Terry Callier- What Color Is Love (1973)

El mundo está repleto de pequeños héroes, mártires de andar por casa, leyendas de bolsillo, nombres que no aparecen en primera plana en los periódicos de tirada nacional, ciudadanos de a pie cuyos méritos nunca han sido reconocidos; héroes a pesar de todo, seres humanos capaces de renunciar a sus sueños por amor ¿Acaso hay algo más hermoso, más digno, más heroico? Basta con perdernos por las calles de cualquier ciudad, por insignificante que ésta sea, para darnos de bruces con cientos de estos valientes, de cualquier raza, de cualquier condición, víctimas de la indiferencia que con asombrosa humildad pasean sus logros. El universo musical no es ajeno a estos héroes, más bien al contrario, resulta el caldo de cultivo perfecto para ignorar y marginar a todos aquellos que tienen un planteamiento diferente, aquellos que se salen de lo convencional y que no encuentran su hueco en un mercado cruel y despiadado que sólo entiende de cifras. Afortunadamente en algunas ocasiones el tiempo, juez implacable, se encarga de recuperar y reinsertar en el olimpo musical a alguno de estos héroes, es un final feliz, aunque este reconocimiento llegue, la mayoría de las veces, cuando el guerrero en cuestión ya peina canas. Terry Callier es uno de nuestros héroes, y lo es por méritos propios, tras haber permanecido sumido en el más absoluto olvido, desde que abandonase el panorama de la música
a finales de los 70's hasta su vuelta en los 90's, ha regresado convertido en referente del soul más elegante y refinado.

Terry Callier nace en el North Side de Chicago el 24 de Mayo de 1945, el destino le sitúa en el mismo barrio que Curtis Mayfield, Ramsey Lewis y Jerry Butler. A los tres años comienza a estudiar piano y a los once compone sus propias canciones, al mismo tiempo comienza a flirtear con algunas formaciones de doo wop y empieza a tocar la guitarra, un muchacho precoz en toda regla. Con 17 años, Callier llama la atención de uno de los responsables de Chess Records, Charles Stepney, quien le producirá su single de debut, "Look At Me Now". En 1964 Terry Callier conoce a Samuel Charters, el productor del sello Prestige, y un año más tarde se encierra en el estudio para grabar su primer LP, titulado "The New Folk Sound of Terry Callier", es el comienzo de la mala relación de nuestro héroe con la industria de la música. Samuel Charters se va de viaje a México, y se lleva en su equipaje los masters del disco, el primer LP de Terry Callier permanece inédito hasta 1968, tres años de larga espera. Terry Callier no sucumbió a este primer revés y siguió trabajando en nuevo material, en 1970 crea junto a su compañero Larry Wade y Jerry Butler la Chicago Songwriters Workshop, que compondrá canciones para sellos locales como Chess o Cadet, su mayor éxito fue el hit de The Dells "The Love We Had Stays On My Mind", corría el año 1972. El éxito del tema compuesto para The Dells hace que Charles Stepney, que trabajaba entonces como productor para Cadet, y Terry Callier se reúnan de nuevo
, será para grabar el segundo LP de Terry, "Occasional Rain", con él abre una nueva brecha en la que se dan cita la calidez del folk, la intensidad del jazz y la emotividad del soul, Terry Callier había acuñado el folk jazz. El disco obtuvo buenas críticas, aunque ese buen recibimiento no fue refrendado por las ventas, a pesar de ello Terry Callier sigue trabajando, componiendo nuevos temas para su siguiente disco, un LP titulado "What Color Is Love", uno de los mejores discos de soul de la historia.

"What Color Is Love" es un disco que desafía a cualquier cliché musical, un LP que hace añicos cualquiera de los parámetros de cualquier etiqueta que se nos pueda ocurrir. ¿Qué es exactamente el tercer trabajo de Terry Callier? ¿Soul? ¿Jazz? ¿R'n'B? ¿Funk? ¿Folk? Resulta muy difícil dar una sola respuesta, ahí radica la grandeza de este album. La voz de Terry Callier lleva el timón de este barco, maravillosamente acompañada por una orquestación de lujo pertrechada por Charles Stepney, la nómina de músicos es interminable, entre ellos violines, violas, flauta, saxo, tubas, harpa, cornetines, trompetas y una sección rítmica que quita el hipo. El disco comienza con una propuesta arriesgada, un tema de 9 minutos de duración, "Dancing Girl", una verdadera delicia con unos arreglos de matricula de honor. Las cuerdas vocales de Terry Callier vibran con intensidad, atrapándonos irremediablemente, cuando llevamos cinco minutos de canción ya somos devotos de San Terry Callier y estamos expuestos a los efectos curativos de "What Color Is Love", verdadera medicina para el alma. El disco continúa con "What Color Is Love", una preciosa canción que confirma que los nueve minutos que abren este LP no son un sueño, Terry Callier se mueve por múltiples registros, y lo hace con la familiaridad y la humildad de quien no es consciente de que está grabando una obra maestra, uno de los mejores discos del siglo XX. El tercer corte, "You Goin' Miss Your Candyman" es el más animado del disco, una canción que juguetea con ráfagas de funk y que se acerca al soul más bailongo. "Just As Long As We're In Love" es una lección magistral, una muestra de cómo debe ser una canción de amor, pocos cantantes en la historia de la música han sabido interpretar este género como Terry Callier, a ella le sigue "Ho Tsing Mee (A Song Of The Sun), un tema antibelicista que muestra al Callier más comprometido, una canción que está entre lo mejorcito del disco. Por último, cierran el album dos canciones más, "I'd rather Be With You" y "You Don't Care", que se encargan de poner el broche de oro a un disco irrepetible, un completo compendio de emociones humanas interpretadas de manera magistral por una voz prodigiosa, rica en matices y con un timbre inimitable, todo ello sazonado por una orquestación de una calidad mayúscula, que sabe nadar perfectamente entre los excesos barrocos y el intimismo folk, creando una sonoridad propia. La primera vez que escuché "What Color Is Love" me quedé sorprendido, en primer lugar por no haber oído hablar antes de Terry Callier, y en segundo lugar porque me resultaba imposible etiquetar este disco, un album que a ratos me recordaba al debut de Curtis Mayfield en solitario y que en ocasiones me arrastraba al "Astral Weeks" de Van Morrison, desde el principio tuve claro que me encontraba ante un disco grande, diferente a muchos de sus coetáneos, un album grabado por un tipo en estado de gracia, una obra maestra.

