lunes, 25 de agosto de 2008

Josh Rouse- Nashville (2004)


La primera vez que escuché a Josh Rouse fue en el año 2004 cuando acababa de salir su disco "Nashville". Un par de escuchas bastarían para hacerme adicto a este CD, que reproducía compulsivamente en mi lector hasta que el pobre acababa echando humo. Me enganché tarde a Josh Rouse, lo hice cuando este cantautor nacido en Nebraska tenía ya en su haber ni más ni menos que cinco discos, "Nashville" era el sexto. No pude evitar sentirme como un tonto que se había perdido algo maravilloso durante demasiado tiempo, no obstante, consciente de que no todo estaba perdido, me dispuse a enmendar mi error y bucear en la discografía de este prolífico artista. Poco a poco fui escuchando todos y cada uno de sus discos, sus luces, sus sombras, su mágico lado acústico, su vulgar electricidad; poco a poco fui haciéndome una idea propia acerca de quién era Josh Rouse, y poco a poco me di cuenta de que este "veterano" de 36 años es uno de los mayores talentos que ha dado el pop en las dos últimas décadas.

Investigando por las aguas turbulentas de internet, me he encontrado con un blog en el que se hace un repaso exhaustivo por la biografía de Josh Rouse a la vez que se reseña su disco "1972", sinceramente creo que no lo puedo hacer mejor, así que corto y pego sin permiso pero con todo el respeto del mundo. El blog se llama One Ray, os dejo con este interesante y documentado texto:

<< Josh Rouse, cantante, guitarrista y compositor norteamericano, nacido en Nebraska en 1972, pasa los primeros años de su vida viajando por distintos estados y ciudades grandes y pequeñas del oeste del país. California, Wyoming, Utah, el trabajo del padrastro de Rouse obliga a la familia a cambiar de residencia continuamente, y en busca de mayor estabilidad, Rouse decide vivir con su padre, militar de carrera, instalándose primero en Georgia y más tarde en Fort Campbell, Kentucky, muy cerca de la frontera con Tennessee. Tanto movimiento durante la infacia y adolescencia será una de las claves para comprender su música, repleta de influencias y difícilmente encasillable. Son los años ochenta y Josh admira la música de grupos como The Smiths, The Cure o R.E.M, sin embargo eso no le impide disfrutar también de la música de los años setenta, Steely Dan, Carole King o Fleetwood Mac están también entre sus intérpretes más queridos. La pasión por la música aparece temprano, y aprende a tocar la guitarra enseñado por su tío. En el instituto, Rouse formará una banda punk-rock con algunos compañeros y empezará a escribir sus primeros temas.

Al finalizar el instituto, Josh asiste durante un tiempo a la universidad Austin Peay de Clarksville en Tennessee, pero pronto cambiará de nuevo de residencia para pasar una temporada en Arizona y en Dakota del Sur hasta que finalmente, en 1996, decide instalarse en Nashville donde encuentra el ambiente adecuado para desarrollar su música. Al contrario de lo que puede parecer desde la distancia, Nashville no es territorio exclusivo del country comercial prefabricado. La escena musical de la ciudad está muy viva, y son muchos los locales donde poder actuar y entrar en contacto con grupos y músicos de gran nivel. Josh Rouse conoce a David Henry, un ingeniero de sonido y productor, que además de haber trabajado con artistas de primer orden del country alternativo como Vic Chesnutt o Cowboy Junkies, también es violoncelista. Juntos comienzan a grabar en el estudio casero de Henry canciones compuestas y cantadas por Rouse, acompañadas de guitarra y cello. Estas maquetas le darán a Rouse la oportunidad de grabar su primer disco para un subsello de Rykodisc. El disco se publicará en 1998 bajo el título "Dressed Up Like Nebraska" y recibirá una gran acogida por parte de la crítica musical.

