Josh T. Pearson- Last of the Country Gentlemen (2011)

Comencé el 2012 de la misma manera en que lo terminé: sin internet. Tras unas cuantas semanas, que sirvieron para poner a prueba mis nervios, conseguí que me restituyesen la conexión, para ello fueron necesarios más de quince días de mentiras y de mareantes conversaciones telefónicas que me hicieron sentir realmente desprotegido y vulnerable ante las compañías de telecomunicaciones de este país. Tras este dantesco episodio, propio de esta España de charanga y pandereta que nos ha tocado vivir, el FBI cierra Megaupload, y con él se van la práctica totalidad de los enlaces que tenía alojados en este blog. Días más tarde fallece Etta James (de lo de Fraga ni hablamos ¿no?), carismática leyenda de la música negra a quien en su día le abrimos de par en par las puertas de Rainy Day Music. ¿Y ahora también os reís de la profecía maya? Os pregunto, parafraseando a un twittero que recientemente ironizaba sobre la caída de Megaupload. Nuestros rutilantes y recién estrenados mandatarios nos auguran para este año que acaba de comenzar un panorama desolador; es curioso cómo quienes no pronosticaron la crisis en su día son capaces ahora de predecir los movimientos económicos de los próximos dos, e incluso tres, años. Y por cierto, siguen cerrando blogs amigos, el último en caer ha sido Bienvenidos a la Monga, una bitácora musical de lo más ecléctico capitaneada con todo el mimo y el cariño del mundo por unos magníficos compañeros, a los que les envío toda mi fuerza y mis mejores deseos en forma de fuerte abrazo, ánimo. Visto este panorama (y mejor no os hablo de mi mudanza ni de mis accidentes domésticos...) todo parece indicar que nos hallamos ante un año bastante antipático, pero yo no soy adivino, como nuestros queridos políticos, y desconozco las alegrías y las penas que me reserva este 2012 que aún huele a cava y mazapán.  Mi propósito, un año más, es ser feliz, lo cual os deseo de todo corazón a quienes visitáis esta humilde bitácora, una empresa complicada dados los tiempos que corren y el altísimo precio al que cotiza la felicidad; un bien escaso, cuyas mieles no son suficientes para alimentar a gran parte de la población. Nos queda por lo tanto ser felices con los pequeños detalles, con los gestos que muchas veces pasan desapercibidos: sonrisas, abrazos y besos que si bien no nos ayudan a llegar a fin de mes sí que contribuyen a hacer más placentero nuestro breve paseo por este mundo. Y nos queda, como siempre, la música, esa vieja compañera que lleva dibujándonos sonrisas desde tiempos inmemorables, un arma que potencia nuestra imaginación, nuestros sueños, que alimenta nuestra alma; un bien intangible al que jamás podrán poner nota ni Standard and Poor's ni Fitch. De eso precisamente es de lo que hablamos aquí en Rainy Day Music, de música, de sueños, de sentimientos, y lo hacemos por puro placer, por una necesidad que nos empuja a compartir con los demás aquello que nos emociona. No sé si este blog será el próximo en caer, ya os comenté en el anterior post que últimamente ando obsesionado con esa idea, pero lo que está claro es que nadie nos hará sentir como unos delincuentes por dedicar nuestro tiempo, e incluso nuestro propio dinero, a aquello que más amamos. Se avecinan tiempos difíciles, de eso no me cabe la menor duda, y lo mejor que podemos hacer es esperarlos con una sonrisa en los labios y escuchando un buen disco, reivindicando nuestro derecho a ser felices; ése que nos quieren arrebatar con sus políticas basadas en el miedo y en la coacción. Este 2012 quiero abrir fuego con un disco difícil, muy difícil, un trabajo que no deja a nadie indiferente, un ejercicio de exorcismo sentimental, uno de los discos más crudos y melancólicos de cuantos se han grabado jamás, hiel hecha poesía. Amigos "pluviófilos", dad la bienvenida a uno de los trabajos más desasosegantemente bellos de todos los tiempos, un clásico instantáneo no exento de controversia, "Last of the Country Gentlemen" del inclasificable Josh T. Pearson. Os guste o no, no olvidéis sonreir.

A Josh T. Pearson se le conocía en el circuito musical por ser componente de la banda Lift to Experience, una formación de culto, atípica, como todo lo que hace este texano, que se formó en 1996 y que sólo grabó un EP, un single y un doble LP que ha acabado convirtiéndose en objeto de culto, "The Texas-Jerusalem Crossroads". En 2001 la banda se separa y nuestro atormentado trovador comienza a girar en solitario, es el pistoletazo de salida a una carrera de fondo, una década en la que sólo verán la luz una grabación oficial en directo titulada "To Hull and Back", y un tema que figurará en una de las caras de un single compartido con la banda australiana Dirty Three, se trata de una versión del clásico de Hank Williams "I'm so Lonesome I Could Cry"; el único tema que grabaría en un estudio en 10 años. Josh se lo toma con calma a la hora de grabar, pero no para de tocar y de colaborar con otras formaciones, es el caso de Bat for Lashes, en cuyo debut figura en dos temas en el apartado vocal, o My Bloody Valentine, a quienes acompañará durante el tour de refundación de la banda en 2009. Más tarde se desplazará a París, donde tocará en un nightclub junto a otros músicos, finalmente abandonará la Ciudad de la luz para instalarse en Berlín, donde en un doloroso parto dará forma a su puesta de largo discográfica: "Last of the Country Gentlemen", editado por Mute Records en 2011. Grabado durante dos noches, el disco se compone de siete temas (ocho en la rodaja vinílica de este artefacto) , de los cuales cuatro superan los 10 minutos de duración, la estructura no puede ser más simple: voz y guitarra, sin artificios, sin trampa ni cartón.

No sé hasta qué punto se puede hablar de "Last of the Country Gentlemen" como un album conceptual, ya que todo en él gira en torno a la ruptura matrimonial de Josh T. Pearson. Un naufragio emocional que dejaría abatido a nuestro vaquero barbudo, que decidiría exorcizar todos sus demonios de la única manera en que sabe hacerlo, componiendo canciones. Pearson se decidió a grabar el disco tras un largo período de observación, durante el cual fue percatándose del efecto que estas canciones causaban en el público cada vez que las interprtetaba en sus directos, la gente se quedaba conmocionada, lo que le llevó a la conclusión de que existía una identificación por parte de la audiencia con sus historias de desamor y de dolor; quien más, quien menos, ha pasado por algo semejante, y si no es así que se considere afortunado. Si hay un adjetivo que defina a la perfección el debut en solitario de Josh T. Pearson ese es doloroso, el propio músico ha contado en más de una ocasión el penoso estado en que se encontraba tras grabar cada una de las dos sesiones en que se estructuró el album, su sufrimiento fue tal que al regresar a París estuvo seis meses sin apenas salir de la cama. A día de hoy Pearson no es capaz de escuchar su propio disco, al menos no por placer, y la carga emocional que implica interpretar sus canciones en directo le resulta prácticamente insoportable. El precio que ha pagado el cantante texano al modelar una obra como "Last of the Country Gentlemen" es altísimo, no sólo en lo personal sino también en lo comercial, casi podríamos hablar de un disco que se autocondena al ostracismo, un disco lleno de aristas e incómodo por su honestidad, un disco que difícilmente sonará en alguna emisora de radio. La búsqueda de la perfección linda con la obsesión en el caso de Pearson, ya dejó muestras de ello con Lift to Experience, cuyo LP rehizo hasta la saciedad, tomándose cinco años de tiempo hasta decidir que estaba perfectamente pulido. Esa misma obsesión le ha acompañado en su debut como solista, cuyas canciones ha madurado durante años antes de tomar la decisión de encerrarse en un estudio. Para entender la música de Josh T. Pearson es necesario conocer su relación con Dios, una relación muy pronunciada y presente en las letras de sus canciones, aunque no exenta de sus particulares crisis. El padre de Pearson era predicador, una circunstancia que marcó profundamente su infancia, una niñez estricta, alejada del mundo lúdico y relajado de otros menores. Su vida ha estado muy ligada a la fe, pero no entendida como un cristiano militante o fundamentalista sino más bien como un instrumento de salvación, una fe que le ayuda a ser mejor persona y que tira fuerte de sus brazos cuando está a punto de ahogarse en los pozos más profundos. Por ello cada uno de los cortes de "Last of the Country Gentlemen" puede interpretarse como un salmo, cánticos que cabalgan entre la amargura y el dolor pero sin cerrar la puerta a la esperanza, dejando una pequeña rendija para que entre un haz de luz capaz de mantenernos vivos.