La crítica no fue ajena a la calidad de "What Color Is Love", pero una vez más las ventas no respondieron a las expectativas, en 1974 Terry Callier se encerraba de nuevo en el estudio para grabar su cuarto LP, titulado "I Just Can't Help Myself", un disco que seguía explorando la brecha abierta por sus dos antecesores. Poco más tarde Terry Callier abandona Cadet, el sello donde había grabado sus tres últimos discos, para firmar con Elektra, esta decisión coincidirá con el abandono de Jerry Butler de la Chicago Songwriters Workshop, un hecho que afectará anímicamente a Callier, quien había depositado muchas ilusiones en la Workshop. Tras un período muy duro, lleno de reveses personales, económicos y laborales, Terry Callier regresa con "Fire On Ice" en 1978, un disco con una ambiciosa propuesta orquestal, al que le seguirá un año más tarde "Turn You To Love", quizás su trabajo más flojo de esta época. Comienza una nueva década, y lo hace con una buena noticia para Terry Callier, su esposa está embarazada, la idea de ser padre le llena de alegría, pero al mismo tiempo le hace replantearse muchas cosas. Es entonces cuando llega el gesto heroíco de nuestro hombre, tras el nacimiento de su hija Terry Callier coloca en una balanza las alegrías y las miserias que le han reportado el negocio de la música, tiene claro que ha nacido para componer y tocar, pero no a cualquier precio, y menos ahora que una diminuta persona depende de él. Tras pensarlo detenidamente, Terry abandona el negocio de la música y acepta un trabajo como programador informático para la Universidad de Chicago, sólo un héroe es capaz de supeditar su felicidad a la de los demás. Pasan los años y el mundo de la música va arrojando paladas de tierra sobre Terry Callier, entretanto Terry lleva una vida convencional, rodeado de los suyos, con un trabajo estable, componiendo de vez en cuando y cursando estudios de sociología para obtener un graduado, hasta que en 1991 todo cambia de un plumazo. Terry recibe una llamada de Eddie Pillar, capo del sello británico Acid Jazz, quien le pide permiso para reeditar su single "I Don't Wanna See Myself (Without You)", una rareza autofinanciada por Callier en 1983, nostalgia de los viejos tiempos. La reedición del single se convierte en un verdadero éxito que suena sin parar en todos los clubes del Reino Unido, esto provocará una lógica curiosidad, sobre todo por parte de las jóvenes generaciones, por conocer a su autor, cuya carrera se revisará y se reivindicará, lo que provocará la reedición de los primeros trabajos de este genio; el tiempo colocaba a nuestro héroe de nuevo en el disparadero, devolviéndole una oportunidad que se le había negado hacía ya quince años.

Desde entonces Terry Callier ha grabado siete discos, ha colaborado con artistas como Beth Orton o Massive Attack, y ha obtenido el reconocimiento unánime de la crítica especializada, aunque parece que el del gran público sigue resistiéndosele, esperemos que no se repita la injusticia que se cometió con este gran músico hace treinta años. Os dejo tres enlaces para que conozcáis mejor la vida y milagros de Terry Callier, uno de ellos os conducirá a su página web oficial, un segundo lo hará a su myspace, pero sobre todo estad atentos al tercer enlace porque es una maravilla, es un completísimo especial aparecido en la magnífica web ¡Tomajazz! y escrito por Sergio Masferrer en 2005, allí encontraréis una breve pero soberbia reseña biográfica del maestro junto con una completísima entrevista telefónica, haceos un favor y no os lo perdáis. Y por último dos vídeos, como era de esperar no he encontrado material del Terry Callier de los 70's, pero sí que me he encontrado con unas cuantas filmaciones actuales que muestran a un músico y cantante en buen estado de forma, lejos de revivals o de regresos por intereses económicos, lo que nos encontramos es a un artista que aprovecha perfectamente la segunda oportunidad que le brinda la vida para hacer lo que nunca debería haber dejado de hacer: cantar. Pasaos por Youtube, tenéis un montón de vídeos, yo he seleccionado dos, en uno veréis a Terry Callier interpretando el tema "You Gonna Miss Your Candyman", incluído precisamente en "What Color Is Love", y en el segundo podréis disfrutar de un ambiente más íntimo en el que aparece Terry y su banda interpretando "Jazz My Rhythm And Blues", incluído en su disco "Lookin' Out" de 2005. Espero que os guste.