El éxito del álbum permite a Rouse centrarse completamente en su carrera musical, y en poco tiempo traba amistad con Kurt Wagner, líder del grupo Lambchop con el que colabora en "Chester", un trabajo algo experimental publicado en 1999, donde Wagner escribe las letras y Rouse pone la música y canta a través un teléfono. En marzo de 2000, Rouse publica su segundo trabajo, titulado "Home", es un disco sencillo en el que el artista, con la ayuda del productor Brad Jones, trata de capturar con fidelidad el proceso de creación de sus canciones. Además de grabar nuevo material, Rouse sigue tocando en directo en Nashville, y también hace giras acompañado por artistas como David Gray, Aimee Mann, Sun Volt, y Golden Smog. Además su música empieza a aparecer en programas de televisión y en el cine, en las bandas sonoras de películas como Hamlet o Vanilla Sky. El tercer disco en solitario de Josh Rouse será el que de verdad le sitúe en primera fila del llamado country alternativo. Josh no se siente demasiado cómodo con esa etiqueta y opina que su música es la de un cantautor sencillo, escrita con sinceridad pero no esencialmente country. El álbum, publicado en 2002 bajo el título "Under Cold Blue Stars", es un álbum conceptual que narra la historia de sus padres, una pareja que vive en el medio oeste americano en los años cincuenta. Al parecer, el hecho de que este álbum posea un hilo conductor de principio a fin, no es algo premeditado, y según escribía las canciones, Rouse profundizaba en el tema familiar gracias a las historias contadas por sus padres, abuelos y otros parientes. En "Under Cold Blue Stars" Josh Rouse incluye a un nuevo productor aparte de David Henry. Se trata de Roger Moutenot, un experimentado ingeniero de sonido que había trabajado anteriormente para artistas de la talla de John Zorn o Lou Reed. En el disco colaboran músicos como Darren Jesee, batería de Ben Folds Five, o el multi-instrumentalista Pat Sansone. La producción de Moutenot consigue enriquecer el sonido de Rouse, combinando el intimismo que lo caracteriza con programaciones electrónicas que incluyen arreglos de cuerda y vientos, el resultado es un disco más preciosista y delicado que proporciona a Rouse críticas muy elogiosas.

En 2003, Rouse publicará "1972", su segundo disco conceptual en el que profundiza en los hallazgos de "Under The Cold Blue Stars". En esta ocasión el título del disco, el año de nacimiento de Rouse, deja bastante claro el carácter autobiográfico de la propuesta. En el viaje le acompañará un viejo conocido, Brad Jones, bajista, teclista, guitarrista, percusionista y productor de interminable currículo, Ha trabajado entre otros con Chuck Prophet, Allison Moorer, Sheryl Crow, Caitlin Cary, Swan Dive, e incluso los colombianos Aterciopelados o los catalanes Els Pets. "1972″ es un disco de aire retro que ahonda en los estilos preferidos de Rouse, Soft-Rock, Soul, Folk, sin por ello resultar desfasado. Por encima del ejercicio estilístico sobresale el talento extraordinario del artista para componer luminosas melodías que transmiten alegría y ganas de vivir. Y es que a pesar de la mezcla de estilos, "1972″ es un álbum puramente pop, lleno de melodías y estribillos inolvidables. Tras el primer corte introductorio, un homenaje a Carole King , los temas "Love Vibration" y "Sunshine (Come On Lady)" destacan por su optimismo contagioso y soleado. La canción "James" nos remite a la elegancia del soul cantado en falsete, destacan la flauta y el saxo de Jim Hoke y la guitarra de Joe Pisapia. "Slaveship" es un tema muy festivo y directo que nos conduce rápidamente hasta la mejor canción del álbum "Comeback (Light Therapy)". En este corte, Rouse es capaz de condensar todo el alma del disco en poco más de cuatro minutos y medio, la influencia de Steely Dan es evidente y los crescendos y arreglos de cuerdas se suceden con exquisita armonía. Tras el clímax, el disco entra en un paisaje más relajado e intimista, podría entenderse como una fase nocturna en la que encontramos cortes hipnóticos como "Under Your Charms" y "Flight Attendant", canción en la que Rouse dibuja con precisión la indefensión de su infancia en la América rural. También destaca la espiritual "Sparrows Over Birmingham" con su reminiscencia gospel. Por último para cerrar el álbum, "Rise", una bellísima canción, que como metáfora de la mañana, va disipando la noche que envuelve a los temas anteriores mediante un largo crescendo agridulce. Rouse parece dejar atrás toda una etapa vital, de hecho antes de publicar su siguiente trabajo, el artista pone fin a su matrimonio para instalarse en España, y comenzar una nueva vida primero en Altea y más tarde en Valencia.

