sábado, 27 de diciembre de 2008

Jesse Sykes & The Sweet Hereafter- Oh, My Girl (2004)


Da gusto ejercer de anfitrión cuando se recibe a un viejo conocido, una de esas amistades que, de antemano, sabes que te van a hacer pasar un buen rato. Eso es lo que me ocurre con Jesse Sykes, que visita por segunda vez Rainy Day Music. En su anterior aparición, Jesse dejó muy buen sabor de boca entre los asiduos a este lluvioso blog, así que estoy seguro de que en esta ocasión va a ser recibida por todos vosotros con los brazos abiertos; de hecho me consta que hay quien esperaba ansiosamente la reaparición de esta señorita de infinita e impoluta cabellera y de personal voz. A mí me encanta reencontrarme con gente tan especial como Jesse Sykes en mi blog, pero por otro lado me complica, en cierta manera, la redacción de entradas, ya que lo he dicho prácticamente todo sobre ella. Así que ahora me enfrento a una complicada situación: hablaros de Jesse y de su música sin resultar reiterativo, ni caer en los clichés o comparaciones que ya he utilizado con anterioridad. Como considero que la artista en cuestión no necesita presentación (al menos en esta bitácora) pasaré directamente a hablaros de éste, su segundo disco, "Oh, My Girl".

En líneas generales, Jesse Sykes continúa el camino que había trazado en su primer trabajo, ¿para qué cambiar algo tan personal, algo que funciona y que es capaz de transmitir tantas emociones? Los ritmos lentos y los ambientes desérticos y fronterizos siguen teniendo un protagonismo absoluto en "Oh, My Girl", un disco que nos obliga a destacar, de nuevo, el trabajo de las guitarras, como ya lo hiciéramos con "Reckless Burning". En muchas ocasiones se cumple con Jesse Sykes y su "Dulce Porvernir" la máxima de "menos es más", las composiciones de este disco son engañosamente sencillas, bases rítmicas muy elementales que se enriquecen con un trabajo instrumental mayúsculo en el que descubrimos un sinfín de matices a cada escucha, a la vez que nos rendimos ante un guitarrista sobresaliente como es Phil Wandscher. La voz de Jesse sigue sonando tan ambigua y agridulce como en su primer trabajo y, aunque en algunos temas dibuje paisajes más luminosos que los de su primer disco, sigue siendo en los temas más oscuros y desesperanzadores, en los que mejor se mueve. Todo ello da forma a una cantante única, que apoyada en una banda maravillosa, se ha convertido en una referencia obligada (y difícilmente catalogable) en el panorama musical actual. La producción de este disco corre a cargo de Tucker Martine, un multiinstrumentista sobrado de talento y que ha trabajado con gente como Mudhoney, Sufjan Stevens, Laura Veirs o The Decemberists, entre otros, y que sabe sacar el mejor partido posible a las infinitas virtudes musicales e interpretativas de esta banda. "Oh, My Girl" es, en resumidas cuentas, un segundo disco fantástico, un trabajo que mantiene perfectamente el tono de "Reckless Burning", que aprovecha todas y cada una de las virtudes de su antecesor y que satisfizo, con creces, a quienes esperaban la secuela del sorprendente debut de Jesse Sykes & The Sweet Hereafter . Entre los momentos álgidos del disco se encuentran las magníficas guitarras de "Your Eyes" (para mí, el mejor tema del disco), el violín de "You are not Gotten Here", la voz de Jesse en temas como "Tell The Boys", la exquisita orquestación de "Birds Over Water", y la personalidad de canciones como la que da título al disco, un tema que inconfundiblemente relacionamos con Jesse Sykes, aún sin saber que es suyo; eso sólo pasa con los grandes.

A "Oh, My Girl" le seguirá, tres años más tarde, otro trabajo sobresaliente titulado "Like, Love, Lust & The Open Halls Of The Soul", que completará la que es, hasta el momento, una soberbia trilogía acerca del sufrimiento y la soledad que debería enseñarse en las escuelas de todo el mundo. Pero ésa es otra historia que seguramente no tardará en asomarse por este blog, siempre y cuando vosotros lo deseéis, claro está. En cuanto a los extras de esta entrada, en esta ocasión lo tengo difícil, ya que en la anterior entrega de Jesse Sykes enlacé todo aquello que me pareció interesante tras una intensa búsqueda. No obstante os dejo el myspace de la banda, que en la anterior entrada no aparecía y repito link, eso sí, con la página web oficial de estos cowboys melancólicos. Pero el enlace más interesante es el tercero, que os conducirá a una página llamada Le Cargo!, una página francesa que, entre otras cosas, ha grabado a un buen numero de músicos realizando actuaciones en directo. En el caso de Jesse Sykes, fue ella misma quien estando en París pidió tocar en directo en un sitio lúgubre, aunque muy conocido y querido de la capital francesa, el cementerio Père-Lachaise. He colgado uno de los vídeos del original y tétrico acústico de Jesse Sykes en el célebre camposanto parisino, pero si hacéis click sobre el enlace de Le Cargo!, podréis ver dos actuaciones más. Hacedle un hueco a esta vieja conocida y dejaos estremecer por su magnífico segundo trabajo. Espero que os guste.


MYSPACE DE JESSE SYKES & THE SWEET HEREAFTER

PÁGINA WEB OFICIAL DE JESSE SYKES & THE SWEET HEREAFTER

ESPECIAL EN LE CARGO! SOBRE JESSE SYKES & THE SWEET HEREAFTER




JESSE SYKES & THE SWEET HEREAFTER- OH, MY GIRL

sábado, 20 de diciembre de 2008

Fleet Foxes- Fleet Foxes (2008)



Cada invierno, cuando el año toca a su fin, los expertos musicales del planeta Tierra se reúnen para decidir cuáles son los mejores discos de la temporada. En su lista aparecen todos: los más marchosos, aquellos que abanderan la modernidad, los mejores del extranjero, los mejores del país, los más guapos, los más arriesgados (ay perdón, éstos no están...), los que más venden; si no estás en esa lista es que no existes. No hay crítico o especialista que pueda resistirse a esta práctica, lo que provoca que las listas de favoritos se multipliquen cuando cae el telón de la temporada musical. Esas listas, generalmente, no arriesgan, bendicen a las viejas glorias y la mayoría de las veces suelen encumbrar a bandas debutantes de apabullante "efecto gaseosa", cuya repentina subida y sobrevaloración se traduce en decepciones postreras de futuros discos más que prescindibles, legiones de lo que los entendidos califican como "one hit wonders" que pasan a engrosar instantáneamente el baúl de los recuerdos. Por todo ello extraña, y mucho, que una banda sea capaz de poner de acuerdo a casi todos los críticos y expertos, hasta el punto de que su disco aparezca, de manera casi unánime, en los primeros lugares de gran parte de las listas de lo mejor del año. Este 2008 ha tenido lugar este insual suceso, y la banda responsable del mismo no es otra que Fleet Foxes.

Fleet Foxes son unos tipos de Seattle con una pinta de hippies que, por anacrónica, resulta cómica, un grupo de barbudos y desaliñados melenudos con cara de buenas personas que han sido capaces de sorprender a crítica y público con su disco de debut. El secreto del éxito de esta banda lo resumen muy bien la página web jenesaispop, donde se alude a la belleza de las composiciones y, sobre todo, de las voces como la clave del éxito de este magnífico disco. La historia de Fleet Foxes comienza cuando Robin Pecknold y Skyler Skjelset coinciden en el instituto, pronto desarrollan una íntima amistad sólidamente cimentada en la pasión de ambos por la música, lo que les llevará a componer sus primeras canciones juntos inspirándose en los que eran sus héroes, Bob Dylan y Neil Young. El adolescente Pecknold demostraba ya por entonces una ambición poco frecuente en los chicos de su edad, y decidió tomarse muy en serio su carrera musical, inspirándose en la trayectoria de otro de sus grandes ídolos, Brian Wilson; él funcionaría como compositor y cantante, mientras que Skjelset ejercería de guitarra principal. Tras una primera etapa en la que adoptaron el nombre de Pineapple, se decidieron finalmente por Fleet Foxes, un extraño nombre cuya sonoridad atraía a Pecknold, a quien le sugería algo tan victoriano como la caza del zorro. El talento de Pecknold como compositor sorprendió a uno de los productores más influyentes de la escena de Seattle, Phil Ek, quien les ayudaría en su primera grabación, el EP "Fleet Foxes", realizado en 2006. La banda quedaba configurada de forma definitiva con Pecknold y Skjelset a las guitarras, acompañados del bajista Bryn Lumsden, Nicholas Peterson como encargado de la percusión, y Casey Wescott que se ocuparía de los teclados. El éxito de esta grabación, a nivel local, fue casi inmediato, y pronto la prensa de Seattle glosó las excelencias de la banda, haciendo hincapié en la madurez de las composiciones y de las letras.

Cada vez es más frecuente encontrarnos con bandas que deben gran parte de su éxito a internet, plataformas como Myspace han contribuído a una silenciosa revolución que ha cambiado nuestra forma de acercarnos a la música, y que ha alterado por completo los canales de promoción habituales para las bandas. Fleet Foxes, por su juventud, son uno de los paradigmas de ese cambio propiciado por las nuevas tecnologías, y sin duda alguna su página en myspace ha sido definitiva en el lanzamiento de su carrera. Los números hablan por sí solos; una de las canciones alojadas en myspace por la banda fue reproducida 250.000 veces, un dato que no tardaría en llamar la atención de los cazatalentos de las discográficas. De este modo, tras un período de reclusión en el que estuvieron preparando material para un frustrado disco de debut, Fleet Foxes ficha en enero de 2008 por la potente compañía independiente Sub Pop, quienes editarán su segundo EP "Sun Giant". La calidad de "Sun Giant" les confirmará como una de las más firmes promesas del rock estadounidense, y no sólo eso, sino que además atraerá por primera vez la atención de la crítica europea, que no tardará en rendirse a los pies de la banda. La apuesta de Fleet Foxes por el folk y el rock preciosista, su lacónica psicodelia y la belleza de sus voces, sorprenden en un panorama condenado a la vulgaridad musical y a los remedos facilones de otras épocas. A pesar de la efusividad con que la crítica recibió este segundo EP, la banda asegura que no colma todas sus ambiciones, algo que no hace sino acrecentar la expectación ante su disco de debut. Durante estas fechas la banda incorporaría además a un nuevo miembro, se trata de J. Tillman, un conocido músico de la escena de Seattle, que se encargaría de las baquetas en Fleet Foxes.