PÁGINA WEB OFICIAL DE TERRY CALLIER

MYSPACE DE TERRY CALLIER

TERRY CALLIER EN TOMAJAZZ




TERRY CALLIER- WHAT COLOR IS LOVE

Dayna Kurtz- Another Black Feather... (2006)

Realmente ya no sé que me queda por decir de esta increíble mujer. He dado todos los datos que he sido capaz de encontrar sobre ella, he dejado enlaces a vídeos, a entrevistas, prácticamente me he entregado en cada uno de los post que le he dedicado, hasta el punto de sentirme como si le hubiera brindado una declaración de amor incondicional. Todo esto hace que sea difícil, muy difícil, escribir un nuevo post sobre Dayna Kurtz, lo fácil sería caer otra vez en la repetición, esbozar una nueva oda a su incombustible voz, a su eclecticismo musical y deshacerme en halagos hacia una artista que está llamada a ser una referencia eterna en la música de nuestro tiempo. Tengo por lo tanto dos problemas: el primero es que no me gusta resultar aburrido y el segundo que no me gustan las cosas fáciles, por lo tanto este post es un verdadero desafío, espero estar inspirado.

En primer lugar parto con una ventaja, si sois lectores asiduos de este blog, no creo que tenga que presentaros a Dayna Kurtz, por ello me ahorraré la cortesía habitual de las presentaciones. Tampoco creo que sea necesario hablar de sus anteriores trabajos, creo que los dos primeros discos de Dayna Kurtz están entre los posts con más comentarios de este blog, lo que indica que han sido muy bien acogidos y que han tenido un enorme éxito de crítica y público. Por ello me veo obligado a hablaros directamente de éste, que es el último trabajo hasta la fecha de Dayna Kurtz, "Another Black Feather...". Tras el éxito de sus dos primeros trabajos, Dayna Kurtz se enfrentó hace un par de años a la responsabilidad de poner en la calle un nuevo disco. Ella sabía que la crítica iba a ser muy exigente con ella, dos discos bien trabajados e inspirados ya no son una mera casualidad, por lo que este tercer disco de estudio generaba una gran expectación entre los críticos musicales y una gran presión en la cantante neoyorquina. Dayna Kurtz resolvió que la manera de salvar esa presión era la honestidad y la sinceridad, quizás lo más fácil (o al menos el camino que habrían tomado otros músicos) hubiera sido hacer un corta-pega de sus dos primeros trabajos, pero ella decidió buscar el aislamiento y la inspiración para extraer todos y cada uno de los sentimientos que se esconden en su interior, y lo hizo abandonando su querida Nueva York y marchándose al desierto de Arizona. Alejada de la multitud y de la vida ociosa de la Gran Manzana, a Dayna no le quedaba más remedio que tocar y componer, disfrutar, y a veces sufrir, el silencio y la soledad que la rodeaban y que le ayudaban, de una forma casi chamánica, a dar forma a su nuevo disco. Si somos capaces de agarrarnos de la mano de Dayna Kurtz mientras escuchamos este disco, podremos respirar el desierto de Arizona en algunas composiciones, un aroma que no encontrábamos en sus anteriores trabajos y que se destapa en composiciones como "Showdown"; una novedad que convive a la perfección con los paisajes cotidianos que acostumbra a dibujar Dayna Kurtz en sus discos. Del country al blues, de la melancolía de la chanson a la fuerza del rock, del descaro cabaretero al intimismo acústico; pocos artistas son capaces de ofrecer más en menos de 45 minutos, pocas cantantes se sienten cómodas en todos estos registros, y lo más importante, nadie, absolutamente nadie, en el panorama musical de la actualidad tiene un tesoro en la garganta como el de Dayna Kurtz, todas éstas son razones más que suficientes para escuchar "Another Black Feather...". El disco está producido, una vez más, por Randy Crafton y cuenta con la colaboración de los siguientes músicos: el bajista Dave Richards, Peter Vitalone a los teclados y acordeón, el cantautor Malcolm Holcombe, Matt Darriau y Frank London, de los Klezmatics; Jorge Alfano al charango, Rob Curto al acordeón, y por último con los miembros de la banda Tarantula AD, Danny Bensi, Saunder Jurriaans y Gregory Rogove. En cuanto a las composiciones, son, de nuevo, soberbias, con un toque de sobriedad allí donde es necesario y con una pizca de desgarro cuando la situación lo requiere; Dayna Kurtz se desnuda de tal manera que en ocasiones nos hace sentir como meros voyeurs, incapaces de hacer nada ante la contemplación de tanta belleza, en ocasiones descarnada y en otros momentos frágil y huidiza.

En definitiva el tercer disco de estudio de Dayna Kurtz, el cuarto de su carrera, es de nuevo una demostración de fuerza y talento, tal vez sea la consagración, como indican muchos críticos, de esta diva de la canción americana; para mí en cambio Dayna Kurtz está en las antípodas de un término como el de diva, su talento la aleja enormemente de la frivolidad y de la lejanía de las que suelen hacer galas las divas, ella es cercana y muestra una sinceridad insusual en los tiempos que corren, y más si cabe en el negocio de la música. Dayna Kurtz es como esa amiga que está tocada por un ángel especial y que siente cierto pudor a reconocerlo, Dayna Kurtz sigue siendo esa artista que todavía se sonroja al escuchar los aplausos de un público entregado y enamorado de su voz y de su talento. Que así sea por muchos años. Dicho esto, os dejo con un video en el que Dayna Kurtz interpreta en un directo acústico uno de los mejores temas de este disco (tenéis que verla en directo, de verdad, hacedme caso), "Nola", su particular homenaje a una ciudad que cuando salió este disco a la calle se enfrentaba a una de las peores pesadillas de su historia, Nueva Orleans; gracias Mr.Bush. Espero que os guste y que lo disfrutéis, es un verdadero regalo para los sentidos. ¿Qué tal lo he hecho?.




DAYNA KURTZ- ANOTHER BLACK FEATHER...