El disco "Nashville", publicado en 2004 puede ser considerado como una continuación de "1972″, Josh se acompaña del mismo productor y los mismos músicos, aunque en esta ocasión se acentúan las influencias británicas. El tema que se extrae como primer single "Winter In The Hamptons" nos trasporta al Londres de los ochenta, la ciudad de The Smiths, y a la “New Wave”. También destaca la canción "My Love Has Gone" especialmente evocadora y dulcemente doliente. Nashville es agridulce, Nashville es una despedida. "Subtítulo", inspirado por su nueva vida en España, es el sexto álbum de Rouse, se edita en su propio sello discográfico, Bedroom Classics, y se graba en agosto de 2005 en los estudios de Paco Loco en Cádiz. Como en "Nashville", Brad Jones se encarga de la producción, el piano y el bajo y Mark Pisapia repite a la batería. La nueva incorporación es Paz Suay, también cantante y actual pareja de Rouse, que colabora a lo largo del álbum, y especialmente en el tema "The Man Who…". Tras este disco la pareja publicará un EP de duetos, titulado "She’s Spanish, I’m American", donde el romanticismo atmosférico se combina con un sonido algo más áspero y experimental de lo acostumbrado. En 2007 Josh Rouse publicará "Country Mouse City House", su último trabajo por el momento. >>

Como bien nos indican en One Ray "Nashville" es el disco posterior a "1972", personalmente me parece el mejor trabajo de Rouse, no sé si con buen criterio por mi parte o simplemente porque evoca esa nostalgia que se siente al recordar un disco con el que se descubre a todo un artista, una banda o, incluso a veces, un estilo musical. Para mí "Nashville" siempre será mi bautismo en la religión de Rouse, un disco sagrado con 10 mandamientos en forma de canciones, que me hicieron convertirme en su día a los sonidos melancólicos de este nómada y de su incorrupta guitarra acústica. Creo que es su disco definitivo, la cumbre en la que consigue integrar todas sus influencias (soul, soft-rock, country, new wave, pop de los 60's, de los 70's y de los 80's) y convertirlas en un estilo propio, personal. Temas como "It's The Nighttime", "Winter In The Hamptons", "Carolina" o "Sad Eyes", se encuentran entre lo mejor del repertorio de Josh Rouse y le dan a "Nashville" ese pequeño plus de calidad que le faltaban a sus anteriores discos y que lamentablemente (esto es una opinión personal) nunca más encontrará en sus posteriores trabajos. La producción es excelente, las voces cuidadísimas, los medios tiempos acústicos una gozada (sin duda son el fuerte de Josh Rouse) y las letras profundas y poéticas, ¿qué más se puede pedir? Sin duda Josh Rouse es la muestra palpable de que se puede hacer música con cierto espíritu comercial (al menos no se puede decir que la música de Rouse sea para minorías, además goza de prestigio, reconocimiento, cierta fama y buenas ventas, dentro de lo que cabe) sin renunciar para ello a la calidad, Josh Rouse y "Nashville" son el argumento perfecto para fustigar a los esnobs que viven convencidos de que sólo es bueno aquello que desconoce el gran público o aquellas propuestas que se salen de lo convencional. Josh Rouse hace rock, que es la música clásica del siglo XX, es un tipo clásico por lo tanto, no se adentra en terrenos incógnitos o experimentales, pero al mismo tiempo es un bicho raro, porque hace una música convencional de calidad, algo que lamentablemente se echa mucho de menos en el panorama actual. Sólo me queda invitaros a escucharlo y a disfrutarlo.

De regalo os dejo un enlace a la página web oficial de Josh Rouse, que incluye el blog personal del cantautor, un enlace al myspace de Josh Rouse y un último enlace a una entrevista aparecida en Mondosonoro en 2005 con motivo del lanzamiento comercial de "Nashville". Y de postre un estupendo video de un estupendo tema, "Quiet Town", la canción que abre su séptimo disco, "Subtítulo". Espero que os guste.