En junio de 2008 salía a la calle "Fleet Foxes", la puesta de largo de la banda, un disco que estaba obligado a confirmar la calidad demostrada en sus dos primeros EP's. El resultado, un disco atemporal plagado de folk y de rock clásico, que se deja querer al mismo tiempo por el pop barroco y por la psicodelia, un trabajo con evidentes influencias, pero que no cae en el error de copiar aquellas fuentes de las que bebe. Todo cuanto la banda hacía presagiar en el EP "Sun Giant" toma forma en este disco, en el que encontramos unas voces simplemente exquisitas, arropadas en inolvidables melodías que huyen del gancho fácil, pero que tienen la suficiente entidad como para grabarse en nuestra mente para siempre. Escuchar temas como "White Winter Hymnal" y no emocionarse es misión imposible, es una verdadera delicia dejarse llevar por la cálida voz de Robin Pecknold y la aparente simplicidad de esta canción. "Fleet Foxes" ha superado con creces el examen de la crítica, que aguardaba, entre emocionada y escéptica, el debut en larga duración de la banda; las comparaciones con luminarias como Beach Boys, Zombies o CSNY, no se han hecho esperar. Yo no sé si éste será el mejor disco del año, la verdad es que me importa más bien poco, pero sí tengo muy claro que escucharlo es un auténtico lujo, se trata de un trabajo sobresaliente de una joven banda que demuestra tener mimbres más que suficientes para hacer cosas muy importantes en un futuro no muy lejano. El disco está producido por Phil Ek, y se nota; en ocasiones las atmósferas que este productor ha sido capaz de crear en trabajos como los que ha hecho para The Shins (escuchad el maravilloso "Chutes Too Narrow") se manifiestan, impregnando las canciones de una extraña magia que las hace irresistibles. "Fleet Foxes" ha sido editado por Bella Union y Sub Pop, mención aparte merece la edición especial del disco que incluye el EP "Sun Giant" en un CD adicional.

La entrada de hoy viene cargadita de enlaces, en primer lugar encontraréis un link que os conducirá al myspace de Fleet Foxes, el segundo de estos links es un atajo para llegar al apartado que la web de Sub Pop dedica a la banda, el tercer enlace os llevará a la magnífica reseña que del homónimo debut de la banda se hace en la página web jenesaispop, también me parece interesante la entrevista que recoge la edición digital de Mondo Sonoro, y además está muy bien (aunque en lengua bárbara) la crítica que se hace en Pitchfork del primer disco de Fleet Foxes. No sólo eso, sino que como además me ha costado decidirme por un sólo vídeo, también hay un enlace que os conducirá a una página maravillosa, que es la blogotheque, y que hace unos vídeos en directo realmente originales, no os lo perdáis. Por supuesto todo ello está aderezado por el fantástico vídeoclip del temazo "White Winter Hymnal". En fin, ojalá no os abrume con tanta información, pero creedme, si lo hago es porque creo que merece la pena. Espero que os guste.


MYSPACE DE FLEET FOXES

FLEET FOXES EN LA WEB DE SUB POP

RESEÑA DE "FLEET FOXES" EN JENESAISPOP

ENTREVISTA A FLEET FOXES EN MONDO SONORO

CRÍTICA DE "FLEET FOXES" EN PITCHFORK (EN INGLÉS)

VÍDEOS DE FLEET FOXES EN LA BLOGOTHEQUE


FLEET FOXES- FLEET FOXES

lunes, 15 de diciembre de 2008

Ora Cogan- Tatter (2007)


Hay voces que consiguen accionar alguna especie de interruptor que permanece escondido en lo más profundo de nuestras almas, cuerdas vocales perfectamente sincronizadas que ejecutan melodías capaces de emocionarnos, relajarnos, o simplemente hacernos reflexionar. El instrumento más antiguo de cuantos existen es tal vez el que más sensaciones puede sugerir, pero para ello debe ser tratado con un mimo especial. Dentro del vulgarizado y homogeneizado panorama que nos brinda en la actualidad la música comercial, las voces son uno de los elementos peor tratados y menos cuidados en las producciones discográficas. Generalmente se confunde potencia con técnica y hay quienes piensan que cuanto más chilla el artista en cuestión, mejor canta; para comprobarlo basta con sintonizar cualquier emisora que programe los impostores ritmos latinos o el adulterado R&B que tanto se llevan hoy en día. En este contexto es cada vez más complicado encontrar una de esas voces con personalidad capaz de instalarse para siempre en nuestras vidas, una voz que demuestra una sinceridad sorprendentemente cercana, a veces incluso familiar. Afortunadamente no todo está perdido, y más allá de las hostiles radiofórmulas existe otro mundo en el que voces como la de Ora Cogan campan a sus anchas, esperando a que pasemos cerca de ellas para agarrarnos de la mano y no soltarnos jamás.

Ora Cogan nació y creció en una pequeña isla de la Costa Oeste de Canadá, desde pequeña vivió rodeada de un ambiente artístico privilegiado debido, en gran parte, a las ocupaciones liberales de sus progenitores, cantante y fotógrafo. El ambiente bohemio e intelectual que se respiraba en el hogar de los Cogan, hizo que la pequeña Ora empezase a componer sus primeras canciones con tan sólo 12 años, era el despertar de una prometedora carrera, la de una de las mejores voces del folk actual. El debut discográfico de Ora Cogan tendría lugar en el año 2004, cuando vería la luz el disco "Sparrow", un trabajo compuesto por 7 canciones que nadaban entre el jazz y el folk. En "Sparrow" podemos entrever el tesoro que Ora Cogan guarda en su garganta, pero será en su segundo disco, "Tatter", publicado en 2007, cuando esta magnífica vocalista se despoje de todos los adornos instrumentales que le habían acompañado en su primer viaje, dejando vía libre a una voz personal que exige únicamente la compañía de una guitarra acústica. El segundo disco de Ora Cogan se deshace de la batería, no hay percusión en "Tatter", y es que realmente hay muy pocos instrumentos en la grabación de este album; en la mayoría de los cortes sólo aparece la guitarra de Ora, y en ocasiones un discreto banjo que le da la réplica. Me gusta mucho la producción de "Tatter", me suena muy próxima, sin adulterar, a veces tengo la impresión de estar viendo delante de mí a Ora cantando y tocando su guitarra. Hace poco leí esto en jenesaipop acerca del debut discográfico de Fleet Foxes (atentos a esta banda, que muy pronto se dejará caer por Rainy Day Music): " [...]Y es que parece una bobada, pero estamos tan acostumbrados a voces masculinas vulgares y anodinas que no nos damos cuenta hasta que escuchamos cantar así de bien."; pues bien, creo que algo parecido podríamos decir de este disco de Ora Cogan, son tan vulgares y anodinas las voces de las cantantes con las que se nos asedia hoy en día a través de la televisión o la radio, que de repente nos encontramos con una voz tan frágil y sugerente como la de esta mujer y nos quedamos petrificados, paralizados como un ciervo ante los faros de un coche. Sin duda el gran secreto de este disco reside en el tratamiento que se le da a las voces, verdaderas protagonistas del album, en esta tarea la cantante canadiense ha sabido acompañarse además de dos buenas amigas, Trish Klein y Frazey Ford, componentes de The Be Good Tanyas, quienes ponen su granito de arena en "Tatter" haciendo voces en temas capaces de emocionarnos como la enorme "Take Me Home". Con todo ello "Tatter" es un disco que suena atemporal y que muestra huellas muy diferentes, aunque todas nos conducen a lo que hoy se denomima "música de raíces", un sonido que partiendo del blues, la canción tradicional americana y el country ha reivindicado una forma de entender la música que se creía olvidada, actualizando estilos que habán sido injustamente denostados. Ora Cogan puede inscribirse dentro de ese "movimiento", si así queremos llamarlo, de todas formas, lejos de buscarle etiquetas, lo que sí está muy claro es que esta canadiense tiene una de las voces más delicadas y melancólicas de la actualidad, ojalá no tarde en ser reconocida como se merece.

Tras "Tatter", Ora Cogan editó recientemente su tercer y último disco hasta la fecha, "Harbouring" (2008), también a las órdenes de John Raham, con quien había trabajado en su segundo album y junto a quien parece haber encontrado el sonido que le hace sentir verdaderamente cómoda. Hace un par de meses tuve la suerte de ver en directo a Ora Cogan, y sin duda es una experiencia que os recomiendo encarecidamente, desde aquí me gustaría dar las gracias a los responsables de un diminuto local zaragozano llamado La Lata de Bombillas, y que son los "culpables" de que podamos disfrutar en esta ciudad de conciertos como el de esta cantante canadiense, que además fue gratuíto; no hay dinero para pagar lo que gente como vosotros hace por la música, es un verdadero milagro que existáis. Os dejo ya con el disco de Ora Cogan para que lo escuchéis detenidamente y dejéis un millón de comentarios con vuestra opinión al respecto, pero antes podéis echar un vistazo a los enlaces que acompañan a esta entrada, el primero de ellos os transportará a la página web oficial de la cantante y el segundo a su myspace; sé que no es muy original, pero no os penséis que hay mucha información sobre Ora Cogan en la red... En cuanto al video, me ha costado decidirme porque los que he encontrado creo que no tienen la suficiente calidad, al final me he decantado por uno en el que veréis a Ora en directo en el Casino Antiguo de Castellón, dentro del "Cicle de músiques independents de Castelló", con motivo de su reciente tour por España. La calidad de imagen y sonido no es la mejor, y por si esto fuera poco, al principio se cuela el murmullo de unos "habladores", subespecie humana que abunda en los conciertos (sobre todo si son acústicos o especialmente íntimos) y que se dedica a molestar a los músicos y a los parroquianos que desean disfrutar del concierto. Aún así merece la pena que os dejéis seducir por la voz de Ora Cogan. Espero que os guste.