Dayna Kurtz- Postcards From Downtown (2003)

Hola a todos de nuevo. Una vez acabado este primer período vacacional, en el que por cierto ha llovido y mucho, retomo la nave donde la dejé, agradeciéndoos una vez más vuestras visitas y vuestros comentarios. Los blogs no tienen sentido sin visitantes (en caso contrario nos encontraríamos ante una extraña mezcla de onanismo dialéctico al servicio de una conducta cybernarcisista, ¿existe eso, doctor?) y hay que estar muy pendiente de vuestras opiniones, quejas, impresiones y pareceres; es por ello que hoy vuelvo al ruedo con este disco, ya que el anterior trabajo de Dayna Kurtz que apareció por este blog es el post con más comentarios hasta la fecha y, afortunadamente, todos son muy positivos.

"Postcards from Downtown" es el primer trabajo de estudio de Dayna Kurtz, un disco que dejó boquiabiertos a muchos críticos y que fue valorado como uno de los mejores trabajos del año 2003. Es la tarjeta de presentación de esta mujer que está llamada a ser, si no lo es ya, uno de los grandes nombres de la música de nuestro tiempo, una gran dama que sabe combinar perfectamente los ingredientes necesarios para facturar discos de una belleza estremecedora. Diez temas propios, ni una sola versión, coronan un disco que roza la perfección y que, a pesar de algunas referencias, demuestran que esta mujer posee una personalidad extraordinaria y arrebatadora, aparte de una voz única que debería ser declarada Patrimonio de la Humanidad. Personalmente me resulta complicado hablar de Dayna Kurtz ya que enseguida me deshago en elogios hacia ella y pierdo cualquier resquicio de objetividad, por ello os voy a dejar con una reseña de Ophelia Management, en la que se repasa su trayectoria; es la típica información que se hace llegar a los promotores de conciertos con el fin de que contraten a los artistas que ellos representan, a mí desde luego me convencerían de inmediato.

" Sé cómo encajar toda clase de ofertas despiadadas... ("Postcards From Downtown")

Si alguien nos pidiese que citásemos un artista que abarcase en su obra todo lo mejor de la música del siglo pasado, no lo deberíamos dudar ni un segundo: Dayna Kurtz.
¿Cómo es posible? Ella diría que Postcards From Downtown es su primer álbum, aunque, si se indaga un poco más, podríamos discutirlo. Hay seguidores que guardan celosamente alguna grabación en directo; otras se pueden encontrar en páginas de subastas de Internet. Parece ser que existen, también, diversas casetes de sesiones registradas con distintos músicos y productores como Bob Power (D'Angelo, Me'shell N'degeOcello, Erykah Badu) o Craig Street (Cassandra Wilson, Joe Henry, kd Lang). Además, en la propia web de la cantante hay a la venta una grabación de un recital titulado Otherwise Luscious Life.
Todo esto quiere decir que Dayna Kurtz no es una recién llegada. Es más, lleva más de diez años dando conciertos y siguiendo la estela de los músicos de antes de que apareciera el registro sonoro: dar a conocer sus canciones y exponerlas al público. La edición de discos ha sido, hasta ahora, secundario, ni tan siquiera una meta.
Esta mujer, que se define a sí misma como un "animal de carretera" ha pasado esta última década conociendo las pequeñas salas de conciertos de su país y sus ciudades, recorriéndolo en coches de segunda mano y enfrentándose a audiencias ruidosas que no sabían quién era, pero a las que conseguía acallar desde la primera canción. Ha hecho giras sola y abriendo para otros artistas como Chris Whitley, Richie Havens, B.B. King o Ladysmith Black Mambazo.
Ya en 1997, sus compañeros, alertados por lo que se avecinaba, la eligieron mejor compositora del año y la compañía Bug Music (Johnny Cash, Ryan Adams, Buddy Guy, Los Lobos, Wilco) se hizo con los derechos de edición de sus canciones, aunque ella prefirió seguir con sus recitales o retirada en el molino en el que vive y encuentra inspiración, en una ciudad al norte del Estado de Jersey.
Si representa tan bien la música del último siglo, es porque su voz tiene el calor y el compás de las viejas divas del jazz, como Billie Holiday, Betty Carter o Nina Simone, del blues, como Bessie Smith, o del soul, como Aretha Franklin. A ello se le debe añadir el efecto dramático que sólo Tom Waits o Marianne Faithfull poseen, la belleza de los textos de Suzanne Vega, el ingenio poético de Leonard Cohen, la intensidad de Jeff Buckley y Van Morrison, ecos de Patti Smith, Laura Nyro, Joni Mitchell.
Pero, por mucho que evoque a otros, Dayna Kurtz no suena a nadie más. Además, es una excelente guitarrista, intercalando sus textos en unas melodías a ratos lánguidas, en otras ocasiones desgarradas. En los últimos tiempos le ha añadido a sus canciones el color de una guitarra slide, con lo que sus canciones se han reforzado.
En Postcards From Downtown, el álbum que la presentó en sociedad ya hace tiempo, despliega todo su arsenal. Desde el estribillo lleno de rabia de "Miss Liberty" al emocionante blues de "Last Good Taste", del contagioso vals "Fred Astaire" a la balada country "Just Like Jack", Dayna Kurtz utiliza su amplio registro vocal y su desbordante guitarra para mostrarse en todo su esplendor.
Hasta entonces Dayna Kurtz era el secreto mejor guardado de la música americana, pero con Postcards From Downtown el secreto se reveló en toda su magnitud a todo aquel que quiso descubrirlo. Lo que hace de este disco algo tan especial no es sólo su voz y su guitarra, sino su habilidad para contar historias y para escoger los instrumentos adecuados para que emitan los sonidos más adecuados en el momento justo. Lo que sitúa a Postcards From Downtown en una liga diferente es que, como las mejores novelas negras americanas, puede olerse, saborearse y sentirse.
Está impregnado de peligro, sexo voraz y personajes desquiciados que protagonizan cada una de sus postales dando vida a un paisaje de confusión doloroso. La tensión que se apodera de la atmósfera desde que suena el violonchelo de la canción que lo abre, "Fred Astaire", nunca decae. Los protagonistas de sus canciones se muestran desesperados, buscando alguien o algo a lo que agarrarse, aunque la mayor parte del tiempo sólo consiguen asirse al fino aire. Algunas veces, incluso acaban ahogándose con sus botas puestas, como en "Somebody Leave A Light On."
Postcards From Amsterdam, un DVD que incluye una actuación ofrecida en la Sala Paradiso de Ámsterdam, fue editado a continuación. El recital fue grabado por técnicos holandeses -conviene recordar que, hasta el momento, ése es el país en el que mejor respuesta encuentra- y, junto a sus habituales Dave Richards al bajo y Randy Crafton a la batería, aparece el músico holandés Roel Spanjers tocando teclado y acordeón.
Para su segundo disco oficial, Beautiful Yesterday, Dayna Kurtz acudió tanto a las canciones compuestas por ella, emocionantes una vez más, como a las versiones de gente tan distinta como Leonard Cohen, Prince o Billie Holiday. En todas, tanto las que mejor salen paradas del envite como aquellas que le quedan más lejanas, sorprende, y eso es algo de lo que pocos artistas pueden presumir. Por lo tanto, parece viva la llama de contar con amigos, conocidos y autores de verdad, lejos de los oropeles, y seguir siendo el secreto más estimulante de la música norteamericana actual sólo al alcance de quien va más allá.
Después llegó el turno de "Another Black Feather", su tercer y último disco, en el que la profundidad y el color de su voz emocionan con nuevos paisajes sonoros que van del drama a la lírica poética, pasando por los espacios abiertos y por claroscuros urbanos, en un abanico que va de la canción de autor a la balada de inspiración country. Una voz que supera todas las etiquetas. Sobrecogedor. " (OPHELIA MANAGEMENT)