"Don't cry for me baby, you'll learn to live without me, don't cry for me baby, i'll learn to live without you", así se abre el disco, con "Thou Art Loosed"; se puede decir más alto, pero no más claro. El nylon de la guitarra de Pearson entona su nana y respira trazando ritmos elípticos e hipnóticos, esa va a ser la tónica habitual de "Last of the Country Gentlemen", la voz desgarrada de barítono con vegetaciones del texano y la sola compañía de su guitarra, la verdad más absoluta de cuantas se pueden cantar. La técnica de Pearson se mueve entre el caos y el virtuosismo, hasta el punto de que uno no sabe si está improvisando cada nota o si por el contrario nos hallamos ante un innovador de la rítmica y de la métrica. Si no se te eriza el vello con "Sweetheart I Ain't Your Christ" es que tienes un verdadero problema, eso o te han cambiado el corazón por una piedra pómez. Droga dura, eso es el segundo corte del LP, casi 12 minutos de poesía escrita e interpretada desde las cañerías del alma, aquellas a las que no llega ningún producto de limpieza. Ver girar el disco y disfrutar de los silencios de esta cancion es un lujo, silencios plenos de contenido, segundos robados al tiempo que se integran perfectamente en la canción. La autoflagelación de Pearson es cíclica, y le lleva a volver al punto de partida, a repetir la letra como un mantra, así hasta quedar satisfecho o tal vez exhausto ante tanto dolor. La desnudez de Pearson es absoluta, tan sincera que a veces resulta intimidatoria, el artista y la persona quedan expuestos con una honestidad brutal; eso es lo que hace tan difícil para el músico interpretar sus canciones en directo, porque se siente tremendamente vulnerable. Si hay un tema que refleje esta circunstancia ese es "Woman when I've Raised Hell", una canción dura, un enfrentamiento cara a cara con las miserias que todos nos empeñamos en esconder bajo la alfombra. Un ejemplo: "Honestly, why can't you just let it be, and let me quietly drink myself to sleep. I said honestly, it's not what it appears to be but only memories that ain't got shit to do without you"; ahora desempolvad el viejo Collins e intentad digerir este puñetazo en el estómago. Un sutil acompañamiento de cuerdas pone el contrapunto delicado y exquisito a este tercer corte del disco. Las cuerdas aparecen de nuevo en el siguiente tema, "Honeymoon's Great, Wish You Were Her", 13 minutazos de épica acústica, 780 segundos de descarnada lírica, una de las canciones más conmovedoras, melancólicas y crudas de todos los tiempos, sí, habéis leído bien, de todos los tiempos. "Hell knows what any of this means, Heaven knows a man can’t control his dreams God knows I ain’t no Christ and Christ knows I’d never dream of harmin’ my wife And yeah the honeymoon’s great, but I wish that she were her"; ahí lo tenéis: el sentimiento de culpa judeocristiano. Una auténtica crisis de pareja y de identidad que perfectamente habría firmado el mismísimo Raymond Carver, pero lamentablemente para el bueno de Josh esto no es ficción, es su vida y está volando en pedazos. Sin duda, estamos ante uno de los momentos álgidos del disco, llanto contenido capeado por un magnífico acompañamiento de cuerdas y por los silencios, otra vez los silencios. "Sorry with a Song" es otro de los platos fuertes confesionales del album, un mea culpa sin adulterar, Josh se sincera sin esconderse, sin caer en tópicos ni en clichés románticos, aceptando sus errores sin autocompasión, sin escatirmar un gramo de crudeza. Guitarra y voz, nada más, y nada menos. Una voz que por momentos se apaga, un aliento que se empapa de lágrimas, una guitarra que es capaz de emocionarnos con su ritmo asincopado y su desordenado lamento. "Country Dumb" es el sexto tema del disco, es posible que a estas alturas algunos ya hayan abandonado, pero estoy seguro de que quienes no hayáis arrojado la toalla estaréis ante una de las experiencias más impactantes (musicalmente hablando, se entiende) de vuestras vidas. Podríamos decir que este sexto corte es uno de los temas más accesibles del LP, una canción que vuelve a apostar por unas cuerdas que la arropan y la miman, confiriéndole la forma de una preciosa nana, de más de 10 minutos de duración, capaz de emocionarnos. "Last of the Country Gentlemen" está incluída en la edición en vinilo del LP, que viene acompañada además de una copia en CD del album, cuenta de nuevo con las cuerdas de Warren Ellis (miembro de Dirty Three, Nick Cave and the Bad Seeds y Grinderman) y muestra a un Pearson susurrante, antesala del mántrico punto y final que supone "Drive Her Out", en la que el atormentado texano suplica una y otra vez, a algo o a alguien, que le ayude a sacarse de la mente a esa mujer que le está arrancando la vida. Es el único tema del disco en el que se pueden oír coros y un piano, el fin de fiesta perfecto a este despliegue de emociones y dolor que es "Last of the Country Gentlemen".

Supongo que habréis llegado a este parrafo final exhaustos, no es para menos, hoy os he servido una buena ración de droga dura, acompañada de un texto denso y extenso; si todavía estáis ahí sólo me queda felicitaros y daros las gracias. Como premio, si es que queréis más, os dejo una amplia selección de enlaces y unos videos. Además de las webs oficiales de Josh T. Pearson (visitad la web oficial del cantante para encontrar las letras de las canciones; indispensable para disfrutar del disco), os recomiendo la reseña y la entrevista que le hicieron en Rock de Lux, junto con el interesante artículo que le dedicó El País, y además, para los que amáis la lengua de Shakespeare, también os he dejado un link a la reseña que se hace del disco en la web de la BBC. Especialmente interesante es el post que le dedicó a este disco mi buen amigo Chals, habitual de estos pagos y bloguero de pro, que se adelantó a su tiempo ponderando las virtudes de este disco nada más salir a la calle; enhorabuena por tu entrada, compañero; y a vosotros, os recomiendo encarecidamente que visitéis la Route de Chals, un blog imprescindible. Cerramos los enlaces con la sesión que el hirsuto texano grabó para Daytrotter, muy recomendable. En cuanto a los videos, encontraréis a Josh interpretando "Woman When I've Raised Hell" en una sesíon para una radio de Dijon , acompañado del pianista Dustin O'Halloran, Pearson raya la perfección cantando "Country Dumb", y por último, un tercer video muestra la sesión que el músico grabó para la Blogothèque, una de las mejores de la serie Concerts à emporter, en la que todo parece detenerse al paso del inquietante y conmnovedor Josh T. Pearson. Espero que os guste.


JOSH T. PEARSON- LAST OF THE COUNTRY GENTLEMEN



WEB OFICIAL DE JOSH T. PEARSON


MYSPACE DE JOSH T. PEARSON

JOSH T. PEARSON EN LA WEB DE MUTE RECORDS



RESEÑA DE LAST OF THE COUNTRY GENTLEMEN EN ROCK DE LUX

RESEÑA DE LAST OF THE COUNTRY GENTLEMEN EN LA WEB DE LA BBC

ARTÍCULO SOBRE JOSH T. PEARSON EN EL PAÍS



ENTREVISTA A JOSH T. PEARSON EN ROCK DE LUX

POST DEDICADO A JOSH T. PEARSON EN ROUTE AMERICANA


JOSH T. PEARSON EN DAYTROTTER SESSIONS

Laura Gibson- Beasts of Seasons (2009)

Si hay un sabor que evoque mi infancia y dibuje una sonrisa en mi cara, ése es el de la mortadela con tomate Orlando; permitidme la publicidad, pero es que los datos han de ser exactos para conseguir el efecto deseado. Recuerdo la llegada a casa de mis abuelos, la tele encendida, los besos en la mejilla y el agujero en el estómago; si cierro los ojos puedo verlo todo, como si fuera ahora mismo, incluso puedo ver a los que ya se han ido, y todo es gracias a ese mágico bocata. Es increíble cómo funciona nuestra memoria, cómo crea esos links que te conducen velozmente a un lugar del pasado a través de un sonido, un sabor o un aroma determinado. Hablando de sonidos, hay una voz, que hace poco volví a escuchar en la tele, que me conduce a esa entrañable franja de edad que uno disfruta entre los 10 y los 14 años; probablemente el último paraíso de nuestra inocencia antes de que la adolescencia lo eche todo a perder. Me refiero a Ramón Trecet, periodista español relacionado con la prensa musical y la deportiva. Precisamente fue gracias a esta segunda faceta como yo lo conocí, a través del mítico programa de TVE Cerca de las estrellas. Trecet acercó el espectáculo de la NBA a este país, sirviéndonos en bandeja a una legión de prepúberes todo un Olimpo de dioses a los que venerar. Aquello supuso una verdadera revolución, y para mí, que formaba parte del equipo de baloncesto de mi colegio, aquel programa se convirtió en todo un catecismo. Para empezar, había que elegir un equipo y un jugador con el que identificarse, algo realmente complicado, ya que sentirse emocionalmente ligado a una ciudad que no conoces es tarea imposible, bueno, eso para quienes no saben soñar.

La mayoría de la chavalería tiraba por el camino fácil: Chicago, Los Ángeles, Boston, Detroit, clásicos de la liga que acostumbraban a jugar las finales allá por los ochenta. Pero qué interés tienen las cosas fáciles, qué placer encuentra en la victoria quien acostumbra a ganar; lo que realmente hacía emocionante aquel tinglado era hacerte de un equipo diferente, uno que en el remoto caso de ganar una liga te iba a dar la alegría de tu vida, al menos así me lo pareció a mí. De modo que analicé bien los uniformes de cada equipo, me interesé en sus escudos y distintivos y situé las ciudades en el mapa, tras analizarlo seriamente decidí hacerme seguidor de los Portland Trailblazers. Como también tenía que identificarme con un jugador, lo hice con una de las estrellas de este equipo, concretamente el número 22, Clyde Drexler, cuyo apellido me pareció fantástico. Y así pasaron nuestros días en aquel campo de cemento, soñando con emular a nuestros ídolos y conseguir un pasaporte que nos catapultase a lo más alto de la NBA, donde el gran Ramón Trecet comentaría nuestras mejores jugadas exclamando aquello de "ale hoooooooooooooooooop". Obviamente nada de aquello ocurrió y poco a poco fuimos abandonando la práctica del baloncesto, algunos antes que otros, para empeñarnos en vivir un mundo de mayores que todavía no nos pertenecía, sin ser conscientes del dolor y de la frustración que acechaban a la vuelta de la esquina. Pero a mí, que cuando empiezo un libro o una película tengo que terminarlos, por muy malos que sean o por mucho que me disgusten, no se me iba a pasar aquello así como así, yo seguí siendo incondicional de los Blazers y seguí venerando a Clyde "The Glide" Drexler. Y no sólo eso, sino que desarrollé una extraña empatía hacia la ciudad de Portland que, a día de hoy, sigo cultivando, siendo ésta una ciudad con la que me identifico y de la que, de alguna manera, me siento ciudadano. Por eso me alegra que el primer español que jugó en la NBA, Fernando Martín, lo hiciese en el equipo de Portland, por el que luego pasarían otros talentos como Sergio Rodríguez o Rudy Fernández, y por eso me encanta descubrir cosas y gentes relacionadas con aquella ciudad a la que pertenecí y que nunca visité. Y así es como he ido descubriendo, en mi militancia melomaníaca, músicos relacionados con esta bella urbe, como por ejemplo The Kingsmen, punta de lanza del sonido Northwest, Defiance, exponentes del punk de tachuelas e himnos cerveceros, The Decemberists, que ya han paseado su vodevil folk por este blog, y por supuesto la dulce dama que hoy quiero presentaros, Laura Gibson, cuya música se ha convertido en la banda sonora perfecta para cerrar los ojos y contemplar en el horizonte la silueta del monte Hood. Cómo, qué vosotros tampoco tenéis equipo en la NBA, no os preocupéis, agarrad mi mano y la de Laura Gibson y venid a Portland, seguro que repetís.