PÁGINA WEB OFICIAL DE ORA COGAN

MYSPACE DE ORA COGAN




ORA COGAN- TATTER

miércoles, 3 de diciembre de 2008

Desagradable incidente


Hoy me he levantado y, como cada mañana, he ojeado el blog tras desayunar. Todos los días compruebo los comentarios, el volumen de visitas y las procedencias, es mi particular forma de desperezarme y quitarme las legañas. Pero hoy me aguardaba una desagradable sorpresa, uno de mis posts había sido eliminado, concretamente el de James Hunter. Primero me ha invadido una sensación de temor y desconfianza, uno ha oído ya tantas historias de cibermaníacos que lo primero que se me ha venido a la cabeza ha sido que me habían robado la dirección de correo y que me estaban boicoteando el blog. Pero no iban por ahí los tiros, al abrir el correo electrónico me he encontrado con esto (corto y pego):

"Blogger has been notified, according to the terms of the Digital Millennium Copyright Act (DMCA), that certain content in your blog infringes upon the copyrights of others. The URL(s) of the allegedly infringing post(s) may be found at the end of this message.

The notice that we received from the International Federation of the Phonographic Industry (IFPI) and the record companies it represents, with any personally identifying information removed, will be posted online by a service called Chilling Effects at http://www.chillingeffects.org. We do this in accordance with the Digital Millennium Copyright Act (DMCA). Please note that it may take Chilling Effects up to several weeks to post the notice online at the link provided.

The IFPI is a trade association that represents over 1,400 major and independent record companies in the US and internationally who create, manufacture and distribute sound recordings (the "IFPI Represented Companies").

The DMCA is a United States copyright law that provides guidelines for online service provider liability in case of copyright infringement. We are in the process of removing from our servers the links that allegedly infringe upon the copyrights of others. If we did not do so, we would be subject to a claim of copyright infringement, regardless of its merits. See
http://www.educause.edu/Browse/645?PARENT_ID=254 for more information about the DMCA, and see http://www.google.com/dmca.html for the process that Blogger requires in order to make a DMCA complaint.

Blogger can reinstate these posts upon receipt of a counter notification pursuant to sections 512(g)(2) and 3) of the DMCA. For more information about the requirements of a counter notification and a link to a sample counter notification, see
http://www.google.com/dmca.html#counter.

Please note that repeated violations to our Terms of Service may result in further remedial action taken against your Blogger account. If you have legal questions about this notification, you should retain your own legal counsel. If you have any other questions about this notification, please let us know.

Sincerely,

The Blogger Team

Affected URLs:

http://rainymusic.blogspot.com/2008/11/james-hunter-hard-way-2008.html "

Vaya, así que es éso, uno de mis posts ha vulnerado la legislación referente al copyright y el equipo de blogger me lo ha borrado. La verdad es que me da mucha rabia, sobre todo porque nunca me han gustado este tipo de políticas de hechos consumados, en plan "primero disparamos y luego preguntamos". Si alguno de mis posts infringe la ley u ofende a alguien, basta con decírmelo y yo enmendaré la situación como buenamente pueda o entienda que debo hacerlo, pero lo que me parece inadmisible es la retirada sin explicación alguna de los contenidos, y sobre todo me refiero al texto, ya que éste es de mi cosecha. Al retirar sin previo aviso mi texto entiendo que también se están vulnerando mis derechos, entre ellos uno muy importante, el de expresión. Ante semejante panorama, he decidido mostrar mi descontento contestando a quien me había remitido el anterior e-mail. Esto es lo que he escrito:

"Estimados señores,

Disculpen que les escriba en español, pero mi nivel de inglés no es suficiente para expresar cuanto quiero argumentar. Estoy bastante sorprendido y disgustado por lo ocurrido, en primer lugar, se me acusa de haber infringido el copyright de un autor, algo que asumo y puedo llegar a reconocer (aunque para ustedes el copyright no tenga el mismo sentido que tiene para mí), y en segundo lugar ustedes como represalia boicotean mi blog y eliminan la entrada, es en ese punto donde me muestro en total desacuerdo. Si algún contenido de mi blog es ofensivo o vulnera de algún modo la legalidad establecida, ustedes tienen el deber de hacérmelo saber, pero de ningún modo pueden eliminarlo, porque en ese caso son ustedes quienes vulneran mi libertad de expresión y mi creatividad, haciendo uso de una más que despreciable censura. Les agradecería que, me devolviesen el contenido del post, ya que era completamente original, nacido de mi imaginación, de mi puño y letra, lo cual no les concede ningún derecho sobre él. Estoy dispuesto a eliminar aquellos enlaces que puedan vulnerar la legalidad, pero de ningún modo estoy dispuesto a que hagan lo que quieran con mis escritos, ya que éstos me pertenecen a mí y sólo a mí.

Me gustaría que constase mi queja ante esta situación, comprendo que tienen que controlar de algún modo el contenido de sus blogs, pero en absoluto tienen derecho a eliminar de un plumazo todo aquello que no les guste. Humildemente considero que el texto del post que nos ocupa, lejos de perjudicar a James Hunter, contribuía a difundir su música y su persona, analizando de una manera crítica y constructiva su producción musical ¿Hay algo de malo en todo eso? ¿Es un delito en su país escribir una reseña o una crítica sobre cualquier tipo de producción artística? Por todo ello les pido que repongan el post que ustedes eliminaron (no me refiero al enlace mediante el cual se descargaba el polémico disco, sino al texto), basta ya de tratarnos como a vulgares delincuentes; sinceramente dudo que este tipo de asociaciones, que supuestamente defienden los derechos de los músicos, amen la música más de lo que la amamos nosotros, la prueba es que en nuestros blogs sólo se habla de música, y en sus escritos y comunicados sólo se habla de dinero.

Sin más, me despido, lamentando este desagradable malentendido y esperando que se solucione cuanto antes. Reciban un cordial saludo."

Hasta el momento nadie se ha dignado a contestarme, es evidente que nuestra opinión importa más bien poco. He estado gran parte del día reflexionando sobre este tema, he pensado en privatizar el blog, en abrir otro blog donde colgar los enlaces, en abandonar esta historia y simplemente dedicarme a recomendar discos, no sé, se me han ocurrido muchas cosas... Yo no soy un delincuente ni quiero causar molestias o daños a nadie, cuando emprendí este blog simplemente me propuse crear una banda sonora para los días de lluvia, ni más ni menos. También he estado valorando la conveniencia de publicar esta entrada, pero al final he pensado que lo más honesto es haceros a todos partícipes de este desagradable incidente, ya que en cierta manera vosotros también sois parte afectada y perjudicada. Me enfurece enormemente que todo el trabajo que me lleva redactar una entrada de este blog desaparezca así, de un plumazo, sin que pueda hacer nada; horas buscando documentación y redactando, la ilusión de ver vuestros comentarios publicados, todo arrasado como si nunca hubiese existido. En fin, lo tomaré como un toque de atención, tendré que ser más cuidadoso con el material que publico en este blog, ya que de momento pienso mantenerlo abierto, al margen de polémicas legales de las cuales, la verdad, no entiendo mucho. Sólo me viene a la cabeza el gesto que tuvo Alberto Montero, músico al que se le ha dedicado un post en este blog, que decidió motu proprio, y como agradecimiento, poner su disco a disposición de todos los visitantes de Rainy Day Music de manera íntegra y gratuita. Para mí así es como debe entenderse la cultura, cualquier otra interpretación está bajo sospecha. Y vosotros ¿qué pensáis al respecto?

ECHAD UN VISTAZO A ESTE ENLACE

domingo, 30 de noviembre de 2008

Una recomendación: Richter

Terminamos noviembre con una nueva recomendación, una sección que es fija en Rainy Day Music y que todos los meses intenta acercaros nuevos nombres y sonidos, a ser posible, de la escena musical española. Dany Richter es un veterano de esa escena que ha dado forma a un trabajo muy interesante, trufado de sonidos de corte otoñal especialmente indicados para esta época del año. Aires folk que remiten a clásicos como Dylan, The Byrds, o a contemporáneos imprescindibles como The Jayhawks o Wilco, se dan la mano con las melodías pop de The Beatles, configurando un menú de lo más sugerente. Las voces cuidadas y los arreglos exquisitos hacen realmente agradable la escucha de este disco, que va ganando enteros tras cada reproducción. Os dejo con la presentación que aparece en el myspace de Richter:

"Richter es el primer proyecto que emprende Dany Richter tras haber formado parte de varias bandas desde 1989. Entre estas bandas cabe destacar “Lizard” (1992/98), una formación compuesta de músicos británicos y españoles con la que publicaron dos LP's con la discográfica Locomotive Music; "The Lizard's smile" (1994) y "One" (1997). Destacan los conciertos realizados junto a “Gun”, “Pretenders” o “Van Halen” y gracias a las licencias de edición a compañías extranjeras hicieron giras por México y Portugal además de los habituales conciertos en España. En 2004, tras un largo descanso desde la ruptura de “Lizard” en 1998, se publica “No Faces”, el primer CD bajo el nombre “Richter”, editado por su propio sello “El lado izquierdo”. En la grabación del disco y en la posterior gira participa de forma importante Jesús Martínez (ex guitarra de “Orlando”) que continúa colaborando con Dany en la actualidad, así como otros músicos como Ignacio Celma (”Buda se duerme”) o Pedro Avilés (“Madame Claude”). “No Faces” mezcla el pop acústico, el rock-folk y la psicodelia con sintetizadores analógicos, theremin y samplers. El disco no se queda en el puro revival y trata de fusionar, las influencias a veces antagónicas de Dany Richter. El elemento unificador de todas esas influencias es la propia voz de Dany y las melodias de marcado corte “pop beateliano”. Actualmente el sonido de “Richter” se ha vuelto más acústico y folky que nunca, siguiendo la línea marcada por temas como “Song for Noa” o “Even Though” de anterior disco. La guitarra acústica sigue siendo (como en “No Faces”) el elemento principal en la música de “Richter”, al que se unen piano, acordeón, pedal steel, cello, auto harpa… Tras la grabación de “Demo” en 2006, comienza una serie de conciertos acústicos en los que a Dany Richter le acompañan Marcos Iñiguez (guitarra de “Circodelia”) al pedal steel e Ignacio Celma al bajo. En Julio de 2007 se incorporan Teresa Bernabe (violoncello) y David Quinzan (bajo y glockenspiel). En Agosto/Septiembre 2007 hemos estado grabando el próximo disco que llevará por título PATCHWORK, editado por el sello Fika Sound y distribuido por Junk Records, y estará disponible en tiendas a principios de Noviembre 2007. "

Suena bien ¿no? Pero sin duda la mejor forma de conocer a Richter es escuchando su música, así que como aperitivo he seleccionado dos temas de su último disco, titulado "Patchwork", un trabajo que tiene ya un añito pero del que, hasta la fecha, no se ha hablado demasiado, ojalá os sirvan para descubrir a este interesante músico que puede depararnos muy gratas sorpresas. Espero que os guste.