PÁGINA WEB OFICIAL DE JOSH ROUSE

MYSPACE DE JOSH ROUSE

ENTREVISTA EN MONDOSONORO EN 2005 CON MOTIVO DEL LANZAMIENTO DE "NASHVILLE"





JOSH ROUSE- NASHVILLE

miércoles, 20 de agosto de 2008

Mojave 3- Excuses for Travellers (2000)


He de reconocer que soy un animal televisivo. Creo que mi afición a la caja tonta es fruto de las tardes pasadas en casa de mis abuelos, cuando de niño les acompañaba en sesiones maratonianas de concursos, entrevistas, toros, fútbol, noticias y series con galanes de peinados imposibles y malas de muy buen ver. Cierto es que las vivencias de nuestra infancia calan hondo, y en la mía la tele ha estado omnipresente, gracias a ella cuando era un prepúber fui testigo del 12 a 1 de España contra Malta, me cagué de miedo con El Increíble Hombre Menguante y se me desencajó la mandíbula con Gaby, Fofó y Miliki. No sé por qué pero sigo siendo fiel a esta amante tan ingrata y a veces, ingenuo de mí, sueño con que me devuelva las caricias y los mimos de antaño. Todo esto que os estoy contando es mi manera de justificar lo siguiente: Hace unos meses estaba viendo un repugnante (por inmoral, no por aburrido) programa sobre futuras estrellas (y estrellados) de la canción. Estaba viendo los castings concretamente, repletos de aspirantes a tertulianos en programas del corazón y fenómenos televisivos de feria, cuando de música de fondo pude descifrar los acordes de uno de los temas de este disco de Mojave 3. Este extraño suceso se reprodujo en dos ocasiones más en sucesivas entregas del bodrio televisivo, por lo que me dije a mí mismo -quizás este año hagan interpretar a estos futuros cachorros de la SGAE temas serios, de artistas de verdad, tal vez esto sea un claro síntoma de cambio- nada más lejos de la realidad; la repetida exposición ante el infame programa confirmó los peores pronósticos y me brindó una nueva sobredosis de canción ligera (magnífica nomenclatura extraída del mítico programa Gente Joven), impostores ritmos latinos y efímeros hits machacones. Está claro que en esa ocasión muchos televidentes perdieron la ocasión de conocer "Excuses for Travellers", uno de mis discos lluviosos favoritos, por eso me propongo, de manera totalmente altruista, darles una nueva oportunidad.

Neil Halstead es el cerebro de Mojave 3 y uno de los mejores compositores de nuestro tiempo. Antes de formar Mojave 3, Halstead se encontraba en otra banda llamada Slowdive, fue precisamente en el espacio de tiempo comprendido entre la grabación y el lanzamiento de uno de los discos de Slowdive cuando Neil comenzó a componer nuevos temas. Esos nuevos temas tenían un aire más intimista y no encajaban del todo con la línea de Slowdive, no obstante Neil Halstead creyó firmemente en ellos desde un principio y junto con otros dos miembros de Slowdive, Rachel Goswell y Ian McCutcheon, grabó seis de esas canciones. El manager de Slowdive se encargó de llevar la cinta con las demos al capo del sello independiente 4AD, quien asombrado ante la calidad de los temas no dudo en ofrecer pasta al trío para que trabajasen creando más material nuevo. De este modo nace Mojave 3, esas seis canciones en estado embrionario se pulirían y se unirían a tres nuevas composiciones, dando forma al primer disco de la banda, "Ask me Tomorrow", que data de 1996. A los tres Slowdive se les unirían más tarde el guitarrista Simon Rowe y el teclista Alan Forrester, quedando configurada la formación de manera definitiva. Comenzaba así una carrera ejemplar que cuenta, hasta la fecha, con cinco discos; "Excuses for travellers" es el tercero de ellos y, para mí, el mejor.

El tercer disco de Mojave 3 está en la línea de sus dos trabajos anteriores, pero introduce sutiles novedades en los arreglos que le otorgan una personalidad propia. De este modo aparece el banjo en alguno de los temas, o los metales, como la maravillosa trompeta de "Got My Sunshine". Otra novedad es la voz de Rachel Goswell, que se convierte en protagonista absoluta de uno de los cortes del disco, "Bringin' me Home", donde queda patente que la componente de Mojave 3 tenía más que razones suficientes para lanzar un disco en solitario, tal y como hizo poco más tarde. "Excuses for Travellers" hace gala de unas melodías penetrantes, de unos medios tiempos que están, por derecho propio, entre lo mejor de cuanto se ha grabado en los últimos años; basta escuchar temas como "In Love with a View", "When You're Drifting" o "She Broke You So Softly" para comprobar que no estoy exagerando. La quebradiza voz de Neil Halstead se vuelve romántica en algunas ocasiones, desesperada y triste en otras, cercana y honesta siempre; Neil parece estar tocado por una varita mágica que le otorga el don de componer las canciones más hermosas del mundo, y en este disco esa varita funciona a la perfección, hasta el punto de que varios críticos han comparado las composiciones del líder de Mojave 3 con Nick Drake, Bob Dylan o Neil Young, ahí es nada.