Llama la atención la escasa información que acerca de Laura Gibson se puede encontrar en la red. Esto me facilita el trabajo, ya que no tengo que bucear en un montón de páginas, desempolvar mi rudimentario inglés y hacer un corta-pega mental para hacer mínimamente atractivos todos esos datos. De hecho este post podría terminar aquí, pero me conocéis suficientemente bien y sabéis que no me voy a resistir y que os espera otro ladrillo, sí he vuelto a las andadas, aunque durante poco tiempo; se avecinan tiempos austeros en cuanto a los textos de las entradas, avisados quedáis. Como iba diciendo, me he encontrado con una sorprendente falta de información básica acerca de la formación de esta artista de Portland, así como de sus primeros pasos en la industria. Sólo puedo contaros que la primera referencia discográfica de Laura Gibson que he encontrado es el mini-LP "Amends", una grabación autoeditada que data de 2004 y que se compone de seis canciones. Dos años más tarde comienza la relación de Laura Gibson con el sello Hush Records, que ese año editará dos trabajos de la cantautora americana, "Six White Horses", es el primero de ellos. Se trata de un disco grabado en una semana en una residencia victoriana de Sellwood, Oregon, en el que Laura Gibson reinterpreta con su personal estilo seis viejos blues; un álbum encantadoramente amateur, con un sentido de la interpretación muy cercano al acervo popular y con una peculiar selección de instrumentos. El otro disco que verá la luz en 2006 será "If you Come to Greet Me", que muchos consideran el primer gran paso adelante en la carrera de Laura Gibson, su consagración como artista. "If you Come to Greet Me" nos descubre a una intérprete con un registro diferente, que bebe de las grandes damas del jazz vocal clásico, tales como Billie Holiday o Ella Fitzgerald, una autora que apuesta por el minimalismo y que utiliza en su repertorio técnicas de guitarra propias del blues y del folk. Laura Gibson no renuncia a los arreglos orquestales, introduciendo en sus canciones sutiles pinceladas de metales o de cuerdas, que dotan de mayor profundidada a sus composiciones. En este disco estaría acompañada en la parte musical por el núcleo de Norfolk & Western, que arroparían con su savoir faire las creaciones melancólicas y frágiles de la artista de Portland. En 2008, Laura Gibson se embarcaría en una gira como telonera de Colin Meloy, a quien ayudaría más tarde en la grabación de su disco "Colin Meloy sings Sam Cooke". En 2009 verá la luz su segundo trabajo para Hush Records, "Beasts of Seasons".

"Beasts of Seasons" es un disco conmovedoramente bello, triste y melancólico hasta la médula, un disco grabado en una casa con vistas a un cementerio y que la artista divide temáticamente en dos partes: 1- Communion Songs y 2- Funeral Songs. El segundo LP de Gibson para Hush se concibe como un disco compuesto por nueve meditaciones acerca del concepto de mortalidad, pero no nos hallamos ante un disco conceptual ni filosófico, sino más bien ante un conjunto de canciones que guardan cierta semejanza temática, y que funcionan como una reflexión cotidiana y sin grandes ambiciones sobre uno de los temas centrales de la existencia humana: la muerte. Laura Gibson aboga por la tecnología analógica, que dota de mayor naturalidad a sus grabaciones, y muchos de los instrumentos y de los pasajes de "Beasts of Seasons" están grabados en directo. El sonido de ambiente suele jugar un papel importante en las canciones de Gibson, contribuyendo a incrementar la autenticidad de los temas y fomentando la inmediatez de los mismos. A nuestra amiga de Portland le gusta rodearse de sus amistades, y además tiene muy buenos amigos, que colaboran en sus discos; entre los invitados de este álbum podemos encontrar a gente como Laura Veirs, Rachel Blumberg, Nate Query, Adam Selzer o Shelly Short, entre otros. Pero si hay que destacar un elemento de los discos de Laura Gibson, y "Beasts of Seasons" no es una excepción, ése es la voz, esa voz que lo llena todo con su plácida quietud, con su parsimonioso fraseo, con su bella fragilidad. La forma de cantar de Gibson tiene mucho de intuitiva, no hay en ella una técnica especial, ni ha habido un aprendizaje previo, simplemente es un proceso sensitivo, que tiene mucho de autoexploración. Ella misma confiesa que le gusta sentir el sonido en su esternón, así como la vibración de la parte posterior de su garganta cuando canta, como si se tratara de un proceso curativo, casi exorcizante. En cuanto a los arreglos, "Beasts of Seasons" se mantiene fiel a los postulados de su antecesor: sobriedad y minimalismo, sin descuidar la elegancia y la capacidad evocadora. De nuevo, metales y cuerdas pueblan las canciones de la Gibson como discretos habitantes que viven sin causar estruendo en el corazón de cada verso, de cada nota. Buen ejemplo de ello es la canción que abre el disco, "Shadows on Parade", uno de los mejores cortes del álbum, más de siete minutos trufados de sutiles pinceladas instrumentales que resultan tremendamente evocadoras. Otro gran momento del LP llega con "Come by Storm", donde la guitarra de Laura Gibson suena más folkie que nunca, y se deja guiar por un discreto banjo, violines, metales, vibráfonos, y demás instrumentos de mal vivir, de esos que te hacen descender a lo más profundo del alma. "Spirited" es quizás la canción más comercial del disco, y en la que el fraseo de la cantautora de Portland se vuelve más convencional, siendo uno de los escasos momentos del álbum en el que se introducen guitarras eléctricas. "Postures Bent" toma el relevo para brindarnos un pasaje brillante, un lentísimo vals que crece instrumentalmente conforme avanza la canción, cuerdas de nylon irresistibles en los delicados dedos de Laura Gibson. "Funeral Song" es una muestra de la querencia de la Gibson por el folk tradicional, aquellas interpretaciones del período de entreguerras a cargo de músicos aficionados, y que introducían instrumentos caseros como la tabla de lavar o la sierra, presente precisamente en este corte. "Where Have all your Good Words Gone?" no es sólo un reproche, sino también una de las cimas emocionales del disco, un tema con un fantástico e inquietante arreglo de cuerdas. "Sleeper" es el preludio de otro gran momento, una canción en la que el piano cobra gran protagonismmo. Y "Sweet Deception" es otro brillante tema, una composición agridulce, una especie de vals mántrico con exquisitas pinceladas de slide guitar. Por último, "Glory" cierra el disco de manera conmovedora, convirtiéndose en la canción más desnuda del álbum, un tema con unas voces magistrales que le otorgan un fuerte contenido espiritual.

En 2010 Laura Gibson grabó un nuevo disco, en este caso junto a su amigo Ethan Rose, un curioso LP titulado "Bridge Carols" en el que el paisaje cobra un especial protagonismo, un trabajo de experimentación en torno a material inédito de la cantante de Portland, que en ocasiones improvisa partiendo de frases descubiertas en viejos cuadernos o en hojas sueltas. Posteriormente Laura Gibson ha contribuído con su trabajo en recopilatorios benéficos y ha colaborado con compañeros y amigos en diferentes grabaciones, finalmente se ha decidido a lanzar un nuevo trabajo, que llevará por título "La Grande" y que verá la luz gracias a City Slang Records en enero de 2012.

Y de esta manera llegamos al final de esta entrada, no sin antes recomendaros un buen número de links. Por supuesto, la web oficial y el myspace de Laura Gibson, y además el espacio que la página de Hush Records dedica a la artista. También he seleccionado una reseña de "Beasts of Seasons" aparecida en Pitchfork y una entrevista en la web Muzikalia. Y por si esto fuera poco, he ido directamente al turrón y he buscado actuaciones de la Gibson, así que podréis disfrutar de sus sesiones para Playgrrround y para NPR, ambas recomendabilísimas, y no sólo eso, sino que también podéis escuchar la sesión de la cantautora de Portland para las maravillosas Daytrotter Sessions; ¿de verdad alguien os da más por menos? En cuanto al apartado de videos, he elegido dos, uno en el que Laura Gibson interpreta la canción "Funeral" en el cementerio Lone Fir Pioneer de Portland, y otro grabado para They Shoot Music en el que canta "Postures Bent" en una librería de Viena. Ahora sí, mañana a las 9:04 a.m. tendrá lugar el equinoccio de septiembre; adiós verano, deja tu sitio al maravilloso otoño. Espero que os guste.


LAURA GIBSON- BEASTS OF SEASONS

WEB OFICIAL DE LAURA GIBSON

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LAURA GIBSON EN HUSH RECORDS

RESEÑA DE BEASTS OF SEASONS EN PITCHFORK

ENTREVISTA A LAURA GIBSON EN MUZIKALIA

LAURA GIBSON EN PLAYGRRROUND

LAURA GIBSON EN TINY DESK CONCERTS DE NPR

LAURA GIBSON EN DAYTROTTER SESSIONS

The Low Anthem- Smart Flesh (2011)

Quiero dedicar la entrada de hoy, con la que como sabéis inicio una nueva etapa en el blog, a un fiel seguidor de esta bitácora; va por ti Txals. Y quiero dedicársela a él porque fue quien me descubrió este disco en su recomendabilísimo blog Route Americana, un ejemplo más de la labor divulgadora que se hace a través de estas plataformas que algunos se empeñan en demonizar, como si de delincuentes comunes se tratase. The Low Anthem son una banda oriunda de Providence, una formación que con cuatro discos en el mercado se ha convertido en una de las propuestas más personales e interesantes del rock de raíces y del nuevo panorama folk estadounidense, lo que se ha dado en llamar Americana. La banda se formó en 2006, con Ben Knox Miller y Jeff Prystowsky como cerebros principales, dos tipos de formación clásica, algo evidente en los peculiares arreglos de los que harán gala en sus discos, un año más tarde se unirá al proyecto Jocie Adams. Es entonces cuando The Low Anthem comienza a utilizar todo tipo de instrumentos en sus grabaciones, desde los más curiosos e insignificantes utensilios de percusión hasta viejos órganos que datan de la I Guerra Mundial, un hecho que les diferenciará de sus compañeros de generación, tan apegados a la estructura y al repertorio instrumental básico de una banda de rock. Tras dos trabajos autoeditados que les servirían para darse a conocer, The Low Anthem darán la campanada con un soberbio album titulado "Oh My God, Charlie Darwin", un disco que sería reeditado en 2009 por Nonesuch, lo que abriría las puertas de un mercado más amplio a la formación de Providence. Tras las excelentes críticas obtenidas con su tercer LP, la banda se encerrará durante tres meses a grabar su siguiente trabajo: "Smart Flesh"; para ello contará con el multiinstrumentista Mat Davidson, que se suma a la formación.