MYSPACE DE RICHTER

martes, 18 de noviembre de 2008

Melingo- Maldito Tango (2008)


Cuando la primera entrada irrumpió en este blog yo me empeñé en recalcar que esta bitácora nacía como una criatura libre de prejuicios, recuerdo que anuncié que éste no era un blog de estilo, es decir que no se iba a dedicar en exclusiva al blues, al jazz ni al cante jondo, sino que iba a centrarse en la música, sin conceder importancia a las etiquetas. La verdad es que me gustaría renovar mis votos al respecto, y lo voy a hacer presentándoos un disco diferente a todos los que hasta la fecha se han asomado a este blog, el último trabajo del personal cantante de tango Melingo. Lamentablemente me encuentro con un inconveniente, mi desconocimiento absoluto sobre el tango, su música y su filosofía, hecho que hace que me tiemblen las piernas al acercarme a una cuestión tan seria, la cual me infunde muchísimo respeto. Es por ello que he elegido a una de mis mejores amigas para que os hable del tema, Wikipedia; haciendo click aquí encontraréis un completísimo artículo sobre el tango, su historia y peculiaridades, que os servirá de introducción perfecta a esta entrada.

A mí no sé si me gusta el tango, pero sí que sé, perfectamente, que me gusta Melingo. Supongo que, como ocurre con aquellos artistas que partiendo de un estilo de fuertes raíces tradicionales plantean una relectura o una revisión del mismo, para muchos puristas lo que hace Melingo no será tango, sinceramente, yo no me planteo este tipo de cuestiones, ese trabajo tan ingrato se lo dejo a los expertos. A mí me gusta este bonaerense porque me encanta que me cuenten historias, y escuchar una canción de Melingo es sumergirse en verdaderos relatos donde no faltan las infidelidades, el desamor, los crímenes, la soledad... Sus canciones están repletas de imágenes, su prosa es muy visual, hasta el punto de que no cuesta trabajo imaginarnos las tramas con escenarios y actores, como si de una película se tratase. Pocos músicos son capaces de sugerir tanto, por eso me gusta.

Daniel Melingo nace en Parque Patricios, un barrio de Buenos Aires, en el año 1957. Además de poseer una voz con un timbre muy personal, Melingo es multiinstrumentista, toca el saxofón, la guitarra y el clarinete, y goza de una larga e interesante carrera profesional, tanto formando parte de distintas bandas, como en solitario. Con tan sólo 18 años, Melingo pasó a formar parte de la banda que acompañaba a Milton Nascimento, una figura fundamental en la historia de la música brasileña, con quien estaría hasta 1980, año en que se embarcaría en una mítica banda argentina llamada Los Abuelos de la Nada, allí tocaría el saxo compartiendo plantel con músicos como Miguel Abuelo, Andrés Calamaro, Gustavo Bazterrica y Polo Corbella. En 1982 funda con Pipo Cipolatti Los Twist, una banda orientada hacia sonidos de corte rockabilly y de letras irreverentes, durante un breve periodo, en 1984, Melingo compagina su militancia en Los Twist con la banda de Charly García, hasta que en 1987 se muda a España, donde no tardará en formar otra banda, Lions in Love, con quienes grabaría dos discos. Pero será ya entrada la década de los 90's, cuando Melingo emprenda su carrera en solitario, y lo hará formando su propia banda, con la que dará a luz su primer trabajo como solista, "H2O" (1996), un disco en el que predominan los ritmos próximos al reggae y al funk. En 1997 Melingo se implica en un nuevo proyecto, en este caso se encargará de presentar y conducir un programa televisivo titulado "Mala Yunta" para el canal de televisión argentino Sólo Tango, Melingo invitará a distintos músicos cercanos al rock, a los que les propondrá interpretar tangos. A partir de entonces se produce una mutación en la carrera de este músico, que pasa de ser un rockero interesado en el tango, a ser un tanguista enloquecido de perfil único e inimitable. He encontrado una reseña del disco "Maldito Tango", en la que Rémy Kolpa Kopoul define a Melingo así: "¿Cuál es la receta de Melingo el Magnífico? Pues cogemos una pizca de Roberto Goyeneche "El polaco", este tanguero febril (tan agudo él), la mezclamos con Nick Cave (la semilla negra del underground), Tom Waits (con su lado arty), añadimos un poco de Gainsbourg, y combinando todas esas voces roncas y profundas y las pintas de bohemios obtendremos un esbozo de este diablo de Melingo, un viejo canalla no tan viejo pero muy pícaro." ; sin duda es una descripción muy acertada.

Podemos decir que Melingo se crea a sí mismo, inventa un personaje, el de un tanguista bohemio y anacrónico, un personaje irreverente y canalla, de esos que nos llegan al corazón. A pesar de que Melingo canta en castellano, es evidente que quienes, como yo, no estéis familiarizados con el tango, os vais a encontrar con más de un problema de comprensión, ya que la lengua del tango es el lunfardo, un complejo argot que dota al tango de expresiones maravillosa y extrañamente hermosas. Volviendo a la carrera de Melingo, hay que señalar que a su primer album le han seguido cuatro más: "Tangos Bajos" (1999), "Ufa "(2003), "Santa Milonga" (2005) y, el más reciente, "Maldito Tango" (2008). En sus discos Melingo canta temas propios y también versiones, además musica poemas de escritores como Lorca, pocas cosas se le ponen por delante a este gallardo porteño, que incluso es ganador de un premio Goya a la mejor canción original (por su tema "Pequeño Paria", incluído en la película "El Niño de Barro" de Jorge Algora, realizada en 2007; canción que encontraréis además en este disco). En cuanto al disco "Maldito Tango", os sugiero que leáis la reseña que os comentaba anteriormente, realizada por
Rémy Kolpa Kopoul, sólo tenéis que hacer click aquí. Por mi parte os recomiendo que no os perdáis temas como el que abre el disco, "En un Bondi Color Humo", verdadero cine negro con envoltorio de tango, "A lo Magdalena", que recuerda a alguna de las trágicas composiciones del cubano Miguel Matamoros (me viene a la cabeza un tema brutal titulado "La Cocainómana"), "Cuando la Tarde se Inclina", auténtico costumbrismo porteño, y el último corte, "Eco il Mondo", una maravilla de 12 minutos que tiene mucho de improvisación y genialidad. También me gustaría llamar la atención acerca de la cuidada edición del disco, que corre a cargo del sello francés Mañana, cuyo responsable es otro argentino, el componente de Gotan Project Eduardo Makaroff. Se trata de un elegante formato en cartón con el interior troquelado creando efecto de relieve, realmente original, así da gusto comprar discos.

Sin más os dejo con el disco de Melingo, invitándoos a que os sumerjáis, sin miedo, en aguas que, a muchos de vosotros, os resultarán desconocidas, pero antes os dejo, como siempre, unos enlaces de regalo. El primero de ellos os llevará a un practiquísimo diccionario on line de lunfardo, para que este peculiar argot no tenga secretos para vosotros, el segundo os conducirá a la página web Todo Tango, donde podréis profundizar en la historia de esta música, el tercer enlace corresponde a la página web oficial de Melingo, y el último de ellos os brinda la oportunidad de disfrutar de una entrevista realizada a Melingo por el diario argentino Página 12, el 15 de septiembre de 2004. Y además, esta vez sí, un vídeo, en el que el propio Melingo presenta su último disco hasta la fecha, "Maldito Tango". Espero que os guste.

DICCIONARIO LUNFARDO

TODO TANGO

PÁGINA WEB OFICIAL DE MELINGO

ENTREVISTA A MELINGO EN PÁGINA 12







MELINGO- MALDITO TANGO

miércoles, 12 de noviembre de 2008

Honeybus- She Flies Like A Bird. The Anthology (2002)


Lo peor que te puede pasar cuando tienes prejuicios es que un buen día, de un plumazo, pueden desmontarte toda esa teoría que llevabas urdiendo minuciosamente durante años y que te hacía dar la espalda a algo o a alguien de manera mecánica y compulsiva. Hace ya tiempo, yo mismo me empeñaba en proclamar a los cuatro vientos que detestaba el pop, me afanaba en dejar bien claro que consideraba aburrido y cursi ese estilo de música, sin excepción alguna. Pero algo cambió de repente, no soy capaz de recordar qué ocurrió exactamente, qué disco o qué canción me hizo cambiar de opinión, abriendo mi mente y permitiéndome, poco a poco, acercarme a la música pop. Muchas veces pienso que fue la escucha de "If You're Feeling Sinister" de Belle and Sebastian la que alteró mi orden de valores, pero sinceramente no lo tengo muy claro, lo que sí es evidente es que, transcurridos más de diez años desde aquel misterioso suceso, hoy en día mis prejuicios hacia ese estilo han desaparecido, y desde luego no me sonroja admitir que escucho música pop, y no sólo eso, sino que además la disfruto con la misma pasión con que disfruto el "Fun House" de The Stooges, o el "Here are" de The Sonics. Sé que hay mucha gente que tiene prejuicios hacia el pop, acabo de reconocer que yo mismo los tuve durante años, y creo que el disco que se asoma hoy a Rainy Day Music puede ser esa bomba inesperada capaz de cambiar sus miras y abrirles todo un mundo musical nuevo; así que abrid bien vuestros oídos, limpiadlos de prejuicios y dejad paso a una de las bandas más brillantes de la historia de la música pop, Honeybus. Quizás no os gusta el pop porque nunca habéis escuchado música pop de calidad, ahora tenéis la ocasión de redimiros, aprovechadla.