Por mi parte sólo me queda invitaros a que escuchéis este precioso disco de Mojave 3, esperad a que salga uno de esos días grises y lluviosos para disfrutadlo al máximo y estoy convencido de que enseguida incluiréis en vuestra lista de canciones favoritas temas como "Got My Sunshine". En cuanto al célebre programa de televisión, les diré que perdieron una gran oportunidad, alguien del equipo les coló dos temas de "Excuses for Travellers" (concretamente fueron, la citada "Got My Sunshine" y "Trying To Reach You") en el montaje de sonido de esos abominables castings, fue como una llamada de auxilio, un intento desesperado de introducir unas briznas de calidad en un pajar de chabacana vulgaridad. En cuanto a mí, seguiré esperando ingenuamente a que la tele me devuelva todo el cariño que le he regalado durante años, sé que es difícil pero no pierdo la esperanza.

De regalo os dejo un curioso video donde aparece Neil Halstead interpretando "Trying To Reach You", y unos cuantos enlaces: un enlace a la página web oficial de Mojave 3, otro enlace a una entrevista con Rachel Goswell en The Belle Music, otro enlace más con una entrevista a Neil Halstead en Mondosonoro (hecha precisamente en el momento en que se produjo el lanzamiento de "Excuses for Travellers"), y un último enlace con un magnífico artículo de Javier Becerra sobre Mojave 3 aparecido en Feedback-Zine. Espero que os guste.




PÁGINA WEB OFICIAL DE MOJAVE 3

ENTREVISTA A RACHEL GOSWELL EN THE BELLE MUSIC

ENTREVISTA A NEIL HALSTEAD EN MONDOSONORO

ARTÍCULO DE JAVIER BECERRA SOBRE MOJAVE 3 EN FEEDBACK-ZINE


MOJAVE 3- EXCUSES FOR TRAVELLERS

miércoles, 13 de agosto de 2008

Etta James- At Last! (1961)


Hay que tener la cara más dura que el cemento para hacer creer a la gente que los gorgoritos que hacen algunas cantantes de éxito en la actualidad se asemejan, siquiera remotamente, al R&B, al soul, al blues o a cualquiera de los estilos más característicos de la música negra. Hay que tener muy poca cultura musical para intentar vender al personal como artistas representativas de esos estilos a Beyoncé, Duffy, Anastacia, y un largo etcétera de cantantes de las que sólo se puede salvar, y con un aprobado muy justito, a Amy Winehouse. La industria discográfica, consciente de la paupérrima calidad de algunos de sus lanzamientos, ha intentado lavar su imagen recurriendo a sonidos y a estilos que han marcado un hito y que han creado escuela en la historia de la música. De este modo se catalogan en la actualidad grupos de neo-psicodelia, artistas de soul y crooners con una frivolidad pasmosa. La diferencia entre estos supuestos revivals y su fuente de inspiración es muy simple, podremos oir una y mil veces el famoso "Rehab" de la Winehouse en la radio, nos bombardearán en la tele con sus actuaciones, los críticos que lamen la mano que les da de comer calificarán con 5 estrellas a su disco, pero en 5 años todos nos habremos olvidado de ella (eso espero); en cambio basta con escuchar a Etta James cantando "Anything To Say You're Mine" una sola vez para no olvidarla en toda nuestra vida. Es la diferencia existente entre la música que sale del corazón y la que sale de las mentes de algunos productores ávidos de dólares.

