la técnica del scat. Jorge Ben no se queda atrás, de hecho en muchos de los temas es él quien maneja el timón sin miedo y con una energía que por momentos parece sobrenatural teniendo en cuenta que algunas de las canciones superan los diez minutos y que están grabadas en directo, sin ninguna manipulación de estudio, sin postproducción. Es difícil encontrar calificativos estilísticos para referirse a este disco, a veces tenemos la sensación de estar ante un disco de bossa nova, otras parece acercarse al funky, en ocasiones nos recuerda al jazz, e incluso encontramos retazos de psicodelia en algunos de sus momentos más álgidos. Sin duda es un disco que rinde homenaje a una forma de entender la música basada en las raíces, en la tradición, en el sustrato popular del arte; el disco lleva por título “Gil e Jorge”, aunque no en vano también se le conoce como “Ogum Xango” (Dioses u Orixas de la guerra y la justicia respectivamente) en clara alusión a la cultura negra brasileña de origen africano, toda una declaración de principios. Entre los mejores momentos del disco, yo destacaría personalmente el arranque del mismo, la maravillosa “Meu Glorioso Sao Cristovao”, donde el nivel vocal de Gilberto Gil y Jorge Ben es apabullante; “Jurubeba”, en la que ambos músicos se divierten improvisando con las sílabas de esta mágica palabra; y la tremenda “Taj Mahal”, un tema que supera los catorce minutos, una canción compuesta por Jorge Ben y que tuvo que defender en los tribunales ante el mismísimo Rod Stewart, quien le acusó de haberle plagiado su célebre “Do You Think I’m Sexy?” (realmente son calcadas en su estribillo), finalmente el carioca salió victorioso de la contienda y se le reconoció legalmente la autoría del tema. También hay que prestar una atención especial a la interpretación de “Filhos de Gandhi”, donde el duelo de voces entre Gilberto Gil y Jorge Ben es inolvidable.

Bueno, ¿qué te parece Sentido Común? Me he saltado a la torera todas tus recomendaciones, no sólo repito un probable fracaso con un nuevo disco brasileño, sino que además acabo de redactar la entrada más larga de cuantas hay hasta el momento en este blog, burlándome así de esas recomendaciones que aseguran que el tope de caracteres de un escrito en internet debe estar en torno a los 1.500. Sinceramente nada de eso me importa, acabo de hablar de un disco que me apasiona y realmente he disfrutado como nunca redactando esta entrada, sólo me queda esperar que a vosotros, visitantes de este humilde blog, os enganche este disco como me enganchó a mí la primera vez que lo escuché, o por lo menos que le deis una oportunidad y os perdáis en su mágica sencillez durante los casi ochenta minutos que dura. Como extras, os dejo dos enlaces, poca cosa ya que se trata de las respectivas páginas web oficiales de ambos artistas, y os dejo en este caso (para coronar así el post más largo de la historia de los blogs) dos videos, uno por cada músico, que recoge a Gilberto Gil y a Jorge Ben en dos de los mejores momentos de sus carreras, interpretando dos temas de una gran calidad. Queridos visitantes, queridísimo Sentido Común, eso es todo, simplemente espero que hayáis aguantado toda esta parrafada de fan declarado e irredento y, por supuesto, deseo que os guste este inolvidable “Gil e Jorge”.

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