Es una maravilla buscar información acerca de Honeybus en internet, porque hay toneladas de artículos, especiales, páginas de fans, reseñas de sus discos... Esta abundancia de información hace que resulte fácil escribir unas líneas sobre la historia de la banda, pero también hace que se corra el peligro de caer en la reiteración, es por eso que toda la información referente a la biografía de Honeybus o a la reseña de este disco la encontraréis en los enlaces; la página web Alohacriticon recoge dos completas entradas al respecto que seguro que satisfacen vuestra curiosidad. Por lo que a mí respecta, simplemente os diré que este trabajo es un doble CD que contiene todos los singles editados por la banda en la década de los 60's, el disco "Story" (1970) completo, unas sesiones inéditas grabadas para la BBC, algunos sencillos de los primeros 70's, una selección de temas del abortado disco "Recital" (1973) y algunos cortes del disco "Old Masters, Hidden Treasures" (1993). También os diré que dos miembros de Honeybus grabaron dos fantásticos discos en solitario siguiendo la estela de orfebrería pop iniciada por la banda británica; me refiero a "Into Your Ears" (1971) en el caso de Pete Dello, y a "March Hare" (1971) en el caso de Colin Hare, ambos trabajos son muy recomendables. En los últimos años, Honeybus se ha reunido en algunas ocasiones para dar algún concierto, sin duda alguna el más activo de sus miembros es Colin Hare, que sigue en activo dando conciertos por todo el mundo y difundiendo el legado musical de esta banda, sin duda una de las más infravaloradas (injustamente) en la historia de la música. Y simplemente eso, no es que hoy tenga pocas ganas de escribir, es que me gustaría que fueséis vosotros los que hablaseis acerca de este disco, sólo para ver si exagero o no, así que, como buen retador, os lanzo el guante y espero que lo recojáis en los comentarios.

Si bien es fácil encontrar información de Honeybus en internet, no lo es, lamentablemente, encontrar vídeos, al menos vídeos de la época, que es lo que personalmente me interesa, esto hace que el post de hoy no vaya acompañado de vídeo, una pena. Eso sí, os dejo tres enlaces interesantísimos, como os adelantaba, uno de ellos os conducirá a una biografía, acompañada de una entrevista a Pete Dello y Colin Hare, aparecida en Alohacriticon, el segundo enlace también os transportará a Alohacriticon, para que disfrutéis en este caso de la reseña de "She Flies Like A Bird. The Anthology", y el último enlace os permitirá leer un completo y magnífico especial dedicado a Honeybus en la página web de Sonic Wave Magazine; no os los perdáis. Estoy seguro de que Honeybus va a ser vuestra banda sonora para este otoño. Espero que os guste.


BIOGRAFÍA DE HONEYBUS Y ENTREVISTA EN ALOHACRITICÓN

RESEÑA DE "SHE FLIES LIKE A BIRD. THE ANTHOLOGY" EN ALOHACRITICÓN

ESPECIAL HONEYBUS EN SONIC WAVE MAGAZINE


HONEYBUS- SHE FLIES LIKE A BIRD. THE ANTHOLOGY

martes, 4 de noviembre de 2008

M. Ward- Transistor Radio (2005)


Comienza el mes de noviembre, y lo hace de una manera loca, entre tornados, lluvias torrenciales y nevadas prematuras, que comparten espacio con temperaturas tropicales y eternos días de playa. No sé si el mundo se está yendo al garete, tal y como vaticinan los más pesimistas, pero lo evidente es que algo está cambiando en la climatología a nivel global, al menos en este país es algo palpable. Por si acaso yo ya he estado dándole vueltas al asunto y estoy preparándome un ajuar de lo más apañado para cuando llegue el Armagedón, que luego te pilla todo este lío desprevenido y no tienes tiempo de pensar en tus últimas voluntades, ni de elegir la camisa que te gustaría enfundarte el día en que este mundo hostil deje de girar. De momento voy a comprarme cien camisas iguales, de este modo siempre vestiré la misma, lo que me garantizará haber elegido mi camisa para el día del fin del mundo, primer problema resuelto. Luego tengo varias opciones de menús, que repito obsesivamente como si viviese en un banquete de bodas continuo, dependiendo de si el día D se produce en el desayuno, en la comida o en la cena (esto último no me vendría muy bien, ya que no me gusta acostarme con el estómago muy lleno). Y por último también tengo varias opciones musicales que van cubriendo las diferentes horas del día y que reproduzco "ad nauseam" jornada tras jornada, lo que me garantiza haber elegido mi música para el día del fin del mundo. Imaginaos qué muerte tan cruel me esperaría si al irrumpir las lenguas de fuego o las recrecidas aguas oceánicas en mi hogar, me atrapase desprevenido una ráfaga de reggaeton, un video clip de hip hop o el último hit de Andy y Lucas, no puedo permitir que nada de eso ocurra; ya que no puedo elegir cuándo abandonaré este planeta, creo que he de hacer todo lo posible para al menos elegir cómo lo abandonaré. Hoy os presento un disco que contiene una canción que me gustaría escuchar si todo este tinglado apocalíptico tuviese lugar después de comer, justo antes de la siesta, no pensaríais que porque se fuese a acabar el mundo iba a perdonar mi siesta... Esa canción se titula "One Life Away" y su autor es M. Ward, os voy a contar un poco más de él.

Matt Ward es un músico singular y prolífico salido de la escena de Portland, Oregon. Desde pequeño mostró una especial fascinación por las melodías que sonaban a través de la radio de sus padres, de hecho uno tiene la sensación de estar escuchando una radio antigua cuando oye sus discos, es curioso el sonido que consigue extraer a través del 4 pistas TASCAM que siempre utiliza en sus grabaciones. Ese sonido es lo que hace a M. Ward diferente a todos los músicos de su generación, cuidado, lo suyo no es Lo-Fi, simplemente suena diferente. Pero vayamos por partes, M. Ward militó durante varios años en un trío llamado Rodriguez, hasta que un buen día empezó a esbozar sus propias canciones, temas más intimistas que se inspiraban en el folk y en la música tradicional estadounidense, no en vano el propio M. Ward ha confesado que la canción que más le ha influído a lo largo de su carrera ha sido "Amazing Grace". De este modo, Ward decide emprender su carrera en solitario y lo hace con un primer disco titulado "Duet for Guitars #2", que verá la luz al amparo de Howe Gelb, el cerebro de Giant Sand, a través de su propio sello Ow Om. Será un comienzo prometedor en el que M. Ward deja al descubierto su admiración por Bob Dylan y Neil Young, y en el que aflora esa atmósfera especial que impregna los discos de este genio, lo cual, unido a su particular fraseo y a su voz, grave y frágil al mismo tiempo, le convierte en un músico realmente original. En 2001 verá la luz su segundo disco, "End of Amnesia", que le consolidará como un artista atemporal, un cantautor con un universo propio y con un personal sentido del humor, pero además confirmará algo que ya se intuía en su disco de debut, la enorme calidad de M. ward como guitarrista. En su segundo disco, este cantautor es capaz de repasar varios "palos" de la música norteamericana, desde el honky tonk al foot stomp, sin perder un ápice de personalidad ni de originalidad, y lo hace con ese aire añejo que invade sus grabaciones y que nos deja con una eterna sonrisa en los labios, mezcla de nostalgia y admiración, como cuando contemplamos un retrato en sepia de alguno de nuestros antepasados.

En 2003 M. Ward ficha con Merge, sello que desde entonces ha editado todos sus trabajos. Después de dos buenos discos, M. Ward se enfrentaba a un siempre complicado tercer trabajo, ese mismo año saldría a la calle "Transfiguration of Vincent", un disco que continuaría la línea ascendente de calidad de sus antecesores. Poco a poco se iban introduciendo nuevos sonidos en la música de M. Ward, ecos de The Beatles y de Bowie, junto a los sonidos fronterizos y de reminiscencia folkie marca de la casa. Y con este panorama llegamos a nuestro disco, el cuarto trabajo de estudio de M. Ward titulado "Transistor Radio". Con el título, el cantautor estadounidense quiere homenajear a esa radio que tanto le influyó a la hora de dedicarse a la música, y sobre todo quiere mostrar su admiración hacia un tiempo que por motivos generacionales no conoció, los días dorados de la radio en los USA, esos años que el gran Woody Allen retrató perfectamente en su película "Días de Radio". "Transistor Radio" se abre con una versión de The Beach Boys, "You Still Believe in Me", un tema del album "Pet Sounds", M. Ward decide desnudar la canción, eliminar la letra y transformar el original en un instrumental acústico, así es como presenta sus credenciales este músico. El segundo corte es el mío, "One Life Away", una canción que parece parida por una emisora de radio de los años 50's, con un M. Ward inspiradísimo, con una cadencia maravillosa, con una voz susurrante y con unos falsetes magistrales. Personalmente creo que el disco alcanza su cima en este segundo corte, tan sólo canciones como "Fuel for Fire", o la delicada "Paul's Song" pueden hacerle algo de sombra a "One Life Away". Con esto no quiero decir que el disco sea flojo, o que a partir del segundo tema pierda interés, ni mucho menos; "Transistor Radio" es un disco lleno de canciones conmovedoras y capaz de generar una atmósfera imposible de encontrar en cualquier grabación actual. En líneas generales el cuarto disco de M. Ward sigue las líneas maestras trazadas por su más inmediato antecesor, "Transfiguration of Vincent", se nota que Ward ha encontrado el terreno en el que se siente a gusto y no está dispuesto a alterarlo demasiado, algo que, por otra parte, tampoco es necesario, ya lo dicen los filósofos del fútbol: "Cuando algo funciona lo mejor es no tocarlo"· M. Ward se siente cómodo con sus conmovedoras baladas y sus virtuosos ejercicios acústicos, pero tampoco le hace ascos a ambientes más animados, tal y como demuestra en temas como "Four Hours in Washington" o "Big Boat", donde parece disfrazarse de Tom Waits, además le encanta divertirse y adaptar temas clásicos a su peculiar visión de la música; si en la introducción de este "Transistor Radio" probaba suerte con una versión de The Beach Boys, para cerrar el disco elige ni más ni menos que a Bach. El resultado final es sobresaliente, M. Ward consigue un disco diferente, con un delicioso sabor retro que en ningún momento resulta impostado, y con un buen número de canciones capaces de evocar una nostalgia que nos hace sentir curiosamente confortables.