Espero que disfrutéis con este disco, canciones como "Love Gets In The Way" (creo que nunca me cansaré de oír esta canción, simplemente es una de las cosas más bellas que he oído en mi vida), "Postcards from Downtown" o "Last Good Taste", están entre mis favoritas y forman parte del repertorio musical que me llevaría a una isla desierta. Ojalá os guste tanto como "Beautiful Yesterday".

ENTREVISTA A DAYNA KURTZ EN MONDO SONORO



DAYNA KURTZ- POSTCARDS FROM DOWNTOWN

Dayna Kurtz- Beautiful Yesterday (2004)

A veces a uno le resulta complicado entender por qué hay ciertos músicos que triunfan mientras otros no pasan de ser figuras de culto, eternas promesas o genios desconocidos para el gran publico; el negocio de la música tiene esos misterios. Dayna Kurtz es, al menos para mí, uno de esos casos. ¿Por qué Norah Jones (por cierto, amiga de Dayna Kurtz) vende discos como rosquillas y Dayna Kurtz no? es difícil de comprender, ya que la música de Dayna Kurtz es, en cierta manera, accesible y universal, su voz es una de las mejores del panorama musical estadounidense, su directo es muy solvente (en ocasiones se podría decir que incluso brillante) y su carisma es cautivador. Pero todo ello no parece suficiente para interesar a los grandes medios, aquellos que encumbran o decapitan a ciertos artistas, lo merezcan o no. Puede que la explicación a todo ello recaiga en el carácter independiente de Dayna Kurtz, que seguramente no se plegaría a las exigencias de ningún monstruo mediático, ni de ningún productor avispado; esta mujer representa el lado áspero y crítico de los Estados Unidos de América, ése que no interesa que salga a la luz, ése que se oculta debajo de la alfombra.

Aunque esta cantante haya sido definida como la mejor de su generación, resulta tremendamente complicado encontrar información sobre ella, para hacernos una idea no tiene entrada en wikipedia, y en allmusicguide no se nos cuenta absolutamente nada de su biografía; incomprensible. Es difícil saber cuándo decidió Dayna Kurtz dedicarse al mundo de la música, esta neoyorquina, originaria de Brooklyn, parece haber surgido de la nada, un misterio que contribuye a hacerla más interesante si cabe. Todo parece indicar que esta mujer de aspecto impresionante comenzó a tocar en todo tipo de tugurios, su objetivo no era grabar un disco y hacerse famosa, sino el contacto con el público, disfrutar de la mejor escuela que un artista puede tener. Poco a poco Dayna Kurtz se fue haciendo un nombre, comenzó a colaborar con algunos músicos estadounidenses y emprendió una personal y peculiar carrera dicográfica. Es complicado saber cuál es el debut discográfico de Dayna, aunque parece que últimamente la prensa especializada se ha puesto de acuerdo y señalan "Otherwise Luscious Life" (2000) como su bautismo en la jungla discográfica. Este primer disco es un directo en el que se seleccionan varias actuaciones que muestran lo mejor de un repertorio que todavía se estaba cocinando y que la cantante plasmaría en su siguiente trabajo "Postcards From Downtown" (2002). Ese segundo disco cambió la carrera de Dayna Kurtz, ya que le permitió acceder a otro mercado y a otro público: el europeo. Las críticas que el disco recibió en Europa fueron excelentes, llegando a ser elegido como uno de los mejores trabajos del año; después de diez años trabajando, a Dayna le había llegado el reconocimiento, eso sí, a miles de kilómetros de su casa, en Europa Dayna Kurtz era una de las mejores intérpretes de la década, en Estados Unidos no pasaba de ser una figura de culto, conocida por ser amiga de Norah Jones. No obstante la neoyorquina, que siempre ha hecho gala de un fuerte carácter, ignoraba tal injusticia, dejando claro que nunca había perseguido el tan manido sueño americano. Quizás fuese ese carácter o su marcada independencia artística, la que le llevó en 2004 a poner en el mercado este disco, que es prácticamente un disco de versiones, además de lo más variopintas.