"Smart Flesh" se graba en una fábrica abandonada, que antiguamente se dedicaba a elaborar salsas para pasta, allí se recluye la banda en un acto de aislamiento, en un ejercicio catártico. La vieja fábrica se convierte en un elemento más del disco, aportando su peculiar sonoridad y sobre todo contribuyendo con sus silencios, breves instantes de quietud que hacen de "Smart Flesh" un disco conmovedoramente bello. Por lo demás, ecos de gospel, folk, country, y escuetas pinceladas de electricidad dotan al cuarto disco de The Low Anthem de una fuerte personalidad, que encuentra en el silencio su mejor baza, un silencio con el que ya han experimentado los grandes, desde Erik Satie hasta Miles Davis. Para quienes deseen pasar más tiempo pegados a la pantalla del ordenador he seleccionado unos cuantos enlaces; junto al consabido myspace y la web oficial de la banda, encontraréis vídeos (Blogothèque, Hauskonzerte y The Alternate Side) y una sesión de audio (Daytrotter Sessions), además de un especial dedicado a la banda en Nosoloindie y, por supuesto, la fantástica entrada consagrada a The Low Anthem en Route Americana. ¡Ah, y de postre un vídeo! Espero que os guste.


THE LOW ANTHEM- SMART FLESH

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THE LOW ANTHEM EN ROUTE AMERICANA

THE LOW ANTHEM EN LA BLOGOTHEQUE

THE LOW ANTHEM EN HAUSKONZERTE

THE LOW ANTHEM EN THE ALTERNATE SIDE

THE LOW ANTHEM EN DAYTROTTER SESSIONS

Micah P. Hinson- and The Red Empire Orchestra (2008)

Bueno, yo creo que siete meses ya son suficientes ¿no os parece? Estoy de vuelta, y lo hago con la misma ilusión y los mismos miedos que el día que abrí este blog. He pasado gran parte de estos últimos días pensando en qué escribir, sobre qué hablar, qué tono adoptar y, sobre todo, qué disco elegir para este reencuentro. Después de tanto desvelo sólo he conseguido tener claro el disco con el que quiero iniciar esta nueva etapa, espero haber acertado. Quizás he dotado a este momento de una liturgia desproporcionada, lo cual, tal vez os parezca una tontería pero es cierto, me ha hecho recular en más de una ocasión a la hora de sentarme frente al ordenador. Han sido varias las tardes en las que, como le ocurría a Barton Fink en la impagable película de los hermanos Coen, me ha asaltado el pánico a la pantalla en blanco, ese blanco mortecino y casi tétrico que desprende el monitor del ordenador. He intentado concentrarme en casa y en el trabajo, he buscado el momento idóneo, nada más despertarme, después de comer, antes de acostarme, pero nada, era incapaz de acabar con el vacío que me saludaba a diario desde la pantalla. Finalmente le he dado una patada a tanta liturgia y a tanto ritual estúpido y he mandado a paseo todos mis miedos y todas las ridículas responsabilidades que había ido adquiriendo, al fin y al cabo, no vivo de esto ni creo que nadie me vaya a enviar un correo confesándome que mi sagaz estilo literario junto con mi metódica documentación a la hora de abordar las reseñas de los discos le ha salvado la vida (al menos hasta ahora no ha ocurrido). Tal había sido mi grado de tormento ante este falta de inspiración, que había pensado en echar la persiana o, por lo menos, cambiar la concepción de Rainy Day Music, pero en última instancia he decidido (de hecho acabo de decidirlo hace exactamente seis minutos) que este blog va a continuar siendo tal y como ha sido hasta ahora.

Una vez más, quiero daros las gracias a todos los que os dejáis caer por aquí, y sobre todo a aquellos que de vez en cuando dejáis constancia de vuestra visita con un comentario. Como muchos de vosotros sabéis, mi ausencia ha tenido un feliz motivo: recientemente he sido padre (madre mía, como suena, así escrito hasta asusta y todo) de un niño maravilloso. Esta feliz circunstancia ha alterado, obviamente, mi vida, privándome fundamentalmente de eso que en las sociedades ricas y opulentas llamamos tiempo libre. Poco a poco (la experiencia es un grado) y tras el terremoto emocional de los primeros meses, todo vuelve a su cauce, mi vida vuelve a ser la que era aunque ahora un pequeña personilla se haya colado en ella para no salir nunca jamás. Tras los primeros meses de reajuste existencial decidí que merecía la pena retomar la aventura de Rainy Day Music (por mucho que le pese a la ministra de cultura y a Teddy Bautista) y aquí estoy de nuevo. Tal vez no pueda acompañaros todas las semanas, ni todos los meses, pero de momento me niego a dar cerrojazo a esta pequeña parcela de mi vida que comparto con todos vosotros, esta bitácora desde la que hablamos de una de las cosas que más me apasionan en esta vida: la música, así que allá vamos.

Han sido muchos los discos que me han venido a la cabeza para abrir esta nueva singladura del blog, pero al final he decidido quedarme con "Micah P. Hinson and The Red Empire Orchestra" porque me parece un disco soberbio, un album del que dentro de unos años se hablará como de una obra maestra, un trabajo que destila honestidad y emociones en cada uno de sus temas, un compendio de canciones donde los sentimientos más oscuros conviven con ese soplo de esperanza que todos necesitamos para poder seguir respirando. Pensé que el tercer trabajo de este niño prodigio con vocación de enfant terrible era el disco perfecto para volver porque en definitiva contiene todo lo que nos gusta a quienes disfrutamos escuchando un disco taciturno durante un día de lluvia, así que espero haber dado en el clavo. Micah P. Hinson nace el 30 de marzo de 1981 ni más ni menos que en Memphis, Tennessee, engrosando las filas de una familia muy tradicional, en la que casi todo gira en torno a la religión. Cuando Micah contaba con cuatro años, la familia se muda a Abilene, Texas, allí su padre trabajará como profesor en la Christian University. Micah crece en un entorno tranquilo y conservador, la banda sonora de su niñez la compondrán los discos de sus padres, seguidores de John Denver y Neil Diamond, y el piano de su madre. Cuando cumple los 11 años, su padre le regala una guitarra, el prepúber Micah ya siente una clara inclinación hacia la música que se ve espoleada por los gustos de su hermano mayor, juntos escucharán algunas de las bandas más significativas del rock alternativo de los primeros noventa, como Ministry, Nirvana o Dinosaur Jr., junto con otras formaciones ya consagradas, tales como Sonic Youth o The Cure. La adolescencia de Micah transurre sin grandes sobresaltos, el músico se muestra como un joven inconformista al que la localidad texana y su ambiente conservador le resultan asfixiantes, lo que le llevará a pasar la mayor parte de su tiempo tocando la guitarra, montando en monopatín y coqueteando con las drogas. Pero más tarde tendrá lugar un hecho que marcará la vida, y por supuesto la música, de nuestro antihéroe. En Abilene, Micah conoce a una mujer varios años mayor que él, se trata de la viuda del guitarrista de un grupo local llamado Tripping Daisy, una atractiva ex modelo. Esta mujer, a la que el propio cantante acabará denominando "la viuda negra", introduce al timorato Micah en un mundo nuevo, en el que sus compañeros de juegos pasarán a ser las drogas, fundamentalmente medicamentos legales como el Valium y otros antidepresivos. Micah pierde la cabeza por esta relación y su flirteo con las pastillitas de colores acaba de una manera bastante gris, ya que con tan sólo 19 años se verá obligado a pasar una temporadita entre rejas; la acusación formal será falsificación de recetas médicas. Una vez abandonado el pijama de rayas, Micah regresa a su casa y se encuentra con que su piadosa familia le ha cerrado a cal y canto la puerta del hogar. El jovencísimo Micah se declarará insolvente y se verá obligado a llevar una vida nómada que rozará peligrosamente la indigencia, llegando a subsistir como un auténtico vagabundo. Afortunadamente sus amigos le abren las puertas de sus casas y le brindan su apoyo, al mismo tiempo encontrará un trabajo, hecho que le ayudará a salir del pozo y le llevará a mudarse a un motel. En ese motel comienza la andadura musical de nuestro protagonista, allí, con un equipo prestado, compondrá y grabará una treintena de canciones que serán la base de sus primeros trabajos. En 2003 tendrá lugar el hecho que catapultará su carrera, Micah se muda a Austin, allí compartirá piso con una mujer, convirtiéndose en su mantenido, y conseguirá el apoyo de The Earlies, una banda texana de chamber pop que le ayudará a dar forma a sus canciones, que quedarán recogidas en una serie de maquetas. Precisamente uno de los miembros de The Earlies, que por aquel entonces trabajaba como pinchadiscos en el Reino Unido, hará llegar las canciones de Micah a la BBC, y poco más tarde el sello escocés Sketchbook Records se pondrá en contacto con el músico para ofrecerle la grabación de su debut discográfico.