Hecha esta declaración de principios y este análisis (personal, que conste) de la impostora música soul y R&B que se nos vende hoy en día, no me queda más que presentar a la artista que hoy nos ocupa, que no es otra que la grandísima Etta James. Jamesetta Hawkins nace el 25 de enero de 1938 en Los Ángeles y desde prácticamente la cuna demuestra un sentido innato para la música, hasta el punto de que muchos expertos la tachan de niña prodigio, lo cierto es que con tan sólo 5 años esta futura leyenda del R&B y del soul (del de verdad, ojo) ya forma parte de un coro de Gospel. En 1950 Jamesetta se traslada a San Francisco donde formará parte de un grupo junto a otras dos adolescentes, dos años más tarde el pionero del R&B Johnny Otis hace una audición al grupo; Otis se convertirá en un figura clave en la vida de Jamesetta, ya que será el responsable del nuevo nombre de esta joven, él le sugirió invertir el orden de su nombre real y separarlo, de este modo Jamesetta se convirtió en Etta James. En contra de la voluntad de su madre, la renovada Etta regresa a Los Angeles para grabar un tema junto a la banda de Otis y el vocalista Richard Berry (no confundir con Chuck Berry, Richard Berry es el responsable del célebre "Louie Louie"), "Roll with me Henry" será uno de sus primeros éxitos, aunque la moral de la época forzó a cambiar el título de la canción por sus supuestas connotaciones sexuales, de este modo la canción se escucharía a través de las ondas hertzianas de todo el país con el título de "The Wallflower"; corría el año 1955.

El trío vocal The Peaches (nombre que aludía a uno de los apodos de Etta), del que formaba parte Etta James, no tardaría en disolverse, aunque ella seguiría en Los Angeles colaborando como solista en algún tema para Modern Records. Será con la llegada de la nueva década cuando comiencen a escribirse las páginas más brillantes en la carrera musical de Etta James, cuando en 1960 se desplace a Chicago para firmar con Argo, subsidiaria de la célebre Chess Records. Etta James se destapa como la gran intérprete que es, perfecciona un estilo personal que había comenzado a moldear desde muy joven y se convierte en una cantante única, capaz del desgarro, del grito, poseedora de una naturalidad pasmosa y tremendamente transgresora para una sociedad como era la de los USA en los 60's. En ocasiones el histrionismo de sus actuaciones en directo era considerado obsceno por las mentalidades más conservadoras de la época, lo cual le acarreó algún que otro problema con las autoridades, que siempre estaban atentas a sus shows. Leonard Chess, "capo" de Chess Records, vio en Etta James a la perfecta intérprete de baladas, que edulcorada con un poquito del pop americano de la época podría dar un gran resultado de ventas, por ello inundó sus primeras grabaciones de violines, buscando ese toque dulce y pícaro al mismo tiempo. Pero la voz de Etta no se podía edulcorar con secciones de cuerda, mostraba un timbre áspero y desgarrado, y su forma dramática de interpretar le acercaba más a su idolatrada Billie Holiday que a las clásicas cantantes de los 60's cuyos temas sonaban en imberbes bailes de graduación. Precisamente de esta primera época en Chess es "At Last!", para muchos su mejor trabajo.

"At Last!" no es sólo un disco de R&B, es un trabajo muy variado en el que Etta James se mueve como pez en el agua por terrenos tan diversos como los standards de jazz, ejemplo de ello son "Stormy Weather" y "A Sunday Kind of Love", o clásicos del blues como el archiconocido "I Just Wanna Make Love To You" de Willie Dixon (¿os imagináis en la España de los 60's a una mujer cantando "Yo sólo quiero hacerte el amor"?). En todos los temas del disco nos encontramos con una intérprete en estado de gracia con una cantante diferente, que pasa cómodamente de registros frágiles y sutiles a otros en los que se exige energía y pasión, una artista completa que consigue dar vida a una de las mejores sesiones de Soul y R&B de la historia de la música. Etta James seguiría vinculada a Chess Records y grabaría éxitos de la talla de "Tell Mama" o la escalofriante "I'd Rather Go Blind", ya hacia el final de su carrera en este sello, en 1975, intentó aproximar su estilo a los sonidos cercanos al rock, que poco a poco condenaban irremisiblemente al olvido a toda una generación de artistas que habían situado la música negra en las cotas más altas de popularidad y de calidad de toda su historia. Llegarían años complicados en lo profesional y en lo personal para Etta James hasta que regresase con un nuevo trabajo en 1988, desde entonces ha grabado varios discos con desiguales resultados, muy alejada de aquella mujer que causó un tremendo impacto en la mojigata América de los años 60's con su voz desgarrada y su provocativa actitud.