El último trabajo hasta la fecha de M. Ward es "Post-War" (2006), un disco crítico con la guerra y la posterior ocupación estadounidense de Iraq. El cantautor dice haberse inspirado en la música de los años 40's y 50's, la banda sonora de la postguerra, a la hora de componer este disco, la idea es recuperar el papel que los escritores, músicos, y artistas en general, han tenido (o deberían tener) a lo largo de la historia como fuente de opinión y motor de cambio de la sociedad. Además de ello, M. Ward ha colaborado con numerosos artistas, algunos de ellos tan relevantes como Norah Jones, Neko Case, Cat Power, Beth Orton, Jim James o Vic Chesnutt. También ha puesto en marcha un grupo paralelo a su carrera en solitario, se trata de She & Him, proyecto que comparte con la actriz y cantante Zooey Deschanel, y que ha editado este mismo año su primer trabajo, "Volume One", producido por el propio M. Ward. Pero no sólo eso, además este músico ha demostrado estar especialmente concienciado con los movimientos políticos más progresistas de su país, ya en 2004 formó parte del tour "Vote for Change" en el que junto a artistas como R. E. M. o Bruce Springsteen pedía el voto a favor de John Kerry para de ese modo evitar un segundo mandato de George W. Bush. Aquella vez no fue posible, pero M. Ward no ha desesperado y en esta última campaña ha participado en conciertos de apoyo a Barack Obama. A expensas de lo que ocurra en las votaciones del Imperio que domina el mundo, los simples mortales seguiremos esperando el siguiente album de M. Ward, que según se comenta ya está terminado y tiene incluso título, "Hold Time", la fecha de salida en principio será en enero de 2009.

Esta vez os dejo un montón de regalos, en primer lugar los enlaces: un enlace a la página web oficial de M. Ward, un atajo que os conducirá al myspace del artista, un link a una entrevista y un último enlace a una página donde enontraréis una biografía y una discografía completa y comentada de M. Ward, eso sí, en inglés. Por supuesto hay vídeo, pero he de admitir que aquí he tenido verdaderos problemas porque no sabía cuál de todos insertar, al final me he decidido por el oficial, el videoclip de "Chinese Translation", un tema de "Post War". Pero más abajo os he dejado dos enlaces a sendos vídeos que os recomiendo encarecidamente, el primero de ellos os mostrará a M. Ward en el backstage de uno de sus conciertos (concretamente el ofrecido en el Chicago's Park West el 26 de enero de 2007), allí, en un momento de intimidad, se arranca con dos temazos instrumentales que os pondrán la piel de gallina y que demuestran que este hombre es un verdadero virtuoso de la guitarra. Y en cuanto al segundo vídeo recoge varios fragmentos de una actuación de M. Ward y Jim James en una iglesia (concretamente St. David's Church), os lo recomiendo porque la interpretación que hace M. Ward del primer tema es alucinante, se trata de la canción "Rollercoaster", incluída en "Post War", también es muy buena la actuación de Ward en compañía de Jim James (componente de My Morning Jacket), ambos interpretan "Chinese Translation", pero lo malo de este vídeo es que de repente se corta el dúo de Ward y James para mostrar a este último cantando en solitario y con un sonido más que deficiente, una pena. En fin, espero que disfrutéis con este disco y que llenéis este post de comentarios, que últimamente me tenéis un poco olvidado, seguro que con un disco de esta calidad despertáis masivamente. Espero que os guste.


PÁGINA WEB OFICIAL DE M. WARD

MYSPACE DE M. WARD

ENTREVISTA A M. WARD EN MONDOSONORO

BIOGRAFÍA Y DISCOGRAFÍA COMENTADA DE M. WARD EN MUSIC EMISSIONS




VÍDEO DE M. WARD EN EL BACKSTAGE DEL CHICAGO'S PARK WEST

VÍDEO DE M. WARD Y JIM JAMES EN ST. DAVID'S CHURCH


M. WARD- TRANSISTOR RADIO

martes, 28 de octubre de 2008

June et Jim- Les Vivants + Fables (2008)


Nuestras madres, que nos quieren mucho, son, por lo general, las personas que más dificultad encuentran para entendernos cuando nos hacemos adultos. ¿A qué viene esta absurda reflexión? pues porque sin duda alguna, la frase que más lleva repitiéndome mi madre durante los últimos quince años es "Pero hijo mío, ¿para qué quieres tantos discos?", esa pregunta en tono casi de lamentación es una especie de mantra con el que la autora de mis días me martiriza con cierta asiduidad. Ha sido ese asombro que muestra mi madre hacia mi costumbre de adquirir discos de manera casi compulsiva, el que ha hecho que en más de una ocasión yo mismo me haya planteado el por qué de mi obsesión por la música, la respuesta la he encontrado en discos como los que hoy os traigo.

Uno de los mayores placeres que me proporciona la música es el de la primera escucha; pocas cosas hay comparables al preciso instante en el que oyes una canción o un disco por primera vez, esos instantes de expectación, de incertidumbre, ese halo de misterio, todo eso sólo me lo proporciona la música. Pero es que además cuando esa primera escucha es positiva el placer se multiplica y a uno le invade una sensación inexplicablemente maravillosa, de repente te sientes como si hubieses descubierto un tesoro, a partir de ese momento esos sonidos nuevos pasan a formar parte de tu equipaje vital. Todo eso y mucho más me ocurrió la primera vez que escuché a June et Jim. Cómo llegué a ellos, pues a través de un cartel, vi que tocaban en mi ciudad, me pareció atractivo lo que se decía de ellos y acabé buceando en su myspace en busca de canciones. La sorpresa fue instantánea y el flechazo no se hizo esperar. June et Jim son un dúo formado por una cantante francesa y un compositor español afincados en París, su propuesta es una revisión de la chanson francesa, a la cual sacan de paseo por arrabales y puertos nocturnos, de la mano de Nino Rota y Lee Hazlewood, para acabar cantando y tomando copas al amanecer en compañía de Tom Waits. June et Jim no tienen prejuicios a la hora de componer sus canciones, se inspiran en el cine, en la literatura o en sus propias vivencias; rabia, melancolía, ternura e ironía, tienen cabida en los textos de este peculiar dúo, que a veces lanzan guiños indisimulados a monstruos de la talla de Beckett, Cocteau, Artaud, Genet, Chejóv o Materlinck, casi nada... La música de June et Jim se construye a base de loops, es decir, grabando una serie de sonidos por separado que luego se repiten de manera sincronizada pasando a formar parte de un todo. Sencillos ritmos de guitarra, palmas, el tintineo de unas campanillas, tres o cuatro notas de un piano de juguete, unas maracas, e incluso el ruido de un periódico cuando lo estrujamos con nuestras manos, June et Jim aprovechan todo eso y mucho más en sus canciones, formando parte de una tradición de pop minimalista en la línea de su compatriota Pascal Comelade. Las voces de esta extraña pareja se entienden a la perfección, se buscan, se replican, se admiran, se enamoran; a veces uno tiene la extraña sensación de que June et Jim han nacido para cantar juntos. La voz grave y dura de Jim tiene su contrapunto perfecto en la dulzura y el sosiego que transmite la garganta de June.

Hasta la fecha June et Jim han grabado tres discos, tres trabajos totalmente autoproducidos que pasan por encima de la industria discográfica, ésa que hace creer a la gente que sin pasta no hay oportunidades. La irrupción de internet ha abierto todo un mundo de posibilidades a los artistas, un sinfín de vías a través de las cuales promocionarse y acercar su trabajo a todo el mundo, ahora más que nunca el "hazlo tú mismo" se ha convertido en una realidad, y June et Jim son un ejemplo de ello. "Les Vivants" fue grabado entre enero y marzo del presente año, mientras que "Fables" es un trabajo mucho más reciente si cabe, data de agosto de 2008, apenas tiene tres meses. June et Jim se encargan de todos los instrumentos, así como de todos los asuntos técnicos de la grabación, el resultado es bastante bueno, no tiene nada que ver con grabaciones caseras ni con sonidos lo-fi. De todas formas, lo mejor que podéis hacer es descubrirlo vosotros mismos, dejaos atrapar por el magnetismo que desprenden June et Jim, seguro que son una de las propuestas más originales y atractivas de cuantas habéis oído en los últimos años.

June et Jim son unos músicos a tener muy en cuenta en lo sucesivo, unos artistas que prometen darnos muchas alegrías, os recomiendo encarecidamente sus directos, y os agradecería que si os gustan estos dos discos os pongáis en contacto con ellos vía e-mail para que os hagan llegar alguna copia, gente como ellos necesitan vuestro apoyo. Esta vez el post no tiene muchos extras, tened en cuenta que June et Jim no son un dúo consagrado ni tienen a sus espaldas una larga trayectoria, eso hace que no aparezcan muchas entradas referentes a ellos en internet, de todas formas os dejo un enlace a su myspace y un vídeo donde los podréis ver interprteando en directo el maravilloso tema "Cendres". Espero que os guste.