"Beautiful Yesterday", cuenta con tres composiciones propias: "Music Box", "Love Where Did You Go" y "Beautiful Yesterday"; el resto son versiones. Dayna Kurtz quiere hacernos partícipes de su particular banda sonora, compartiendo con nosotros todos aquellos temas que le conmueven, que le inspiran, que tienen un significado especial para ella, y la verdad es que se lanza al vacío y se atreve con todo tipo de estilos y artistas. Dayna Kurtz hace suyas las composiciones de otros en este "Beautiful Yesterday", hasta el punto de que llegamos a creer que es ella quien ha compuesto las canciones que versionea, su personal e inimitable voz dota a todas las canciones de este disco de una originalidad que sólo los genios son capaces de proporcionar cuando se enfrentan a una composición ajena. Algunos de los artistas y canciones que Dayna versionea en este disco son: entre otros, "Left Alone" de Billie Holiday, "I Got It Bad (And That Ain't Good)" de Duke Ellington, "Everybody Knows" de Leonard Cohen, "Joy In Repetition" de Prince, "Those Were The Days", un tema de raíces ucranianas popularizado en la década de los sesenta por Mary Hopkin, "Parlez Moi d'Amour", una canción francesa del período de entreguerras que hizo famosa Luciene Boyer; todo ello forma una extraña coctelera, de resultado impredecible a simple vista, pero que una vez comienza a sonar nos atrapa y nos convence de que todos los halagos que podamos verter sobre esta cantante se quedan cortos. La voz de Dayna Kurtz es única, llena de registros y de matices, es capaz de pasar de puntillas por el gospel para acercarse al country, al blues y al jazz, se atreve a susurrar, a explorar registros graves, agudos, a potenciar su vibrato, y todo en un mismo tema; es capaz de conmover como pocos artistas pueden hacerlo hoy en día, y la mejor prueba de ello es su directo. El escenario es el habitat por excelencia de esta fiera, capaz de llenar cualquier espacio con la única ayuda de su voz y su guitarra.

Tras este peculiar disco, Dayna Kurtz volvería al mercado discográfico con "Another Black Feather", un disco que quiso dedicar a la ciudad del mundo que más admira, Nueva Orleans. Este trabajo es, hasta la fecha, la última piedra en la carrera de una cantante que está llamada a ser un referente de la música de este siglo. Es un disco muy recomendable, como todos sus trabajos, y que ha cosechado unas críticas excelentes. Dayna Kurtz sigue haciendo lo que más le gusta y lo que mejor sabe hacer, tocar en directo, el 26 de junio tenéis la oportunidad de disfrutar de ella en la Expo de Zaragoza, no os la perdáis. Mientras en Europa es cada vez más conocida y cotizada, en su país esta neoyorquina sigue siendo una joya oculta, un tesoro por descubrir, algo totalmente incomprensible para alguien que fue galardonada por sus propios compañeros como cantautora del año en 1996, 1997 y 1998 (National Songwriters Association Awards). No hay peor sordo que el que no quiere oír. Espero que os guste.

Aquí os dejo algunas de las críticas realizadas al trabajo y a la carrera de Dayna Kurtz:

"La nueva diva de la música norteamericana independiente"
(Fernando Neira , EL PAIS)

"Una poeta de la cotidianidad"
(Javier Márquez, CAMBIO 16)

"La cantautora más apasionante de todos los tiempos"
(Miquel Botella, ROCKDELUX)

"Sublime. La gran revelación de la temporada"
(EL MUNDO)

"Lector educado en las excelencias de la tradicional música americana,
hágase un favor y descubra a mi buena amiga Dayna Kurtz"
(Ignacio Julia, RUTA 66)

"Tiñe el country-folk con una pátina de sensibilidad jazz permeable a la sequedad de la primera Tracy Chapman, el melodrama vocal de Billie Holliday y la exquisita melancolía de K.D. Lang. Inventa sus propios estándares y encaja comparaciones con Tom Waits sin amilanarse"
(Nando Cruz, EL PERIODICO DE CATALUNYA)

"Una voz que enamora, un cruce entre Nina Simone, Billie Holiday y Tom Waits"
(ATIZA.COM)

"Mete en la coctelera country, jazz, pop, cabaret y música orquestal, dando con un jugo de innegable valor que te deja noqueado y esa voz tan Faithfull. Extraordinaria"
(Tony Castarnado , MONDO SONORO)

"América nos sorprende de vez en cuando con francotiradoras como Kurtz, que saben hacer de las cuerdas de una acústica los barrotes donde se aferra la crudeza de la palabra precisa. La melancolía de Cohen, el carácter de Emmylou Harris y el poder evocador de Beth Orton"
(TENDENCIAS)

Y de regalo un vídeo, Dayna Kurtz interpretando en directo el tema "Love Gets In The Way", de su disco "Postcards from Downtown"; simplemente impresionante.