La complicada vida de Etta James la cuenta ella misma en el libro "Rage To Survive", en el que describe con todo lujo de detalles sus adicciones, sus problemas personales y sus éxitos. En el año 2001 entró en el Blues Hall of Fame y en 2003 recibió un Premio Grammy en reconocimiento a toda una carrera. Lo último que he oído es que se va a hacer una película (no sé si ya se ha estrenado, la verdad es que el cine actual americano me interesa más bien poco, salvo honrosas excepciones) titulada "Cadillac Records", que narra la historia de Chess Records y en la que Etta James estará interpretada por... sí, acertasteis, Beyoncé Knowles, en fin, más de lo mismo. De regalo os dejo un vídeo que no tiene desperdicio, Etta James interpretando en directo "Something's Got A Hold On Me" en un programa de la tele estadounidense en 1966, no os lo perdáis. Espero que os guste.




ETTA JAMES- AT LAST!

lunes, 11 de agosto de 2008

Una recomendación: Alberto Montero


Hace unas semanas un buen amigo me habló de este músico y de su flamante debut discográfico, conozco bien el exquisito paladar de mi amigo así que ante los constantes halagos que dedicaba a esta rodaja de vinilo no me quedó más remedio que seguir su consejo e indagar acerca de ese muchacho que tanto había conseguido sorprenderle. He de admitir que la música de Alberto Montero me enganchó desde el primer instante, su combinación de folk, rock, psicodelia y demás ritmos lluviosos, junto a su personal voz me obligaron a darle la razón a mi amigo: estamos ante uno de los mejores discos de la presente cosecha, y además grabado en España. Esta vez no os traigo un archivo para descargar sino un consejo, no os perdáis este disco y no perdáis de vista a este valenciano, os va a dejar boquiabiertos.

Esta es la breve nota que le dedica Guerssen al primer disco de Alberto Montero: " Menuda sorpresa, aquí tenemos simplemente uno de los mejores discos de folk- rock psicodélico jamás grabados en España.
Alberto Montero, un multi- instrumentista, realizó esta grabación prácticamente él solo con la única ayuda de unas pocas colaboraciones. Cantado en inglés, brillante y emotiva voz, guitarras acústicas y eléctricas junto a ocasional batería, sección de cuerda, vibráfono...Realmente sorprendente y sin duda un futuro coleccionable, pues solo se editan 500 copias en vinilo con bonita portada abierta. " Os dejo un enlace al myspace de Alberto Montero para que podáis escuchar alguno de los temas de su disco, no os perdáis "The Horizon", es enorme. Ojalá tengamos pronto la oportunidad de verlo en directo. Espero que os guste, seguiremos con más recomendaciones.

MYSPACE DE ALBERTO MONTERO

domingo, 10 de agosto de 2008

Reparaciones


Como ya sabréis muchos de vosotros Shareonall ha cerrado definitivamente, esta circunstancia ha hecho que todos los archivos que estaban alojados en esa página hayan desaparecido para siempre y ahora descansen en paz en el cielo de los blogs. Así que para que podáis disfrutar de nuevo de los difuntos archivos me he visto obligado a resucitarlos, otorgándoles otra oportunidad y una nueva vida con identidad falsa en otros países donde espero que tengan una larga existencia. Ha sido un fin de semana muy duro, espero que haya merecido la pena, todos los enlaces están de nuevo disponibles. Amén.

viernes, 8 de agosto de 2008

Nick Drake- Way To Blue: An Introduction To Nick Drake (1994)