MYSPACE DE JUNE ET JIM


JUNE ET JIM- LES VIVANTS + FABLES

viernes, 17 de octubre de 2008

Una recomendación: Espaldamaceta


Aprovechando que llegaron las primeras gotas de lluvia en español a Rainy Day Music, continúa hoy este chubasco otoñal con otro músico atrevido y original, Juan José González, quien se atrinchera tras el nombre de Espaldamaceta. Este tarraconense propone una música desnuda, sin artificios, donde podemos esuchar su guitarra y su voz como únicos protagonistas. En la garganta de Espaldamaceta conviven desde Nick Drake hasta Paco Ibáñez, su voz es una de las más personales del panorama español y su apuesta es valiente y sincera. Internet ha sido para este músico una de sus principales lanzaderas, casi podríamos decir que lo que antes denominábamos el "boca a boca" hoy deberíamos rebautizarlo como el "tecla a tecla", ya que es increíble la velocidad con la que se difunden noticias, propuestas, tendencias, fenómenos, rumores e incluso auténticas mentiras por medio de este cajón de sastre que es la red. Espaldamaceta no tardó en aparecer en diversos blogs en los que se colgaban sus canciones, y poco a poco se fue abriendo camino y dándose a conocer; este es un ejemplo de cómo nuestras acciones desde los blogs lejos de infringir la ley sirven para ayudar a algunos músicos y para promocionar la cultura, hacemos gratuitamente el trabajo que otros, que además cobran por ello, deberían hacer. La historia tiene además un final feliz ya que recientemente se ha editado el primer disco de Espaldamaceta, "Madera y poca luz" (Bankrobber, 2008), el cual está promocionando por diferentes ciudades, recibiendo muy buenas críticas. Os dejo con un extracto de su Myspace para que lo conozcáis mejor:

"<< El comentario recurrente entre quienes le ven en vivo es "piel de gallina", y es que pocos cantautores con guitarra de palo tan intensos se han visto por aquí, a un nivel de emoción a lo Jeff Buckley o Elliott Smith, aunque en su inconfundible estilo >>. No lo decimos nosotros, lo dijo Esteve Farrés en Rockdelux cuando el nombre de Espaldamaceta empezaba ya a susurrarse por los entresijos de la escena indie de Barcelona. Para conseguirlo, le bastaron algunas actuaciones escogidas: Apolo, Llantiol, Heliogàbal, Pocket Club... Ya fuera en solitario o junto a compañeros de escenario como Xavier Baró, Raülmoya o El Chico Con La Espina En El Costado, la magia de Espaldamaceta, su voz y sus canciones llenaban el ambiente y se colaban, cuál diminutos cuchillos, por los poros de cada uno hasta lo más hondo de su alma. Espaldamaceta es ahora mismo el artista a descubrir. Si trampa ni cartón, solo con su voz y una guitarra de nylon. Porque no hace falta más. Espaldamaceta es sensibilidad y sinceridad a raudales. Espaldamaceta es una voz inconfundible. Espaldamaceta es un integrista de la guitarra de madera y las cuerda de nylon. Y lleva el fantasma de Nick Drake flotando inquieto a su alrededor, aunque él mismo tardase en darse cuenta. Comprobarlo está solo a un par de clicks: Por la red ya circula hace tiempo "Y ahora que la mierda ya me llega hasta los ojos", su canción clave. Tras toda la literatura que acarrea ya la prehistoria de Espaldamaceta, en septiembre llega la hora de la verdad. El cantautor de Tarragona publica su primer disco, Madera y poca luz. Las expectativas desatadas harán que se presente en vivo en citas inminentes como los festivales BAM (cita en la plaça del Rei, quintaesencia de las noches mágicas) y Altaveu. Para octubre se prevé su primer concierto en Madrid, en Clamores."

Completando este post encontraréis dos canciones de Espaldamaceta, que seguro que os sorprenden, y dos enlaces, uno a su Myspace, donde además de escuchar más canciones podréis consultar las fechas de su gira (aviso para navegantes, mañana 18 de octubre a las 22:00 horas, Espaldamaceta en directo en La Lata de Bombillas totalmente GRATIS. Espabilad zaragozanos, que luego os quejaréis de que no se hacen actividades culturales de calidad en vuestra ciudad...), y otro a un artículo aparecido en el diario Publico. Espero que os guste.




MYSPACE DE ESPALDAMACETA

ESPALDAMACETA EN EL DIARIO PÚBLICO




COMPRA ESTE DISCO / BUY THIS RECORD

miércoles, 15 de octubre de 2008

Abraham Boba- S / T (2007)


Hoy llueve en español, y creo que es la primera vez que este inusual fenómeno meteorológico se produce en este blog. ¿Os habéis parado a pensar lo difícil que es componer en la tercera lengua más hablada del mundo? Es difícil no caer en lugares comunes, en tópicos, es complicado dominar aspectos como la métrica de este enrevesado idioma o evitar las consabidas rimas en infinitivos, a toda esta ingrata tarea hay que añadir además que tu mensaje lo pueden entender 400 millones de personas en todo el mundo, a muchas de ellas se la trae al pairo lo que signifiquen las letras de Beyoncé, pero a ti, querido hispanohablante no te van a pasar ni una. Quizás sean todos estos obstáculos los responsables de que no abunden en la actualidad letristas de calidad en la música española, salvo honrosas excepciones la mayoría de las canciones en español que escuchamos en la radio nos obligan a taparnos los oídos para no sonrojarnos ante sus mensajes y proclamas. El español ha quedado relegado al folklore más rancio, al pop de radiofórmula, a los impostores ritmos latinos, al reggaeton y al incipiente rap patrio; terrenos en los que la lengua de don Miguel de Cervantes se siente cómoda, ya que no se le exige mucho y goza de gran repercusión mediática. Hay que tenerlos muy bien puestos para intentar hacer una música creativa y diferente en este país y además hacerla en español, por eso admiro a gente como Abraham Boba, capaz de todo eso y mucho más.

David Cobas nace en Vigo, aunque musicalmente hablando se le puede considerar barcelonés, es un joven veterano de la escena musical española que ha formado parte de dos bandas antes de emprender su carrera en solitario, se trata de Tedium, con la que grabó un disco, y Belmonde, con quienes editó dos trabajos. Compositor, arreglista y letrista, David ha ido dando forma poco a poco a un peculiar alter ego, Abraham Boba, un original nombre de guerra con el que comenzó en 2007 un nuevo proyecto, y cuyo primer fruto es el disco que podéis encontrar aquí. Abraham Boba se destapa como un observador crítico de la sociedad que le ha tocado vivir, un enemigo de la autocomplacencia, del conformismo y del aborregamiento, patologías muy extendidas entre los humanos de hoy en día. Sus letras destilan una calidad poco frecuente en la música española, alternando momentos de un gran calado narrativo, próximos al surrealismo, con pinceladas costumbristas y momentos de crítica o reflexión social. Es difícil clasificar a una "rara avis" como Abraham Boba, su música puede sonarnos a muchas cosas, es evidente que detectamos ciertas influencias, pero quizás el hecho de elegir el español como lengua a la hora de componer hace que se diluyan y que le dote de una gran personalidad. Sin duda alguna ha mamado de los grandes crooners de nuestro tiempo, como Nick Cave o Tom Waits, tiene las inquietudes sociales de Ray Davies, admira la chanson francesa y los ambientes mediterráneos, probablemente ha estado enganchado a Serge Gainsbourg, a Lee Hazlewood, a Leonard Cohen o a Nick Drake, puede que incluso a Henri Salvador o a Nino Rota, también a Erik Satie; pero esto no son más que meros indicios de lo que podemos encontrar en sus composiciones, escasas pistas para resolver uno de los secretos mejor guardados de la música de este país.

El debut discográfico de Abraham Boba tiene apenas un año y es un trabajo sorprendente de principio a fin. El disco fue producido por Abraham Boba junto con Michel Martín y David López y se grabó a la antigua usanza, es decir en directo, sin mezclas de ninguna clase, con Pablo Magariños a la batería y percusiones, Ricardo Díaz al contrabajo y bajo eléctrico, y el propio Abraham Boba a los teclados. En la sección de cuerdas figuran Úrsula Martín y Suso Moreno, y en los coros Coqué Azcona, quien se encargó además del diseño del disco. Como invitados especiales hay que destacar las colaboraciones de Ambrus Horváth a la trompeta y Nacho Mastretta al clarinete. Es un trabajo arriesgado en el que el swing y el jazz se mezclan con el pop y flirtean con la chanson en un escenario cabaretero, está impregnado de una atmósfera intimista y honesta, de ambientes tranquilos y cálidos. Se compone de diez temas, de entre los cuales sobresalen cuatro que justifican por sí mismos la compra del disco, me refiero a "Fuga de Alcatraz", "Las Hermanas Sánchez", "Signos de Admiración" y "Las Masas"; creedme, estos cuatro temas están entre lo mejorcito de cuanto se ha escrito jamás en la música cantada en español. "Fuga de Alcatraz" es una verdadera maravilla, un regalo para los sentidos envuelto en sutiles arreglos de piano y cuerda y con unas voces de una elegancia inusual, la manera perfecta de empezar un disco. "Las Hermanas Sánchez" es el tema más surrealista del disco, una intrigante historia narrada de forma magistral en poco más de dos minutos y medio que evoca los relatos de Boris Vian, también detectamos influencias literarias en "Signos de Admiración" que, es una opinión personal, nos traslada a los turbios escenarios conyugales de Raymond Carver. Y en cuanto a "Las Masas", se puede decir que es una brutal e inteligentísima crítica a la adocenada sociedad actual, reflexión a ritmo de trompeta y piano sobre el estereotipado ser humano, con una letra impagable Abraham Boba es capaz de dar donde más duele, con una precisión de la que carece cualquier grupo punk pone el dedo en la llaga sin reivindicar evidencias, una fotografía descarnada sin recurrir a los tópicos, ni en la letra, ni en lo musical. El resto de los temas están también a un nivel muy alto, como muestran "Tirada Nacional", "Jornadas Cabalísticas" o "Turista Feliz", pero las cuatro canciones señaladas son sin duda mi debilidad. Actualmente Abraham Boba reside en Madrid y está a punto de sacar al mercado su segundo disco, que llevará por título "La Educación", el cual esperamos ansiosamente.

Si después de todo esto no os morís de ganas por escuchar el debut de Abraham Boba, os dejo unos cuantos enlaces que certifican que no estoy exagerando, y que además os permitirán conocer un poquito más acerca de este interesante músico. El primer enlace os conducirá a la página dedicada a Abraham Boba en la web de Limbo Starr Records (echad un vistazo al dossier de prensa que está muy completo), donde además podéis comprar el disco, el segundo enlace es el del Myspace del propio Abraham Boba, el tercero recoge una amplia reseña de Abraham Boba en el suplemento cultural del diario El País, Babelia, y en el último de los enlaces encontraréis una entrevista a Abraham Boba en la web Festivales de Pop. Y cómo no, un video magnífico del tema "Fuga de Alcatraz" para que vayáis abriendo boca. Espero que os guste.





PÁGINA DEDICADA A ABRAHAM BOBA EN LIMBO STARR RECORDS

MYSPACE DE ABRAHAM BOBA


ABRAHAM BOBA EN BABELIA

ENTREVISTA A ABRAHAM BOBA EN FESTIVALESDEPOP.COM


ABRAHAM BOBA- S / T

martes, 14 de octubre de 2008

Smog- Red Apple Falls (1997)


Smog es una de esas palabrejas que los anglosajones se sacan de la manga contrayendo dos términos, en este caso "Smoke" y "Fog", o en lengua cristiana, humo y niebla; con ella se define la contaminación atmosférica que se produce en algunas ciudades como resultado de la combinación de unas determinadas circunstancias climatológicas y unos concretos contaminantes. Pero Smog es además el alias de nuestro invitado de hoy, Bill Callahan, que ha grabado la friolera de 12 discos bajo el contraído seudónimo, un tipo tan interesante como misterioso, tan talentoso como humilde.