Entrevista a Dyana Kurtz en ArtesHoy
Página web oficial de Dayna Kurtz

DAYNA KURTZ- BEAUTIFUL YESTERDAY

Blossom Dearie- My Gentleman Friend (1959)

Blossom Dearie es hoy en día una entrañable viejecita de 82 años a la que uno invitaría gustosamente a su casa para tomar un té con pastas. Pero en los años 50's, esta neoyorquina afrancesada encandiló a más de uno con su voz aniñada, llegando a grabar una serie de discos, de una calidad y sofisticación sobresalientes, a las órdenes de Norman Granz. La relación de Blossom Dearie con la música comienza muy temprano, de niña estudia piano y se forma en la música clásica, ya en su adolescencia se acerca al jazz y forma parte de dos grupos vocales: The Blue Reys y The Blue Flames. La atracción que París ejercía sobre los norteamericanos en los primeros 50's era impresionante, no en vano alguno de los mejores clubes de jazz del mundo se encontraba en la capital de Francia, donde además se vivía un ambiente de libertad y bohemia que nada tenía que ver con la reprimida América de aquella época, empeñada en vender el "american way of life" al mundo entero. Blossom Dearie se apunta a la aventura parisina, como muchos otros músicos de jazz de la época, y en 1952 se planta en la ciudad del Sena dispuesta a formar su propio grupo, The Blue Stars of France. Dos años más tarde Blossom Dearie y sus Blue Stars of France alcanzan la cima de las listas de éxitos con una versión en francés del genial tema de Gershwin, "Lullaby of Birdland".

Blossom Dearie vive sus particulares días de vino y rosas en París, donde se suceden los conciertos y los aplausos del público y de la crítica. En 1956 el productor Norman Granz acude a una de sus actuaciones y queda tan impresionado que no duda en ofrecerle un contrato con Verve, a finales de ese mismo año Blossom Dearie regresa a los Estados Unidos. Entre 1956 y 1960 Blossom Dearie graba sus mejores discos, la selección de los temas y los acompañamientos de sus primeros trabajos son acertadísimos, dando forma al característico estilo de esta pianista y cantante, donde se mezcla el cabaret, la chanson, el bop, el cool, las melodías y las maneras de los escenarios de Broadway y la música popular norteamericana y francesa de la primera mitad del siglo XX. En las primeras grabaciones de Blossom Dearie para Verve llama la atención la manera en que la cantante se enfrenta a los standards, lo hace huyendo de alardes instrumentales, dejando atrás las secciones de cuerda que otros compañeros habían explotado hasta la saciedad. La cercanía, la sencillez y la intimidad se convierten en la marca de la casa y le conceden a Blossom Dearie un reconocimiento que la sitúa entre las más célebres cantantes de jazz del momento. Su fama crece rápidamente, al igual que los conciertos en los más afamados night clubs de Nueva York, convirtiéndola en una de las más conocidas intérpretes de standards de la época. Además se atreve a componer temas propios, dada su exquisita formación musical y la colaboración de su marido, el multiinstrumentista belga Bobby Jaspar, y se rodea de unos músicos excelentes que hacen que sus grabaciones para Verve se encuentren entre lo mejorcito del repertorio de la casa discográfica estadounidense.

Es entonces, en la cima de su carrera, cuando graba este "Gentleman Friend", un disco lleno de standards, en el que Blossom Dearie muestra el bagaje artístico que adquirió durante sus años parisinos, algo que a los norteamericanos de los años 50's les resultaba tremendamente sofisticado. La cantante lidera un cuarteto en el que le acompañan el gran Kenny Burrell a la guitarra, Ray Brown al contrabajo y Ed Thigpen a la batería; todos ellos, junto con el piano de Blossom Dearie, forman un equipo sólido, con el que, sin grandes despliegues, consiguen un resultado más que notable. A lo largo de esta grabación nos encontramos con una cantante que muestra un estilo vocal consolidado a la vez que llamativo, Blossom Dearie se muestra en las antípodas de los alardes vocales de sus contemporáneas, huye de las exhibiciones de técnica y de potencia y apuesta por un tono íntimo de matices naïves, una manera de interpretar que se acerca a aquella que harían célebre más tarde las cantantes francesas de los años 60's; unas maneras que se acercan por igual a la melancolía y a la inocencia propia de quien posee una voz de matices infantiles. Standards como "Little Jazz Bird" de Gershwin o "Boum" (canción que hizo célebre Charles Trenet) se encuentran entre los mejores temas del disco, reflejando perfectamente el estilo de Blossom Dearie en sus años dorados.

Pocos años más tarde Blossom Dearie rompe su contrato con Verve para grabar un disco con Capitol en 1964, comienza entonces un lento declive para la cantante, quien apenas grabará un puñado de discos en toda la década. Son tiempos duros para la artista que tiene que hacer frente al auge de la música juvenil, que desplaza a otros estilos y que hace parecer dinosaurios a quienes 15 años antes habían formado parte del Olimpo de la música popular norteamericana; pocos se interesan por la música de Blossom Dearie durante los últimos años de los sesenta o los primeros setenta. A pesar de ello la cantante neoyorquina no se amedrenta y a principios de los 70's decide fundar su propio sello, Daffodil Records, con el que en lo sucesivo editará sus propios discos, que lamentablemente no alcanzarán el nivel de sus primeras grabaciones para Verve.

Afortunadamente el tiempo ha devuelto a Blossom Dearie el estatus que merecía dentro del jazz y la música popular norteamericana. Las nuevas tecnologías han permitido la reedición de sus primeros trabajos, que se habían convertido en joyas inencontrables, y nos han permitido redescubrir a una cantante con un sello personal capaz de convertir un standard en un tema completamente nuevo. Buena muestra de todo ello es este disco, en cuya portada la mirada lánguida de Blossom Dearie nos adelanta lo que nos aguarda en el interior. Dejaos seducir por esta peculiar cantante. Espero que os guste.