No suelen gustarme los discos recopilatorios, ya que es difícil decidir cuáles son las mejores canciones de un músico o de una banda ¿qué criterios se siguen a la hora de elegir los temas, nos guiamos por la calidad o por el éxito comercial? No hay nada más subjetivo que el placer; lo que a mí me puede parecer hermoso hasta la extenuación a otros les puede parecer ñoño, aburrido, tópico o simplemente malo. Por todo ello siempre he despreciado los "greatests hits" y procuro no hacerme con ese tipo de discos, de los que huyo como si me produjesen urticaria. No obstante los recopilatorios también desempeñan su papel en el mundo de la música, no los marginemos, también tienen su corazoncito, y aunque mi postura pueda parecer dura he de admitir que desempeñan una función clave a la hora de difundir la obra de algunos músicos e incluso a veces practican una suerte de arqueología musical, salvando del olvido curiosas composiciones que se veían amenazadas por el polvo de los años pasados. En el caso de "Way To Blue: An Introduction To Nick Drake" nos encontramos ante el primero de estos supuestos, es decir, un disco que ayuda a difundir la obra de un artista como la copa de un pino y que, incomprensiblemente, aún sigue siendo un verdadero desconocido para muchísima gente. Creo por lo tanto que este disco merece una oportunidad y espero que sirva para que todos aquellos que nunca os habéis acercado a la triste poesía de Nick Drake tengáis la oportunidad de conocerla y disfrutarla. Es, como el propio título del disco indica, una introducción a la compleja figura y a la música de Nick Drake, los que conozcan sus discos no necesitarán este recopilatorio, pero quienes aún no hayan gozado de ese placer podrán reconciliarse con el mundo gracias a esta sucesión de combinaciones binarias. Ojalá os sirva de aperitivo y os pique el gusanillo para que así sigáis buceando en su corta pero apasionante discografía, esa es mi intención al postear este disco.

Esbozar una reseña acerca de la atormentada vida y de la obra de Nick Drake es algo tremendamente osado, uno no sabe muy bien por donde empezar y siente que escriba lo que escriba va a ser incapaz de radiografiar una personalidad tan compleja. ¿Quién era esa persona que se negaba a promocionar sus discos, que apenas daba conciertos y que tan sólo concedió una breve entrevista a lo largo de su carrera (la encontraréis en el enlace a la página web The Nick Drake Files)? Sin duda era una persona tan compleja como apasionante, capaz de crear alguno de los pasajes más hermosos de la música de los últimos 30 años, capaz de acabar con su vida con tan sólo 26 años. No voy a resumir la vida y la obra de Nick Drake, para ello os dejo una serie de enlaces donde encontraréis unas completísimas reseñas biográficas que os ayudarán a entender la figura de este genio, pero como mejor podréis entender su críptica personalidad es a través de su música, ésa que se recoge en "Way To Blue...". Este disco presenta una selección cuidadosamente escogida por el que fuera productor de Nick Drake, Joe Boyd, tomando temas de sus tres discos de estudio: "Five Leaves Left" (1969), "Bryter Layter" (1970) y "Pink Moon" (1972), así como del recopilatorio "Time of No Reply" (1985).

Hoy en día Nick Drake es un músico muy admirado y son muchos los artistas que reconocen la influencia de este muchacho triste y solitario en sus composiciones, se ha convertido en uno de esos lamentables casos de jóvenes con talento que tras una vida azarosa conocen el éxito una vez han desaparecido. En vida grabó tres discos y ninguno de ellos consiguó venderse bien, fue sobre todo el fracaso de su segundo LP el que le sumió en una crisis nerviosa de la que jamás conseguiría salir, la cual le llevó a la psicosis y posteriormente al suicidio (hay quien niega la teoría del suicidio y ve en su triste desaparición un accidente). En los 80's comenzó a reivindicarse la figura de Nick Drake y ya entrados en los 90's y gracias a la tecnología digital su legado consiguió difundirse y popularizarse. Nick Drake pasaría a convertirse en una figura de culto y pronto aparecerían las primeras biografías y los primeros documentales sobre su vida (abajo encontraréis un enlace a la página web de la película "A Skin Too Few. The Days of Nick Drake"), su música se utilizaba incluso para vender coches; la publicidad conseguiría en el año 2000, gracias a un anuncio de Volkswagen, que se vendieran más discos de Nick Drake en un mes que en los últimos treinta años. Os animo a que os sumerjáis en la apasionante biografía de Nick Drake, encontraréis una completa muestra de ella en la página web La Luna Rosa, pero sobre todo os animo a que os acerquéis a su música y que disfrutéis de su frágil voz, de su peculiar forma de tocar la guitarra, de los arreglos de sus temas y de la hermosa tristeza que emana de sus canciones. Espero que os guste.


PÁGINA WEB OFICIAL
THE NICK DRAKE FILES
LA LUNA ROSA. WEB DEDICADA A NICK DRAKE
A SKIN TOO FEW. THE DAYS OF NICK DRAKE



NICK DRAKE- WAY TO BLUE...