La grabación de "Micah P. Hinson and The Gospel of Progress" no estará exenta de todo tipo de historias rocambolescas, que incluirán una nueva detención del cantante, esta vez en el aeropuerto de Londres. Centrándonos en lo estrictamente musical, el disco contará con The Earlies como banda de apoyo, quienes a su vez producirán el disco, y sentará las bases de la propuesta musical de Micah; una propuesta que, a pesar de encontrarse un tanto tierna, encandilará a propios y extraños. En este primer trabajo ya aparecen las atmósferas, oscuras y delicadas al mismo tiempo, tan características de sus canciones, su personal voz grave se encuentra omnipresente en todas las pistas, y los arreglos cuidados y sin excesos ponen la rúbrica a un maravilloso debut. El primer LP de Micah P. Hinson aparecerá en casi todas las listas de lo mejor de 2004, y la prensa musical británica encuentra carnaza más que abundante en la vida personal del artista con la que llenar las páginas de sus revistas especializadas. Pero la suerte volvió a ser esquiva con este joven de 23 años, ya que durante una fiesta un amigo le golpeó, involuntariamente, en la zona lumbar causándole una importante lesión. El médico le recetaría codeína y ansiolíticos, justo las pastillitas a las que había sido adicto hacía tan sólo unos años. En la primavera de 2005 Micah P. Hinson se enrola en una gira europea que acabaría por hacerle trizas la espalda, y que terminaría con el artista regresando a los USA y sometiéndose a una operación cuya convalecencia lo tendría varias semanas inmóvil en la cama. En el plano musical vería la luz un disco compuesto por ocho canciones bajo el título de "The baby and The Satellite", se trata de las primeras grabaciones del cantante reinterpretadas y pulidas para que brillen con luz propia, será el primer trabajo de Micah para el sello Jade Tree. Tras concluir el calvario de su reposo, Micah P Hinson vuelve a los escenarios, al mismo tiempo que se involucra en un nuevo proyecto llamado The Late Cord, junto a John Mark Lapham de The Earlies, juntos grabarán un EP para 4AD Titulado "Lights from The Wheelhouse" que verá la luz en 2006. En este mismo año, aparecerá su segundo disco, "Micah P. Hinson and The Opera Circuit", un trabajo grabado en su casa de Abilene, en el que contará con una nueva banda para la ocasión y donde seguirá metiendo el dedo en las mismas llagas que lo hizo con su predecesor, será su segunda grabación para Jade Tree y supondrá el eslabón entre su formidable, aunque tierno, debut, y su tercer y maravilloso album, "Micah P. Hinson and The Red Empire Orchestra".

Cuando Micah P. Hinson se enfrentó a la grabación de su tercer trabajo discográfico, el primero para Full Time Hobby, lo hizo en uno de los mejores momentos personales de su vida, se acababa de casar con su novia, a la que pidió la mano en uno de sus conciertos ante una atónita audiencia (ver aquí), y sus dos primeros discos habían suscitado los aplausos de la crítica especializada de una forma casi unánime. Esos mimbres explican en gran medida la excelencia de este disco, a la vez que hablan con claridad del compromiso profesional y personal de este artista, que lejos de apoltronarse es capaz de mejorar la pócima con la que había encandilado a sus seguidores. El trabajo de estudio de este disco es más intenso y concienzudo que el de sus predecesores, Micah explota al máximo las posibilidades que le brinda el estudio (no olvidemos que su segundo disco se grabó en su casa, y que su disco de debut tuvo un proceso de grabación un tanto accidentado)y consigue unos arreglos y unos matices que lejos de apoderarse de la aparente sencillez de sus canciones le brindan una nueva piel que le abre otras posibilidades como músico. A lo largo del disco Micah se siente muy a gusto en los compases del vals, el célebre 3/4, cuna de buena parte de la música popular yanqui y abrevadero del country en sus múltiples expresiones. Este es el caso de "Sunrise Over The Olympus Mons", o de la conmovedora "Dyin' Alone", uno de los mejores cortes del disco (si no se te eriza el vello con esta canción tal vez debas visitar a tu cardiólogo), apoyada a su vez en una convincente sección de cuerda. Pero "Micah P. Hinson and The Red Empire Orchestra" no es un disco plano que se recrea en una fórmula resultona, es, aunque tal vez no lo parezca en la primera escucha, un disco de contrastes, un trabajo de pequeños antagonismos que se complementan de manera armoniosa, un juego de contrarios, como sucede con el exceso eléctrico de "You Will Find Me" y la desnudez de "The Fire Came Up To My Knees", otro de los mejores momentos del disco, con un Micah entregado, desgarrando su voz en una canción que más bien parece un pasaje de una oración. La canción que abre el album muestra perfectamente la dualidad de este tercer trabajo de Micah, se trata de "Come Home Quickly, Darlin'", una llamada desesperada que comienza casi susurrante para terminar in crescendo al hilo de una maravillosa guitarra. Tras dos discos que le habían granjeado una buena reputación, el músico de Abilene se verá obligado a enfrentarse a un tercer trabajo que confirmase las expectativas que se habían depositado en él, asumiendo la dura tarea de firmar un album que le dé el salto definitivo al gran público. A Micah no le tiembla el pulso y compone un disco en el que se respira cierta accesibilidad (yo no hablaría de comercialidad) pero sin abandonar las atmósferas decadentes y un tanto oscuras que le habían dado a conocer, así lo demuestran temas como "When We Embraced" o "Tell Me It Ain't So", dos canciones que podrían colarse en cualquier disco de Lambchop y que conviven con dos maravillas como "I Keep Havin' These Dreams" y "The Wishing Well and The Willow Tree", que dejan patente el talento de este artista y que huyen de caminos trillados y previsibles. En su tercer disco la voz de Micah suena mejor que nunca, por mucho que se le compare con los registros de Bill Callahan y, sobre todo, de Kurt Wagner, el de Abilene tiene personalidad a raudales en su garganta y hace gala de un registro grave aunque versátil, una voz que sorprende, sobre todo cuando sabemos que quien se expresa a través de ella aún no ha alcanzado la treintena. Sinceramente, no creo que haya un solo minuto de relleno en este album, se trata de un disco que nos brinda la esencia de su creador, que se manifiesta con una sinceridad hiriente a través de las once pistas que componen este "Micah P. Hinson and The Red Empire Orchestra".

Tras este disco, Micah grabaría en 2008 un EP titulado "The Surrendering" compuesto por seis canciones para el sello Locomotive S.L. y el año pasado sorprendió a propios y extraños con un doble disco de versiones bajo el título de "All Dressed Up and Smelling of Strangers" para Pias/Full Time Hobby y por el que desfilan desde el inevitable Leonard Cohen hasta Bob Dylan e incluso Roy Orbison, lo que podríamos catalogar como clásicos de la música norteamericana. Su producción musical se ha visto trufada con un buen número de singles y con colaboraciones en recopilatorios como es el caso del homenaje al "Pet Sounds" de Beach Boys "Do It Again. A Tribute To Pet Sounds" (Houston Party, 2006) o el tributo a Tim y Jeff Buckley, bajo el título "Dream Brother. The Songs of Tim and Jeff Buckley" (Full Time Hobby, 2005), todo ello, junto a colaboraciones con otros músicos han consagrado a Micah P. Hinson como una de las figuras más inquietas del panorama musical, un genio precoz a tener muy en cuenta.


Bien, y a todos los valientes que hayáis leído hasta aquí os doy mis más sincera enhorabuena, que sepáis que contáis con mi más profunda admiración, no todo el mundo se mete entre pecho y espalda semejante parrafada, normalmente la gente le da al botón de descarga y se marcha, pero yo sé que los habituales de Rainy Day Music estáis hechos de otra pasta. Como colofón, y siguiendo el esquema de las entregas anteriores, os dejo una buena colección de enlaces y dos vídeos. El primer vídeo muestra a Micah interpretando "Tell Me It Ain't So", un tema incluído en éste, su tercer disco, mientras que en el segundo vídeo veremos a nuestro protagonista tocando "Yard of Blonde Girls", una canción incluída en el disco "Dream Brother. The Songs of Tim and Jeff Buckley". En cuanto a los enlaces, el primero de ellos os llevará a la página web oficial de Micah P. Hinson, el segundo es un atajo ciberespacial para llegar al myspace del artista, con el tercero podréis disfrutar de una actuación de Micah en The Black Cab Sessions, una original propuesta británica en la que diferentes músicos de todo pelaje interpretan algunas de sus composiciones mientras van sentados en un taxi negro, el cuarto enlace os permitirá leer una entrevista al cantante realizada por Ainhoa Rebolledo para la revista Efe Eme en noviembre de 2009. Pero no queda ahí la cosa, un quinto enlace os conducirá a elojocrítico.net, donde encontraréis una reseña de "Micah P. Hinson ante The Red Empire Orchestra", tras éste, un sexto link enlaza con la página songbytoad.com, allí disfrutaréis de una entrevista en lengua bárbara y de varios e interesantes vídeos, y por último, el séptimo enlace se ríe de la velocidad de la luz y os lleva e un periquete a BBC Collective, donde podréis encontrar más material de este entrañable monstruo. Dicho todo esto, me alegra estar de vuelta, no me queda más que despedirme diciendo aquello de: espero que os guste.




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ENTREVISTA A MICAH P. HINSON EN EFE EME

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Una recomendación: Pájaro Jack

De vez en cuando ocurren cosas a través de esta bitácora que a uno le hacen recuperar la fe en el ser humano, y por supuesto le hacen darse cuenta de la utilidad y la vigencia de este medio de comunicación que es internet. Me explico: hace unos días al abrir mi correo electrónico me encontré con un mensaje de un seguidor de Rainy Day Music en el que me invitaba a escuchar el EP que había grabado con su banda, obviamente desconocía al grupo en cuestión y al remitente del mensaje, pero acepté gustoso la invitación, ya que se había hecho realidad uno de los objetivos de éste y de muchos otros blogs, poner en contacto a la gente con inquietudes similares, abriendo así una vía de comunicación a través de la cual podamos compartir experiencias y enriquecernos mutuamente de los conocimientos y de la sabiduría de todos aquellos que se acerquen a ésta, su casa. Sin duda he de agradecer a Jaime que me enviase ese mensaje, porque ha dado un paso más allá y ha abierto una brecha que espero tenga continuidad, con su gesto, Pájaro Jack ha trascendido los comentarios del blog, compartiendo con todos nosotros su proyecto artístico y haciéndonos partícipes del inicio de su aventura musical. Si alguno de vosotros, visitantes de Rainy Day Music, también tenéis una banda, cuyo sonido creéis que se ajusta a las coordenadas de este blog, no dudéis en poneros en contacto con nosotros, nos encantará conocer vuestra música y aprovecharemos esta diminuta ventana que nos ofrece el ciberespacio para daros a conocer al mayor número de personas posible.