BLOSSOM DEARIE- MY GENTLEMAN FRIEND

Sarah Vaughan- Sarah Vaughan and her Trio at Mister Kelly's (1957)

Este disco es una grabación en directo de la "Divina" Sarah Vaughan, acompañada de su trío, en un local de Chicago llamado Mister Kelly's, es el resultado de una serie de actuaciones que comprendieron los días 6, 7 y 8 de agosto de 1957. El disco da comienzo con una voz masculina que se encarga de preparar a los espectadores, explica por qué hay tantos micrófonos en el escenario y les aconseja cómo deben actuar ante una grabación en directo, van a ser grabados, por lo que han de comportarse con naturalidad; instantes más tarde Sarah Vaughan es presentada y casi podemos verla aparecer en el escenario. El poder evocador de este disco es tal que durante más de una hora sentiremos que somos nosotros los que estamos tomando una copa en el Mister Kelly's disfrutando de la actuación de la "Divina", casi podemos respirar el ambiente cargado de humo y sufrir los rigores del caluroso mes de agosto en Chicago.

Esta grabación muestra a una artista en un momento dulce de su carrera, Sarah Vaughan tenía 33 años cuando grabó ese disco y es evidente cómo disfruta con lo que hace, se muestra cercana, bromea con el público, a veces deja entrever su sensualidad y otras veces es capaz de helarnos la sangre con una voz que se encuentra entre las mejores voces femeninas de la historia de la música. Interpreta standards, algunos de ellos muy conocidos ("Willow Weep For Me", "Just One Of Those Things", "How High The Moon", "Just A Gigolo", "Embraceable You", entre otros), pero con una intensidad especial que, en la mayoría de los casos, supera en calidad al tema original. A lo largo de este disco, Sarah Vaughan navega entre la ternura y la melancolía, entre la serenidad y el esparcimiento, haciendo gala de un vibrato privilegiado y de una amplitud de registros asombrosa, a veces coquetea con el bebop utilizando sus cuerdas vocales como un instrumento más, sin duda el mejor de cuantos había en aquel escenario del Mister Kelly's. Cuando uno escucha este disco se siente obligado a dejar todo aquello cuanto está haciendo para poder disfrutar al máximo de la voz de Sarah Vaughan, es un disco cautivador que nos atrapa durante 73 minutos para transportarnos a un ambiente plácido y sereno. Espero que os guste, por lo menos, una centésima parte de lo que me gusta a mí.

Para quienes deseen más información, les dejo un link a wikipedia con una breve biografía de esta genial artista: http://es.wikipedia.org/wiki/Sarah_Vaughan



SARAH VAUGHAN- AT MR. KELLY'S (BONUS TRACKS)

Chet Baker- My Funny Valentine (1994)

Imagino que no soy muy original al postear este disco, en primer lugar porque se trata de un músico de sobras conocido, y en segundo lugar porque no se trata de ninguna rareza discográfica, ni prensajes privados, ni ediciones limitadas, ni bootlegs, ni piratas... nada. "My Funny Valentine" es un disco editado en 1994 que recoge 14 temas que fueron grabados entre 1953 y 1956, 14 temas que muestran a un Chet Baker haciendo lo que mejor sabía hacer, interpretar standards románticos con ese aire frágil y lánguido que tanto le caracterizaba y que iría desapareciendo con el paso del tiempo conforme su tormentosa relación con las drogas deterioraba su aspecto y, obviamente, su salud. Desde un punto de vista técnico y ortodoxo, Chet Baker nunca fue un gran músico, y mucho menos un gran cantante, no obstante es una leyenda del jazz, seguramente por su carácter, por su magia, por su vida tortuosa, por la desnudez con que interpretaba su repertorio; en definitiva, por poseer esa esencia única e irrepetible que caracterizan a las personas que, como él, saben llegar hasta el fondo del alma con muy poquito: tan sólo unos fraseos de trompeta y una voz susurrante y a punto de romperse en cada estrofa. Tal es así, que si hoy en día preguntamos a la gente por trompetistas en la historia del jazz, pocos se acordarán de Lee Morgan o Blue Mitchell, muchos nombrarán a Miles Davis o Dizzy Gillespie, pero seguro que todos recuerdan a Louis Armstrong y Chet Baker. A pesar de estar a años luz de los músicos anteriormente citados en cuanto a técnica e innovación se refiere, Chet Baker se ha ganado un merecido puesto en la historia de la música, convirtiéndose en un clásico del siglo XX, en un trovador que soplaba su trompeta directamente con el corazón.

Os dejo un enlace a wikipedia, donde encontaréis una interesante biografía de Chet Baker; si queréis saber más, os recomiendo dos libros: "Como si tuviera alas. Las memorias perdidas" (título original: As I Though I Had Wings. The Lost Memoir), editado en España por Mondadori (Barcelona, 1999) y originalmente en lengua inglesa por St. Martin's Press (New York, 1997). Es un libro muy breve que recoge las memorias del propio Chet Baker, aparecidas tras su muerte en 1988. El otro libro es "Deep in a dream. La larga noche de Chet Baker" (título original: Deep in a dream), escrito por James Gavin y editado en España por Mondadori en su colección Reservoir Books (Bercelona, 2004), en lengua inglesa lo encontaréis editado por Welcome Rain Publishers en 2002. Este último es un trabajo más extenso, una biografía muy bien documentada escrita por este especialista del género y que abarca todas las facetas de la vida de este genial músico. Por último también os recomiendo la película "Let's Get Lost", un documental realizado por Bruce Weber en 1988, momento antes de la muerte de Chet Baker, y que enlaza imágenes del pasado con el, entonces, presente del músico, que se encontraba en pleno deterioro físico y mental. Os dejo también un enlace con la ficha completa de la película en wikipedia. Espero que disfrutéis con este disco.

Biografía de Chet Baker
Ficha técnica del documental "Let's Get Lost"


CHET BAKER- MY FUNNY VALENTINE