A Bill Callahan se le considera pionero del lo-fi, permitidme que yo no opine al respecto, ya que no tengo muy claro qué es eso del lo-fi (¿o son los propios críticos quienes no lo tienen muy claro?), pero desde luego un disco como el que hoy encontraréis en Rainy Day Music, con una producción soberbia, una instrumentación austera pero contundente, arreglos de metales, unos teclados gloriosos y una voz limpia y casi de barítono, es de todo menos lo-fi. De todas maneras hay que reconocer que los comienzos de nuestro antihéroe sí que fueron un poco de baja fidelidad, ya que realizó él mismo sus primeras grabaciones en unas cassettes cochambrosas. Estas grabaciones las llevó a cabo con medios muy precarios, de ahí su peculiar sonido, ya que sentía un enorme temor a pisar un estudio de grabación; sin ser consciente de ello, Bill Callahan había dado forma a una nueva corriente musical que en lo sucesivo gozaría de numerosos seguidores, había nacido el lo-fi para mayor gloria de los críticos musicales y los cazadores de tendencias. Sea como fuere, Bill Callahan grabó estos artefactos sonoros durante un par de años, el tiempo transcurrido entre 1988 y 1990, y los títulos de las cintas de la discordia son los siguientes: "Macramé Gunplay" (1988), "Cow" (1989), "A Table Setting" (1990) y "Tired Tape Machine" (1990). Afortunadamente llegó el día en que Bill Callahan venció sus miedos y se atrevió a poner un pie en un estudio de grabación, el cassette entonaba el canto del cisne y un nuevo soporte se apoderaba del mercado, era el Compact Disc que además pretendía dar la puntilla a un viejo pionero que se resistía a morir, el vinilo. La primera visita de Callahan al estudio dio como resultado la aparición de su primer trabajo profesional, "Sewn to the Sky", corría el año 1990.

Como amateur o como profesional, Bill Callahan tenía muy claro cómo quería sonar, cuál era la estructura de sus canciones y las letras de las mismas, pero poco a poco se iba a acercar a composiciones más tradicionales y, en un futuro no muy lejano, comenzaría a introducir arreglos de cuerda que enriquecerían la paleta de colores con la que iluminaba sus canciones. Ese proceso de cambio comienza en 1991 con la aparición del E.P. "Floating", que supuso el fichaje de Smog por el sello de Chicago Drag City, y se corrobora con su segundo largo, "Forgotten Foundation" (1992), donde Bill Callahan explora caminos más melódicos. Tan sólo un año más tarde, Smog edita el que será su primer gran disco, "Julius Caesar", la colaboración de Cynthia Dall y Jim O'Rourke supondrá la clave en el salto de calidad conseguido por Bill Callahan, quien se consagra como uno de los mejores compositores y letristas de su generación. En 1994 verá la luz el E.P. "Burning Kingdom", en el que se siguen explorando las atmósferas inquietantes y los ambientes oscuros, serán seis canciones de transición entre dos grandes trabajos, ya que en 1995 se edita "Wild Love", uno de los trabajos de Smog mejor recibidos por la crítica. "Wild Love" muestra a un Bill Callahan alejado de los postulados del sonido cochambroso, un músico que es consciente de sus aptitudes y que experimenta en busca de mejores sonidos, un artista que gana en limpieza y se acerca al pop de cámara, a sonoridades más complejas donde conviven diversos instrumentos en perfecta armonía. "Julius Caesar" fue la semilla y "Wild Love" el fertilizante que propiciaría la germinación de un nuevo Bill Callahan y de una serie de discos que se encuentran, por derecho propio, entre lo mejorcito de cuanto se grabó en los anodinos años noventa. En 1996 sale al mercado un nuevo E.P. titulado "Kicking a Couple Around", un set compuesto por cuatro temas que originalmente fueron grabados para una sesión de la BBC Radio, una verdadera oda a los sonidos acústicos en la que figura una de las canciones más cálidas de Bill Callahan, "I Break Horses". En este mismo año Smog dará forma a su nuevo largo, "Doctor Came at Dawn", uno de sus trabajos más complejos, tanto en las letras como en lo musical, muchos críticos consideran este album como uno de los más oscuros de Bill Callahan, pero a la vez como uno de los más maduros; el prólogo perfecto para su gran obra maestra: "Red Apple Falls".

"Red Apple Falls" está producido por Jim O'Rourke, miembro de los míticos Red Crayola y responsable de la mezcla de discos tan importantes como "Yankee Hotel Foxtrot" o "A Ghost Is Born", ambos de Wilco. Es un trabajo que abandona definitivamente los sonidos experimentales de los primeros discos de Smog y que apuesta decididamente por una música introspectiva pero cristalina, donde conviven a la perfección los sonidos acústicos con el piano, los violines y los metales. Podríamos decir que con este disco Bill Callahan formula los mandamientos de su personal sonido, en el que las baladas agridulces tendrán un protagonismo estelar y en el que el humor negro campa a sus anchas, resultando a veces desconcertante, hasta el punto de hacer que nos preguntemos si Callahan se autocompadece o se autoparodia en sus canciones. Muchos críticos no han entendido la ironía y el sarcasmo de Bill Callahan, algunos suelen tachar la música de Smog de tremendamente introspectiva y con evidentes signos depresivos, incluso un iluminado del lenguaje de la crítica la definió como "una visión de un mundo insular de alienación", en fin... Yo pienso que no hay mejor crítico que el propio oyente, así que juzgad vosotros mismos si Bill Callahan está al borde del precipicio maníaco-depresivo, o si por el contrario goza de una maravillosa lucidez mental que le permite burlarse de una manera inteligente de las miserias emocionales del ser humano. Polémicas al margen, "Red Apple Falls" bebe del folk, del rock y del country a partes iguales, lo que hace realmente difícil su catalogación dentro de un estilo. El disco comienza con "The Morning Paper" una hipnótica canción en la que apenas tres notas y unos austeros arreglos de corneta y piano nos dejan paralizados, un principio brillante que obtiene su confirmación con "Blood Red Bird", una de las mejores composiciones de Bill Callahan. La hermosa decadencia de "Red Apples" y su ritmo pausado también figuran entre lo mejor del disco, sus notas son la puerta de entrada a una de las habitaciones más confortables de este edificio sonoro levantado por Bill Callahan, "I Was a Stranger", que cuenta con una maravillosa voz que se pregunta: "Why do you women in this town let me look at you so bold?/You should have seen what I was in the last town/Or in the last town/I was worse than a stranger/I was well known,". El quinto corte del disco es "To Be of Use", donde nos enfrentamos a un cantante sincero, cercano, que nos susurra al oído sus miedos y su dolor, a continuación, la canción que da título al disco, que personalmente me parece la más floja (lo que no quiere decir que sea mala, ojo), a la que le sigue "Ex-Con", quizás el tema más arriesgado del disco, que mezcla sintetizadores con unas maravillosas cornetas, ofreciéndonos quizás el momento más optimista de "Red Apple Falls". "Inspirational" es el penúltimo tema del disco y huele a desierto, con unas guitarras que nos acercan a Calexico y un cuidado arreglo vocal, es la antesala de "Finer Days", el corte que cierra el disco, un tema que compositivamente es muy similar a "The Morning Paper", por lo que funciona como el extremo de un bucle perfecto que cierra uno de esos discos a los que volvemos una y otra vez.

A "Red Apple Falls" le seguiría en 1999 otro gran trabajo, también producido por Jim O'Rourke, titulado "Knock Knock", un disco muy apreciado por la crítica, pero que cuenta con una de las peores portadas de la historia de la música. En 2000 Smog continúa por el buen camino editando "Dongs of Sevotion", que según los expertos combina los arreglos de cámara de "Wild Love", con la dolorosa honestidad de "Doctor Came at Dawn", los momentos folkies de "Red Apple Falls" y el humor negro de "Knock Knock", todo ello bajo una portada en la línea del E.P. "Burning Kingdom". También con el cambio de milenio verián la luz dos E.P.'s, se trata de "The Manta Rays of Time" y "'Neath the Puke Tree", un año más tarde Bill Callahan cambia sutilmente el nombre de su proyecto colocándolo entre unos enigmáticos paréntesis, así el nuevo trabajo de (Smog) lleva por título "Rain on Lens" y es un disco que apuesta por la sencillez compositiva y los temas emotivos y reflexivos. En 2002 ve la luz el inevitable disco de singles y rarezas, se titulará "Accumulation: None" y contará como principal atractivo con cinco temas inéditos. Los dos últimos discos de (Smog) son "Supper" (2003) y "A River Ain't Too Much to Love" (2005). En 2007 Bill Callahan deja de firmar como Smog (con o sin paréntesis) y comienza a utilizar su auténtico nombre, bajo esta nueva nomenclatura tomará forma el E.P. "Diamond Dancer" y el largo "Woke on a Whaleheart", su último trabajo hasta la fecha.

Los extras de este post vienen cargaditos, en primer lugar el video de "Rock Bottom Riser", uno de los temas incluídos en el disco "A River Ain’t Too Much Too Love" (2005), y un poquito más abajo ni más ni menos que cuatro enlaces: el primero a Keep Some Steady Friends Around, una página web dedicada a Smog donde podréis encontrar una gran cantidad de información, eso sí, en inglés; el segundo de los enlaces os conducirá al apartado que el sello Drag City Records dedica en su página web a Smog, no os lo perdáis; el tercer link pertenece a un especial, con entrevista incluída, dedicado a Bill Callahan en la página web de habla hispana Super45; y el último de los enlaces también os transportará a un completísimo especial dedicado a Smog en la página web de la BBC, por supuesto está en inglés pero incluye videos y canciones. Os dejo con este maravilloso disco, espero que os guste.




KEEP SOME STEADY FRIENDS AROUND: A SMOG WEBSITE

SMOG EN LA PÁGINA WEB DE DRAG CITY RECORDS


ESPECIAL BILL CALLAHAN + ENTREVISTA EN SUPER 45

ESPECIAL SMOG EN BBC


SMOG- RED APPLE FALLS