Volviendo al mensaje de Jaime, tardé apenas unos segundos en pinchar el enlace a su myspace, donde pude disfrutar de los cinco temas que integran su primer EP, titulado "Las Luces". Me encontré con una banda joven, llena de buenas intenciones y con unas maneras más que aceptables, una banda bicéfala comandada por los cerebros de Jaime y Fran, amigos y residentes en Granada, dos tipos enganchados de por vida a la sencillez árida y descarnada de la música folk y del country, aquello que desde hace unos años se ha dado en llamar "Americana". La primera vez que escuché las canciones de Pájaro Jack me vinieron a la cabeza varios nombres: Wilco, The Jayhawks, Uncle Tupelo (Santísima Trinidad, amén), Calexico, Neutral Milk Hotel, Red House Painters, Buffalo Springfield, The Byrds, y en fin, un sonido próximo al de algunas bandas de folk de finales de los 60's y principios de los 70's, una coctelera que no resta personalidad a la propuesta de estos jóvenes granadinos. Me gustó mucho el hecho de que interpretasen sus temas en castellano, huyendo del esnobismo que impregna la escena independiente española, en la que el inglés muchas veces se utiliza para camuflar una más que evidente carencia de creatividad en asuntos relativos a la escritura, parte fundamental de cualquier buena canción que se precie. De este modo con unos cuantos "Oh Yeahs" y unos "C'mon Baby" más de una banda, de esas que son supuestamente respetadas y respetables, ha escrito un buen puñado de canciones que no pasarían la prueba de un comentario de texto para selectividad, Pájaro Jack en cambio se han lanzado a la piscina de la honestidad, que casi siempre esta vacía, sin miedo al qué dirán y han utilizado su lengua materna para las cinco canciones incluídas en "Las Luces", pero ese no es su único mérito. Este dúo de referencias ornitológicas ha conseguido un buen trabajo vocal, sin estar dotados de dos espectaculares vozarrones, Fran y Jaime han sabido sacar un buen partido a sus limitaciones y han sabido empastar sus voces a la perfección, una magnífica muestra de ello es el tema que da nombre a su EP, donde alternan protagonismo al frente del micrófono y juegan, sin resultar empalagosos, con unos coros bastante vistosos. Sin duda "Las Luces" es uno de los mejores temas de cuantos presenta Pájaro Jack en su primer trabajo, tanto las voces como la instrumentación dan una buena muestra de solvencia musical y sitúan a los granadinos en una situación privilegiada dentro del panorama folk de nuestro país, en el que, de seguir por este camino, están llamados a hacer algo importante. "Fuera del Juego" es un tema que se acerca al desierto estadounidense, a las áridas y polvorientas llanuras que han explorado algunas de las mejores bandas de los últimos diez años, el salvoconducto necesario para pasar a formar parte del selecto grupo de artistas que se encuadran dentro del rock de raíces. "Cosmética Platónica" es la canción más pop del EP, y personalmente me parece la más floja, no quiero decir con ello que sea un tema malo, simplemente da la ligera impresión de que desentona al lado de sus hermanos de "Las Luces", a pesar de ello también merece cierta atención. "Lo de Ayer" es un delicioso vals fruto de un enorme minimalismo instrumental y compositivo, un tema que también flirtea con el pop, pero con mayor fortuna que la canción que le precede, es el tema de mayor duración del EP y en él vuelve a destacar el trabajo vocal, austero y sin alardes, de Fran y Jaime. Y por último "Probabilidades", que es el tema que cierra el debut de Pájaro Jack, una canción que retoma los aires desérticos y fronterizos de "Fuera del Juego", un broche de oro que nos hace volver la vista atrás para ver las siluetas de Roger McGuinn o de Crosby, Stills & Nash, levantando una buena polvareda mientras cabalgan a lomos de sus guitarras eléctricas. Antes de dar por concluída esta entrada, veamos que cuentan estos granadinos de sí mismos a través de su myspace, os adelanto que son parcos en palabras:

"Después de un viaje por Portugal, acompañados de las guitarras y de la corta pero increíble discografía de Nick Drake, es cuando, movidos por nuestras ganas de hacer música y nuestra pasión por la música Folk, reunimos unas cuantas canciones y decidimos darle forma.

En Enero de 2009 grabamos en casa de Jaime cinco canciones con muy pocos recursos, y con la ayuda de Mario Fernández (Mafo) tocando las baterías. Pasa un tiempo hasta que, con Paul Grau, mezclamos las canciones en Gismo 7(Motril), y empezamos a buscar musicos para completar la banda. "

¿A que os habéis quedado con ganas de saber más? pues no lo dudéis y visitad el myspace de Pájaro Jack, justo debajo de este párrafo encontraréis el enlace que solucionará vuestras dudas, además a través de su myspace podréis descargaros de manera totalmente gratuita el EP "Las Luces" y disfrutar así del buen oficio de estos jóvenes granadinos que prometen regalarnos magníficos momentos musicales, maneras no les faltan y desde luego tienen toda una vida por delante para conseguirlo, ojalá así sea. Espero que os guste.


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Jesse Sykes & The Sweet Hereafter- Oh, My Girl (2004)

Da gusto ejercer de anfitrión cuando se recibe a un viejo conocido, una de esas amistades que, de antemano, sabes que te van a hacer pasar un buen rato. Eso es lo que me ocurre con Jesse Sykes, que visita por segunda vez Rainy Day Music. En su anterior aparición, Jesse dejó muy buen sabor de boca entre los asiduos a este lluvioso blog, así que estoy seguro de que en esta ocasión va a ser recibida por todos vosotros con los brazos abiertos; de hecho me consta que hay quien esperaba ansiosamente la reaparición de esta señorita de infinita e impoluta cabellera y de personal voz. A mí me encanta reencontrarme con gente tan especial como Jesse Sykes en mi blog, pero por otro lado me complica, en cierta manera, la redacción de entradas, ya que lo he dicho prácticamente todo sobre ella. Así que ahora me enfrento a una complicada situación: hablaros de Jesse y de su música sin resultar reiterativo, ni caer en los clichés o comparaciones que ya he utilizado con anterioridad. Como considero que la artista en cuestión no necesita presentación (al menos en esta bitácora) pasaré directamente a hablaros de éste, su segundo disco, "Oh, My Girl".

En líneas generales, Jesse Sykes continúa el camino que había trazado en su primer trabajo, ¿para qué cambiar algo tan personal, algo que funciona y que es capaz de transmitir tantas emociones? Los ritmos lentos y los ambientes desérticos y fronterizos siguen teniendo un protagonismo absoluto en "Oh, My Girl", un disco que nos obliga a destacar, de nuevo, el trabajo de las guitarras, como ya lo hiciéramos con "Reckless Burning". En muchas ocasiones se cumple con Jesse Sykes y su "Dulce Porvernir" la máxima de "menos es más", las composiciones de este disco son engañosamente sencillas, bases rítmicas muy elementales que se enriquecen con un trabajo instrumental mayúsculo en el que descubrimos un sinfín de matices a cada escucha, a la vez que nos rendimos ante un guitarrista sobresaliente como es Phil Wandscher. La voz de Jesse sigue sonando tan ambigua y agridulce como en su primer trabajo y, aunque en algunos temas dibuje paisajes más luminosos que los de su primer disco, sigue siendo en los temas más oscuros y desesperanzadores, en los que mejor se mueve. Todo ello da forma a una cantante única, que apoyada en una banda maravillosa, se ha convertido en una referencia obligada (y difícilmente catalogable) en el panorama musical actual. La producción de este disco corre a cargo de Tucker Martine, un multiinstrumentista sobrado de talento y que ha trabajado con gente como Mudhoney, Sufjan Stevens, Laura Veirs o The Decemberists, entre otros, y que sabe sacar el mejor partido posible a las infinitas virtudes musicales e interpretativas de esta banda. "Oh, My Girl" es, en resumidas cuentas, un segundo disco fantástico, un trabajo que mantiene perfectamente el tono de "Reckless Burning", que aprovecha todas y cada una de las virtudes de su antecesor y que satisfizo, con creces, a quienes esperaban la secuela del sorprendente debut de Jesse Sykes & The Sweet Hereafter . Entre los momentos álgidos del disco se encuentran las magníficas guitarras de "Your Eyes" (para mí, el mejor tema del disco), el violín de "You are not Gotten Here", la voz de Jesse en temas como "Tell The Boys", la exquisita orquestación de "Birds Over Water", y la personalidad de canciones como la que da título al disco, un tema que inconfundiblemente relacionamos con Jesse Sykes, aún sin saber que es suyo; eso sólo pasa con los grandes.

A "Oh, My Girl" le seguirá, tres años más tarde, otro trabajo sobresaliente titulado "Like, Love, Lust & The Open Halls Of The Soul", que completará la que es, hasta el momento, una soberbia trilogía acerca del sufrimiento y la soledad que debería enseñarse en las escuelas de todo el mundo. Pero ésa es otra historia que seguramente no tardará en asomarse por este blog, siempre y cuando vosotros lo deseéis, claro está. En cuanto a los extras de esta entrada, en esta ocasión lo tengo difícil, ya que en la anterior entrega de Jesse Sykes enlacé todo aquello que me pareció interesante tras una intensa búsqueda. No obstante os dejo el myspace de la banda, que en la anterior entrada no aparecía y repito link, eso sí, con la página web oficial de estos cowboys melancólicos. Pero el enlace más interesante es el tercero, que os conducirá a una página llamada Le Cargo!, una página francesa que, entre otras cosas, ha grabado a un buen numero de músicos realizando actuaciones en directo. En el caso de Jesse Sykes, fue ella misma quien estando en París pidió tocar en directo en un sitio lúgubre, aunque muy conocido y querido de la capital francesa, el cementerio Père-Lachaise. He colgado uno de los vídeos del original y tétrico acústico de Jesse Sykes en el célebre camposanto parisino, pero si hacéis click sobre el enlace de Le Cargo!, podréis ver dos actuaciones más. Hacedle un hueco a esta vieja conocida y dejaos estremecer por su magnífico segundo trabajo. Espero que os guste.


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JESSE SYKES & THE SWEET HEREAFTER- OH, MY GIRL

Ora Cogan- Tatter (2007)

Hay voces que consiguen accionar alguna especie de interruptor que permanece escondido en lo más profundo de nuestras almas, cuerdas vocales perfectamente sincronizadas que ejecutan melodías capaces de emocionarnos, relajarnos, o simplemente hacernos reflexionar. El instrumento más antiguo de cuantos existen es tal vez el que más sensaciones puede sugerir, pero para ello debe ser tratado con un mimo especial. Dentro del vulgarizado y homogeneizado panorama que nos brinda en la actualidad la música comercial, las voces son uno de los elementos peor tratados y menos cuidados en las producciones discográficas. Generalmente se confunde potencia con técnica y hay quienes piensan que cuanto más chilla el artista en cuestión, mejor canta; para comprobarlo basta con sintonizar cualquier emisora que programe los impostores ritmos latinos o el adulterado R&B que tanto se llevan hoy en día. En este contexto es cada vez más complicado encontrar una de esas voces con personalidad capaz de instalarse para siempre en nuestras vidas, una voz que demuestra una sinceridad sorprendentemente cercana, a veces incluso familiar. Afortunadamente no todo está perdido, y más allá de las hostiles radiofórmulas existe otro mundo en el que voces como la de Ora Cogan campan a sus anchas, esperando a que pasemos cerca de ellas para agarrarnos de la mano y no soltarnos jamás.

Ora Cogan nació y creció en una pequeña isla de la Costa Oeste de Canadá, desde pequeña vivió rodeada de un ambiente artístico privilegiado debido, en gran parte, a las ocupaciones liberales de sus progenitores, cantante y fotógrafo. El ambiente bohemio e intelectual que se respiraba en el hogar de los Cogan, hizo que la pequeña Ora empezase a componer sus primeras canciones con tan sólo 12 años, era el despertar de una prometedora carrera, la de una de las mejores voces del folk actual. El debut discográfico de Ora Cogan tendría lugar en el año 2004, cuando vería la luz el disco "Sparrow", un trabajo compuesto por 7 canciones que nadaban entre el jazz y el folk. En "Sparrow" podemos entrever el tesoro que Ora Cogan guarda en su garganta, pero será en su segundo disco, "Tatter", publicado en 2007, cuando esta magnífica vocalista se despoje de todos los adornos instrumentales que le habían acompañado en su primer viaje, dejando vía libre a una voz personal que exige únicamente la compañía de una guitarra acústica. El segundo disco de Ora Cogan se deshace de la batería, no hay percusión en "Tatter", y es que realmente hay muy pocos instrumentos en la grabación de este album; en la mayoría de los cortes sólo aparece la guitarra de Ora, y en ocasiones un discreto banjo que le da la réplica. Me gusta mucho la producción de "Tatter", me suena muy próxima, sin adulterar, a veces tengo la impresión de estar viendo delante de mí a Ora cantando y tocando su guitarra. Hace poco leí esto en jenesaipop acerca del debut discográfico de Fleet Foxes (atentos a esta banda, que muy pronto se dejará caer por Rainy Day Music): " [...]Y es que parece una bobada, pero estamos tan acostumbrados a voces masculinas vulgares y anodinas que no nos damos cuenta hasta que escuchamos cantar así de bien."; pues bien, creo que algo parecido podríamos decir de este disco de Ora Cogan, son tan vulgares y anodinas las voces de las cantantes con las que se nos asedia hoy en día a través de la televisión o la radio, que de repente nos encontramos con una voz tan frágil y sugerente como la de esta mujer y nos quedamos petrificados, paralizados como un ciervo ante los faros de un coche. Sin duda el gran secreto de este disco reside en el tratamiento que se le da a las voces, verdaderas protagonistas del album, en esta tarea la cantante canadiense ha sabido acompañarse además de dos buenas amigas, Trish Klein y Frazey Ford, componentes de The Be Good Tanyas, quienes ponen su granito de arena en "Tatter" haciendo voces en temas capaces de emocionarnos como la enorme "Take Me Home". Con todo ello "Tatter" es un disco que suena atemporal y que muestra huellas muy diferentes, aunque todas nos conducen a lo que hoy se denomima "música de raíces", un sonido que partiendo del blues, la canción tradicional americana y el country ha reivindicado una forma de entender la música que se creía olvidada, actualizando estilos que habán sido injustamente denostados. Ora Cogan puede inscribirse dentro de ese "movimiento", si así queremos llamarlo, de todas formas, lejos de buscarle etiquetas, lo que sí está muy claro es que esta canadiense tiene una de las voces más delicadas y melancólicas de la actualidad, ojalá no tarde en ser reconocida como se merece.

Tras "Tatter", Ora Cogan editó recientemente su tercer y último disco hasta la fecha, "Harbouring" (2008), también a las órdenes de John Raham, con quien había trabajado en su segundo album y junto a quien parece haber encontrado el sonido que le hace sentir verdaderamente cómoda. Hace un par de meses tuve la suerte de ver en directo a Ora Cogan, y sin duda es una experiencia que os recomiendo encarecidamente, desde aquí me gustaría dar las gracias a los responsables de un diminuto local zaragozano llamado La Lata de Bombillas, y que son los "culpables" de que podamos disfrutar en esta ciudad de conciertos como el de esta cantante canadiense, que además fue gratuíto; no hay dinero para pagar lo que gente como vosotros hace por la música, es un verdadero milagro que existáis. Os dejo ya con el disco de Ora Cogan para que lo escuchéis detenidamente y dejéis un millón de comentarios con vuestra opinión al respecto, pero antes podéis echar un vistazo a los enlaces que acompañan a esta entrada, el primero de ellos os transportará a la página web oficial de la cantante y el segundo a su myspace; sé que no es muy original, pero no os penséis que hay mucha información sobre Ora Cogan en la red... En cuanto al video, me ha costado decidirme porque los que he encontrado creo que no tienen la suficiente calidad, al final me he decantado por uno en el que veréis a Ora en directo en el Casino Antiguo de Castellón, dentro del "Cicle de músiques independents de Castelló", con motivo de su reciente tour por España. La calidad de imagen y sonido no es la mejor, y por si esto fuera poco, al principio se cuela el murmullo de unos "habladores", subespecie humana que abunda en los conciertos (sobre todo si son acústicos o especialmente íntimos) y que se dedica a molestar a los músicos y a los parroquianos que desean disfrutar del concierto. Aún así merece la pena que os dejéis seducir por la voz de Ora Cogan. Espero que os guste.

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ORA COGAN- TATTER

Una recomendación: Richter

Terminamos noviembre con una nueva recomendación, una sección que es fija en Rainy Day Music y que todos los meses intenta acercaros nuevos nombres y sonidos, a ser posible, de la escena musical española. Dany Richter es un veterano de esa escena que ha dado forma a un trabajo muy interesante, trufado de sonidos de corte otoñal especialmente indicados para esta época del año. Aires folk que remiten a clásicos como Dylan, The Byrds, o a contemporáneos imprescindibles como The Jayhawks o Wilco, se dan la mano con las melodías pop de The Beatles, configurando un menú de lo más sugerente. Las voces cuidadas y los arreglos exquisitos hacen realmente agradable la escucha de este disco, que va ganando enteros tras cada reproducción. Os dejo con la presentación que aparece en el myspace de Richter:

"Richter es el primer proyecto que emprende Dany Richter tras haber formado parte de varias bandas desde 1989. Entre estas bandas cabe destacar “Lizard” (1992/98), una formación compuesta de músicos británicos y españoles con la que publicaron dos LP's con la discográfica Locomotive Music; "The Lizard's smile" (1994) y "One" (1997). Destacan los conciertos realizados junto a “Gun”, “Pretenders” o “Van Halen” y gracias a las licencias de edición a compañías extranjeras hicieron giras por México y Portugal además de los habituales conciertos en España. En 2004, tras un largo descanso desde la ruptura de “Lizard” en 1998, se publica “No Faces”, el primer CD bajo el nombre “Richter”, editado por su propio sello “El lado izquierdo”. En la grabación del disco y en la posterior gira participa de forma importante Jesús Martínez (ex guitarra de “Orlando”) que continúa colaborando con Dany en la actualidad, así como otros músicos como Ignacio Celma (”Buda se duerme”) o Pedro Avilés (“Madame Claude”). “No Faces” mezcla el pop acústico, el rock-folk y la psicodelia con sintetizadores analógicos, theremin y samplers. El disco no se queda en el puro revival y trata de fusionar, las influencias a veces antagónicas de Dany Richter. El elemento unificador de todas esas influencias es la propia voz de Dany y las melodias de marcado corte “pop beateliano”. Actualmente el sonido de “Richter” se ha vuelto más acústico y folky que nunca, siguiendo la línea marcada por temas como “Song for Noa” o “Even Though” de anterior disco. La guitarra acústica sigue siendo (como en “No Faces”) el elemento principal en la música de “Richter”, al que se unen piano, acordeón, pedal steel, cello, auto harpa… Tras la grabación de “Demo” en 2006, comienza una serie de conciertos acústicos en los que a Dany Richter le acompañan Marcos Iñiguez (guitarra de “Circodelia”) al pedal steel e Ignacio Celma al bajo. En Julio de 2007 se incorporan Teresa Bernabe (violoncello) y David Quinzan (bajo y glockenspiel). En Agosto/Septiembre 2007 hemos estado grabando el próximo disco que llevará por título PATCHWORK, editado por el sello Fika Sound y distribuido por Junk Records, y estará disponible en tiendas a principios de Noviembre 2007. "

Suena bien ¿no? Pero sin duda la mejor forma de conocer a Richter es escuchando su música, así que como aperitivo he seleccionado dos temas de su último disco, titulado "Patchwork", un trabajo que tiene ya un añito pero del que, hasta la fecha, no se ha hablado demasiado, ojalá os sirvan para descubrir a este interesante músico que puede depararnos muy gratas sorpresas. Espero que os guste.






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M. Ward- Transistor Radio (2005)

Comienza el mes de noviembre, y lo hace de una manera loca, entre tornados, lluvias torrenciales y nevadas prematuras, que comparten espacio con temperaturas tropicales y eternos días de playa. No sé si el mundo se está yendo al garete, tal y como vaticinan los más pesimistas, pero lo evidente es que algo está cambiando en la climatología a nivel global, al menos en este país es algo palpable. Por si acaso yo ya he estado dándole vueltas al asunto y estoy preparándome un ajuar de lo más apañado para cuando llegue el Armagedón, que luego te pilla todo este lío desprevenido y no tienes tiempo de pensar en tus últimas voluntades, ni de elegir la camisa que te gustaría enfundarte el día en que este mundo hostil deje de girar. De momento voy a comprarme cien camisas iguales, de este modo siempre vestiré la misma, lo que me garantizará haber elegido mi camisa para el día del fin del mundo, primer problema resuelto. Luego tengo varias opciones de menús, que repito obsesivamente como si viviese en un banquete de bodas continuo, dependiendo de si el día D se produce en el desayuno, en la comida o en la cena (esto último no me vendría muy bien, ya que no me gusta acostarme con el estómago muy lleno). Y por último también tengo varias opciones musicales que van cubriendo las diferentes horas del día y que reproduzco "ad nauseam" jornada tras jornada, lo que me garantiza haber elegido mi música para el día del fin del mundo. Imaginaos qué muerte tan cruel me esperaría si al irrumpir las lenguas de fuego o las recrecidas aguas oceánicas en mi hogar, me atrapase desprevenido una ráfaga de reggaeton, un video clip de hip hop o el último hit de Andy y Lucas, no puedo permitir que nada de eso ocurra; ya que no puedo elegir cuándo abandonaré este planeta, creo que he de hacer todo lo posible para al menos elegir cómo lo abandonaré. Hoy os presento un disco que contiene una canción que me gustaría escuchar si todo este tinglado apocalíptico tuviese lugar después de comer, justo antes de la siesta, no pensaríais que porque se fuese a acabar el mundo iba a perdonar mi siesta... Esa canción se titula "One Life Away" y su autor es M. Ward, os voy a contar un poco más de él.

Matt Ward es un músico singular y prolífico salido de la escena de Portland, Oregon. Desde pequeño mostró una especial fascinación por las melodías que sonaban a través de la radio de sus padres, de hecho uno tiene la sensación de estar escuchando una radio antigua cuando oye sus discos, es curioso el sonido que consigue extraer a través del 4 pistas TASCAM que siempre utiliza en sus grabaciones. Ese sonido es lo que hace a M. Ward diferente a todos los músicos de su generación, cuidado, lo suyo no es Lo-Fi, simplemente suena diferente. Pero vayamos por partes, M. Ward militó durante varios años en un trío llamado Rodriguez, hasta que un buen día empezó a esbozar sus propias canciones, temas más intimistas que se inspiraban en el folk y en la música tradicional estadounidense, no en vano el propio M. Ward ha confesado que la canción que más le ha influído a lo largo de su carrera ha sido "Amazing Grace". De este modo, Ward decide emprender su carrera en solitario y lo hace con un primer disco titulado "Duet for Guitars #2", que verá la luz al amparo de Howe Gelb, el cerebro de Giant Sand, a través de su propio sello Ow Om. Será un comienzo prometedor en el que M. Ward deja al descubierto su admiración por Bob Dylan y Neil Young, y en el que aflora esa atmósfera especial que impregna los discos de este genio, lo cual, unido a su particular fraseo y a su voz, grave y frágil al mismo tiempo, le convierte en un músico realmente original. En 2001 verá la luz su segundo disco, "End of Amnesia", que le consolidará como un artista atemporal, un cantautor con un universo propio y con un personal sentido del humor, pero además confirmará algo que ya se intuía en su disco de debut, la enorme calidad de M. ward como guitarrista. En su segundo disco, este cantautor es capaz de repasar varios "palos" de la música norteamericana, desde el honky tonk al foot stomp, sin perder un ápice de personalidad ni de originalidad, y lo hace con ese aire añejo que invade sus grabaciones y que nos deja con una eterna sonrisa en los labios, mezcla de nostalgia y admiración, como cuando contemplamos un retrato en sepia de alguno de nuestros antepasados.

En 2003 M. Ward ficha con Merge, sello que desde entonces ha editado todos sus trabajos. Después de dos buenos discos, M. Ward se enfrentaba a un siempre complicado tercer trabajo, ese mismo año saldría a la calle "Transfiguration of Vincent", un disco que continuaría la línea ascendente de calidad de sus antecesores. Poco a poco se iban introduciendo nuevos sonidos en la música de M. Ward, ecos de The Beatles y de Bowie, junto a los sonidos fronterizos y de reminiscencia folkie marca de la casa. Y con este panorama llegamos a nuestro disco, el cuarto trabajo de estudio de M. Ward titulado "Transistor Radio". Con el título, el cantautor estadounidense quiere homenajear a esa radio que tanto le influyó a la hora de dedicarse a la música, y sobre todo quiere mostrar su admiración hacia un tiempo que por motivos generacionales no conoció, los días dorados de la radio en los USA, esos años que el gran Woody Allen retrató perfectamente en su película "Días de Radio". "Transistor Radio" se abre con una versión de The Beach Boys, "You Still Believe in Me", un tema del album "Pet Sounds", M. Ward decide desnudar la canción, eliminar la letra y transformar el original en un instrumental acústico, así es como presenta sus credenciales este músico. El segundo corte es el mío, "One Life Away", una canción que parece parida por una emisora de radio de los años 50's, con un M. Ward inspiradísimo, con una cadencia maravillosa, con una voz susurrante y con unos falsetes magistrales. Personalmente creo que el disco alcanza su cima en este segundo corte, tan sólo canciones como "Fuel for Fire", o la delicada "Paul's Song" pueden hacerle algo de sombra a "One Life Away". Con esto no quiero decir que el disco sea flojo, o que a partir del segundo tema pierda interés, ni mucho menos; "Transistor Radio" es un disco lleno de canciones conmovedoras y capaz de generar una atmósfera imposible de encontrar en cualquier grabación actual. En líneas generales el cuarto disco de M. Ward sigue las líneas maestras trazadas por su más inmediato antecesor, "Transfiguration of Vincent", se nota que Ward ha encontrado el terreno en el que se siente a gusto y no está dispuesto a alterarlo demasiado, algo que, por otra parte, tampoco es necesario, ya lo dicen los filósofos del fútbol: "Cuando algo funciona lo mejor es no tocarlo"· M. Ward se siente cómodo con sus conmovedoras baladas y sus virtuosos ejercicios acústicos, pero tampoco le hace ascos a ambientes más animados, tal y como demuestra en temas como "Four Hours in Washington" o "Big Boat", donde parece disfrazarse de Tom Waits, además le encanta divertirse y adaptar temas clásicos a su peculiar visión de la música; si en la introducción de este "Transistor Radio" probaba suerte con una versión de The Beach Boys, para cerrar el disco elige ni más ni menos que a Bach. El resultado final es sobresaliente, M. Ward consigue un disco diferente, con un delicioso sabor retro que en ningún momento resulta impostado, y con un buen número de canciones capaces de evocar una nostalgia que nos hace sentir curiosamente confortables.

El último trabajo hasta la fecha de M. Ward es "Post-War" (2006), un disco crítico con la guerra y la posterior ocupación estadounidense de Iraq. El cantautor dice haberse inspirado en la música de los años 40's y 50's, la banda sonora de la postguerra, a la hora de componer este disco, la idea es recuperar el papel que los escritores, músicos, y artistas en general, han tenido (o deberían tener) a lo largo de la historia como fuente de opinión y motor de cambio de la sociedad. Además de ello, M. Ward ha colaborado con numerosos artistas, algunos de ellos tan relevantes como Norah Jones, Neko Case, Cat Power, Beth Orton, Jim James o Vic Chesnutt. También ha puesto en marcha un grupo paralelo a su carrera en solitario, se trata de She & Him, proyecto que comparte con la actriz y cantante Zooey Deschanel, y que ha editado este mismo año su primer trabajo, "Volume One", producido por el propio M. Ward. Pero no sólo eso, además este músico ha demostrado estar especialmente concienciado con los movimientos políticos más progresistas de su país, ya en 2004 formó parte del tour "Vote for Change" en el que junto a artistas como R. E. M. o Bruce Springsteen pedía el voto a favor de John Kerry para de ese modo evitar un segundo mandato de George W. Bush. Aquella vez no fue posible, pero M. Ward no ha desesperado y en esta última campaña ha participado en conciertos de apoyo a Barack Obama. A expensas de lo que ocurra en las votaciones del Imperio que domina el mundo, los simples mortales seguiremos esperando el siguiente album de M. Ward, que según se comenta ya está terminado y tiene incluso título, "Hold Time", la fecha de salida en principio será en enero de 2009.

Esta vez os dejo un montón de regalos, en primer lugar los enlaces: un enlace a la página web oficial de M. Ward, un atajo que os conducirá al myspace del artista, un link a una entrevista y un último enlace a una página donde enontraréis una biografía y una discografía completa y comentada de M. Ward, eso sí, en inglés. Por supuesto hay vídeo, pero he de admitir que aquí he tenido verdaderos problemas porque no sabía cuál de todos insertar, al final me he decidido por el oficial, el videoclip de "Chinese Translation", un tema de "Post War". Pero más abajo os he dejado dos enlaces a sendos vídeos que os recomiendo encarecidamente, el primero de ellos os mostrará a M. Ward en el backstage de uno de sus conciertos (concretamente el ofrecido en el Chicago's Park West el 26 de enero de 2007), allí, en un momento de intimidad, se arranca con dos temazos instrumentales que os pondrán la piel de gallina y que demuestran que este hombre es un verdadero virtuoso de la guitarra. Y en cuanto al segundo vídeo recoge varios fragmentos de una actuación de M. Ward y Jim James en una iglesia (concretamente St. David's Church), os lo recomiendo porque la interpretación que hace M. Ward del primer tema es alucinante, se trata de la canción "Rollercoaster", incluída en "Post War", también es muy buena la actuación de Ward en compañía de Jim James (componente de My Morning Jacket), ambos interpretan "Chinese Translation", pero lo malo de este vídeo es que de repente se corta el dúo de Ward y James para mostrar a este último cantando en solitario y con un sonido más que deficiente, una pena. En fin, espero que disfrutéis con este disco y que llenéis este post de comentarios, que últimamente me tenéis un poco olvidado, seguro que con un disco de esta calidad despertáis masivamente. Espero que os guste.


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ENTREVISTA A M. WARD EN MONDOSONORO

BIOGRAFÍA Y DISCOGRAFÍA COMENTADA DE M. WARD EN MUSIC EMISSIONS



VÍDEO DE M. WARD EN EL BACKSTAGE DEL CHICAGO'S PARK WEST

VÍDEO DE M. WARD Y JIM JAMES EN ST. DAVID'S CHURCH


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